Un día como hoy 19 de abril
El 19 de abril es el 109.º (centésimo noveno) día del año en el calendario gregoriano y el 110.º en los años bisiestos. Quedan 256 días para finalizar el año.
2021:
Muere Jim Steinman,
James Richard "Jim" Steinman (Nueva York, 1 de noviembre de 1947-19 de abril de 2021)1 fue un compositor, productor y cantautor estadounidense.
Carrera[editar]
Empezó su carrera en el teatro; su trabajo más notable fue con las letras del musical Whistle Down the Wind y Tanz der Vampire. Su trabajo se ha visto reconocido con dos Premios Grammy en 1997.2
También ha trabajado como arreglista, pianista y cantante. Su trabajo ha incluido canciones en el adulto contemporáneo, rock and roll, dance, pop, teatro musical y géneros puntuación película. Comenzó su carrera en el teatro musical, más notable el trabajo de Steinman en la zona incluye la letra para Cuando el viento silba y música para Tanz der Vampire. (Dance of the Vampires).
Compuso éxitos musicales como Rock and Roll Dreams Come Through (versionada inicialmente por él mismo y posteriormente por Meat Loaf), Total Eclipse of the Heart (popularizado por Bonnie Tyler), Making Love (Out of Nothing at All) de Air Supply, I’d Do Anything for Love (but I won't Do That) de Meat Loaf e It's all Coming Back to me Now de Celine Dion, entre otros.
2012:
Muere Greg Ham, músico estadounidense, de la banda Men at Work (n. 1953).
Greg Ham (Melbourne, Australia, Victoria el 27 de septiembre de 1953 - Melbourne, Australia, 19 de abril de 2012),
fue un actor, compositor y saxofonista australiano, integrante del grupo de
rock Men at Work entre 1979 y 2012.
Biografía[editar]
Ham se
incorporó a Men At Work en 1979 en
sustitución de Greg
Sneddon y tocaba la flauta traversa, el saxofón y el teclado. La banda de
rock alcanzó el éxito nacional en 1981 con
el sencillo «Who Can It Be Now?» y ganó el reconocimiento internacional al año
siguiente con el álbum «Business as Usual»,
que incluía el tema primero y fue número uno de las listas de Australia, Estados Unidos y Reino Unido.
«Down Under» fue otro gran éxito de la banda en 1982.
Un tribunal australiano dictaminó en 2010 que
la parte de flauta traversa que tocaba Greg Ham era un plagio de una
composición de 1935 de Marion
Sinclair llamada "Kookaburra".
La decisión
judicial dejó a Greg Ham destrozado porque, según explicó en su día, a partir
de ese momento la melodía sería recordada como un plagio.
El 19 de abril de 2012, fue hallado muerto por un
grupo de amigos en su casa de un suburbio de Melbourne a la edad de 58 años.12
https://www.youtube.com/watch?v=XfR9iY5y94s
2009:
Muere J. G. Ballard, escritor y guionista británico (n. 1930).
James Graham Ballard (Shanghái, 15 de noviembre de 1930 - Londres, 19 de abril de 2009)
fue un escritor inglés de ciencia ficción.
Un gran número de sus escritos describen distopías.1
Índice
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·
1Vida
·
2Obra
o 3.3Otros
Vida[editar]
J. G. Ballard
nace en Shanghái (China)
en 1930 de padres ingleses. Durante la Segunda Guerra Mundial fue
encerrado junto con su familia en un campo de concentración japonés,
experiencia que relataría en su obra El imperio del sol,2propuesta para el Booker Prize, ganadora
del Guardian Fiction Prize y
que más tarde llevaría al cine Steven Spielbergen la película homónima.
En 1946 su
familia se traslada a Gran Bretaña e inicia estudios de medicina en
la Universidad de Cambridge,
aunque no los completará. A continuación, trabaja como redactor en un periódico
técnico y como portero del Covent Garden, antes de incorporarse a la RAF en Canadá, como piloto. Una vez licenciado, trabaja
durante seis años como adjunto a la dirección de una revista científica, para
pasar más tarde a dedicarse por completo a la literatura.
Falleció
el 19 de abril de 2009,
víctima de un cáncer de próstata.1
Obra[editar]
Sus primeros
cuentos datan de 1956 y en los años 60 se convierte en uno de los autores de
referencia de la llamada nueva ola de
la ciencia ficción inglesa.
Su literatura desarrolla la problemática del siglo XX, ya sean las catástrofes medioambientales o
el efecto en el hombre de la evolución tecnológica.
En su primera
novela, El mundo sumergido (1962),
imagina las consecuencias de un calentamiento global que provoca que los
casquetes polares se derritan, una de las primeras obras de clima ficción.3 Le siguieron El viento de ninguna
parte (1962), La sequía (1965)
y El mundo de cristal (1966),
ambientada en un área boscosa de África occidental que
está, literalmente, cristalizándose.
En 1973 publicó Crash,
una meditación turbadora y explícita sobre la relación entre el deseo sexual y
los coches, y que provocó un tenso debate sobre los límites de la censura
contra la «obscenidad» cuando David Cronenberg la adaptó al cine en 1996.
La película Crash estuvo
a punto de no poder ser estrenada en Inglaterra.[cita requerida] Tras Crash llegaron La isla de cemento (1974), Rascacielos (1975), Compañía
de sueños ilimitada (1979) y Hola América (1981).
En 1984 Ballard
llegó a un público mucho más amplio con la obra autobiográfica El
imperio del sol, la historia de un niño en tiempos de guerra, que luego
continuó en La bondad de las mujeres (1991). El
día de la creación, otra novela situada en África, se publicó en 1987 y Furia
Feroz en 1988.
Sus
siguientes novelas fueron Fuga al paraíso (1994),
un relato apocalíptico que transcurre en un atolón del Pacífico, Noches de cocaína (1996)
y Super-Cannes (2000), ambas reelaboraciones de
la novela negra clásica
en una decadente Costa del Sol, la primera, y en la Riviera, la segunda.
Ballard fue también un autor de relatos muy prolífico y, en 1996, apareció su
colección de ensayos y reseñas Guía del milenio para el usuario
Reginald Rose (Manhattan, 10 de diciembre de 1920- 19 de abril de 2002) fue un escritor y guionista de TV y cine estadounidense.
Biografía[editar]
Rose nació en uno de los distritos metropolitanos de Nueva York. Cursó estudios en Townsend High School y asistió un breve tiempo al City College (ahora parte de la Universidad de Nueva York). Entre 1942 y 1946 sirvió en el ejército, donde alcanzó el grado de primer teniente.
Tomó relevancia en su actividad de escritura de guiones para la televisión en la década de los 50 del siglo xx. En su trabajo tienen gran importancia las cuestiones sociales y políticas controvertidas, las cuales plantea de manera clara y directa. Su enfoque fue fundamental para el desarrollo de la escuela dramática para la televisión. Una de las obras más conocidas y que mayor influencia tuvieron en televisión, cine y teatro, con muchísimas versiones, es Twelve Angry Men, conocida en castellano como Doce hombres sin piedad o Doce hombres en pugna, donde expone la complejidad de las personas al rechazar sus sentimientos para poder ser objetivos.
Se casó con Barbara Langbart en 1943, matrimonio del que tuvo cuatro hijos. En 1963 contrajo matrimonio con Ellen McLaughlin, con quien tuvo dos hijos. Murió debido a complicaciones cardíacas.
Su obra[editar]
Para televisión[editar]
En la década de los 50 del siglo xx hizo guiones para televisión. Participó en el programa de la CBS Studio One, donde ya en 1950 se produjo su primer trabajo, Autobús a ninguna parte. Sería para ese programa cuando escribirá Twelve Angry Men, que se realizó el 20 de septiembre de 1954. Un año después él mismo haría la versión para teatro y, en 1957, Sidney Lumet dirigiría la versión cinematográfica.
Rose recuerda cómo surgió la obra:
Fue un entorno impresionante y solemne en una gran sala con paneles de madera y un juez de cabello plateado. Me llamaron diciéndome que estaba abrumado. Yo estaba allí en un jurado para juzgar un caso de homicidio involuntario, y llegamos a una fenomenal y furiosa discusión. Ocho horas en la sala del jurado, estaba escribiendo un drama de una hora de duración para Studio One . Entonces pensé : vaya, lo que es el escenario de un drama.1
Este trabajo le valió un premio Emmy y una nominación a los Óscar por la versión cinematográfica.
Entre 1950 y 1980 escribió para las tres principales cadenas de televisión de Estados Unidos. En 1961 escribió la serie de TV Los defensores, con la que obtendría dos premios Emmy.
En 1963 realizó el capítulo correspondiente a Horacio Ford para la serie Twilight Zone, en el que exponía cómo el pasado siempre es glorificado debido a la represión y la autocensura de los aspectos negativos: si recordamos los buenos tiempos se nos olvidan los malos. La adaptación para televisión había aparecido en un episodio de Studio one de 1955. El episodio se emitió el 18 de abril de 1963 en la CBS y fue el episodio 15º de la cuarta temporada.
Cine[editar]
En 1956 escribió el guion cinematográfico Crime in the Streets, sobre la violencia juvenil. Fue dirigida por Don Siegel y estaba basada en un trabajo anterior que había hecho Rose para TV. De la misma forma participó en 1957 en 12 Angry Men, versión cinematográfica de su episodio para Studio One.
Con el productor británico Euan Lloyd trabajó en cuatro películas:
- Los gansos salvajes (The wild geese, 1978)
- Los lobos de mar (The sea wolves, 1980)
- Quien se atreve triunfa (Who dare wins, 1982)
- Wild Geese II, 1985
Algunos otros títulos[editar]
- The Porcelain Year, 1950.
- Twelve Angry Men, (Doce hombres sin piedad / Doce hombres en pugna), 1954.
- Black Monday, 1962.
- Dear Friends, 1968.
- This Agony, This Triumph, 1972.
1998:
Muere Octavio Paz, escritor mexicano, premio nobel de
literatura en 1990 (n. 1914).
Octavio Irineo Paz Lozano2 (Ciudad de México, 31 de marzo de 1914-Ib., 19 de abril de 1998)
fue un poeta, ensayista y diplomático mexicano, premio
nobel de literatura en 1990. Se le considera uno de los más
influyentes escritores del siglo XX y
uno de los grandes poetas hispanos de todos los tiempos.3
Índice
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·
3Obras
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Octavio Paz
nació el 31 de marzo de 1914, durante la Revolución mexicana.
Apenas unos meses después, al unirse su padre al movimiento zapatista junto
con Antonio Díaz Soto y Gama,
su madre lo llevó a vivir a la casa del abuelo paterno, Ireneo Paz, en Mixcoac, entonces un poblado cercano a la Ciudad de México.
Ahí radicaron hasta que Octavio Paz Solórzano tuvo que asilarse en Los Ángeles con la representación de Emiliano Zapata ante los Estados Unidos, cargo
que mantuvo hasta 1919, año del asesinato de Zapata.
En ese tiempo
lo cuidaron su madre Josefina Lozano, su tía Amalia Paz Solórzano y su abuelo
paterno, Ireneo Paz(1836-1924),
un soldado retirado de las fuerzas de Porfirio Díaz, intelectual liberal y novelista. Su
padre, Octavio Paz Solórzano (1883-1935), el menor de siete hermanos, trabajó
como escribano y abogado para Emiliano Zapata; estuvo involucrado en la reforma
agraria que siguió a la Revolución, fue diputado y colaboró activamente en
el movimiento vasconcelista.456 Todas estas actividades provocaron que el
padre se ausentara de casa durante largos periodos.
1989:
Muere Daphne du Maurier,
escritora británica (n. 1907).
Daphne du Maurier, DBE (13 de mayo de 1907 - 19 de abril de 1989),
nieta del escritor y dibujante George du Maurier, fue una escritora británica
famosa por novelas como Rebeca, publicada en 1938, y Mi Prima
Raquel, ambas llevadas al cine. Las películas Jamaica Inn y Los pájaros de Alfred Hitchcock también se basaron en
relatos suyos.
1989:
https://www.youtube.com/watch?v=79fzeNUqQbQ
De hecho, la crítica lo consideró un punto de inflexión en su
trayectoria, donde la ambición rubia dejaba de lado su época de sex-symbol. El
disco incluía temas como el que le dio título, y otros como Cherish, Express
yourself o Dear Jessie. Tras un año y medio sin lanzar nada nuevo al mercado y
a pesar de levantar las iras del Vaticano por su temática religiosa, el primer
sencillo de este trabajo, Like a prayer, se alzó hasta los puestos más altos de
las listas.
1986:
https://www.youtube.com/watch?v=H9tEvfIsDyo
https://www.youtube.com/watch?v=SsmVgoXDq2w
Prince se convierte en uno de los pocos cantantes que logra
tener, simultáneamente, dos de sus temas en lo alto de la lista de éxitos. Las
canciones fueron “Kiss” (Prince and the Revolution) y “Maniac Monday”
(Bangles).
1970:
Nace Luis Miguel, cantante mexicano.
Luis Miguel Gallego Basteri (San Juan, 19 de abril de 1970)
es un cantante y productor musical mexicano nacido en Puerto Rico y considerado como uno de los
artistas más populares en la historia de América Latina.2 Ha interpretado con éxito música pop, funk, villancicos, jazz, big band, bolero, mariachi, tangos y baladas románticas.
Ha ganado cinco premios Grammy y cuatro
premios Grammy Latinos,3 entre otros. Es uno de los cantantes
latinos más reconocidos por la academia estadounidense de la grabación y el más
joven en obtener el premio, a los quince años de edad, por un dueto con
la cantante escocesa Sheena Easton en
el tema «Me gustas tal como eres».4 Ha vendido más de 100 millones de
discos en su carrera.3
Índice
[ocultar]
·
3Premios
·
4Giras
·
6Notas
Trayectoria
Primeros éxitos
Luis Miguel nació en Puerto Rico, el 19 de abril de 1970, siendo
hijo del cantautor español Luisito Rey y
la italiana Marcela
Basteri (actriz), radicados en México.56 Es el mayor de los tres hijos del
matrimonio, y sus hermanos son Alejandro y Sergio.5 Debido a la profesión de su padre, su
familia decidió radicar en México, y posteriormente retornaría a sus
residenciales, que están en Madrid, España. Desde su niñez se crio en México,
donde estudió hasta quinto grado en la escuela, pues debido a su incursión en
los medios artísticos siguió su educación con profesores particulares.7
Su padre, cuya carrera declinaba, decidió dedicarse de lleno a
su hijo para su futura carrera, y lo acompañó con la guitarra, buscando que
debutara en televisión, para firmar
luego un contrato discográfico. Luis Miguel debutó exitosamente como cantante
en la boda de la hija del entonces presidente de México, José López Portillo,
en 1981,8 gracias al apoyo del entonces jefe de
la policía de la Ciudad de México, Arturo Durazo Moreno,
alias El Negro Durazo.9 El éxito en esta actuación fue tan
notorio, que un mes después Luis Rey conversó con ejecutivos de la sede
mexicana de la disquera EMI que le ofrecieron el
deseado contrato discográfico a su hijo en 1982.10
En esta nueva etapa, Luis Miguel pudo grabar su primer álbum en
1982, a los 12 años de edad, titulado 1+1=2 enamorados.11 Luego edita el álbum Directo al corazón.
Este seria el comienzo de su trayectoria artística.
Éxito internacional
Triunfo con música de Hispavox en España
Luis Miguel se volcó por el pop español, y Honorio
Herrero, director de Hispavox, compuso las canciones del tercer y
cuarto álbumes. También se benefició del famoso compositor Luis
Gómez Escolar, del sello español. Se generó un escándalo y se tuvo
que cambiar la letra de la canción Decídete, pues quedó censurada
considerando la edad del cantante, pero el álbum siguiente, Palabra de honor,
de 1984, con la balada famosa que le da el nombre
al disco, resultó todo un éxito y contó con un tema de Juan Carlos Calderón (quien
más adelante sería su productor), el que hizo a dúo con Sheena Easton.
En 1985, Luis Miguel ganó su primer premio Grammy con el tema «Me
gustas tal como eres», a dúo con la cantante escocesa Sheena Easton, incluido por ella en su único
álbum en idioma español Todo me recuerda a ti,
producido por Juan Carlos Calderón,
y fue el cantante latino más joven en recibirlo. Su actuación conjunta con
Sheena Easton, en el Festival de Viña del Mar (Chile)
de ese año, le hizo ganar su primer premio en el exterior: la Antorcha
de Plata. El segundo lo obtuvo como participante del Festival
de la Canción de San Remo (Italia), con el tema «Noi
ragazzi di oggi» («Los
muchachos de hoy»). Además de la mencionada producción, se sumaron
tres más a sus primeros años de trayectoria: «Decídete», «Palabra de honor»
y «La
chica del bikini azul». Más adelante grabaría el mencionado tema en
su única producción en idioma italiano, titulada Collezione Privata (1985).
En 1986, hizo su segunda presentación en el Festival de Viña del Mar, donde obtuvo por
segunda vez la Antorcha de Plata.
1966:
Muere Javier
Solís, cantante mexicano (n. 1931).
Gabriel Siria Levario, más conocido como Javier Solís (Ciudad de México,12 1 de septiembre de 1931-Ciudad
de México, 19 de abril de 1966),
fue un cantante y actor mexicano, conocido también como El Rey
del Bolero Ranchero.
Índice
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Biografía[editar]
Sobre su lugar de nacimiento[editar]
Notoriedad y extraña consideración tuvo Javier Solis al hablar
constantemente de la localidad de Nogales, en el estado de Sonora: se rumoró por mucho tiempo que fue
allí donde nació, y que se trasladó luego a la ciudad de México. Parte de la
versión es cierta: un tío de Javier fue de aquella localidad. Sin embargo, no
hay fuentes que acrediten a Solis como sonorense, excepto la biografía
publicada por la disquera CBS Columbia, que publicó su origen norteño en
un LP.3 Así pues, no hay fuentes fidedignas
que confirmen su origen sonorense, excepto la
fuente oficial: el acta de defunción gubernamental del registro civil, donde se
confirmó que era capitalino.4
Infancia y adolescencia[editar]
Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por
Francisco Siria Mora, de oficio panadero, y Juana Levario Plata, comerciante,
quienes lo bautizaron como Gabriel Siria Levario. Su madre poseía un puesto de
venta en un mercado público y, debido al abandono por su esposo y al tiempo que
le demandaba su trabajo, decidió en abril de 1932 dejar
a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez.
De hecho, el futuro artista siempre consideró a estos sus verdaderos padres.
Fue bautizado en el Sagrario
Metropolitano de la capital mexicana.5
Logró estudiar hasta el 5º grado de educación primaria en
escuelas ubicadas en el barrio de Tacubaya, donde nació y creció.
En las escuelas de Tacubaya comenzaron a desarrollarse sus
inquietudes artísticas, pues solía participar como cantante en los festivales
escolares. Sin embargo, dejó de asistir a la escuela para ayudar en los gastos
domésticos y a trabajar como recolector de huesos y vidrios. Luego trabajó
trasladando mercancías en un automercado. En noviembre de 1939 falleció su
madre adoptiva; el futuro cantante debió sobreponerse y continuó trabajando en
oficios tales como panadero, carnicero, cargador de canastas en el mercado y
lavador de automóviles. Luego se interesaría por el deporte, y llegó a ser gran
aficionado al boxeo, al béisbol, al futbol y a la lucha libre, teniendo una gran amistad
con El Santo, el enmascarado de plata.
Sin embargo, siguió interesado en cantar: comenzó a presentarse,
como intérprete de tangos, en lugares públicos de espectáculos conocidos
como carpa. Su primera oportunidad se la ofreció
Manuel Garay, payaso de profesión y administrador del Teatro Salón Obrero. Ahí
se puso como nombre artístico Javier Luquín y participaba en
concursos de aficionados, y llegó a ganar en más de una ocasión un par de
zapatos donados por una zapatería del lugar. Continuó trabajando en carnicerías, y el propietario de una de ellas,
David Lara Ríos, al descubrir las habilidades del joven intérprete, decidió
pagarle clases de canto con el maestro Noé
Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes
reconocidos para la época.
Inicios artísticos[editar]
Javier Solís comenzó una nueva etapa actuando en restaurantes y
como parte primero del Dúo Guadalajara y luego del Trío Flamingo, llamado
después Trío México, con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes.6 "La vocación artística se inició
por hambre",6 comentó. A principios de 1948 aún
trabajaba como carnicero en una carnicería llamada "La Providencia"
de la Colonia Condesa6 y se inició como intérprete solista
de música ranchera:
cantaba en las noches con grupos de mariachis en la Plaza Garibaldi y en la calle Honduras,
en la capital mexicana. Después cantó en los restaurantes El Tenampa y el
Guadalajara de Noche, donde se hacía acompañar del Mariachi América de Alfredo
Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que
recibía. Ese mismo año, por primera vez participó en un concurso radial, sin
usar su seudónimo. Al finalizar el año, mientras cantaba en la Plaza Garibaldi
el general Rafael Ávila Camacho lo
contrató junto al mariachi Metepec por un año para actuar en Atlixco, en el estado de Puebla. Fue su primera gira como Javier
Luquín. Al finalizar la gira, lo contrataron en un cabaret como cantante y animador, frente
a un público diverso. Estudió canto aproximadamente un año con el maestro
Miguel Quintero.6
Hacia 1950 grabó sus primeras creaciones: Punto negro,Tómate
esa copa, Virgen de barro y Te voy a dar mi
corazón, producidas, con el Trío Los Galantes, en un pequeño estudio de
grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine Cinelandia de la Ciudad de México. El
cantante hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus
amistades y las entregó como tarjeta de presentación ante Discos Columbia de
México (hoy filial mexicana de Sony Music), la que lo contrató en enero de
1956. Esta empresa discográfica incluiría las dos últimas en el LP Homenaje
a Javier Solís, editado en 1990, y Punto negro aparecería
en el triple LP 36 Éxitos de Javier Solís, que se distribuyó en el
mercado en 1969.
Carrera profesional[editar]
A principios de 1955 fue contratado para cantar en el Bar
Azteca, donde permaneció por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de
su amigo Manuel Garay, cambiaría su seudónimo por Javier Solís, con el cual
lograría la fama artística. A mediados de ese mismo año lo escuchó cantar en el
local Julito Rodríguez,
en ese entonces guitarrista y
primera voz del Trío Los Panchos,
quien lo recomendó para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director
artístico de Discos Columbia de México. Gabriel Siria, ahora convertido en
Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para
grabar su primer sencillo a fines de 1955. Se incluyeron los temas Qué
te importa y Por qué negar. El sencillo obtuvo éxito en el
interior de México y, gracias a ello, fue contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte
de este trato, Javier Solís entregó la cinta que contenía los temas antes
mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los
temas, años después de su fallecimiento, como ya se ha dicho.
Un hecho inesperado retrasó el lanzamiento de su primer álbum.
El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís,
subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito
Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete.
Solís continuó haciendo presentaciones en el Bar Azteca y
también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer disco
de platino por las altas ventas de su primer sencillo, el
día 5 de septiembre de 1957.
Como consecuencia, grabó su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo
a los temas de su disco sencillo 6 canciones más. Fue en esta época en que
iniciaron las interrogantes en torno a su vida privada, pues en el prefacio de
este LP se aseguró que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora,
lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su
consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás(que
formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Felipe Valdés Leal
logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador de Pedro Infante. En
lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años,
grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la
historia en México.
A pesar de su modesta estatura (1.63 m) y la corta duración de
su carrera (10 años) logró forjar una carrera cinemaográfica participando en 33
películas.
En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados
Unidos, la disquera preparó un álbum de valses de origen mexicano en el cual el
acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada
por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del
músico Fernando
Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís con banda,
fue grabado en los estudios de Columbia Records en Nueva York, en uno de los primeros trabajos
de grabación multipista llevados
a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron
a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. Sin embargo,
varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera tomó la
pista de voz de esta grabación y sustituyó el acompañamiento de banda con el
del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se
denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se
titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a
cabo con la voz de Javier Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos
fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las
técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación
posterior.
Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos,
emprendió un proyecto muy diferente pues grabó boleros con acompañamiento de
orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico
estadounidense Chuck
Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva
York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel
de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco
tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante
como artista del género ranchero.
En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: Fantasía
española y Trópico, con canciones del compositor Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus
mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva
era para la música de mariachi dejando
atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las
adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el
interés del público por la música ranchera.
Al iniciarse el año de 1966, Solís emprendió un nuevo proyecto discográfico
grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores
puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores.
Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, sólo alcanzó a poner la voz a
seis de las ocho pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su
otro álbum Javier Solís Con Orquesta.
Enfermedad y fallecimiento[editar]
Por consejo médico, el 12 de abril de 1966,
Solís fue hospitalizado en el hospital Santa Elena en la colonia Roma de la Ciudad de México para
operarse de la vesícula biliar. De acuerdo a su acta de defunción falleció a
las 5:45 a.m. del 19 de abril de 1966 por fallo cardíaco a consecuencia de
desquilibrio electrolítico producido por la colecistectomía.7 Sin embargo, hasta el momento, se han
recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se
tenga por válida ninguna de ellas.
El 20 de abril, en
medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores
del Panteón Jardín de
la Ciudad de México, donde han permanecido sus restos desde entonces. Poco
después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a
las pistas de estas interpretaciones recitados escritos por el actor Ángel
Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo
Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael
Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas que años después fue
digitalizado. Ese mismo día en varias estaciones de radio del país se entonaron
sus mejores temas como Amigo organillero, Sombras, Las
rejas no matan y En mi viejo San Juan a manera de
homenaje, en la XEW estación a la que se atribuye haber
sido la primera emisora en revelar alrededor de las 7:00 horas el deceso del
cantante causando gran conmoción en la población y de sus seguidores.
1963:
Muere Jorge Luque Lobos, compositor y
letrista argentino, autor del tango "Mis harapos".
Se inició en La Nación y prosiguió en La
Razón que lo envió a Europa en 1914 como corresponsal de guerra. También
trabajó para El Diario y Noticias Gráficas y colaboró en La Novela Semanal,
Caras y Caretas, El Suplemento, Sintonía y El Hogar.
En 1920 radicóse en Neuquén para dirigir el diario epónimo y más tarde volvió a viajar por Europa llevado por su profesión.
Publicó los libros: La Leonesa, el primero y lo hizo en 1923; El hombre nuevo; Gigantes y cabezudos, en éste reunió crónicas de entrevistas que tuvo por Europa en 1928.
Como autor teatral debutó con la pieza Mala sombra, estrenada en el Teatro Sarmiento el 7 de octubre de 1924; otras que estrenó, algunas escritas con Julio Traversa, son Vida que pasa, Pasionaria, El Taita de Triunvirato, La luz del cabaret.
Para la radiotelefonía dirigió por Radio Excelsior, la Hora Geniol en 1930.
A la canción popular ingresó en 1918 como autor, al escribir los versos de la célebre canción “Mis harapos” que erróneamente se adjudica al dramaturgo y poeta combativo Alberto Ghiraldo. A pesar de las numerosas aclaraciones al respecto se insiste en el error; publicóse por primera vez en Fray Mocho del 6 de agosto de 1918 con el título de “Dejáme con mis harapos”.
Para ser cantados en los escenarios, en distintas obras, escribió las letras de varios tangos de los cuales “El curdela”, “La cuyanita”, ambos con músicas de Juan Maglio (Pacho) y “La mascotita”, con la colaboración musical del maestro Félix Scolati Almeyda, los llevó al disco Carlos Gardel.
Del inmortal cantor fue amigo, pero no de esos amigos que aquél solía tener entre los autores, más bien tuvieron la amistad propia que el ambiente artístico les proporcionaba.
A la muerte del Zorzal integró la comisión de homenaje.
Luque Lobos nació en San Luis el 20 de enero de 1895 y falleció en Buenos Aires (barrio de Flores) el 19 de abril de 1963.
En 1920 radicóse en Neuquén para dirigir el diario epónimo y más tarde volvió a viajar por Europa llevado por su profesión.
Publicó los libros: La Leonesa, el primero y lo hizo en 1923; El hombre nuevo; Gigantes y cabezudos, en éste reunió crónicas de entrevistas que tuvo por Europa en 1928.
Como autor teatral debutó con la pieza Mala sombra, estrenada en el Teatro Sarmiento el 7 de octubre de 1924; otras que estrenó, algunas escritas con Julio Traversa, son Vida que pasa, Pasionaria, El Taita de Triunvirato, La luz del cabaret.
Para la radiotelefonía dirigió por Radio Excelsior, la Hora Geniol en 1930.
A la canción popular ingresó en 1918 como autor, al escribir los versos de la célebre canción “Mis harapos” que erróneamente se adjudica al dramaturgo y poeta combativo Alberto Ghiraldo. A pesar de las numerosas aclaraciones al respecto se insiste en el error; publicóse por primera vez en Fray Mocho del 6 de agosto de 1918 con el título de “Dejáme con mis harapos”.
Para ser cantados en los escenarios, en distintas obras, escribió las letras de varios tangos de los cuales “El curdela”, “La cuyanita”, ambos con músicas de Juan Maglio (Pacho) y “La mascotita”, con la colaboración musical del maestro Félix Scolati Almeyda, los llevó al disco Carlos Gardel.
Del inmortal cantor fue amigo, pero no de esos amigos que aquél solía tener entre los autores, más bien tuvieron la amistad propia que el ambiente artístico les proporcionaba.
A la muerte del Zorzal integró la comisión de homenaje.
Luque Lobos nació en San Luis el 20 de enero de 1895 y falleció en Buenos Aires (barrio de Flores) el 19 de abril de 1963.
1962:
Nace Juan Calleros, bajista mexicano, de la banda Maná.
Juan Diego Calleros Ramos (n. 19 de abril de 1962, Guadalajara, México) es un músico mexicano,
actualmente bajista de la banda de rock mexicana Maná. Él junto con Fernando Olvera son los únicos miembros
originales de la banda. En un principio el grupo se llamaba "The Spies of
Green Hat" poco tiempo después lo recortaron a "Green Hat" y
finalizaron cambiando el nombre a su traducción en español, "sombrero
verde". Sus hermanos Ulises y Abraham Calleros fueron el guitarrista y el
baterista respectivamente, Sin embargo, Ulises abandonó el grupo para
convertirse en su representante.1 Debido a los problemas por su escaso
éxito como "sombrero verde" Abraham abandona el grupo
definitivamente. Juan es conocido por ser el más tímido del grupo, rara vez
Juan habla en una entrevista y es el único integrante que no hace coros en la
banda ni participa en la composición de las canciones. Debido a que Juan
siempre ha sido miembro de Maná, desde su inicio ha compartido escenario con
varios artistas.
Índice
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·
3Bajos
o 4.2Maná
Comienzos y sombrero verde[editar]
Juan empezó tocando el bajo a sus 10 años de edad, a los 13 tocaba en un
grupo, luego integró la banda Sombrero Verde en 1978 a
sus 16 años de edad junto con Fher Olvera, sus hermanos Ulises y Abraham
Calleros y Gustavo Orozco,
se convirtió en un miembro permanente y junto con Fernando Olvera son los
únicos miembros originales, en un principio tocaban covers de The Beatles, Led Zeppelin, Rolling Stones, The Police, entre otros. En 1981 publican su
primer álbum, el cual no tuvo éxito, para 1983 publican A tiempo de rock teniendo el mismo
resultado que su álbum previo. Por tal razones se da la salida de sus hermanos,
Ulises, quien sería el representante de la banda y Abraham quien
definitivamente abandono el grupo
Vida personal[editar]
Es el más tímido de la banda lo que lo hace el más enigmático.
Junto a Fher y su hermano Ulises, Juan Calleros formó parte de Sombrero Verde.
Un coequiper sensacional que deja escuchar su bajo en canciones como
"Vivir Sin Aire", "Hechicera" y "Un Perro
Enloquecido" a los que le da un toque rítmico especial y estalla cuando se
presentan en vivo. Su familia la integran su esposa Erika y su hija Paola, 11
hermanos, y sus padres. Su madre se llama Alicia y su padre Julíán. Acostumbra
vestir ropa muy casual.
Bajos[editar]
Juan Calleros siempre ha usado los bajos Fender Jazz Bass, Fender Precision Bass,
también usa bajos como Music Man, Wal de
5 y de 6 cuerdas, Ibanez, Epiphone, Hofner, Gibson Thunderbird, Rickenbacker 4001, bajos Esp Ltd, Jackson
Bass, warwick, bajos Washburn y
entre otros más.
https://www.youtube.com/watch?v=nDOk4CkbAl8
1960:
Nace Ariel Rot, guitarrista, cantante, compositor y productor
musical argentino.
Ariel Eduardo Rotenberg Gutkin (Buenos
Aires, 19 de abril de 1960) es un guitarrista, cantante, compositor y productor musical argentino de rock y blues, residente en
España. Formó parte del grupo Tequila y
más tarde de Los Rodríguez. Desde la separación de este grupo,
emprendió una carrera solista.1
Tiene pareja estable desde
hace más de 20 años y es padre de 2 hijos2
Índice
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Biografía[editar]
Ariel Rot nació en Buenos
Aires el 19 de abril de 1960 y desde
pequeño vivió rodeado de artistas. Su hermana, Cecilia
Roth, es una conocida actriz, y su madre es Dina Rot,
cantante de música sefardí que ha editado numerosos discos.
En 1976 emigró junto
con su familia a España, perseguidos por la dictadura argentina, y ya allí
se juntó con el grupo que un tiempo después pasaría a ser conocido como Tequila,
dedicado a la juventud, con conocidas canciones como "Salta" y
"Rock & Roll en la plaza del pueblo", que lo lanzarían a la fama.
El grupo lo formaban junto a Ariel Alejo
Stivel, Felipe Lipe, Manolo Iglesias y Julián
Infante, que lo acompañaría después en Los
Rodríguez. Entabla una estrecha amistad con Sergio
Makaroff ,que fue compositor en esta época de temas como "El
Ahorcado", "Todo se mueve", "Quiero besarte",
"Mister Jones" y el "Rock del Ascensor", y que es uno de
los letristas fijos en sus discos en solitario.
Tras la disolución del
grupo, en 1983,
comienza una corta carrera en solitario. A esta época pertenecen los
discos Debajo del puente (1984) y Vértigo (1985).
Luego este período y tras
acompañar a Andrés Calamaro en dos de sus álbumes en
solitario, Por mirarte y Nadie sale vivo de aquí, se juntó con
él, Julián Infante y Germán Vilella para formar el
conocido grupo de rock Los
Rodríguez, en el que permaneció gran parte de la década de
90 (entre 1990 a 1996). Esta banda se caracterizó por el uso de ritmos latinos (milonga, rumba, entre otros)
fusionados con el rock.
Mientras los Rodríguez
realizaban su última gira, ya tomada la decisión de disolver el grupo, retomó
su carrera en solitario que sigue hasta hoy en día3. De esta
etapa destacan discos como Hablando solo, Cenizas en el aire, Lo
siento Frank, Ahora piden tu cabeza, Dúos tríos y otras perversiones, Solo
Rot y La Huesuda.
Entre las canciones que Rot
ha compuesto a lo largo de su carrera musical, se pueden destacar "Mucho
mejor", "Me estás atrapando otra vez" para Los
Rodríguez4,
"Vicios caros", "Cenizas en el aire" y "Gustos
sencillos" (dedicada a su hijo) de su etapa en solitario. En ellas
conserva la tendencia a la incorporación de ritmos latinos (por ejemplo la
transformación del rock "Mucho mejor" en un tango), aunque adoptando
un estilo más personal, distinto al modelo difundido por Los Rodríguez.
Entre las colaboraciones de
Ariel Rot con otros artistas se destaca el tema de Extremoduro "Volando
solo" incluido en el disco Deltoya. La
canción "Dulce Chica Tristre"
del disco Neverly Brothers de los
hermanos Guille y Fernando Martín. Los
hermanos Makaroff también han tenido un gran espacio en su producción musical
realizando numerosas letras, en particular Sergio
Makaroff ("Hasta perder la cuenta", entre muchas otras).
En septiembre de 2007 colaboró
junto con Jaime Urrutia en el programa radiofónico La ventana. Así mismo participó junto a la
banda Phantom Club en su concierto en la ciudad de Tui, presentando su
disco Muchas Noches, Buenas Gracias, concretamente en el sencillo
"Puro Funkytown". Acompaña usualmente a otros argentinos en pequeños
conciertos en la capital madrileña, como a Andy
Chango, Marcelo Champanier y Claudio Gabis.
NACIÓ EN JIMBE ALDO GUIBOVICH SALAZAR, QUIEN SERIA LA PRIMERA VOZ DEL LEGENDARIO GRUPO CHIMBOTANO "LOS PASTELES VERDES"
Un día como hoy, en 1953 nace en el distrito de Jimbe, provincia del Santa, Aldo Guibovich Salazar, quien fue vocalista del grupo "Los Pasteles Verdes". El intérprete culminó sus estudios escolares el año 1971 en la GUE "San Pedro" de Chimbote, lugar donde casi todos los integrantes del grupo dieron sus primeros pasos musicales, convirtiéndose en una sensación entre compañeros de colegio y amistades.
Después de numerosas presentaciones menores en fiestas y festivales, en 1973 graban dos temas, "Puertos Queridos" (tropical), interpretado por Germán Laos, y "Angelitos Negros" (canción romántica), interpretado por Aldo Guibovich. Para sorpresa de muchos, la canción "Angelitos Negros, llegó a convertirse en un éxito a nivel nacional.
El grupo para aquel año estuvo integrado por Hugo Acuña Lecca (guitarra), César Acuña (teclados), Aldo Guibovich (voz), Miguel Moreno (bajo), Ernesto Pozo (batería), Raúl Padilla (percusiones) y Germán Laos (cantante tropical)
Al ver el gran impacto que había causado su primer disco "Angelitos Negros", completan lo que sería su primer LP, con temas como "El reloj", "Recuerdos de una noche" y "El presidiario" con los que reafirmaron su triunfo.
Su primer Disco de Oro lo recibieron por las altas ventas obtenidas de "El reloj" del autor mexicano Roberto Cantoral. Su segundo Disco de Oro por el álbum "Recuerdos de una noche" del cantautor chimbotano Fernando Arias Cabello .
Su primer éxito reconocido en México y Estados Unidos fue "Esclavo y amo" del jalisciense José Vaca Flores, que fuera grabado originalmente por Javier Solís, cuyos arreglos en balada moderna les otorgó múltiples premios en su primera gira a México y Estados Unidos en 1976, siendo denominados por las revistas Billboard y Cash Box como "Los románticos de América".
En 1977 graba el tema que les abre las puertas de la fama a nivel mundial: "Hipocresía", logrando permanecer en el primer lugar de los rankings internacionales durante varios meses; fue tal el impacto, que en Argentina desbancó del primer lugar de popularidad a artistas internacionales como los Bee Gees o Julio Iglesias.
"Mi amor imposible" fue el LP que les abrió las puertas del mundo entero, logrando múltiples discos de oro e innumerables premios y reconocimientos tales como el de Billboard, Record World, Notitas Musicales, etc.
Aldo Guibovich fallece a los 64 años de edad, la madrugada del 29 de marzo en México. El intérprete se encontraba delicado de salud producto de un tumor cerebral que lo aquejaba desde hace meses.
La noticia de la muerte de Aldo Guibovich la dio a conocer su esposa Silvia Tenorio a través de su cuenta oficial de Facebook, así como mediante la red social del cantante. Ella informó que "el vocalista falleció a la 1:20 a.m. en México, en el seno de nuestra madre Iglesia Católica"
(Texto: Wikipedia / Foto: Aldo Guibovich)
1945:
Nace Piero, cantante ítalo-argentino.
Piero Antonio Franco de Benedictis3 (Galípoli, 19 de abril de 1945),
conocido como Piero, es un cantautor de rock,
música social y trova nacido en Italia y radicado en
Argentina desde su infancia.4 En su producción artística destaca
la canción social de
protesta.56
Durante años Piero ha recorrido el continente americano, a veces
visita algunos países de Europa y ciudades de Estados Unidos, realizando
recitales. Lo acompaña su banda musical integrada por músicos de la provincia
de Córdoba:
Pichi Pereyra, Diego M Bravo, Gustavo Nazar, Enrique Cacho Aiello y su hijo
Juan de Benedictis.7
Piero se ha sumando a diferentes causas sociales por las
víctimas de la guerra en Colombia,8
contra la Trata de Personas y Hambre Cero a nivel global.9
Índice
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Biografía[editar]
Piero llegó a Argentina en 1948,
a los 3 años de edad.10 Su familia, integrada por Lino, su padre, Ornela,
su madre y su hermana Gabriela, se radicó en la localidad de Banfield, en el sur del Gran Buenos Aires,
hasta 1951, cuando se mudaron a Allén (provincia de Río
Negro) donde su padre pudo seguir adelante con su negocio de radios
y tocadiscos.11 Allí Piero cursó la escuela primaria
y se inició en la música. Pero fue a partir
de su educación como seminarista en Viedma (provincia de Río Negro) y
en Villa Devoto que
se desarrolló tanto su vocación musical como su sensibilidad social. La
influencia de sacerdotes comprometidos con las causas sociales como Alejandro Mayol, Eliseo Morales y Carlos Mugica entre otros tantos, algunos
de ellos seguidores de las ideas del religioso, paleontólogo y filósofo
francés Pierre Teilhard
de Chardin,12 marcaría tanto su desarrollo humano como su
trayectoria musical.
De su primer matrimonio, con Laura Graciela Cambrari, tuvo dos
hijos: Mariano, quien murió a los 40 días de nacer y el músico y actor Juan de
Benedictis (n. 1975), expareja de la actriz Juana Viale y padre de su primogénita.13
Con su segunda esposa, Mariana Schettini, tuvo otros dos hijos:
Fiorella de Benedictis (n. 2003) y Giuliano de Benedictis (n. 2002).
Trayectoria musical (1964-1976)[editar]
Una grabación musical hecha en el Seminario fue enviada por un
padre al Canal 9 de televisión, y fue allí, justamente donde Piero debutó en
varios programas de televisión en 1964, cantando canciones melódicas italianas, como «Giovane,
Giovane». En 1965 grabó los sencillos "El cachivache" y "Rosa,
Rosita" (temas en boga de Roberto
Carlos), y en 1965, "La sombrilla". Por esos mismos años
empezó a realizar presentaciones en vivo en diferentes sitios nocturnos de
Buenos Aires, junto a artistas reconocidos como Leo Dan, Neil Sedaka, Palito Ortega, Maribel
Marcel, Lalo Fransen y Chico Novarro, entre otros.
Piero decidió replantear su carrera musical y retirarse durante
tres años para estudiar música y dedicarse a componer, tratando de encontrar su
propia identidad y un sentido más profundo a sus canciones.
En 1968 conoció al escritor José
Tcherkaski, con quien integraron una fórmula creativa que les
permitió componer buena parte de los grandes éxitos de Piero. Durante casi tres
décadas trabajaron juntos. Sus primeros temas fueron ‘Si vos te vas’ y «Mi viejo», siendo este último el que lo
consagró nacional e internacionalmente.14
Posteriormente vinieron otras grandes composiciones como «No te
vayas por favor» y «Tengo la piel cansada de la tarde». En 1969 Piero obtiene
el Primer Premio en el Tercer Festival de la Canción de Buenos Aires con el
tema «Como somos».
Entre 1970 y 1972 lanza nuevos discos con temas de importante
contenido social y humano, como «Juan Boliche», «Pedro nadie», «Caminando por
Caracas», «Canción a Magdalena» y «Yo vengo», etc..
En 1970 logra el Primer Puesto y los tres Gallos de Oro en
el Festival
Internacional da Canção (FIC) de Río de Janeiro (Brasil) con el polémico
tema «Pedro nadie»,15 compuesto por la dupla creativa Piero/José. Era
la primera vez que Argentina lograba consagrarse en la fase internacional de
este certamen. También fue reconocido con el primer lugar en el Festival de
Split (Yugoslavia), y con otras distinciones en México y en Chile.
En 1972 lanzó el disco "Coplas de mi país" y en 1973
"Para el
pueblo lo que es del pueblo"; propuestas con las que Piero
intentaba dar cuenta de la realidad de su país, marcado por la violencia de Estado,
la persecución política y
las dictaduras militares. Temas como "Que se vayan ellos", "Los
americanos" y "Las cosas que pasan" se convirtieron en himnos de
las luchas sociales.
Entre 1975 y 1976 se incrementaron los hostigamientos contra
Piero; todas las matrices de sus discos fueron quemadas y empezó a ser
prohibido.6 Esta realidad lo obligó a incursionar
en otros géneros musicales y a producir dos discos diferentes. "Folclore a
mi manera" en él rescata las raíces musicales del sur del continente y
rompe con los esquemas musicales vigentes, al fusionar ritmos como el rock y el
tango con el folclore tradicional.
Con el álbum La Sinfonía Inconclusa en la Mar (1976), Piero
retoma las composiciones del sacerdote Alejandro Mayol (1932-2011), incluyendo
un tema de su propia autoría («La Creación») y lanza el que sería el disco más
vendido a lo largo de toda su carrera musical. Los arreglos musicales fueron
hechos por Oscar Cardozo Ocampo y
la primera carátula del álbum fue diseñada por el artista plástico Carlos Nine. Por este álbum, Piero fue
nominado en la edición
número doce de los Premios Grammy Latino (en
2011), en la categoría «mejor álbum de música latina para niños».
Guillermo de Jesús Buitrago Henríquez (Ciénaga, Magdalena; 1 de abril de 1920 - ib. 19 de abril de 1949), conocido como "El jilguero de la Sierra Nevada de Santa Marta", fue un compositor, músico y cantante colombiano. Es además considerado uno de los principales pioneros de la popularización del vallenato. También fue con Bovea uno de los primeros íntérpretes de las canciones de Rafael Escalona.
Biografía[editar]
Era hijo del comerciante marinillo Roberto de Jesús Buitrago y de la cienaguera Teresa Mercedes Henríquez.
Su instrumento musical era la guitarra con la que recorrió el litoral norte de Colombia.
En Santa Marta conoció a un joven peluquero, Julio César Bovea (1934 - 2009), con el cual fundó un dúo y llegaron a ser los primeros intérpretes de las canciones de su contemporáneo Rafael Escalona (1927 - 2009). El dúo duró poco por el fallecimineto de Buitrago, y entonces Bovea fundó el trío "Bovea y sus Vallenatos".1
Buitrago también interpretó canciones de Tobías Enrique Pumarejo, Andrés Paz Barrios y Emiliano Zuleta. Tuvo también, como Rafael Escalona, el honor de ser mencionado por el Nobel de Literatura Gabriel García Márquez en una de sus crónicas de 1983. El escritor dice de él:2
"El primero que puso la música vallenata en el comercio, dando a conocer a muchos compositores, que hoy gozan de mucho renombre."
Juglar de la sabana[editar]
Los años cuarenta vieron nacer en Colombia a las más importante figuras de la música popular colombiana del siglo XX. Guillermo de Jesús Buitrago Henríquez fue el pionero del vallenato en el interior del país.
En 1943, para inaugurar sus estudios de grabación y de prensaje de discos que fueron los primeros del país, el propietario de las emisoras Fuentes de Cartagena, el músico y empresario Antonio Fuentes "Toño" (1907-1985), invitó a Buitrago y sus acompañantes (Ángel Fontanilla, Efraín Torres y Carlos "El Mocho" Rubio) quienes eran muy populares en la costa Atlántica por sus presentaciones en teatros y emisoras locales, para que participaran en la primera grabación hecha totalmente en Colombia. El 12 de marzo de ese año, en la calle de la Universidad, en la ciudad Amurallada, en el tercer piso de la emisora, se grabaron "Las mujeres a mí no me quieren" y "Compae Heliodoro", una canción de Buitrago dedicada a su amigo de toda la vida, Heliodoro Egüis Miranda.
Buitrago en el amor[editar]
"Las muchachas se volvían locas por Buitrago", dice Aurora de Fontanilla, esposa de Ángel Fontanilla, segunda guitarra del conjunto, ya fallecido. "Su porte, cabello rubio y ojos azules, lo hacían muy atractivo. La gente se agolpaba en los radioteatros de las emisoras para verlo cantar". Entre 1943 y febrero de 1949, Buitrago grabó unas cincuenta canciones para discos Fuentes. En algunas de ellas, tales como La gota fría (que Buitrago grabó con el nombre Qué Criterio) y "Grito vagabundo", de Buenaventura Díaz quien sufrió una enfermedad que le destruyó parte de la boca y la nariz (los dientes quedaban expuesto y por eso hizo la canción), fue acompañado por el conjunto Los Trovadores de Barú, que dirigía José Barros. El compositor barranquillero Juancho Esquivel, quien hacía los arreglos musicales de este grupo, aún recuerda (a sus 79 años) la noche en que grabaron "La víspera de año nuevo": " Buitrago se vestía siempre impecable, de blanco. Como la energía fallaba mucho durante el día, tenía sus bajonazos, don Antonio Fuentes prefería siempre grabar de noche. Buitrago me mostró un poema que había compuesto Tobías Enrique Pumarejo a su novia Doris del Castillo Altamar. Le hicimos algunos cambios a la letra y le hice el arreglo musical en ritmo de merengue. Yo mismo toqué el clarinete que suena cuando empieza la canción".
"Buitrago, dice Diaz-Granados, pegó un gran 'hit' musical con el picaresco paseo sobre un episodio de la vida indómita de una muchacha del barrio París, de Ciénaga, de familia muy conocida, llamada Josefa, quien en la temporada de carnaval se ponía el tradicional y encubridor capuchón. Pero a sus hermanos les disgustaba, al extremo de que uno de ellos cuando Josefa llegaba a la finca de cocos, la echaba de la 'coquera', una vez que pisara el 'quitipón', una puerta rústica hecha generalmente de varas de uvito o trupillo. Ahí surgió la canción de "La capuchona"
Pionero de la música popular[editar]
Buitrago fue la primera estrella de la música popular colombiana. También fue una especie de mecenas de muchos compositores sin los que hoy no podría ser concebido el folclore del país. Sacó del anonimato a Rafael Escalona, a Emiliano Zuleta, a Abel Antonio Villa -de quien fue gran amigo-, a Tobías Enrique Pumarejo, a Chema Gómez, a Luis Pitre y a Eulalio Meléndez, el compositor de "La piña madura".
Cierta noche, en la casa de Godofredo Armenta, en Ciénaga, los asistentes observaron que la mayoría de los invitados al baile admiraban el tamaño y hermosura de una piña que había sido colocada en el 'seibó', una especie de mueble de comedor, y que estaban más pendientes de la fruta que de la belleza de las mujeres. A Meléndez se le ocurrió ahí mismo una letra y melodía, que Buitrago modificó cuando grabó "La piña madura".
Muerte[editar]
Una semana antes de morir, el 19 de abril de 1949 (unos dicen que fue envenenado, otros que falleció de cirrosis, algunos más que lo afectó una neumonía extrema) Buitrago le pidió el favor a Abel Antonio Villa para que lo acompañara a comprar una cuna para su hijo recién nacido, Gregorio. Según entrevista que dio Villa al periodista colombiano Bernardo Vasco, en el año 2005: "Ya estaba muy enfermo y fue la última vez que lo vi; éramos compadres". '"En el cuarto donde fue velado su cadáver, rodeado de amigos y demás seres queridos, se encontraba arrinconada y triste su inseparable guitarra de sus amores. Fue muy llorado nuestro cantor"', precisa Díaz-Granados. Buitrago murió muy joven, de 29 años, pero más de sesenta años después de su fallecimiento, es uno de los cantantes que más vende discos en Colombia. Por esas paradojas del destino, el mismo día cuando falleció, llegó de La Habana el propietario de Discos Fuentes. Traía un contrato para que Buitrago cantara e hiciera algunas grabaciones con la Orquesta Casino de la Playa, que dirigía el pianista Anselmo Sacasas.
Al desintegrarse el conjunto de Buitrago, otro músico cienaguero, Julio Bovea, convoca a Fontanilla y al cantante Alberto Fernández Mindiola, todos de su región, para conformar el más famoso conjunto de música costeña: Bovea y sus vallenatos, que se radicó entre 1967 y 1975 en Argentina y popularizó allí los versos de Rafael Escalona.
El mismo año de la muerte de Guillermo Buitrago, Discos Fuentes realiza un concurso radial para encontrar el sucesor con la voz más parecida a la de Buitrago, encontrando en Julio César Sanjuán Escorcia un estilo artístico y una voz que le hizo merecedor del seudónimo de "Buitraguito". Julio César (Buitraguito), quien hiciera parte del trío de Bovea y sus Vallenatos en Argentina y que llevó en alto este género musical por más de 60 años, creando su propia historia, es un icono de la Navidad y un represente del vallenato de cuerda que inmortalizó la música de Buitrago, Bovea y su propia historia en la música.
Discografía[editar]
Sus grabaciones oscilan entre las 100-150 canciones sin embargo solo un aproximado de 60 canciones todavía existen, estas fueron distribuidas en discos de 78 RPM.
1941:
Nace Roberto
Carlos, cantante y compositor brasileño.
Roberto Carlos Braga Moreira (Cachoeiro de
Itapemirim, 19 de abril de 1941),1 conocido como Roberto Carlos,
es un cantautor brasileño, uno de los principales
representantes de la MPB y
uno de los artistas latinos que más discos ha vendido en todo el mundo, más de
125 millones de copias.
Uno de los iconos más populares y reconocidos de la música
brasileña en el mundo, nombrado en Brasil y en el resto de América Latina como «el rey de la música
latina».
Índice
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6VHS
·
7DVD
Primeros años[editar]
Nació en el estado de Espírito Santo, fue descubierto en 1958 por el
compositor y periodista Carlos Imperial. A los seis años de edad, el día de la
fiesta de San Pedro (patrono de Cachoeiro de Itapemirim) fue atropellado por
una locomotora de vapor y la pierna derecha le tuvo que ser amputada un poco
debajo de la rodilla.2 Desde entonces usa una prótesis.
Carrera musical[editar]
Lleva más de 125 millones de discos vendidos en todo el mundo;
récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete de pop latino
en 1989, gracias a la canción Si el amor se va, es el único artista
latinoamericano de los considerados leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con
estrellas mundiales en diversas giras.
Desde los primeros años de la década de 1960, intentó triunfar
sin éxito como cantante de bossa nova (estilo en el que llegó a grabar varias
canciones). Luego acometió la carrera que le conduciría al estrellato, la
escena del pop y rock brasileños a través de los programas
musicales de televisión. Tuvo sucesivos éxitos gracias a su voz suave,
melancólica y romántica. Líder de la «Jovem Guarda» —movimiento musical
influido por la música de The Beatles— Roberto Carlos resumía su estado
de ansiedad en 1965 cantando: Quiero que me calientes este invierno y
que todo lo demás se vaya al infierno. El movimiento se desvaneció, pero
Roberto Carlos se convirtió en el «Rey» del popbrasileño más
convencional. Desde ese instante se le considera el Elvis Presley de Brasil.
Entrados los años setenta, Roberto Carlos se vuelve un cantante
más romántico gracias
al poeta portugués Manuel Morais. Sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar
las emisoras de radio no sólo de Brasil sino de todo el continente y de España. Fue por muchos años el único cantante
latinoamericano que había ganado el Festival
de la Canción de San Remo en Italia; otros como José Feliciano y Luis Miguel participaron también sin
lograr el primer puesto; hasta que en 2008 la cantante argentina Lola Ponce lo consigue junto al italiano
Giò di Tonno, con el tema Colpo di fulmine.
La década de 1970 marcó el final de la «Jovem Guarda» y reforzó
el prestigio de Roberto Carlos como artista romántico en Brasil y en el
extranjero (EE. UU., Europa y América Latina); el artista brasileño que vendía
más discos en el país. Varias de sus canciones fueron grabadas por artistas
como Julio Iglesias, Caravelli y Ray Conniff. En 1970, Roberto hizo una exitosa
serie de conciertos en Canecão; el álbum se lanzó al año y trajo éxitos
como Hannah y Jesucristo, canción que también
marcó su acercamiento a la religión. Al año siguiente, se estrenó Roberto
Carlos, 300 kilómetros por hora, su última película y un gran éxito a
nacional. También en 1971 salió el álbum "Roberto Carlos", disco que
contó con los éxitos Detalles, Amada amante, Todos
son sordos, Por debajo de los rizos de su pelo (homenaje a
Caetano Veloso) y Dos Dos (de C. Veloso). De Roberto
Carlos (1972), resonaron The Mountain y Cuando los
niños dejan las fiestas, y ese fue el primer l.p. en alcanzar el hito de un
millón de copias vendidas. El álbum Roberto Carlos (1973) trajo
los éxitos Rutina y Propuesta. El 24 de diciembre
de 1974, Globo transmitió un especial del cantante, y obtuvo enormes niveles de
audiencia. A partir de ese año, el programa se emitía cada fin de año. En 1975
el gran éxito fue Más allá del horizonte. Al año siguiente, el
cantante grababa un l.p. nuevo en los estudios de CBS en Nueva York; el álbum
presentó las canciones de Ilegal, inmoral o engorda y Los
botones. En 1977 Roberto Carlos grabó Demasiado romántica (Caetano
Veloso) y Ride, lanzó el álbum de Navidad y alcanzó los primeros
lugares en las listas de éxitos. Al año siguiente, lanzó Roberto Carlos
(1978), el álbum con los famosos temas Desayuno, Fuerza
extraña (Caetano Veloso) y Lady Laura, que le dedicó a su
madre. El álbum vendió 1 500 000 copias. Además todos los álbumes
vendieron más de un millón de copias al año.
Los espectáculos favorecieron también a Roberto Carlos: En 1978,
el cantante recorrió el país durante seis meses, siempre lleno de público.
Cuando visitó México en 1979, el Papa Juan Pablo II fue recibido con la
canción Amigo, cantado por un coro de niños. El evento se
transmitió en vivo para cientos de millones de personas en todo el mundo.
Roberto también participó en apoyo del Año Internacional del Niño de la ONU.
En la década de 1980 participó en la campaña del Año
Internacional de las Personas con Discapacidad. En 1981 realizó giras
internacionales y grabó su primer álbum en inglés; los demás serían en español,
italiano y francés. También grabó el disco anual, que incluía éxitos como Emociones, Cama
y Mesa y Ballenas. En 1982 él y Maria Bethania
participaron en el álbum anual, el dúo de Girlfriend. Fue la
primera vez que el cantante invitaba a otros artistas a participar en una
grabación. Roberto Carlos (1982) también tuvo éxito con Animal
herido, una colaboración con Erasmo. En 1984 su canción Los
camioneros se oyó más de tres mil veces en la radio en su país en un
solo día, y el año siguiente Verde y amarillo sonó tres mil
quinientas veces. En 1985 participó en la campaña para ayudar a los niños en
América Latina con "Cantaré, Cantarás"
junto a Julio Iglesias, José Feliciano y Plácido Domingo entre otros. En 1989
ganó el Grammy de la categoría de "Best Latin Pop
Album"(Mejor álbum de pop Latino) y encabezó la lista de la Billboard
Latina. En 1989 tuvo un gran impacto con Amazonas.
Durante la década de 1990, el éxito continuó para Roberto
Carlos, tanto a nivel nacional como internacional: En 1992 grabó su nombre en
el Paseo de la Fama de Miami (Estados Unidos) para artistas latinoamericanos.
En 1994 logró vencer a The Beatles en ventas en América Latina con más de 70
millones de discos. En el mismo año grandes artistas de rock brasileño de la
época como Cassia Eller, Kid Rock y Skank entre otros, grabó el álbum King,
en el que se interpretan los grandes éxitos del cantante. En 1995, dirigido por
Roberto Frejat, grandes nombres del pop-rock brasileño como Cassia Eller, Chico
Science & Zombie, Barón Rojo y Skank honraron a Roberto Carlos con
canciones de la escritura de la «joven guardia». Al año siguiente, Roberto
Carlos anotó otro éxito en colaboración con Erasmo Carlos, Mujer 40,
y grabó junto a Julio Iglesias, Gloria Estefan, Plácido Domingo, Rocío Durcal,
Jon Secada, entre otros, la canción en español Puedes
Llegar, el tema de los Juegos Olímpicos de Atlanta, Estados
Unidos. En 1997, lanzó el disco en español Canciones que me gustan.
Después de un período de reclusión tras la muerte de su esposa
Maria Rita, Roberto Carlos reanudó su carrera con la gira Without Love,
que le abrió puertas en Recife, en noviembre de 2000. En el 2002 el cantante
ofreció un concierto para 200 000 personas en el Parque Flamengo, en Río
de Janeiro.
En 2004 reconoció públicamente que sufría de trastorno
obsesivo-compulsivo, síndrome que le causó a un comportamiento excesivamente
supersticioso y le hizo retirar del repertorio famosas como Desayuno,
más tarde una conferencia de prensa, admitió que podría volver a cantar, y
muestra los resultados del tratamiento.
En 2008, Roberto y Caetano Veloso hicieron juntos un concierto
en homenaje a Antonio Carlos Jobim, que fue grabado en CD y DVD. Participó en
este espectáculo con ellos Jaques Morelenbaum, Daniel Jobim y Wanderléa. En el
momento en que cumplió 50 años de carrera, en 2009, inició una gira para
celebrarlos, cuya primera presentación fue en Itapemirim, su ciudad natal, el
día en que cumplió sus 68 años. En abril, se produjo el espectáculo Cantan
Roberto - Divas, en el Teatro Municipal de Sao Paulo, al que asistieron
grandes empresas brasileños y los cantantes Adriana Evans, Alcione, Ana
Carolina, Claudia Leitte, Daniela Mercury, Fafa de Belem, Fernanda Abreu, Ivete
Sangalo, Possi Luisa, Lima Marina, Mart'nália, Nana Caymmi, Paula Toller, el
Romero, Arena, Wanderléa, Zizi Possi y Hebe Camargo y Marilia Pera. Las
celebraciones por sus 50 años de carrera culminaron con un mega concierto
realizado en el estadio Maracaná,
donde cantó ante 70 000 personas.
En 2010 recibió el premio de la Sony Music en Nueva York por sus 100 millones de
discos.
El 21 de febrero de 2011 el «Rey de la música romántica» se
enfrentó por tercera vez al público del Festival de Viña del Mar 2011 —apodado
«el monstruo» por su gran exigencia— que le revalidó su eterna corona
premiándolo con «Antorcha de Plata», «Antorcha de Oro» y «Gaviota de Plata»,
máximo premio del Festival reservado exclusivamente a los grandes. 34
En noviembre de 2015 fue reconocido como persona del año por
parte de la Academia Latina de la Grabación (Latin Grammy)
Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado
por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes
cantautores de la historia en colaboración con sus amigos Manuel Morais y
Erasmo Carlos. Cada disco suyo contaba con más de un éxito, y según registros,
es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia radial del
continente.
“El cacharrito”, “Jesus Cristo”, “Un millón de amigos”, “Amada
amante”, “Que será de ti”, “Propuesta”, “Canzone per te”, “Un gato en la
oscuridad”, “Detalles”, “El progreso”, “Amigo”, “Lady Laura”, “Desahogo”, “No
te apartes de mi”, “Amantes a la antigua”, “Cama y mesa”, “Emociones”, “Cóncavo
y convexo”, “Símbolo sexual”, “Desde el fondo de mi corazón”, “Apocalipsis”,
“Nuestro amor”, “Piel Canela”, “Si el amor se va”, “Mis amores”, “Si me vas a
olvidar”, “Amor sin límites”, “Negra”, “Mujer pequeña”,"Abre las ventanas
al amor", "Namoradinha de un amigo meu", "Eu daria a minha
vida", etc.
Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil
que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman
más de 250.
Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente
ha estado relacionado. Su madre, Laura Moreira Braga, murió en el hospital Copa
D'Or de Río de Janeiro a
causa de una infección respiratoria. La muerte de su madre vino a engrosar la
lista de duros golpes sufridos por el cantante, quien ya había perdido a otras
mujeres importantes a lo largo de su vida. El cáncer se llevó a su primera mujer, Cleonice
Rossi, en 1990. En diciembre de 1999 también fallecía de cáncer su tercera
esposa, la pedagoga María Rita
Simões Braga, con quien tenía cuatro años de casados. Su historia fue muy
especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron, llegó la enfermedad.
Roberto Carlos dedica cada show al terminar a Maria Rita.
En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga,
hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años.
María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después de que el
artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de
vehículos en São Paulo e
intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre.
Con su primera mujer, Roberto Carlos tuvo tres hijos; uno de
ellos, Segundinho, tuvo serios problemas de visión y debió ser sometido a
tratamiento médico periódico
1932:
Nace Fernando Botero, pintor y escultor colombiano.
(Medellín, 19 de abril de 1932-Mónaco, 15 de septiembre de 2023) fue un pintor, escultor y dibujante figurativo colombiano, domiciliado en Mónaco.123 Obtuvo con su característico estilo maduro, donde representa personajes y figuras con un volumen grande y exagerado, el éxito internacional desde los años 1980, siendo considerado el artista hispanoamericano más reconocido y citado en vida.
Fallecimiento
"La muerte de Pablo Escobar"
1930:
Nace Dick Sargent, actor estadounidense (f. 1994).
Richard Stanford Cox (19 de abril de 1930, Carmel-by-the-Sea, California – 8 de julio de 1994, Los Ángeles, California) fue un actor estadounidense, recordado por su papel como el
segundo Darrin Stephens en
la serie de televisión Bewitched. Tomó su
nombre artístico del ilustrador y artista Richard Sargent.
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·
3Muerte
Trayectoria[editar]
Nacido Richard Stanford Cox en Carmel-by-the-Sea, California, Sargent ya había aparecido en
películas desde su debut como actor en 1956. Cuando Dick York se vio obligado a abandonar la
serie Bewitched en 1969, debido a problemas de salud, Sargent
tomó su papel. En 1964 se le había ofrecido el papel, pero como tenía contrato
con Universal Studios tuvo
que rechazarlo.12 Participó en la serie Daniel Boone
1965, en el capítulo "When I Became a Man, I Put Away Childish
Things" como el reverendo Cooper. (Francisco Rizzo, 31/01/17). Siguió
trabajando en el cine y realizó numerosas presentaciones en diversos programas
de televisión, incluyendo dos episodios de The Dukes of Hazzard como
el sheriff Grady Byrd. En 1983 trabajó en la serie Columbo en un episodio haciendo de él
mismo.
En la década de 1980, se unió a la actriz Sally Struthers como defensor de la
"Christian Children's Fund", que trajo alivio a los niños de países en vías
de desarrollo.
Vida personal[editar]
Llegando al Día para salir
del armario en 1991, Sargent públicamente declaró su homosexualidad y apoyó los derechos gay.3 La alta tasa de suicidio entre jóvenes homosexuales fue
la razón principal, refiriéndose a sí mismo en tono de broma como un
"modelo a seguir retroactivo". Sargent reconoció que su cáncer de
próstata pudo haber llevado gente a asumir que sufría de sida.4 Vivió con su pareja, Albert Williams,
hasta su muerte.5
En junio de 1992, Sargent participó en la marcha del Día del
Orgullo Gay en EE. UU. junto con Elizabeth Montgomery.3
Muerte[editar]
Sargent fue diagnosticado con cáncer de próstata en
1989. Los médicos fueron inicialmente optimistas de que la enfermedad podría
ser tratada; sin embargo, la enfermedad continuó a expandirse y a principios de
1994, se había vuelto gravemente enfermo.6 Sargent murió de la enfermedad el 8
de julio de 1994 en la edad de 64 años.5 Sus restos fueron cremados.
Su ex co-estrella de Hechizada Elizabeth
Montgomery comentó: "Fue un gran amigo, y voy a extrañar su amor, su
sentido del humor y su notable valentía."4 Montgomery murió de cáncer menos de
un año más tarde.3
1925:
Nace Hugh O'Brian, actor estadounidense (f. 2016).
Hugh O'Brian (Rochester, 19 de abril de 1925-Beverly Hills, 5 de septiembre de 2016)1 fue un actor estadounidense.
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·
1Carrera
·
4Enlaces
Carrera[editar]
Comenzó su carrera en 1949 en
la película Kidnapped, en 1950 actúa
en el wéstern The Return of Jesse James con John Ireland y
en 1951 en el clásico de Burt Lancaster, El
valle de la venganza, en 1952 trabaja
en cuatro filmes: The Cimarron Kid, The Battle at Apache
Pass, Red Ball Express y The Raiders, y
con Glenn Ford en The Man from the
Alamo en 1953, en 1954 interpreta
a Mike Devereaux, hijo de Spencer Tracy en la película Broken Lance.
En los 60 aparece
como invitado en televisión en The Dick Powell Show, The Virginian, The Alfred Hitchcock Hour, Perry Mason y Bob Hope Presents the Chrysler Theatre. En 1967 filma
la película de aventuras Africa Texas Style, en 1970 protagoniza
el wéstern televisivo Wild Women dirigido por Don Taylor,
en 1976 actúa en el thriller Killer
Forcejunto a Telly Savalas. En
1975 aparece como invitado en la pelea entre Muhammad Ali y Joe Frazier en Filipinas. A finales de los 70 aparece como
invitado en Historia Policial, Los ángeles de
Charlie y La isla de la
fantasía, y en los 80 en El Crucero del Amor, Matt Houston y Paradise.
En 1990 acompaña a James Arness en el wéstern
televisivo Gunsmoke: The Last Apache, interpretando al general
Nelson Miles.
1919:
Nace Bernardo
Tobón de la Roche, productor colombiano de radio (f. 2011).
Bernardo Tobón de la Roche (Rionegro, Antioquia, 19 de abril de 1919 - Cali, Valle del Cauca, 15 de agosto de 2011)1 fue un productor de radio colombiano,
fundador de la Cadena Todelar de Colombia.2
Es considerado como uno de los pioneros de la radio en Colombia al fundar Todelar Radio en 1953, con su
hermano Jaime,3 formando a importantes periodistas
como Yamid Amat, Hernán Peláez, William Vinasco y Edgar Artunduaga, entre otros.14
En 2011 recibió un reconocimiento por su dedicación toda una
vida a la radio, en los premios de periodismo del Círculo de Periodistas de
Bogotá.5
1906:
Muere Pierre Curie, físico francés, premio nobel de física
en 1903 (n. 1859); atropellado por un camión.
Pierre Curie (París, 15 de mayo de 1859 -
íd. 19 de abril de 1906)
fue un físico francés, pionero en el estudio de la radiactividad y descubridor de la piezoelectricidad, que fue galardonado con
el Premio Nobel
de Física en 1903, junto con su mujer: Marie Curie
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Primeros años[editar]
Su padre era un médico de cabecera establecido en París.1 Durante sus primeros años escolares
fue educado en el hogar familiar
pues su padre pensaba que esta vía era más adecuada para desarrollar sus
capacidades intelectuales y personales.2
A la edad de dieciséis años ya demostraba un profundo interés
por las matemáticas y
tenía especial facilidad en el aprendizaje de la geometría espacial,
lo cual le fue de utilidad en sus estudios sobre cristalografía.3
En 1878, con dieciocho años y tras matricularse con dieciséis
años en la Facultad de Ciencias de la Sorbona, obtuvo su license ès sciences,3 el equivalente a un máster en la
actualidad, sin poder comenzar sus estudios de doctorado por escasez de
recursos económicos y pasando a trabajar en un insuficientemente remunerado
puesto como asistente de laboratorio en la Sorbona.23
1882:
Muere Charles Darwin, científico británico (n. 1809).
Charles Robert
Darwin [
tʃɑrlz 'dɑː.wɪn (?·i)] (Shrewsbury, 12 de febrero de 1809 - Down House, 19 de abril de 1882)
fue un naturalista inglés, reconocido por ser el científico más influyente
(y el primero, compartiendo este logro de forma independiente con Alfred Russel Wallace)
de los que plantearon la idea de la evolución biológica a
través de la selección natural,
justificándola en su obra de 1859 El origen de las
especies con numerosos ejemplos extraídos de la
observación de la naturaleza. Postuló que todas las especies de seres vivos han evolucionado con
el tiempo a partir de un antepasado común mediante
un proceso denominado selección natural.
La evolución fue aceptada como un hecho por la comunidad científica y
por buena parte del público en vida de Darwin, mientras que su teoría de la evolución mediante selección
natural no fue considerada como la explicación primaria del proceso evolutivo
hasta los años 1930.1 Actualmente constituye la base de
la síntesis
evolutiva moderna. Con sus modificaciones, los descubrimientos
científicos de Darwin aún siguen siendo el acta fundacional de la biología como ciencia, puesto que
constituyen una explicación lógica que unifica las observaciones
sobre la diversidad de la vida.2
Con apenas 16 años Darwin ingresó en la Universidad de
Edimburgo, aunque paulatinamente fue dejando de lado sus estudios de medicina para dedicarse a la
investigación de invertebrados marinos.
Durante sus estudios de medicina, asistió dos veces a una sala de operaciones
en el hospital de Edimburgo, y huyó de ambas dejándole una profunda impresión
negativa. «Esto era mucho antes de los benditos días del cloroformo», escribió
en su autobiografía.3 Posteriormente, la Universidad de
Cambridge dio alas a su pasión por las ciencias naturales.4 El segundo viaje del HMS Beagle consolidó su fama
como eminente geólogo, cuyas
observaciones y teorías apoyaban las ideas uniformistas de Charles Lyell, mientras que la publicación
del diario de su viaje lo
hizo célebre como escritor popular. Intrigado por la distribución geográfica de
la vida salvaje y por los fósiles que recolectó en su periplo,
Darwin investigó sobre el hecho de la transmutación
de las especies y concibió su teoría de la selección natural en 1838.5 Aunque discutió sus ideas con algunos
naturalistas, necesitaba tiempo para realizar una investigación exhaustiva, y
sus trabajos geológicos tenían prioridad.6 Se encontraba redactando su teoría
en 1858 cuando Alfred Russel Wallace le
envió un ensayo que describía la misma idea, urgiéndole Darwin a realizar una
publicación conjunta de ambas teorías.7
Su obra fundamental, El origen de las
especies por medio de la selección natural, o la preservación de las razas
preferidas en la lucha por la vida, publicada en 1859,
estableció que la explicación de la diversidad que se observa en la naturaleza
se debe a las modificaciones acumuladas por la evolución a
lo largo de las sucesivas generaciones.1 Trató la evolución humana y
la selección natural en
su obra El origen del hombre y
de la selección en relación al sexo y posteriormente
en La expresión de las emociones en los animales y en el
hombre. También dedicó una serie de publicaciones a sus
investigaciones en botánica, y su última
obra abordó el tema de los vermes terrestres y
sus efectos en la formación del suelo.8 Dos semanas antes de morir publicó un
último y breve trabajo sobre un bivalvodiminuto encontrado en las patas de un
escarabajo de agua de los Midlands ingleses. Dicho ejemplar le fue enviado por
Walter Drawbridge Crick, abuelo paterno de Francis Crick, codescubridor junto a James Dewey Watson de
la estructura molecular del ADN en 1953.9
Como reconocimiento a la excepcionalidad de sus trabajos, fue
uno de los cinco personajes del siglo XIX no pertenecientes a la realeza del Reino
Unido honrado con funerales de Estado,10 siendo sepultado en la Abadía de Westminster,
próximo a John Herschel e Isaac Newton.11
1881:
Muere Benjamin
Disraeli, primer ministro británico (n. 1804).
Benjamín Disraeli KG, FRS, PC (Londres, 21 de diciembre de 1804-Curzon
Street, Londres, 19 de abril de 1881),
conocido también como conde de Beaconsfield o lord
Beaconsfield, fue un político, escritor y aristócrata británico, que ejerció dos veces como primer
ministro del Reino Unido, fue líder de la Muy Leal Oposición de Su Majestad y tres
veces ministro
de Hacienda del Reino Unido.
Fue uno de los más destacados políticos del Reino Unido, perteneciente a la corriente
conservadora de los Tories, de la cual se
convirtió en uno de los más notorios líderes, siendo una de las figuras claves
en la conversión de estos en el Partido
Conservador del Reino Unido, pasando a liderar esta
organización política, extendiendo su
carrera dentro de la Cámara de los Comunes por
casi cuatro décadas.
A lo largo de su carrera política, se consagró por su magnífica
oratoria, en la cual incluía un extraordinario dramatismo, llevándolo a ser
considerado como el Mejor Orador de la Cámara de los Comunes.
Igualmente, otros dos rasgos destacaron en su trayectoria pública, el primero,
su notoria rivalidad con el líder del Partido Liberal , el
también prominente político William Ewart Gladstone, y el segundo su
extraordinaria amistad con la reina del Reino Unido, Victoria I, la cual lo benefició en su
tormentosa relación con Gladstone, pues la monarca demostraría detestar al
mismo tanto como Disraeli.
Como primer ministro del Reino Unido, sus políticas siempre estuvieron
orientadas hacia la consolidación del Imperio británico y
conllevaron una nueva visión del conservadurismo en su país,
materializando numerosas acciones en política exterior, tal como la anexión de
las islas Fiyi, la adquisición de las acciones
sobre el canal de Suez, la
coronación de la reina Victoria, como
la primera emperatriz de la India, así como las guerras coloniales en
Afganistán y Sudáfrica, todas maniobras que lo consagraron como el representante
de una de las políticas internacionales más
agresivas jamás vistas en el Reino Unido, al punto de frenar el Imperialismo ruso y doblegar al Imperio otomano.
Es, también, el único primer ministro en la Historia del Reino
Unido en haber recibido un título nobiliario antes
de culminar su período en ejercicio, así como ostenta el peculiar honor, de ser
la única persona en haber desempeñado dicho cargo, de ascendencia judía, ello a pesar, de que su padre fue
converso al anglicanismo. Además
fue dos veces candidato al Rectorado de la
Universidad de Glasgow, siendo electo en ambas ocasiones, lo que lo
llevó a ejercerlo entre 1871 y 1877,
en simultáneo con la primera magistratura del Reino Unido.
Destacado escritor, Disraeli dejó
un legado de más de una veintena obras, de las cuales, las dos más conocidas
son Vivian Grey (1825-1827) y Sybil (1845),
las cuales, curiosamente, no cumplen con los cánones literarios propios
de la Era Victoriana y
que tampoco tienden a ser considerados como «obras maestras de la literatura»,
pero que sí gozaron de un tremendo éxito en su época, lo que lo convirtió en
uno de los personajes más reconocidos de su tiempo, por haber obtenido el éxito
en todos los ámbitos en los que se desempeñó, siendo todavía recordado como uno
de los «mejores primeros ministros de la Historia del Reino Unido».
1832:
Nace José
Echegaray y Eizaguirre, escritor español, premio nobel de literatura en
1904 (f. 1916).
José Echegaray y Eizaguirre (1832-1916)
fue un ingeniero, dramaturgo, político y matemático español, hermano del comediógrafo Miguel Echegaray.
Fue un polifacético personaje de la España de finales del
siglo xix, con excelentes
resultados en todas las áreas en las que se involucró. Obtuvo el Premio
Nobel de Literatura en 1904, y desarrolló varios proyectos en
ejercicio de las carteras ministeriales de Hacienda y Fomento. Realizó
importantes aportaciones a las matemáticas y a la física. Introdujo en España la geometría de Chasles, la teoría de Galois y
las funciones elípticas.
Está considerado como el más grande matemático español del siglo xix. Julio Rey Pastor afirmaba: «Para la
matemática española, el siglo XIX comienza en 1865 y comienza con Echegaray».
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·
6Notas
Biografía[editar]
Nació en Madrid el 19 de abril de 1832.1nota 1 Su padre, médico y profesor de
instituto, era de Aragón y su madre
de Navarra. Pasó su infancia en Murcia, donde realizó los estudios
correspondientes a la enseñanza primaria. Fue allí, en el Instituto
de Murcia, donde comenzó su afición por las matemáticas.
Con el objeto de preparar el ingreso a la Escuela de Ingenieros
de Caminos, Canales y Puertos, se trasladó con catorce años a Madrid,2 donde ingresó en el recién creado
Instituto de Segunda Enseñanza San Isidro. Cumplidos los veinte, salió de la
Escuela de Madrid con el título de Ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, que
había obtenido con el número uno de su promoción, y se tuvo que desplazar
a Almería y Granada para
incorporarse a su primer trabajo.
En su juventud leía a Goethe, Homero y Balzac,
lecturas que alternaba con las de matemáticos como Gauss, Legendre y Lagrange.
José Echegaray mantuvo una gran actividad hasta su muerte,
ocurrida el 14 de septiembre de 1916 en Madrid.13nota 2 Su extensa obra no dejó de
crecer en la vejez: en la etapa final de su vida escribió 25 o 30 tomos de
Física matemática. Con 83 años comentaba:
No puedo morirme, porque si he de escribir mi Enciclopedia
elemental de Física matemática, necesito por lo menos 25 años.
1824:
Muere Lord Byron (36), poeta británico (n.
1788).
George Gordon Byron, 6.º barón de Byron (Londres, 22 de enero de 1788 - Mesolongi, Grecia, 19 de abril de 1824),
mundialmente conocido como Lord Byron, fue un poeta inglés y una de las mayores
personalidades del movimiento romántico. Debido a su talento poético,
personalidad, atractivo físico y escándalos personales fue en vida una
verdadera celebridad de la época. Hoy es considerado uno de los mayores poetas
en lengua inglesa y
antecedente de la figura del poeta maldito.
Índice
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o 5.2Cine
·
6Obra
Biografía[editar]
Familia[editar]
Byron fue hijo del capitán John
«Mad Jack» Byron y de su segunda esposa, lady Catherine
Gordon. Su abuelo fue John Byron, también llamado «Foulweather»
(‘Mal tiempo’), vicealmirante británico que navegó por todo el mundo. Su padre,
John Byron, falleció en 1791 en la localidad
de Valenciennes (Francia) cuando George tenía tres años. La
muerte de John tuvo lugar en una pequeña residencia propiedad de su hermana,
adonde había huido tiempo atrás de sus acreedores y del terrible temperamento
de su esposa. En su estancia allí, el padre mantuvo a varias amantes y derrochó
a su antojo lo que le quedaba del dinero de la familia. Así, a esa edad y en
compañía de su madre en Aberdeen, George heredó
de su progenitor poco más que deudas y los gastos de su funeral. No obstante,
si la herencia material del padre fue poco más que un disgusto para el hijo, no
se puede decir lo mismo de la herencia espiritual, ya que el joven conservaría
su amor por la belleza, el culto a la galantería, y su inclinación hacia la
vida licenciosa. De su madre, en cambio, heredaría la dulzura y el cariño que
esta le ofreció, pero también su atroz temperamento.
George nació con una pequeña deformidad en el pie derecho. Era
patihendido, lo que significa que tenía los dedos del pie hacia adentro. Byron
siempre apostó a que tal deformación había sido debida a la mojigatería de su
madre, quien rechazó asistencia médica en el parto. Debido a esta anomalía, su
padre dijo que jamás llegaría a andar. Pero el pequeño Byron, que tuvo que
calzar un zapato ortopédico durante toda la infancia, se rebeló a la creencia
del padre y aprendió a correr antes que a caminar, y aún cuando anduvo cojo,
presumía de andar más rápido que muchos. Al alcanzar la juventud, sus maneras y
modales le sirvieron para disimular su cojera, haciéndola parecer un caminar
excéntrico y al mismo tiempo distinguido.
Byron tuvo que soportar muchas burlas y rechazos debido a su
deformidad. No obstante, con el tiempo aprendió a defenderse bajo la máxima de
que «cuando un miembro se debilita siempre hay otro que lo compensa», palabras
a las que en su vida siempre haría honor. Además de la cojera sufrió mucho por
el frío, ya que sus huesos siempre fueron frágiles, algo que le causaba gran
malestar.
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