El 10 de mayo es el 130.º (centésimo trigésimo) día del año del calendario gregoriano y el 131.º en los años bisiestos. Quedan 235 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santoral de la Iglesia Católica:
San Juan
de Ávila, sacerdote.5
San
Juan de Avila
Misionero. Director de Almas
(1569)
Misionero. Director de Almas
(1569)
Juan significa: "Dios
es misericordioso".
San Juan de Avila tuvo el privilegio de ser amigo y consejero de seis santos: San Ignacio de Loyola, Santa Teresa, San Juan de Dios, San Francisco de Borja, San Pedro de Alcántara y Fray Luis de Granada. Dicen que él es la figura más importante del clero secular español del siglo 16.
San Juan de Avila tuvo el privilegio de ser amigo y consejero de seis santos: San Ignacio de Loyola, Santa Teresa, San Juan de Dios, San Francisco de Borja, San Pedro de Alcántara y Fray Luis de Granada. Dicen que él es la figura más importante del clero secular español del siglo 16.
Nació en el año 1500. De una familia muy rica, al morir sus padres repartió todos sus bienes entre los pobres y después de tres años de oración y meditación se decidió por el sacerdocio. Estudió filosofía y teología en la Universidad de Alcalá y allá hizo amistad con el Padre Guerrero que fue después arzobispo de Granada y su amigo de toda la vida.
Desde el principio de su sacerdocio demostró una elocuencia extraordinaria. El pueblo acudía en gran número a escuchar sus sermones donde quiera que él iba a predicar. Cada predicación la preparaba con cuatro o más horas de oración de rodillas. A veces pasaba la noche entera ante un crucifijo o ante el Santísimo Sacramento encomendando la predicación que iba a hacer después a la gente. Y los resultados eran formidables. Los pecadores se convertían a montones. A sus discípulos les decía: "Las almas se ganan con las rodillas". A uno que le preguntaba cómo hacer para lograr convertir a alguna persona en cada sermón, le dijo: "¿Y es que Ud. espera convertir en cada sermón a alguna persona?". "No, ¡eso no!", respondió el otro. "Pues por eso es que no los convierte", le dijo el santo, "porque para poder obtener conversiones hay que tener fe en que sí se conseguirán conversiones. ¡La fe mueve montañas!."
A otro que le preguntaba cuál era la principal cualidad para poder llegar a ser un buen predicador, le respondió: "La principal cualidad es: ¡amar mucho a Dios!".
Pidió viajar de misionero a América del sur, pero su amigo el Arzobispo de Granada le dijo: "Aquí en España también hay muchos a quienes misionar y evangelizar. ¡Quédese predicando entre nosotros!". Le obedeció y se dedicó a predicar por Andalucía, por todo el sur de España. Y las conversiones que conseguía eran asombrosas. Su predicación era fuerte. No prometía vida en paz a quienes querían vivir en paz con sus pecados, pero animaba enormemente a todos los que deseaban salir de su anterior vida de pecado. Un gran número de sacerdotes le seguía para ayudarle a confesar y colaborarle en la catequesis de los niños y en la administración de los sacramentos. Ricos y pobres, jóvenes y viejos, todos acudían con gusto a escucharle.
Dios le concedió a San Juan de Avila la cualidad especialísima de ejercer un gran ascendiente sobre los sacerdotes. Por eso el Sumo Pontífice lo ha nombrado "Patrono de los sacerdotes españoles". Bastaba con que lo vieran celebrar misa o le oyeran un sermón para que los sacerdotes quedaran muy agradablemente impresionados de su modo de obrar y predicar. Y después en sus sermones, ellos estaban allá entre el público oyéndole con gran atención. El sabio escritor Fray Luis de Granada se colocaba cerca de él, lápiz en mano, e iba escribiendo sus sermones. De cada sermón del santo, sacaba el material para predicar luego diez sermones. Los sacerdotes decían que el Padre Juan de Avila predicaba como si estuviera oyendo al mismo Dios.
Fue reuniendo grupos de
sacerdotes y por medio de hacerles meditar en la Pasión de Jesucristo y en la
Eucaristía y de rezar y recibir los sacramentos, los iba enfervorizando y
después los enviaba a predicar. Y los frutos que conseguía eran inmensos. Unos
30 de esos sacerdotes se hicieron después Jesuitas. Otros colaboraron con la reforma
que San Juan de la Cruz y Santa Teresa hicieron de los padres Carmelitas y muchos
más llenaron de buenas obras las parroquias con su gran fervor.
Un día en Granada, mientras
San Juan de Ávila pronunciaba un gran sermón, de pronto se oyó en el templo un
grito fortísimo. Era San Juan de Dios que había sido antes militar y
comerciante y que ahora se convertía y empezaba una vida de santidad admirable.
En adelante San Juan de Dios tendrá siempre como consejero al Padre Juan de Ávila,
a quien atribuirá su conversión.
Los enemigos y envidiosos lo
acusaron de que su predicación era demasiado miedosa y de que se proponía hacer
que las gentes fueran demasiado espirituales. Y el santo fue llevado a la
cárcel y allí estuvo de 1532 a 1533. Aprovechó su prisión para meditar más y
crecer en santidad. Cuando se le reconoció su inocencia y fue sacado de la
prisión el pueblo lo ovacionó como a un héroe.
A muchas personas les dio dirección espiritual por medio de cartas. Después reunió una colección de esas cartas y las publicó con el título de "Oye hija" y fue un libro muy afamado y que hizo gran bien a los lectores.
Su devoción a la Virgen era tan grande que lo hacía exclamar: "Más preferiría vivir sin piel, que vivir sin devoción a la Virgen María".
Fundó más de diez colegios y ayudaba mucho a las universidades católicas. Su autoridad y su ascendiente eran muy grandes en todas partes.
Sus últimos 17 años fueron de enormes sufrimientos por su salud que era muy deficiente. En él se cumplía aquello que dijo Jesús: "Mi Padre, al árbol que más quiere, más lo poda, para que produzca mayor fruto". Pero aunque sus padecimientos eran muy intensos, no por eso dejaba de recorrer ciudades y pueblos predicando, confesando, dando dirección espiritual y edificando a todos con su vida de gran santidad. Tres temas le llamaban mucho la atención para predicar: la Eucaristía, el Espíritu Santo y la Virgen María.
Una de sus cualidades más admirables era su gran humildad. A pesar de sus brillantes éxitos apostólicos, siempre se creía un pobre y miserable pecador. Cuando estaba agonizante vio que un sacerdote lo trataba con muy grande veneración y le dijo: "Padre, tráteme como a un miserable pecador, porque eso es lo que he sido y nada más".
Cuando en su última enfermedad los dolores arreciaban, apretaba el crucifijo entre sus manos y exclamaba: "Dios mío, si sí te parece bien que suceda, está bien, ¡está muy bien!".
El 10 de mayo del año 1569,
diciendo "Jesús y María" murió santamente. Fue beatificado en 1894 y
el Papa Pablo VI lo declaró santo en 1970.
San Juan de Avila: tú que con tus sermones lograste tantas conversiones de pecadores, alcánzanos del Señor Dios, que también nosotros nos convirtamos.
En el año 2001, durante el
Congreso Internacional de Lupus representantes de múltiples organizaciones
internacionales pidieron el establecimiento de una Semana Mundial de Lupus,
para centrar la atención de las organizaciones de salud del Mundo sobre las
desconocidas necesidades de los pacientes de Lupus y sus especialistas. Se
discutieron los planes iniciales y se diseñaron los logotipos.
Desafortunadamente, no se obtuvieron fondos para implementar el programa y éste
quedó en hibernación.
Durante ese mismo año, 2001, La Fundación Americana de Lupus (LFA) obtuvo una subvención de Pfizer para el programa "Fortalecimiento de las Organizaciones de Pacientes de Lupus por todo el Mundo" para formar un Panel Asesor Internacional compuesto por representantes de asociaciones de Lupus de ocho países de los cinco continentes. La Federación Española de Lupus formó parte de dicho panel.
Bajo ese programa, este grupo de países fue encuestado para identificar los retos, los temas que consideraban de interés sobre sus propias organizaciones y sobre los pacientes de Lupus en sus respectivas comunidades. Acordaron que las mayores necesidades detectadas eran la realización de campañas de sensibilización sobre la enfermedad y la educación para pacientes recién diagnosticados. Se realizó un taller para su desarrollo y los materiales para desarrollar estas áreas de necesidad detectadas, que posteriormente se remitieron a los países integrantes del panel internacional.
En el año 2003, como una continuación del trabajo comenzado en el 2001, la Fundación Americana de Lupus obtuvo una segunda subvención para lograr mayor unión de las organizaciones de pacientes de Lupus por todo el Mundo. Establecieron el Programa de Cohesión de la Sensibilización y Divulgación en todo el Mundo sobre Lupus, Día Mundial del Lupus. El objetivo de este nuevo programa era comenzar y fortalecer las actividades globales gubernamentales a favor del Lupus, para apoyar la investigación en la enfermedad, servicios de atención de la salud y educación.
El 10 de mayo de 2004 se presentó por primera vez globalmente el Día Mundial del Lupus (World Lupus Day), durante una rueda de prensa en el VII Congreso Internacional de Lupus Eritematoso Sistémico y otras Enfermedades Relacionadas en la ciudad de Nueva York. Desde entonces y anualmente se celebra este Día Mundial del Lupus el 10 de mayo a nivel internacional.
El Día Mundial del Lupus se centra en la mejora de los servicios de salud ofrecidos a los pacientes, aumentar la investigación sobre las causas y una cura para el Lupus, mejorar el diagnóstico y el tratamiento, y mejores estudios epidemiológicos del impacto global del Lupus.
Durante ese mismo año, 2001, La Fundación Americana de Lupus (LFA) obtuvo una subvención de Pfizer para el programa "Fortalecimiento de las Organizaciones de Pacientes de Lupus por todo el Mundo" para formar un Panel Asesor Internacional compuesto por representantes de asociaciones de Lupus de ocho países de los cinco continentes. La Federación Española de Lupus formó parte de dicho panel.
Bajo ese programa, este grupo de países fue encuestado para identificar los retos, los temas que consideraban de interés sobre sus propias organizaciones y sobre los pacientes de Lupus en sus respectivas comunidades. Acordaron que las mayores necesidades detectadas eran la realización de campañas de sensibilización sobre la enfermedad y la educación para pacientes recién diagnosticados. Se realizó un taller para su desarrollo y los materiales para desarrollar estas áreas de necesidad detectadas, que posteriormente se remitieron a los países integrantes del panel internacional.
En el año 2003, como una continuación del trabajo comenzado en el 2001, la Fundación Americana de Lupus obtuvo una segunda subvención para lograr mayor unión de las organizaciones de pacientes de Lupus por todo el Mundo. Establecieron el Programa de Cohesión de la Sensibilización y Divulgación en todo el Mundo sobre Lupus, Día Mundial del Lupus. El objetivo de este nuevo programa era comenzar y fortalecer las actividades globales gubernamentales a favor del Lupus, para apoyar la investigación en la enfermedad, servicios de atención de la salud y educación.
El 10 de mayo de 2004 se presentó por primera vez globalmente el Día Mundial del Lupus (World Lupus Day), durante una rueda de prensa en el VII Congreso Internacional de Lupus Eritematoso Sistémico y otras Enfermedades Relacionadas en la ciudad de Nueva York. Desde entonces y anualmente se celebra este Día Mundial del Lupus el 10 de mayo a nivel internacional.
El Día Mundial del Lupus se centra en la mejora de los servicios de salud ofrecidos a los pacientes, aumentar la investigación sobre las causas y una cura para el Lupus, mejorar el diagnóstico y el tratamiento, y mejores estudios epidemiológicos del impacto global del Lupus.
Claves del Día Mundial del
Lupus
Comité Organizador
Internacional
El Día Mundial del Lupus, está bajo la dirección de un Comité Organizador
Internacional formado por 11 personas, representando a 21 países de múltiples
continentes. Los miembros de este Comité Organizador están comprometidos en el fortalecimiento
de iniciativas políticas para pacientes de Lupus en sus propios países y son
capaces de ayudar a otras organizaciones de Lupus a hacer lo mismo en su país.
La Federación Española de Lupus forma parte de dicho comité.
Este comité ha sido el encargado de desarrollar los materiales promocionales del Día Mundial del Lupus, que son el comunicado para los medios, la Información Mundial sobre Lupus, el Cartel, el Manifiesto y los Logotipos.
Manifiesto del Día Mundial del Lupus
Este comité ha sido el encargado de desarrollar los materiales promocionales del Día Mundial del Lupus, que son el comunicado para los medios, la Información Mundial sobre Lupus, el Cartel, el Manifiesto y los Logotipos.
Manifiesto del Día Mundial del Lupus
El Comité Organizador del
Día Mundial del Lupus ha desarrollado un Manifiesto como un elemento crítico
para conseguir el apoyo de los gobiernos a las necesidades de los pacientes de
Lupus. Se puede ver y descargar el Manifiesto en esta página, en español y en
inglés.
Materiales Promocionales del Día Mundial del Lupus
Materiales Promocionales del Día Mundial del Lupus
El Comité Organizador
Internacional ha elaborado una serie de materiales para divulgar y promover el
Día Mundial del Lupus a los medios de comunicación, que son los
siguientes:
2006:
Muere Soraya,
cantante, compositora, guitarrista y productora estadounidense de padres
colombianos (n. 1969).
Soraya Raquel Lamilla Cuevas, más conocida como Soraya (Point Pleasant, Nueva Jersey, 11 de
marzo de 1969- Miami, Florida, 10 de
mayo de 2006), fue una cantautora y productora colombo-estadounidense. Su carrera abarcó diez años de producción,
durante los cuales lanzó al mercado cinco álbumes, siendo la única latina en
producir todos sus discos simultáneamente en español e inglés con los cuales
logró ser premiada con el premio Latin Grammy Award para mejor cantautor en 2004. Soraya
vendió alrededor de 30 millones de copias de sus álbumes en español e inglés.1
Soraya Raquel Lamilla Cuevas, fue una cantautora, productora
colombo-estadounidense más conocida como Soraya. Nació el 11 de marzo de 1969
en Nueva Yersey, Estados Unidos. Un año después de que su familia caleña llegara
de Colombia.
A Soraya no se le permitía
hablar en inglés en su casa, esto lo hacía su madre para conservar sus raíces
hispanas. Cuando Soraya tenía doce años, su madre fue diagnosticada con cáncer
de seno. A los dieciocho años la madre de la cantante tuvo una recaída y
finalmente falleció cuando Soraya tenía 22 años.
Desde muy pequeña se
interesó por la música, a los cinco años sus padres le regalaron una guitarra,
que aprendió a tocar sola ese mismo año. A los nueve años tocaba el violín
clásico. En la secundaria escribía canciones en inglés y español.
Asistió a la Universidad
Rutgers en Nueva Yersey, estudió literatura inglesa, filosofía francesa y
estudios de la mujer. Acostumbraba a tocar la guitarra en los lugares públicos
en su época de estudiante. Luego, trabajó como azafata en American Airlines.
Trabajando como
azafata, conoció a un ejecutivo discográfico que se interesó por su trabajo
musical. Obtuvo un contrato con Polygram Latino/Island Records, su primer álbum
se llamó On Nights Like This, cuatro de las canciones del disco
fueron sonadas y solicitadas en la radio latinoamericana y en las estaciones de
habla hispana en EE.UU.
El disco Sudenly/ De
repente y Quedate lideraron el listado Billboard en la categoría
Pop Latino, Soraya participó como invitada especial en las giras de concierto
de Sting, Natalie Merchant, Michael Bolton, Alanis Morisette y Supertramp.
“Lo que me da mucho orgullo
es que mi hogar siempre ha sido colombiano. Mis padres son de Cali, y cuando me
presento aunque sea en los Estados Unidos y cante en inglés; siempre me gusta
cantar aunque sea dos temas en español. Lo bueno de hacer eso es que puedo
representar al país de mis padres y puedo pintar una imagen un poco más
positiva del país”, comentó Soraya en una entrevista.
El 16 de mayo de 2000, la
cantante se realizó un auto examen de seno y le fue diagnosticado cáncer de
seno en etapa III, justo dos semanas antes de estrenar su álbum Cuerpo y
Alma. Soraya confirmó la noticia en un video.
“Hace unos meses me diagnosticaron cáncer de
seno y estoy luchando contra esta enfermedad, en este momento, pero como pueden
ver estoy muy bien, muy fuerte y positiva, gracias a Dios que todos los
tratamientos me están ayudando bastante.
Desde que yo era una niña de
cinco años he estado siempre muy apasionada a la música. Lo que siempre me ha
interesado es que la música tiene un poder increíble, que a través de una
canción uno puede compartir una emoción o un mensaje… alguien tiene que hablar,
alguien tiene que quebrar este silencio y romper el tabú de lo que es el cáncer
de seno”, comentó Soraya.
Durante los siguientes dos
años Soraya se dedicó a su tratamiento, a seguir componiendo y estar en la
lucha contra el cáncer de seno; con charlas, actividades, siendo la embajadora
latina de la fundación Susan G. Komen. El cáncer de seno le había arrebatado a
Soraya a tres mujeres en su vida; su madre, tía y abuela.
Se convirtió en la voz de
aliento de todas las mujeres que padecen la enfermedad, realizó campañas por
Estados Unidos, Sur América, Puerto Rico, México y toda América Central. En
2004 se hizo acreedora del premio Espíritu de La Esperanza, en los Premios
Billboard de la música latina.
En 2003, Soraya salió
triunfante de la batalla con su álbum Soraya, con el que ganó el
Grammy Latino en 2004 como Mejor Cantautor. En este año Soraya estaría cumpliendo 55 años de vida pero su voz se disipó. Dejó una carta en vida diciendo que su
lucha contra el cáncer no haya sido en vano.
A pesar de realizar su
tratamiento intensivo de quimioterapia, Soraya falleció el 10 de mayo de 2006
en Miami a los 37 años, a causa de la metástasis que hizo el cáncer en su
cuerpo.
https://www.kienyke.com/kien-fue/soraya
1973:
Muere Carlos Arturo Briz, compositor
mexicano. (n.1917).
El compositor Carlos Arturo
Briz, nació el 23 de noviembre de 1917 en la ciudad de Tuxpan, Veracruz, y falleció
el 10 de mayo de 1973. Arturo Briz fue el autor del bolero “Encadenados”.
Alguna vez el cantante Lucho Gatica dijo al periódico argentino La Nación que
la canción “Encadenados” fue la única que hizo famoso a su autor, el mexicano
Carlos Arturo Brito. Afirma también el cantante chileno, “un día estaba yo en
el restaurante de Mario Moreno, Cantinflas, y un señor se me acerca y se
presenta como el hijo de Carlos Arturo Briz. Tu padre hizo la canción más linda
que he grabado en mi vida”, le dije yo. Este bolero fue grabado en 1955 por los
tapatíos Hermanos Reyes y popularizado en 1956 por el chileno Lucho Gatica.
Otras canciones de Arturo Briz son “Daño”, que cantaron Los Panchos,
“Enemigos”, que grabaron los Hermanos Reyes, “Ni un poquito”, que cantaron los
Dandys, entre otras. (Foto tomada de http://eldesvandelailusion.blogspot.mx).
Víctor Noriega es un actor mexicano nacido el 10 de mayo de 1972.
Trayectoria[editar]
Víctor Noriega es un actor y cantante, que inició su trayectoria en el grupo Garibaldi; su aparición junto con Eduardo Santamarina, Aracely Arambula, Natalia Esperón en la telenovela Rencor apasionado en 1998 marca su debut en las telenovelas mexicanas. En ese mismo año trabaja con Bibi Gaytán y Eduardo Capetillo en Camila.
En 1999 trabaja en Rosalinda junto con Thalía y Fernando Carrillo.
También realiza su primer antagónico en Mujeres engañadas, alternando con Andrés García y Laura León.
En el año 2000 hace su primer protagónico en la telenovela Por un beso, otra vez con Natalia Esperón.
En el 2001 junto a Gabriela Spanic y Arturo Peniche en La intrusa.
El 2002 le da la oportunidad de alternar con César Évora y Susana González en la telenovela Entre el amor y el odio.
En 2003 coprotagoniza Bajo la misma piel, protagonizada por Kate del Castillo y Juan Soler.
En el 2004, obtiene su primer protagónico para Venevisión en Miami, Angel rebelde, junto a Grettell Valdéz y también hizo una participación especial en Corazones al límite.
En el 2005 junto a Susana González, también en Miami, protagoniza en la telenovela El amor no tiene precio. Ese mismo año, regresa a México para participar en Peregrina al lado de Eduardo Capetillo.
En 2007, hace su segundo antagónico en la telenovela Palabra de mujer, con Yadhira Carrillo y Edith González.
En 2009 hace una participación especial en Cuidado con el ángel, protagonizada por William Levy y Maite Perroni. Ese mismo año y 2010 trabajó en la telenovela Hasta que el dinero nos separe con Pedro Fernández e Itati Cantoral.
En el 2011 se integraría al elenco de Dos hogares, compartiendo roles con Anahí. A mediados del 2012, Salvador Mejía lo convocaría para Que bonito amor junto a Jorge Salinas y Danna García.
A finales del 2013 se integra a Por siempre mi amor al lado de Susana González y Guy Ecker. En 2014 hace su debut en teatro con Mame junto a Itati Cantoral y Lorena Velazquez, entre otros.
1969:
Nace Gregory Slay,
Gregory Scott Slay (10 de mayo de 1969 - 1 de enero de 2010) fue un músico, baterista y compositor estadounidense. Slay fue miembro fundador de Remy Zero y siguió siendo el baterista de la banda hasta su separación en 2003. [1] [2]
Contenido
Biografia [ editar ]
Vida temprana [ editar ]
Slay nació en Nueva Orleans , Louisiana , el 10 de mayo de 1969, de padres, Dudley y Jenny Slay. [3] Sin embargo, fue criado en Mobile, Alabama . [1] A Slay se le diagnosticó fibrosis quística durante la infancia. [2]
Slay asistió tanto a Davidson High School como a McGill-Toolen Catholic High School en Mobile. [3] Comenzó a colaborar con Jeffrey Cain, otro futuro miembro de Remy Zero, mientras estaba en la escuela secundaria. [2]
Xcel / Last Great Circus [ editar ]
Mientras estaba en High School en 1984, Slay formó Xcel, una banda de hard rock, con amigos de Mobile. La banda practicó en el estudio de sus padres y tocó temas de covers así como algunos originales en escuelas y funciones. Después de que varios miembros abandonaron el grupo, la banda se reformó como el Último Gran Circo y finalmente ganó un local de Mobile, AL Battle of the Bands.
Loppybogymi [ editar ]
En 1988, Slay co-fundó el trío Loppybogymi con el bajista James Orr y el guitarrista Tim Ramenofsky. [4] El sonido de la banda fue una amalgama de funk y metal inspirados en el jazz. [4] Inicialmente basada en Mobile, Alabama , la banda tocó en vivo en lugares a lo largo de la Costa del Golfo y en todo el sureste de los Estados Unidos, estableciéndose por un tiempo en Nashville, Tennessee . [4] Loppybogymi desarrolló un culto a lo largo de la costa del Golfo. Las actuaciones de la banda fueron notables por el virtuosismo de cada miembro del grupo, alta energía y largas excursiones de improvisación. [5]Cada miembro del trío cantó, y Slay cantó prominentemente en varias canciones, incluidas las favoritas de la multitud como "Hyperblood", "Debts and Grudges" y "Love of Pete". [5] Slay dejó Loppybogymi aproximadamente un año después del lanzamiento de la banda del álbum, TUP , en 1993. [5]
Remy Zero [ editar ]
Slay se unió a Remy Zero en Birmingham, Alabama con un amigo de la escuela secundaria, Jeffrey Cain, que también era de Mobile, y Cedric LeMoyne, Cinjun Tate y Shelby Tate (Remy Zero), que eran todos nativos de Birmingham. [1] La banda abandonó Birmingham en 1990 y se mudó a varias ciudades antes de establecerse en Los Ángeles. [1] Slay regresó a Birmingham con su banda en 1996, donde grabaron su álbum debut homónimo, Remy Zero . [1] La banda más tarde se convirtió en un éxito comercial con su álbum de 1998, Villa Elaine . [1]
Remy Zero se hizo más conocido por el público televisivo por " Save Me ", el tema principal de Smallville . [2] Sin embargo, Remy Zero se disolvió en 2003 después de tres álbumes. [1]
Muerte [ editar ]
Slay, quien había estado de gira y grabando en el estudio en las semanas previas a su muerte, cayó inesperadamente en mala salud. [2] Slay murió el 1 de enero de 2010, de fibrosis quística en Bodega Bay, California , a la edad de 40 años. [1] Le sobrevivieron sus padres, su esposa, Tiana Krahn-Slay, y su hija, Honeymoon Slay. [3]
En mayo de 2010 se llevó a cabo un servicio público conmemorativo tras la cremación de Slay. [3]
Mario Miguel Pájaro Gómez, también conocido como El Pájaro Gómez o simplemente Pájaro Gómez (10 de mayo de 1962, Rosario) es un músico, compositor y cantante argentino.1
Trayectoria[editar]
Fue baterista y voz del grupo de rock Identi-Kit entre 1986 y 1988, cuyos integrantes eran provenientes de la Ciudad de Rosario, al igual que él.
En 1991, y junto a su compañero de Identi-Kit, Jorge Risso, fundó la banda de rock pop Vilma Palma e Vampiros, con la que se consagra como cantante. Esta banda es, junto a Los Gatos y Los Enanitos Verdes, una de las pocas provenientes del interior de su país que lograron trascender al ámbito nacional y alcanzar el éxito en Latinoamérica.2
El conjunto debutó con su éxito La pachanga en 1992, y fueron la revelación de ese año, con 120.000 placas vendidas. Actualmente, junto al bajista Gerardo "Largo" Pugliani, el Pájaro Gómez se mantiene como el líder de la nueva formación de la banda, la que continúa editando álbumes recopilatorios de Grandes Éxitos y sacando discos nuevos.
1960:
Nace Bono (Paul
Hewson), cantante, compositor, músico, empresario, filántropo y activista
irlandés, líder de la banda U2.
Paul David Hewson, KBE,
más conocido por su nombre artístico Bono (Dublín, 10 de mayo de 1960), es un músico irlandés, conocido por ser el vocalista del grupo
de rock U2 y activista político, especialmente comprometido con el combate a la pobreza
en África y a favor de la cancelación de la deuda
externa de los
países del tercer
mundo, labor reconocida
entre otros por sus nominaciones consecutivas al Premio Nobel de la Paz en 2005 y 2006. Es caballero
comendador de honor de la Orden del Imperio Británico.
1948:
Nace Meg Foster, actriz
estadounidense.
Margaret Foster, más
conocida como Meg Foster (Reading, 10 de
mayo de 1948) es una actriz estadounidense. Ha sido la protagonista femenina de películas
como The
Osterman Weekend, última película del director Sam
Peckinpah,1 The Emerald Forest de John
Boorman y They Live de John
Carpenter. Ha
intervenido también en series de televisión como Cagney y Lacey(donde reemplazó a Loretta Swift como la detective Chris Cagney), Se ha escrito un
crímen, Star Trek:
Espacio profundo 9, Xena: Warrior
Princess, Hércules,
y Ravenswood.2
1946:
Nace Graham Gouldman,
guitarrista y compositor británico.
Keith Graham Gouldman (10 de mayo de 1946, Broughton, Lancashire) es un cantante, músico y cantautor inglés, fundador y miembro del grupo 10cc.
Su estilo musical es el soft rock y
el pop, y toca la guitarra y el bajo. En lo referente a la composición, es uno de los
padres del popsike.
Desde 1963 participó en varios grupos en
su ciudad de origen, pero en 1972 fundó 10cc, donde
ha pasado la mayor parte de su carrera. También es productor, especialmente
para el álbum Pleasant Dreams de
los Ramones.
Sin embargo su mayor aportación a la música se fraguó por la vía
de la composición, se puede decir que fue uno de los principales compositores
de la llamada "british Invasion": "No milk Today",
"Marcel's" y "Listen People" de los Herman's Hermits,
"Schoolgirl" de los Mindbenders (también versioneada por los
Hollies), "Bus Stop", "Stop, Stop, Stop" y "Look
through Any Window" de los Hollies, "For your Love" (también
editada en solitario junto con "Pamela, Pamela" que versioneó Wayne
Fontana), "Heart Full of Soul" y "Evil Hearted You" de los
Yardbirds, "Some People" de los Chords Five o "Sad And
Lonely" de Garden Odissey Enterprise (siendo su mejor versión la del grupo
español Mi Generación bajo el título "Triste y Solo").
1946:
Nace Donovan, cantante,
compositor, guitarrista, productor y actor británico.
Donovan (Donovan
Phillips Leitch, nacido el 10 de mayo de 1946) es un cantautor, poeta y
guitarrista británico. Emergió a mediados de los años sesenta como
cantante folk, lo que le valió ser llamado el Bob Dylan británico, pero pronto se
desató de esa etiqueta convirtiéndose en uno de los mayores representantes de
la psicodelia de mediados y finales de los
sesenta, con un estilo único y muy personal.
Índice
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1964-1965:
cantante folk[editar]
Aunque las primeras
grabaciones son de 1964, Donovan saltó
a la fama en el Reino Unido a
principios de 1965, gracias en parte a sus apariciones en el
popular programa de
televisión británico Ready
Steady Go!. Firmó con Pye Records y publicó en 1965 sus dos
primeros álbumes, de sonido folk, What's Bin Did and What's Bin Hid y Fairytale, que obtuvieron muy buenas
ventas gracias en parte al éxito de algunos singles como Catch The Wind, Colours o Universal
Soldier. El sonido de Donovan en esos discos, aunque familiar al del Dylan
primerizo, tiene toques muy personales, en parte gracias a la temática de sus
letras, a su peculiar voz y a su depurada técnica guitarrista, más avanzanda
entonces que la de Dylan.
1966-1967:
psicodelia[editar]
Tras obtener un
notable éxito con sus dos primeros trabajos, Donovan decidió crear su propio
camino y buscar un sonido más personal, como se puede apreciar en el single de
1966 Turquoise. En ese mismo año comenzó su colaboración con el
productor Mickie Most, con
el que publicaría algunos de sus mejores trabajos, como Sunshine Superman (1966),
un álbum clave de esa década y valorado en nuestros tiempos por artistas como
Horacio Guarani.
Pero no todo eran
buenas noticias para Donovan. A mediados de 1966 estuvo
unos días en prisión tras ser arrestado por posesión de marihuana, convirtiéndose en el primer artista
británico arrestado por asuntos de drogas. A pesar de ello, hubo referencias a
las mismas en sus dos siguientes álbumes, como por ejemplo al LSD en Sunshine
Superman.
Tras ese pequeño
incidente, Donovan mantuvo el creciente éxito de Sunshine Superman con el siguiente
álbum, Mellow Yellow,
publicado en 1967.
El 17 de noviembre
de 1967 Donovan ofreció un legendario
concierto en el Anaheim Convention Center de California que sería grabado y publicado
al año siguiente con el título Donovan
in Concert. Sin embargo, el concierto íntegro no saldría
publicado hasta casi 40 años más tarde, en 2006, en el doble CD Donovan
In Concert: The Complete 1967 Anaheim Show. Para la actuación, el escenario
fue decorado con más de dos mil flores, lo que le supuso a Donovan la etiqueta
de líder del movimiento flower power. El repertorio del concierto se
centraba en las canciones de los álbumes Sunshine Superman y Mellow Yellow e incluso alguna
canción inédita hasta el momento como Preachin' Love (su
canción más decididamente jazzy, con largos momentos de improvisación del batería y saxofonista) o temas de lo que sería su
siguiente álbum, el ambicioso doble LP A Gift
From a Flower to a Garden (el regalo de una flor a un
jardín).
Donovan no dejaría de
componer en ningún momento. Poco después de salir publicado A Gift
From a Flower to a Garden, viajaría a la India,
muy interesado en el misticismo de Oriente, y pasó unas cuantas semanas en Rishikesh, en compañía de los Beatles, Mia Farrow, Mike Love y el Majarishi Majesh
Iogui (a quien ubicaría en la foto de contratapa de A
Gift From a Flower to a Garden). Tal y como dijo Paul McCartney en una entrevista de la
época, durante esa convivencia Donovan le enseñó a él y a John Lennon diversos métodos de fingerpicking para guitarra, que los
dos compositores de The Beatles usarían en algunas canciones de su White Album (como Blackbird,
o las lennonianas Dear Prudence y Julia).
Durante la estancia en
la India, Donovan escribió parte del material que
formaría su siguiente álbum, The Hurdy Gurdy Man,
que se publicó en octubre de ese mismo año y se convertiría en uno de sus
mejores trabajos. En el disco predominan sonidos propios de la música india y claras referencias
al budismo zen, del que Donovan es practicante, y
que sería la temática dominante en algunos álbumes posteriores, en especial
en Sutras (1996).
Tras el éxito del
álbum The Hurdy Gurdy Man,
cuyo single homónimo alcanzó el puesto n.º 4 en el Reino Unido y el
n.º 5 en Estados Unidos, Donovan dio otra gira por los Estados Unidos en verano de 1968.
Luego, el siguiente single de Donovan, el himno Atlantis,
que fue publicado en el Reino Unido en noviembre alcanzó el puesto n.º 23
en las listas. Dos detalles interesantes respecto a los temas The Hurdy Gurdy Man y Atlantis es
que, a lo largo de los años, se ha dicho que en el primero la guitarra fue
tocada por Jimmy Page y que
en el último participa Paul McCartney en los coros y la
pandereta, pero ambas presunciones han sido desmentidas, en el primer caso
por John Paul Jones y
el mismo Jimmy Page, y en el
segundo por el propio Donovan.
A principios de 1969
salió otro single en Estados Unidos que tuvo un éxito moderado, la antibelicista To
Susan On The West Coast Waiting, con Atlantis en la cara B. Sin embargo, con el paso del
tiempo Atlantis se convertiría en un gran éxito en varios
países, a pesar de su larga introducción hablada y su duración de más de cuatro
minutos. La canción alcanzaría un revival casi cuarenta años más tarde cuando
Donovan la regrabó para un episodio de la serie de animación Futurama.
En marzo de 1969 se
publica un recopilatorio titulado Donovan's
Greatest Hits que incluía numerosas canciones que sólo
habían sido publicado como singles, como Epistle To Dippy, There
Is A Mountain y Lalena. El álbum alcanzó el puesto
n.º 4 en Estados Unidos y
se convertiría con el tiempo en el más vendido de su carrera, alcalzando el
millón de ventas y permaneciendo en las listas de Billboard durante todo el año.
Por aquel entonces, la
relación entre Donovan y su productor, Mickie Most había empeorado y hubo
momentos de tensión durante la grabación del álbum Barabajagal (1969).
ésta sería la última colaboración de Most con Donovan hasta el álbum de 1973 Cosmic
Wheels.
1944:
Nace Jim Abrahams,
cineasta, productor y guionista estadounidense.
James S. "Jim" Abrahams (Shorewood, Wisconsin, 10 de mayo de 1944)
es un director, productor y guionista de cine estadounidense, reconocido por
sus películas de comedia.
Biografía[editar]
En 1980 co-dirigió y co-escribió con David Zucker y Jerry Zucker la comedia "Airplane!" (también llamada "Aterriza como
puedas" o "¿Y, dónde está el piloto?").
Gracias al éxito de esa película los llamados ZAZ (Zucker,
Abrahams, Zucker) consiguieron una gran fama mundial. En 1984realizaron
otra comedía de gran éxito, "Top Secret!", y en 1986 "¡Por
Favor maten a mi mujer!" siendo la última película que los
mencionados productores hicieron juntos. En 1988 escribe
un primer guion para la película "The Naked Gun" que dirige David Zucker. En 1988 dirigió la comedia "Ensalada de gemelas"
y en 1991 decide comenzar su andadura como director
de parodias en solitario con "Hot Shots!" y más tarde con "Hot Shots 2", consiguiendo un gran éxito. La
saga Hot Shots estaba protagonizada por Charlie Sheen y por su actor fetiche, Lloyd Bridges.
Durante 1993 y 1997 se centra en su hijo, al sufrir este la enfermedad
de epilepsia. En 1997 dirige un drama televisivo parar dar a conocer la
enfermedad de su hijo Jamie.
En 1998 vuelve a dirigir una parodia llamada "Mafia!" otra vez con Lloyd Bridges que fallece una vez terminado el
rodaje. Jim Abrahams le hizo un emotivo homenaje al final de la película. Esta
última comedia sufre un pequeño fracaso y decide no volver a dirigir para
centrarse en su familia. En 2003 recibe la llamada de David Zucker para escribir Scary Movie 3, lo acepta pero finalmente no puede al
serle detectada una grave enfermedad. Después de recuperarse de ese
contratiempo escribe los dos primeros borradores del guion de Scary Movie 4. David Zucker y Jim Abrahams volvían así a
reunirse en una misma película 14 años después.
1940:
Nace Wayne Dyer,
escritor y educador estadounidense (f. 2015).
Wayne Walter Dyer (Detroit, Míchigan, 10 de mayo de 1940-Condado de Maui, Hawái, 29 de agosto de 2015)1 fue un psicólogo escritor de libros de autoayuda estadounidense.
Su inspiración fue la psicología transpersonal,
y en concreto su fundador, Abraham Maslow. Ésta es la llamada "cuarta
fuerza", que complementa las anteriores escuelas de psicología: el psicoanálisis, la psicología conductista,
la psicología cognitiva y
la psicología humanista.
En sus primeros libros, esta influencia se muestra en su creencia en las
posibilidades de desarrollo de la persona más allá de «la persona», para llegar
a desarrollar todas nuestras potencialidades como seres humanos (persona «sin
límites»), en lugar de centrarse en tratar la enfermedad o el trastorno
inconsciente, la mera modificación de conducta o pensamiento, o limitándonos a
ser "solamente" humanos.
Sus enseñanzas sobre la superación personal se basaron en su
propia historia vital, ya que vivió bastante tiempo en orfanatos hasta los 10
años cuando su padre abandonó a la familia, y fue levemente alcohólico por
veinte años.
Dyer fue psicoterapeuta y doctor en psicología por la Wayne State University. Era
profesor en la St. Johns University de Nueva York cuando escribió su primer
libro "Tus Zonas Erróneas" (1976), que vendió 35 millones de
ejemplares en diferentes idiomas, permaneciendo 64 semanas consecutivas como
best-seller en el New York Times, y que cambió su vida para siempre. Además
editó un documental, fue co-autor de tres libros de texto, colaboraba con
muchos periódicos, daba conferencias en todo el territorio estadounidense y
aparecía regularmente en programas de TV y radio. A partir de su primer libro,
escribió muchos otros siempre desde una perspectiva espiritual, llegando a
convertirse en un maestro espiritual que ha ayudado a miles de personas.
Solía decir: "Mis creencias son que la verdad es verdad
hasta que la organizas, y entonces se convierte en mentira. No creo que Jesús
enseñara Cristianismo, Jesús enseñaba bondad, amor, compasión, y paz. Lo que
digo a la gente es: no seas cristiano, sé como Cristo. No seas budista, sé como
Buda."2
1939:
Nace Wayne Cochran, cantante americano de soul. (f.2017).
Wayne Cochran (Thomaston, Georgia, 10 de mayo de 1939-Miami, Florida; 21 de noviembre de 2017), a veces llamado El Caballero Blanco del Soul, fue un cantante de soul, conocido a simple vista por sus estrafalarias prendas y por llevar un característico pompadour blanco.
Fue conocido por ser el compositor de la canción «Last Kiss», (El último beso) que realizó con su banda C. C. Riders. Aunque no la convirtió en un éxito, las versiones posteriores de J. Frank Wilson and the Cavaliers y Pearl Jam han llegado a ser muy conocidas. En México en 1964 con el auge del rock and roll se realizaron dos versiones: una interpretada por el cantante Polo y otra realizado por el grupo The Americans con éxito importante que inclusive aparece en los discos de esa época en recopilaciones. La banda peruana Los Doltons, hizo un cover versionado al español a mediados de los años 1960.
Fue ministro evangélico en Miami (Florida).
1935:
Nace Larry Williams,
cantante, compositor, pianista y productor estadounidense (f. 1980).
Larry Williams (10 de mayo de 1935 - 7 de enero de 1980)
fue un cantante y pianista de rhythm and blues nacido en Nueva Orleans, Luisiana. Muchas de sus
canciones fueron versionadas por The
Beatles, (Bad Boy, Slow Down, Dizzy
Miss Lizzy). The Rolling Stones grabaron She
Said Yeah. Bony Moronie, una de las canciones más influyentes en la historia del rock fue versionada por John Lennon y muchos otros (Este tema se conoce
en español como Popotitos.)
Los primeros discos de Williams fueron lanzados por la
discográfica Specialty Records cuando
su estrella principal, Little Richard, la abandonó para dedicarse a
predicar. Señalado como el sucesor de Richard, los discos de Williams tienen la
misma intensidad gracias a su piano crudo, pero sus letras extrañas, su voz y
sus silbidos hacen que su trabajo sea original.
Williams había estado involucrado con actividades turbias desde
su adolescencia y había sido un chulo antes de empezar a grabar su música. A
finales de los 50 su
carrera musical sufrió un parón al ser arrestado por tráfico de
estupefacientes. De todos modos, Williams regresó a mitad de los 60 con una banda que incluía a Johnny
"Guitar" Watson. Este período deparó pocos éxitos, pero,
imitando menos el sonido de Little Richard, produjo algunos de sus mejores y
más originales trabajos. En los 70intentó lanzarse como cantante de música disco
pero tuvo poco éxito.
En 1980 Williams murió por herida de bala en su
casa de Los Ángeles, California. Su muerte fue declarada suicidio, aunque hubo muchas especulaciones. Nunca se
arrestó o acusó a ningún sospechoso.
1907:
Nace Enrique Figueroa, compositor
colombiano. (f.1977)
Importante compositor
antioqueño nacido en Valparaiso el 10 de mayo de 1907, famoso especialmente por
la hermosa selección de bambucos que compuso sobre temas del poeta pereirano
Luis Carlos González.
Dueño de una bonita voz de
tenor, hizo estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Bogotá y
conformó algunos duetos de corta duración pues basicamente gustaba de cantar
como solista.
Del maestro Figueroa son
muchas de las más bellas páginas de nuestro cancionero andino colombiano,
compuestas sobre poemas de destacados poetas y escritores nacionales, como
“Antioqueñita querida”, “Vecinita”, “Tu callecita morena”, “Besito de fuego",
"Recuerdos", “Paisaje”, “Rosalinda”, “Compañero”, “Cansera”, etc…
Curiosamente, después de
haber creado esa gran llave con Luis Carlos González para hacer bambucos
durante tantos años, la canción “Bendigo la soledad” fué la última producción
de estos dos ilustres personajes.
Enrique Figueroa falleció en
Pereira el 10 de marzo de 1977
1899:
Nace Fred Astaire,
cantante, actor y bailarín estadounidense (f. 1987).
Frederick Austerlitz,1 más conocido como Fred Astaire (Omaha, Nebraska; 10 de mayo de 1899-Los Ángeles, California; 22 de junio de 1987),
fue un actor, cantante, coreógrafo, bailarín de teatro y cine,
y presentador de televisión estadounidense.
Su carrera teatral y su posterior carrera cinematográfica abarcó
un total de setenta y seis años, en los que intervino en 31 películas musicales. Formó una de las mejores parejas
de baile de la historia del cine con Ginger Rogers, con quien rodó diez películas que
revolucionaron el género.
Balanchine y Nureyev le consideraron el mejor bailarín
del siglo XX, y está generalmente reconocido como uno de
los bailarines más influyentes en la historia de los musicales de cine y
televisión. Fue nombrado la quinta «mejor estrella masculina de todos los tiempos»
por el American Film Institute.2
1894:
Nace Dimitri Tiomkin, compositor estadounidense de origen ruso (n. 1894).
Dimitri Tiomkin (Kremenchuk, de Ucrania, entonces del Imperio ruso, 10 de mayo de 1894-Londres, 11 de noviembre de 1979) fue un compositor ruso nacionalizado estadounidense.
Biografía[editar]
Nació en Ucrania , en el seno de una familia judia, bajo el dominio de la antigua Rusia zarista, pero se trasladó desde muy niño a San Petersburgo, donde estudió, entre otras asignaturas, armonía y contrapunto con Alexander Glazunov, y fue considerado uno de los grandes niños prodigios. Tras la Revolución rusa se traslada a Berlín, donde sigue su carrera meteórica. Años más tarde se traslada a Nueva York y finalmente tras el crac del 29 a Hollywood.
Si su nombre no resultara conocido, su música y canciones son más conocidas, principalmente en High noon, la canción de Sólo ante el peligro, O.K. Corral de Duelo de titanes, o "The green leaves of summer" de "El Álamo".
Durante los años de la Segunda Guerra Mundial colaboró poniendo música, a una infinidad de documentales bélicos sobre el conflicto.
En uno de los Óscar que consiguió, en el pequeño discurso que sigue a la recogida del premio tuvo unas palabras de agradecimiento a todos sus colaboradores: Mozart, Bach,...
Fue nominado en quince ocasiones al Óscar, ganándolo tres veces por Sólo ante el peligro (1952), Escrito en el Cielo (1954) y El viejo y el mar (1958).
Curiosamente, durante la década de 1950, sus potentes orquestaciones y dinámicas melodías, muy características de la Escuela Rusa, se convirtieron en la más distinguible seña de identidad del género Western.
1888:
Maximilian Raoul Walter Steiner (Viena; 10 de mayo de 1888 - Hollywood, California; 28 de diciembre de 1971), conocido como Max Steiner, fue un compositor austriaco de música de cine, considerado junto con Victor Young y Alfred Newman como el padre del sinfonismo clásico estadounidense. Es curioso observar como de los diez compositores más destacados de dicha época solo dos son estadounidenses; esto repercutirá en los motivos musicales de las composiciones, siendo claramente música tardorromántica y basada en los cánones establecidos por los compositores europeos.
Biografía[editar]
Maximilian Steiner nació en Viena en 1888, donde se formó musicalmente, estudiando en la academia musical vienesa con personajes como Gustav Mahler. Pronto se ligó a la opereta vienesa, creando grandes composiciones y siendo reconocido públicamente de manera importante. Pero los ataques de la Primera Guerra Mundial le obligaron a trasladarse a Estados Unidos, donde se pondrá a trabajar en Broadway, consiguiendo igual de rápido su éxito.
Su trabajo en la orquesta de Rio Rita fue el motivo para que sea llamado por Hollywood, con el fin de adaptar dicha obra, de la cual ya no se separará hasta su muerte. Comenzó en la compañía discográfica RKO, y su éxito con la partitura de King Kong (M. C. Cooper y E. Schoedsack, 1933) junto con su amistad con el productor David O. Selznick le hizo abandonar dicha productora; pero él necesitaba trabajar con una empresa más potente que pudiera soportar el volumen y nivel de trabajo que era capaz de desarrollar. Llegó así a Warner Bros., donde se convirtió en director y voz cantante del departamento musical hasta su retirada y su posterior muerte en 1971 en la tierra que le consagró, Hollywood.
Era un maestro y un precursor del sello del cine estadounidense, la música enmarcadora, invisible pero capaz de potenciar de manera significativa el sentido de las imágenes. Por todo ello merece un lugar privilegiado entre los compositores musicales de cine. Escribió composiciones para más de trescientas películas, de las cuales una de las más representativas es Lo que el viento se llevó (V. Fleming, 1939). Además es el filme preconizador del fin del sinfonismo clásico siendo a su vez su máxima expresión.
En él, se llegan a crear hasta dieciséis leitmotiv que sonarán cada vez que aparezcan los personajes o temas e incluso cuando se habla de ellos,era impresionante. (como sucede en la secuencia del diálogo de la ventana, que se sucede en el baile, donde al hablar de la guerra se introduce su leitmotiv). Es destacable como este hecho de atribuir un leitmotiv a objetos inanimados es pionero y de gran importancia puesto que Tara y la Guerra son de enorme valor para el desarrollo de la historia, convirtiéndose Tara en el elemento sobre el que gira toda la historia (esto se pondrá de relieve en la escena tan famosa de «A Dios pongo por testigo...» donde surge de manera esplendorosa su leitmotiv). También hace uso de los sonidos onomatopéyicos, como es el caso de la secuencia del bombardeo de Atlanta donde se da una amplificación de los sonidos con sentido dramático.
Hay que destacar la composición realizada para The Searchers (Más corazón que odio o Centauros del desierto) (J. Ford, 1956), una de las diez mejores obras cinematográficas de todos los tiempos, donde la música se convierte en el aparato que pone de relieve las imágenes, es decir, descubre sin crear significados nuevos. Esta presencia musical no sería del agrado de John Ford, puesto que él abogaba por una transparencia total en la que lo visual se convierta en el único conductor de la historia. Ford prefería trabajar con Alfred Newman, pero no se puede negar la gran composición musical realizada por Max Steiner.
En definitiva, Steiner es la máxima representación del sinfonismo clásico y fuente de inspiración de los grandes compositores de hoy día pertenecientes al sinfonismo autorreferencial, como pueden ser: John Williams (Tiburón, Star Wars, ET, etcétera), James Horner (Titanic, Leyendas de pasión, etc.), Basil Poledouris (Conan el Bárbaro, La caza del Octubre Rojo, etc.), entre otros.
Se estableció en Hollywood hacia 1929, cuando empezó el cine sonoro y, consigo, la música en las películas. Es uno de los grandes compositores de bandas sonoras, con obras maestras de la talla de Lo que el viento se llevó, precursora de la inclusión del leitmotiv o tema musical dedicado a un personaje o situación concretos, King Kong, o la música adicional para Casablanca, entre otras. Estuvo nominado al Óscar en 20 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por El delator (1935), La extraña pasajera (1942) y Desde que te fuiste (1944).
https://www.youtube.com/watch?v=Gx_fY3fN0n8&list=PL5cFZkDxOCygUS1-CwOhw6x4i5NSBCZYT
1886:
Nace Karl Barth,
teólogo y escritor suizo (f. 1968).
Karl Barth (Basilea, Suiza, 10 de mayo de 1886 -
ibíd., 10 de diciembre de 1968)
fue un influyente teólogo reformado, considerado uno de los pensadores
cristianos del siglo XX. A partir de su experiencia como pastor, rechazó su
formación en la típica teología liberal predominante, típica del protestantismo del siglo XIX. En su
lugar, Barth tomó un nuevo rumbo teológico, llamado inicialmente “teología dialéctica”,
debido a su énfasis sobre la naturaleza paradójica de la verdad divina. Otros
críticos se han referido a Barth como el padre de la “neo-ortodoxia”,
término enfáticamente rechazado por el propio Barth. El pensamiento teológico
de Barth recalca la soberanía de Dios, principalmente a través de su innovadora
“doctrina de la elección”.
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Biografía[editar]
Aunque nació en
Basilea, Karl Barth vivió de niño en Berna.
Entre 1911 y 1921 sirvió
como pastor reformado en el pueblo de Safenwil (cantón de Argovia).
En 1913 contrajo matrimonio con Nelly Hoffman,1 una talentosa violinista; de este
matrimonio nacerían cuatro hijos y una hija. En 1916 comenzó a trabajar en su
obra Der Römerbrief (en español, Carta a los romanos,
o Comentario a la Carta a los romanos).2 La teología dialéctica de
Karl Barth, un antecedente intelectual relevante en la lucha contra el nacionalsocialismo, nació con el comentario de
1919 de este teólogo suizo a la Carta a los romanos.3
Posteriormente fue profesor de Teología en Gotinga (1921-1925), Münster (1925-1930) y Bonn (1930-1935).1 Durante su estancia en Gotinga conoció a Charlotte von Kirschbaum, quien a la larga vendría a ser su secretaria y asistente, jugando un importante papel en la redacción de la extensa obra de Barth: "Dogmática Eclesial". Tuvo que abandonar Alemania en 1935, por negarse a prestar juramento a Adolf Hitler.1 Barth regresó a Suiza y fue profesor en la Universidad de Basilea hasta su retiro en 1962, aunque siguió enseñando hasta su muerte.
Barth, originalmente,
fue educado dentro del pensamiento del protestantismo liberal, bajo las
enseñanzas de maestros como Wilhelm
Herrmann, pero se rebeló contra esta teología en tiempos de la Primera Guerra
Mundial. Esta reacción fue determinada por varios factores, entre
los que destacan su compromiso con el movimiento religioso socialista suizo y
alemán en los que figuraban hombres como Herman
Kutter, la influencia del movimiento del "realismo
bíblico" alrededor de hombres como Christoph Blumhardt y Søren Kierkegaard,
y el impacto de la filosofía escéptica de Franz Overbeck.
Su obra más importante
es la dogmática eclesial, catorce tomos con más de diez mil páginas. Su tesis
principal:
1. Dios es Dios, pero es
Dios para el mundo.
2. El mundo es mundo,
pero amado por Dios.
3. Dios se encuentra con
el mundo en su Palabra, Jesucristo.
1880:
Nace Fulgencio García, compositor
colombiano. (f.1945).
Nacido en Purificación, Tolima, el 10 de mayo de 1880, y fallecido
en Bogotá el 4 de marzo de 1945, el compositor Fulgencio García fue un
discípulo avezado de Pedro Morales Pino, tal vez el mejor de ellos.
Hizo su carrera en Bogotá donde residió desde temprana edad y se
convirtió en un excelso ejecutante de la bandola, aunque también dominó otros
instrumentos de cuerda. Hizo parte de las estudiantinas de su maestro y de
Emilio Murillo. Su principal composición es, a todas luces, La gata golosa que
data de 1912 y llevó inicialmente el nombre de Soacha, pero que fue rebautizada
en una dulcería ubicada justamente en esa población cundinamarquesa.
Otras piezas de su producción son los pasillos instrumentales
Vinotinto, Coqueteos, Castilla y Toño; los bambucos Qué nos importa bien mío y
El destemplado, la gavota Luna de miel; Diciembre y Del mar la ola, entre
muchas más.
1862:
Nace Quirino Mendoza, compositor mexicano. (f.1957).
Quirino Fidelino
Mendoza y Cortés (Tulyehualco, Xochimilco, 10 de mayo de 1862 - Ciudad de México, 9 de noviembre de 1957)
fue un músico y compositor mexicano, autor del huapango tradicional
"Cielito lindo"
y la polka "Jesusita en Chihuahua".
Él aprendió del grandísimo maestro de la música, Everardo Ibarra Rodríguez.
Índice
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Biografía[editar]
A temprana edad, su
padre le enseñó a tocar piano, flauta, violín, guitarra y órgano.
Siendo adolescente siguió los pasos de su padre para trabajar como organista de
iglesia en Milpa Alta y Xochimilco. En 1880, compusó su primera obra
la cual se llamó "Mi bendito Dios". Después de componer varias piezas
religiosas, decidió incursionar en otros géneros musicales tales como himnos, polkas, mazurcas, corridos, valses, huapangos, pasodobles, marchas, cantos infantiles, boleros y canciones rancheras. Paralelamente fue
profesor de primaria y maestro de música durante sesenta y dos años.1
Conoció a Catalina
Martínez —mujer que tenía un lunar cerca de la boca— con quien se casó, y en
quien se inspiró para componer el huapango "Cielito lindo". Esta
canción se popularizó rápidamente en todo México. En 1916, durante la época de
la Revolución mexicana,
compusó la polka "Jesusita en Chihuahua". Fue teniente coronel y director de
la orquesta de guerra. Entre sus múltiples composiciones se encuentran
"Rosalía", "Joaquinita", "Xochimilco", "La
noche tendió su manto", "Honor y gloria", "Pasión",
"Rosenda", "Luz", "Las espuelas de Amozoc" y "Alegría de vivir".2
1843:
Nace Benito Pérez Galdós, escritor y dramaturgo
español (f. 1920).
Benito Pérez Galdós (Las Palmas de Gran Canaria,
10 de mayo de 1843-Madrid, 4 de enero de 1920)1 fue un novelista, dramaturgo, cronista y
político español.2
Se le considera uno de los mejores representantes de la novela realista del siglo xix no
solo en España y un narrador capital en la historia de la literatura en lengua española, hasta el punto de ser propuesto por
varios especialistas y estudiosos de su obra como el mayor novelista español
después de Cervantes.3
Galdós transformó el panorama novelesco español de la época,4 apartándose de la corriente romanticista en pos del realismo y
aportando a la narrativa una gran expresividad y hondura psicológica.3 En palabras de Max Aub, Galdós, como Lope de Vega, asumió el espectáculo del pueblo llano
y con «su intuición serena, profunda y total de la realidad», se lo devolvió,
como Cervantes, rehecho, «artísticamente transformado». De ahí que «desde Lope
ningún escritor fue tan popular, ninguno tan universal desde Cervantes».5
Pérez Galdós fue desde 1897 académico de la Real Academia Española y
llegó a ser propuesto al Premio Nobel de Literatura en
1912. Aunque, salvo en su juventud, no mostró especial afición por la política,
aceptó su designación como diputado en
varias ocasiones y por distintas circunscripciones.67
1760:
Claude Rouget de
Lisle, capitán, ingeniero y compositor francés, autor de La Marsellesa (f. 1836).
Claude-Joseph Rouget de Lisle, o Rouget de l'Isle (Lons-le-Saunier, Franco Condado, 10 de mayo de 1760 — Choisy-le-Roi, 26 de junio de 1836),
fue un militar y compositor francés, oficial del cuerpo de ingenieros del
ejército francés. Como militar sólo llegó a alcanzar la graduación de capitán
del ejército francés.
Licenciado en la Escuela de Mézières, y
destinado en Estrasburgo,
compone en el salón de Philippe-Frédéric de Dietrich, alcalde de la
ciudad, le Chant de guerre pour l'armée du Rhin (Canto de
Guerra para el Ejército del Rin) el 25 de abril de 1792.
Este himno, cantado por el batallón de los marselleses durante su marcha
hacia París en julio de 1792 es
rápidamente rebautizado como "La Marsellesa" y el 14 de marzo de 1879 se
convertirá en el himno nacional francés,
durante la III República. Encarcelado durante el periodo de la Revolución francesa conocido
como El Régimen del Terror y condenado a muerte, se dice que se libró por ser
el autor de este himno tan popular y patriótico. Posteriormente combatió
en Vendée, abandonó el ejército en 1796 y
vivió con dificultad en Lons-le-Saunier. Luis Felipe I le había concedido una pequeña
pensión correspondiente a la Legión de Honor.
Sus cenizas fueron trasladadas al Hôtel des Invalides en 1915.
Sin embargo todavía puede verse su tumba en el cementerio de Choisy-le-Roi,
ciudad que le recuerda con una estatua en su honor situada en la plaza que
lleva su nombre.
En el n.º 24 actual
de la Rue du Commerce de Lons-le-Saunier vivió Rouget de Lisle. En esta ciudad hay un teatro que tiene un reloj con carrillón
que antes de dar las horas, toca la melodía de dos compases de La
Marsellesa. Falleció en la pobreza.
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