Un día como hoy 12 de mayo
El 12 de mayo es el 132.º (centésimo trigésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 133.º en los años bisiestos. Quedan 233 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santoral de la Iglesia Católica:
San Pancracio
Año
304.
El doce de mayo se celebra la fiesta de San Pancracio, un jovencito romano de sólo 14 años, que fue martirizado por declarase creyente y partidario de Nuestro Señor Jesucristo.
Dicen que su padre murió
martirizado y que la mamá recogió en unos algodones un poco de la sangre del
mártir y la guardó en un relicario de oro, y le dijo al niño: "Este
relicario lo llevarás colgado al cuello, cuando demuestres que eres tan valiente
como lo fue tu padre".
Un día Pancracio volvió de
la escuela muy golpeado pero muy contento. La mamá le preguntó la causa de
aquellas heridas y de la alegría que mostraba, y el jovencito le respondió:
"Es que en la escuela me declaré seguidor de Jesucristo y todos esos
paganos me golpearon para que abandonara mi religión. Pero yo deseo que de mí
se pueda decir lo que el Libro Santo afirma de los apóstoles: "En su
corazón había una gran alegría, por haber podido sufrir humillaciones por amor
a Jesucristo". (Hechos 6,41).
Al oír esto la buena mamá
tomó en sus manos el relicario con la sangre del padre martirizado, y
colgándolo al cuello de su hijo exclamó emocionada: "Muy bien: ya eres
digno seguidor de tu valiente padre".
Como Pancracio continuaba
afirmando que él creía en la divinidad de Cristo y que deseaba ser siempre su
seguidor y amigo, las autoridades paganas lo llevaron a la cárcel y lo
condenaron y decretaron pena de muerte contra él. Cuando lo llevaban hacia el
sitio de su martirio (en la vía Aurelia, a dos kilómetros de Roma) varios
enviados del gobierno llegaron a ofrecerle grandes premios y muchas ayudas para
el futuro si dejaba de decir que Cristo es Dios. El valiente joven proclamó con
toda la valentía que él quería ser creyente en Cristo hasta el último momento
de su vida. Entonces para obligarlo a desistir de sus creencias empezaron a
azotarlo ferozmente mientras lo llevaban hacia el lugar donde lo iban a
martirizar, pero mientras más lo azotaban, más fuertemente proclamaba él que
Jesús es el Redentor del mundo. Varias personas al contemplar este maravilloso
ejemplo de valentía se convirtieron al cristianismo.
Al llegar al sitio
determinado, Pancracio dio las gracias a los verdugos por que le permitían ir
tan pronto a encontrarse con Nuestro Señor Jesucristo, en el cielo, e invitó a
todos los allí presentes a creer siempre en Jesucristo a pesar de todas las
contrariedades y de todos los peligros. De muy buena voluntad se arrodilló y
colocó su cabeza en el sitio donde iba a recibir el hachazo del verdugo y más
parecía sentirse contento que temeroso al ofrecer su sangre y su vida por
proclamar su fidelidad a la verdadera religión.
Allí en Roma se levantó un
templo en honor de San Pancracio y por muchos siglos las muchedumbres han ido a
venerar y admirar en ese templo el glorioso ejemplo de un valeroso muchacho de
14 años, que supo ofrecer su sangre y su vida por demostrar su fe en Dios y su
amor por Jesucristo.
San Pancracio: ruégale a
Dios por nuestra juventud que tiene tantos peligros de perder su fe y sus
buenas costumbres.
El Día
internacional de la enfermera es celebrado en todo el mundo cada 12 de mayo, aniversario del nacimiento
de Florence Nightingale.
El Consejo
Internacional de Enfermeras conmemora cada año este día
importante con la producción y distribución de la carpeta del Día Internacional
de la Enfermera (DIE).
Índice
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·
3Temas
Día
Internacional de la Enfermería 2018[editar]
Día Internacional de las Enfermera 2020
Enfermeras: Una voz para liderar – La salud para todos
Enfermeras: Una voz para liderar – La salud para todos
Introducción
de Annette Kennedy, Presidenta del CIE
Llevando al mundo hacia la salud
Hay más de 20 millones de enfermeras en todo el mundo y cada una de ellas tiene una historia. Entienden de esperanza y valor, alegría y desesperación, dolor y sufrimiento, así como de vida y muerte. Al ser una fuerza siempre presente para el bien, las enfermeras escuchan el primer llanto de los bebés recién nacidos y son testigos del último aliento de los moribundos. Están presentes en algunos de los momentos más preciados de la vida al igual que en algunos de los más trágicos. Las enfermeras sirven a la humanidad y, mediante sus acciones, protegen la salud y el bienestar de las personas, las comunidades y las naciones.
En todo el mundo, la población reconoce habitualmente a la enfermería como la profesión más honesta y ética de todas: las personas confían y respetan instintivamente tanto a las enfermeras como la labor que llevan a cabo. Sin embargo, lo que los ciudadanos entienden por enfermería varía considerablemente y a menudo es objeto de distorsiones. Las imágenes de las enfermeras como ángeles de la misericordia son comunes, pero van acompañadas de retorcidos estereotipos sexuales. Y predomina la idea anticuada de que las enfermeras de alguna manera están subordinadas a los médicos. El caso es que muy pocas personas comprenden la amplitud de las funciones y responsabilidades de las enfermeras modernas, lo cual significa que no aprecian verdaderamente el extraordinario valor de la enfermería para cada persona en el planeta.
El Consejo Internacional de Enfermeras (CIE) cree que es vital mostrar al mundo quiénes son las enfermeras y lo que hacen, especialmente este año: el Año Internacional de la Enfermera y la Partera. El CIE quiere que la voz de la enfermería se escuche en todo el mundo para dar a conocer nuestra gran profesión y cómo contribuye al bienestar del mundo. Las enfermeras cuidan, curan, educan, lideran, defienden y son fundamentales para prestar cuidados seguros, accesibles y asequibles. En este informe del Día Internacional de la Enfermera, recurrimos a la voz auténtica de enfermeras de todos los lugares para ofrecer al mundo una visión de esta profesión maravillosa, innovadora y vital.
El 12 de mayo fue designado Día
Internacional de la Fibromialgia en homenaje a Florence Nightingale,
nacida el 12 de mayo de 1820.
Índice
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Conmemoración[editar]
El 12 de mayo de cada año se celebra
el Día Internacional de la Fibromialgia. El índice de población
mundial que padece de fibromialgia se sitúa entre el 3 % y el 6 % de
la población mundial, la fibromialgia (FM) fue reconocida por
la Organización
Mundial de la Salud (OMS) en 1992.1
2013:
Biografía[editar]
Constantino Romero nació en Alcalá de Henares el 29 de myo de 1947, donde su padre, Ángel Romero Martínez, trabajaba como funcionario de prisiones.2 Aunque él se consideraba fundamentalmente albaceteño, por ser esta provincia el lugar de origen familiar y porque el pueblo de su infancia fue Chinchilla de Montearagón, a 15 km de la capital, localidad natal de su madre, Antonia García Martínez.
Inició su carrera profesional como locutor de Radio Barcelona en 19653 y de Radio Nacional de España. Fue en 1985 cuando dio el salto a la televisión, con la presentación del programa Ya sé que tienes novio. La popularidad le vendría poco después, al ponerse al frente del concurso El tiempo es oro, entre 1987 y 1992. Más adelante ficharía por Antena 3 y, de nuevo, conseguiría grandes cuotas de audiencia.4
Posteriormente, trabajaría en las televisiones autonómicas con el concurso La Silla, sustituiría a Silvia Jato al frente de Pasapalabra durante su baja por maternidad,4 y en 2002 sería fichado por Castilla-La Mancha Televisión.
También fue locutor en galas y grandes eventos como los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, además de poner su voz a numerosos anuncios.
En 1984, a la edad de 36 años debutó como actor teatral en la obra L'Òpera dels tres rals5 (La ópera de los tres centavos) dirigida por el también actor de doblaje Mario Gas. Ambos volverían a trabajar juntos, primero en La Ronda de Arthur Schnitzler, en 1986 en el Teatre Romea6 y en los musicales Sweeney Tood (1995) y A little night music (2000), ambas obras de Stephen Sondheim. Otra de sus participaciones notables en el teatro musical fue como voz de Audrey II, la planta carnívora, en el montaje de The little shop of horrors o La botiga dels horrors,7 dirigida por Joan Lluís Bozzo.
En su faceta como actor de doblaje, por su voz potente, profunda y muy grave, está considerado como uno de los profesionales más prestigiosos de España. Dobló habitualmente a Clint Eastwood y a James Earl Jones, Roger Moore, Arnold Schwarzenegger y William Shatner. Empezó a doblar a principios de los 70, cuando un director de doblaje escuchó su voz a través de la radio; llamó a la emisora y pidió que Constantino se acercara al estudio de doblaje, "Voz de España" para efectuarle una prueba. La prueba fue un éxito y comenzó a doblar a la vez que compaginaba su trabajo de locutor en la radio. Además, dobló a actores como Donald Sutherland, Sam Elliott, Michael Caine, Sean Connery, Dan Aykroyd, Louis Gossett, Jr., Carl Weathers...
En su voz han sonado míticas frases del cine mundial, como: "No, yo soy tu padre" (contrariamente al "Luke, yo soy tu padre" que se ha extendido en la cultura popular) pronunciada por James Earl Jones en El imperio contraataca; "Yo, he visto cosas que vosotros no creeríais..." (Rutger Hauer en el famoso discurso final de Blade Runner); "Volveré" (I'll be back), pronunciada por Arnold Schwarzenegger en el filme de 1984 Terminator; "Sayonara Baby" (Arnold Schwarzenegger en Terminator 2: el juicio final); "Me llamo Bond, James Bond" cuando fue interpretado por Roger Moore. Ha doblado a Tony Randall en Gremlins 2: La nueva generación haciendo de Gremlin Listo; también realizó el doblaje de célebres personajes de películas de Disney como el Juez Claude Frollo en El jorobado de Notre Dame, el tigre Shere Khan en El libro de la selva 2, y sobre todo Mufasa en El Rey León, uno de los trabajos que más le conmovió.
En 1981 dobló al asesino en serie Edmund Kemper en la película mondo The Killing of America.
Obtuvo una Antena de Oro en 1999 y dos TP de Oro como Mejor presentador en 1996 por La parodia nacional y en 1999 por Alta Tensión, además estuvo nominado en 1991 a la misma categoría por El tiempo es oro. También colaboró con su voz en el segundo disco del grupo madrileño Clint, Los tipos duros también bailan.
Desde 1998 cedió su imagen y su voz a Grupo Lo Monaco. Desde que la compañía comercializaba únicamente menaje del hogar, ya era patente su imagen vinculada a la firma. Cuando dio el salto al mundo del descanso, Grupo Lo Monaco también contó con su presencia. Su relación con la marca cesó con el fin de un contrato el 31 de marzo de 2012.
En 2010 participó en una representación teatral, dirigida por el valenciano José Tomás Chafer, en su pueblo Chinchilla de Monte-Aragón en el papel de castillo de esta localidad, como narrador y eje conductor de toda la representación, en la cual se narraban y representaban los hechos ocurridos entorno al castillo de Chinchilla, como la guerra de la independencia del siglo XIX o la jura de los fueros de la ciudad de Chinchilla por sus majestades los Reyes Católicos en 1488.
Cinco meses después de anunciar su retiro, el 12 de mayo de 2013, falleció a los 65 años en Barcelona debido a la esclerosis lateral amiotrófica que padecía.10
Legado[editar]
La voz de Constantino Romero sigue siendo después de su muerte ampliamente reconocida en la cultura cinematográfica de habla hispana. Muchos profesionales, hispanoamericanos y españoles, dedicados a la industria del doblaje reconocen a Romero como un referente para su trabajo.
Entre el público más joven, Romero es recordado como "la voz de la infancia", dada su participación en películas de Disney como El Rey León (Mufasa), El jorobado de Notre Dame (Juez Claude Frollo) o la saga cinematográfica de Rocky (Apollo Creed, Clubber Lang).
Premios Constantino Romero[editar]
El FesTVal de Vitoria creó en 2015 los Premios Constantino Romero rindiéndole homenaje. El galardón tiene como objetivo reconocer a "una figura vinculada a la televisión en cuya carrera tenga una importancia especial la voz". En 2016 fue premiado el actor José Sacristán11 y en 2019 Rosa María Calaf.12
Televisión[editar]
- Ya sé que tienes novio (1985) en Televisión Española.
- El tiempo es oro (1987-1992) en Televisión Española.
- 3x4 (1988), en TVE, sustituyendo a Julia Otero en periodo estival.
- La vida es juego (1992-1993) en Televisión Española.
- Valor y coraje (1993-1995) en Televisión Española.
- La Parodia Nacional (1996-2001) en Antena 3.4
- Tele risa (1997) en Antena 3.13
- Alta Tensión (1998-1999) en Antena 3.4
- Tierra trágame (1999) en Antena 3.4
- Telerisa (1999) en Antena 3.4
- Una vez en la vida (2001) en Antena 3.4
- Domino Day (2001-2002) en Antena 3.4
- Destino de Castilla a La Mancha (2002) en CMT.
- Pasapalabra (2002-2003) en Antena 3.4
- La silla (2002) en Telemadrid, ETB y Canal Sur.
- Reparto a domicilio (2003) en Telemadrid.
- Un paseo por Castilla-La Mancha (2005) en CMT.
- Siempre ellas (2006) en CMT.
- Matrícula (2007-2009) en Cantabria TV y Canal 2 Andalucía, entre otras
- Cantando en familia (2008) en CMT.
- Tierra de Tesoros (2009) en CMT.
- Nuestro Campo Bravo (2006-2010) en CMT.
- Mucho que perder, poco que ganar (2011) en LaSexta.
Número de doblajes de actores más conocidos[editar]
- Voz habitual de Clint Eastwood (en 32 películas).
- Voz habitual de James Earl Jones (en 15 películas).
- Voz habitual de Roger Moore (en 13 películas).
- Voz habitual de William Shatner (en 10 películas).
- Voz habitual de Arnold Schwarzenegger (en 5 películas).
Antonio Vega Tallés (Madrid, 16 de diciembre de 1957 - Majadahonda, Madrid, 12 de mayo de 2009)1 fue un compositor y cantante español. En 1978 formó junto a su primo Nacho García Vega el grupo Nacha Pop, originado en otra banda, Uhu Helicopter, de la que provenían ambos. Su disco de presentación se editó en 1980, separándose el grupo en 1988 tras una exitosa carrera con seis álbumes de estudio y uno en directo. Vega comenzó entonces su carrera como solista, en la que editaría cinco discos de estudio, un álbum en directo y un recopilatorio de colaboraciones con otros artistas.
Antonio Vega ha sido considerado uno de los compositores fundamentales del pop español desde la llegada de la democracia.2 El intimismo de sus canciones y su sensibilidad le ganaron la admiración de crítica y público.
2008:
Muere Irena Sendler (el
Ángel del Gueto de Varsovia), filántropa alemana (n. 1910).
Irena Sendler o Sendlerowa (Otwock, Varsovia, 15 de febrero de 1910 - Varsovia, 12 de
mayo de 2008), conocida como «El Ángel del Gueto
de Varsovia», fue una
enfermera y trabajadora social polaca católica, que durante la Segunda Guerra Mundialayudó y salvó a más de dos mil quinientos
niños judíos prácticamente condenados a ser víctimas
del Holocausto, arriesgando su propia vida. Fue candidata
al Premio Nobel de la Paz en 2007, aunque finalmente no resultó elegida. Sin embargo, fue reconocida
como Justa entre las naciones y se le otorgó la más alta distinción
civil de Polonia al ser nombrada dama de la Orden del Águila Blanca.
2007:
Muere José Barros,
compositor colombiano.
José Benito Barros
Palomino (El Banco, Magdalena, 21 de marzo de 1915 - Santa Marta, 12 de mayo de 2007)
fue un compositor colombiano catalogado
como uno de los más grandes de la historia del cono sur, en especial, por su
obra: La Piragua.1
Índice
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o
1.1Obra
·
2Obras
Biografía[editar]
Nació José Benito Barros
Palomino, el 21 de Marzo de 1915, hijo de una mujer indígena llamada Eustasia
Palomino, con José Maria Barros; cuyo padre, era un inmigante portugués llamado
Joao Do Barros. En su Biografía José Barros dice que: sus amigos tenían una
empresa de emboladores, cobraban 5 centavos al cura, al alcalde o al
telegrafista del pueblo, y cuando los tenían se iban a chicanear al teatro a
hacer sonar las monedas en los bolsillos. En el libro Diez Juglares en su
patio, escrito por Alberto Salcedo Ramos, se afirma que ya los diez años, José
Barros, su hermano y un grupo de amigos, se encontraban organizados para tocar
en parrandas y cobraban 20 centavos por intervención en tiple y guitarra.
Entrado diciembre, en
la región de El Banco se realizaban cumbiones, en los cuales “Benito”, como era
llamado por sus amigos más cercanos, hacía parte con sus colegas de estos
tradicionales encuentros, acompañando a grupos de tambora y de chandé. En estas
ocasiones, también se retomaban las danzas rituales de los indígenas de la región.
Cómo el mismo José
Barros veía su propia formación musical:
La verdad es que yo me
hice compositor mamando gallo, lo único que me interesaba era gozar yo solo,
cuando creaba una canción. Después, la mandaba a la porra. Se me olvidaba. Mis
primeras canciones surgieron cuando tenía doce años, pero yo ya no las
recuerdo, se que una se llama Corazón sangrante y la otra Nena.
En su infancia, José
Barros también fue acólito; se dice que era muy flojo para el estudio y que las
únicas tareas que hacía eran las de gramática: en la clase de aritmética se la
pasaba leyendo a Amado Nervo. Al parecer le importaba más aprender la
estructura de los versos que los demás quehaceres escolares, motivo por el cual
dejó la escuela en quinto de primaria.
Entrada su adolescencia,
Benito era motivo de preocupación de sus hermanos mayores, debido a que este se
mostraba indiferente al trabajo. Oscar Barros su hermano mayor, preocupado por
esta situación, financió a su hermano para que este iniciara un negocio: hizo
que un hotel de la región le comprara gallinas además de otros bienes, creyendo
que, como José no quería estudiar ni trabajar, tal vez podría ser un gran
negociante. Pero con la llegada de su primera novia, todo su capital fue
derrochado y su negocio quedó atrás.
El no poder encontrar
su propio lugar en El Banco hizo que José se aventurara a partir lejos de su
pueblo natal; ese día, sus hermanos mayores lo buscaban con afán. Sin embargo
él nunca pensó en comunicarse con su familia. Por esta razón algunos años
después de su partida, cuando en El Banco se referían a él, lo llamaban “el
difunto” hecho que producía gran dolor a su madre;su primer destino fue Santa
Marta, y allí nació su deseo de viajar a Argentina el cual no pudo cumplir,
debido a que no poseía libreta militar motivo por el cual se enlistó en el
ejército.
Aún viviendo en un
régimen disciplinario, Benito se las arreglaba para aprender a tocar guitarra
con un nuevo amigo: el soldado Jaime Gutiérrez; en las noches el silencio del
cuartel fue su compañero cuando escribía letras de boleros. Por ese entonces el
vallenato era un ritmo proscrito y el bolero era el ritmo en furor. Por este
motivo esta etapa de su producción se dedicó casi por completo a este ritmo.
De su carrera militar
sobresale que alcanzó el grado de sargento segundo y durante su estancia de
servicio se llevó a cabo la guerra con el Perú. Barros no fue al frente de
batalla debido a que cuando ya estaba listo para viajar, un amigo y coterráneo
suyo fue muerto en el Amazonas, hecho que lo hizo retractarse de ir al combate.
Al salir del cuartel, solo se llevó la guitarra de su amigo, el soldado
Gutiérrez, el cual se la dejó como recuerdo.
Su aventura apenas
comenzaba, la siguiente parada fue Barrancabermeja, desde su llegada conoció a
músicos de la región e hizo su primer grupo musical. Seguidamente, tomo la
decisión de viajar a Segovia, atraído por la llamada fiebre del oro, lugar que
llamaba a todos los aventureros en busca de fortuna procedentes de muchas
partes del país. Benito también acudió a este llamado; fue en estas minas donde
compuso una canción con esta melancólica letra: “Que será lo que busca el
minero/ en la oscuridad de la mina/ La muerte rápida o lenta/ o su esperanza
perdida/ acaso solo busca ilusiones y solo encuentra quimeras… ” .
Luego su espíritu
aventurero lo llevó a Medellín.En esta ciudad tuvo que soportar varias
penurias, de las cuales surgen relatos como el que narra que para poder
sobrellevar el hambre, tuvo que robar una papa en la calle: “para que no me
sorprendieran, me la eche al bolsillo del saco comprado de segunda mano, con
tan mala suerte que el bolsillo estaba roto y la papa cayó al suelo” . De este
penoso capítulo de su vida surgieron canciones como: Mala suerte, Cantinero
sirva tanda, El suicida, entre otras, esta vez en ritmo de tango. Barros había
escuchado a Gardel a cuyo sepelio asistió y cuya música fue de gran influencia
para él. Los tangos fueron las piezas que lo hicieron sonar en la radio.
En 1942 regresó a su
natal El Banco, lugar en donde se le daba por muerto, razón por la cual su
madre prohibió que se hablase de él. Ella aun guardaba la esperanza de su
regreso, habitualmente sacaba la ropa de su hijo de un escaparate, la lavaba y
la planchaba. Ese día, se formó una parranda por su regreso que se terminó hasta
el amanecer. En su viaje a Cali creó una canción a su madre: Dos claveles.
Su alma aventurera
estaba intacta y por esto comenzó una gira por el continente americano
Argentina, Chile, Brasil, Ecuador y Perú fueron los lugares donde escuchó, vio
trabajar músicos. fue en Perú donde grabó su primer disco, cantinero sirva
tanda en 1944. Fue hasta 1946 que Don Jack Glottmman le brindó la oportunidad
de recibir sus primeras regalías por sus primeros dos tangos grabados fueron
dos mil dólares. luego de su gira sur americana, José Barros regresó a Colombia
durante un periodo muy corto y luego continuó con su viaje a México, país en
donde más tarde algunas de sus canciones llegaron a hacer parte de películas
como Novia a la medida y Del Can can al mambo. De México fue deportado hacia
Colombia pues era indocumentado. Esta vez su destino fue Bogotá donde se
encontró con músicos de la talla de Lucho Bermúdez y Pacho Galán. Oquendo cita
a Veruchka Barros en este sentido:
A mi papá le daba muy
duro porque ellos eran personas estudiadas y él, empírico. Aprendió de viejo a
escribir música, por necesidad, porque aunque ellos eran amigos y le ayudaban a
escribir la música, también eran competidores.
De Bogotá se traslada
a Cartagena, por contrato con Antonio Fuentes dueño de discos Fuentes y así
comienza un nuevo capítulo con Los Trovadores de Barú.
Los Trovadores de Barú
comenzaron como una estrategia meramente empresarial. Toño Fuentes pensó que
una orquesta era menos rentable que un conjunto sobre todo para presentaciones
y giras. Fue así como desapareció la orquesta Emisoras Fuentes y se creó en su
lugar a los Trovadores de Barú. Este grupo con el aporte de José Barros, se
hizo muy polifacético. Con estos grabó canciones como Carnaval, Dos claveles,
Amor y llanto, Eres tú y Mala mujer; también el maestro Barros encuentra una
nueva faceta musical, la tropical, y así surgieron Ta tanga chata, Juanita
Maicera, El Chupa flor entre otros.(fotos y audios con los trovadores) Los
Trovadores de Barú tuvieron mucho éxito, hicieron algunas presentaciones y
apariciones radiales en Venezuela, centrándose en Caracas y Maracaibo, también
fueron a Panamá.
Dentro de la
polifuncionalidad de este grupo vemos como interpretaron pasillos y bambucos,
también grabaron con Bovea y sus Vallenatos y Alberto Fernández. Fueron
contratados para grabar en diferentes formatos con duetos y tríos y acompañaban
a diversos solistas, entre ellos a Guillermo Buitrago y Tito Cortés con su
Víspera de año nuevo y también Ron de Vinola, estos siendo record en ventas. También
grabaron otros éxitos como El clavelito Rojo de José Barros además de sus más
afamados boleros, entre ellos carnaval, del cual se han hecho diversas y bien
logradas versiones internacionales.
entrevista con el maestro José Barros nos muestra lo
que pensaba sobre la cumbia:
“Esa pregunta me la
hago yo mismo, todos los días, y la verdad es que si, con palabras, no sé qué
diablos es la cumbia. Yo siento la cumbia, vivo a través de ella. Me da fuerzas
cuando estoy vencido y a veces hace que se me olvide que tengo hambre o sed”.
Luego se fue a
Barranquilla, donde intentó crear su propio sello discográfico “Jobar”. De
regreso en Bogotá, José se reunía con sus amigos compositores y en donde según
el mismo decía comenzaba a componer La Piragua, justo en ese momento, cuando su
fama alcanzaba a todas las esferas de la sociedad colombiana decidió regresar a
su natal El banco en donde dedico sus esfuerzos a crear el Festival Nacional de
la Cumbia. Su vida de regreso en el banco era escribir, silbar, escribir y luego
se iba a visitar a sus amigos y amigas y así transcurrió hasta el final de sus
días.
Obra[editar]
La Piragua, interpretada por el Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e
Infantiles de Venezuela
“… es que cuando yo
anduve recorriendo mundo conocí a mucha gente. A mí me grabo Bienvenido
Granada, con la Sonora Matancera, los temas A la orilla del mar y El Chupaflor.
Charlie Figueroa se hizo famoso con 12 boleros antillanos de mi autoría, entre
ellos busco tu recuerdo, culpa al destino y por eso me voy. Mi canción pesares,
que es una de mis preferidas, fue grabada por Julio Jaramillo, María Dolores
Pradera, Rolando Laserie y Rocío Durcal. El gallo tuerto todavía arma escándalo
en México y ahora, según me informaron La Piragua fue grabada por una orquesta
sinfónica de Francia. La Billos Caracas Boys y los Melódicos de Venezuela,
también grabaron varios temas míos, como navidad Negra y Palmira señorial”.
De entre sus aventuras
más grandes y desconocidas por la mayoría encontramos su incursión en la
literatura, con su obra La Piragua De Guillermo Cubillos a manera de
autobiografía de la cual uno de sus editores Ever Feria Tovar a manera de
Prólogo ha escrito:“en realidad el trabajo no fue tal. Colocar una coma aquí,
correr un punto allá, invertir una colocación de una palabra en un párrafo fue
suficiente para dar por concluida mi intervención en esta tarea… ”.
De entre sus
reconocimientos más importantes está la de la Orden de la Democracia entregada
por la Cámara de representantes y también el gobierno de Colombia, en cabeza
del presidente de la república, Dr. Belisario Betancur, condecoro al maestro
Barros en 1984 con la Orden de Boyacá. Para este acto la orquesta filarmónica
de Bogotá ofreció un concierto especial con arreglos del compositor Francisco
Zumaqué.
La Piragua
Esta canción es un
recuerdo de su infancia cuando entraba al bote de Guillermo Cubillos y se
robaba los aguacates para después venderlos dice Carrillo, de la piragua dijo:
“A El Banco llegó
desde Girardot, un comerciante cachaco de nombre Guillermo Cubillos. Traía, por
buque, artículos desde el interior de la República, y en el Banco los vendía.
Después instaló una tienda grande. Allí conoció a una muchacha de nombre Juana,
nacida en chimichagua. Más tarde se trasladó con ella a chimichagua.
Estando allá le
construyó una canoa inmensa a la que le dio por nombre La Piragua. De ese hecho
me salió la inspiración que tiene el mismo título”.
El Gallo Tuerto
Al recordar las misas
de gallo en su Banco natal cuando el sacerdote dijo: “Dóminusvobíscum, a lo
cual un hombre loco respondió Et cum spíritutuo, y alguien más agregó “cocoroyó
canto mi gallo debajo de la palma amarga”hecho del cual compuso la melodía que
le dio vuelta al mundo.
El Patuleco
De esta melodía el
maestro Barros relata:
“En Barranquilla entre
1952 y 1953, no recuerdo exactamente el año, un cachaco que tenía una tienda
cerca a pensión donde yo vivía –calle San Juan carrera La Paz, no me quiso fiar
una Coca Cola para refrescar un guayabo de padre y señor mío que sentía.
Entonces creyendo hacerle un mal a través de una melodía, compuse Patuleco. El
cachaco ni era cojo ni patuleco. Y cuál no sería mi sorpresa que dio cachaco en
vez de reclamar por el contenido de la letra patuleco, un día que pase frente a
su tienda, a gritos, me pidió que le compusiera otra melodía. Le convino cuando
salió el disco Patuleco cantado por Alberto Fernández y con los arreglos
musicales del maestro Pacho Galán. Mucha gente se acercaba a la tienda para
conocer al cachaco a quien me referí yo en esta letra. Es decir le aumentó la
clientela”.
Violencia
Según Carrillo
Hinojosa afirma que fue uno de los luchadores a la creación de Sayco. Además
que los problemas sociales que agobian a Latinoamérica y del mundo son tema
obligado en diarios, radio y televisión esta es una cumbia es la certera
crítica de José Barros a los diversos males que agobian a la humanidad.
Oigo un llanto que
atraviesa el espacio para llegar a Dios./ es el llanto de las niños que sufren,
que lloran de dolor,/ es el llanto de las mujeres que tiemblan con
desesperación,/es el llanto, es el llanto de Dios,/ Violencia, maldita
violencia, porque te empeñas en teñir de sangre la tierra de Dios,/ porque no
dejas que en el campo nazca nueva floración,/ violencia, porque no permites que
reine la paz,/que reine el amor,/ violencia, porque no permites que reine la
paz.
Agustín Lara (considerado el más grande
compositor de México) lo consideró el
compositor "más grande de Latinoamérica".2
Pierino Ronald Como, de nombre artístico Perry Como (Canonsburg, Pensilvania, 18 de mayo de 1912 – Jupiter Inlet Colony, Florida, 12 de mayo de 2001) fue un cantante de música popular, uno de los llamados crooners, actor y presentador de televisión estadounidense de origen italiano. Su carrera abarcó más de medio siglo y grabando exclusivamente para RCA Victor por 44 años después de firmar con el sello en 1943. "Mr C" como era nombrado, vendió millones de grabaciones siendo pionero en los programas de variedades transmitidos por la televisión. Sus espectáculos semanales y sus especiales por la televisión fueron transmitidos a través del mundo. La revista Billboard recuerda las grabaciones oficiales con RCA resumiendo en estas pocas palabras: "50 años de música y una vida bien vivida. Un ejemplo de todo". Pertenece a la misma generación de Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Al Martino de la cual el único superviviente de esa época que continúa en activo es Tony Bennett.
Perry Como recibió 5 Emmys de 1955 a 1959, un previo Christopher en 1967 y un premio Peabody junto a su amigo Jackie Gleason en 1956. Fue inducido al salón de la fama de la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión en 1990 recibido en el Kennedy Center Honor en 1987. De manera póstuma recibió un Grammy de por vida en el año 2002. Fue inducido al Salón de la Fama de Long Island en el año 2006. Esta distinguido de tener tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trabajo en la radio, televisión y en la música.
1994:
Muere Erik Erikson,
psicoanalista estadounidense de origen alemán. (n. 1902).
Erik Homburger Erikson o Erik
Erikson (15 de junio de 1902; Fráncfort del Meno, Alemania-12 de mayo de 1994;
Harwich, Cabo Cod, Massachusetts, Estados Unidos), fue un psicoanalista estadounidense de origen
alemán, destacado por sus contribuciones en psicología del
desarrollo.
Índice
[ocultar]
·
2Obra
Biografía[editar]
Su origen está rodeado
de cierto misterio. Su padre biológico fue un danés desconocido que abandonó a su
esposa justo cuando nació Erik. Su madre, Karla Abrahamsen, una joven danesa de
origen judío, crio sola a
su hijo durante los tres primeros años de su vida. Luego se casó con el Dr.
Theodor Homberger, quien era pediatra del niño y juntos se mudaron
a Karlsruhe, al sur de Alemania.
Después de finalizar
la secundaria, Erik decidió ser artista. Cuando no asistía a clases de arte,
vagaba por Europa, visitando museos y
durmiendo bajo los puentes. Vivió una vida de rebelde descuidado durante mucho
tiempo, justo antes de plantearse seriamente qué hacer con su vida.
Cuando cumplió los 25
años, un amigo suyo, Peter Blos (artista
y más tarde psicoanalista), le
sugirió que se presentara para una plaza de maestro en una escuela experimental
para estudiantes estadounidenses dirigida por Dorothy Burlingham, una amiga
de Anna Freud. Además de enseñar arte, logró un
certificado en educación Montessori y
otro de la Sociedad Psicoanalítica de Viena.
Fue psicoanalizado por la misma Anna Freud. Mientras estuvo allí, conoció a una
profesora de danza teatral en
la escuela mencionada. Tuvieron tres hijos, uno de los cuales más tarde
sería sociólogo.
Cuando los nazis tomaron el poder, abandonaron Viena
y fueron primero a Copenague y luego
a Boston. Erikson aceptó un puesto de trabajo en
la Escuela de Medicina de Harvard y practicó psicoanálisis de niños
en su consulta privada. En esa época logró codearse con psicólogos de la talla
de Henry Murray y Kurt Lewin, así como los antropólogos Ruth Benedict, Margaret Meady Gregory Bateson. Estos autores ejercieron gran
influencia sobre la obra de Erikson.
Más tarde enseñó
en Yale y luego en la Universidad de
California en Berkeley.
Fue durante este período cuando Erik Erikson realizó sus estudios sobre los
indios lakota y los yurok.
Cuando obtuvo su ciudadanía estadounidense,
adoptó oficialmente el nombre de Erik Erikson; nadie sabe por qué escogió este
nombre.
En 1950 escribió
“Childhood and Society” (Infancia y Sociedad), libro que contenía artículos de
sus estudios de las tribus
norteamericanas, análisis de Máximo Gorki y Adolf Hitler, así como una discusión de la “personalidad
estadounidense y las bases argumentales de su versión sobre la teoría
freudiana. Estos temas (la influencia de la cultura sobre la personalidad y el
análisis de figuras históricas) se repitieron en otros trabajos, uno de los
cuales, La verdad de Gandhi, obtuvo el premio Pulitzer y el Premio Nacional del
Libro.
Durante el reinado de
terror del senador Joseph McCarthy en 1950, Erikson abandona
Berkeley cuando se les pide a los profesores que firmen un “compromiso de
lealtad”. A partir de este momento, Erik pasa 10 años trabajando y enseñando en
una clínica de Massachusetts y
posteriormente otros 10 años más de vuelta en Harvard. A partir de su jubilación en 1970,
no deja de escribir e investigar durante el resto de su vida. Muere en 1994.
1992:
Muere Robert
Reed, actor estadounidense (n. 1932).
John Robert Rietz, Jr., conocido artísticamente como Robert Reed (19 de octubre de 1932, Highland Park, Illinois – † 12 de mayo de 1992, Pasadena, California) fue un actor estadounidense.
Biografía[editar]
Tras pasar su infancia y juventud en Oklahoma, comienza a ganar
popularidad al intervenir en la serie de televisión The Defenders (1961-1965).
No obstante, la fama a gran escala le llega gracias al papel de Mike
Brady, el patriarca de la exitosa sitcom The Brady Bunch, que se emitió entre 1969 y 1974.
Tras la cancelación de la serie, intervino en el programa de
variedades conducido en 1977 por todos los
miembros del reparto con el título de Brady Bunch Variety Hour.
Paralelamente dio vida al personaje de Adam Tobias en
la serie Mannix (1967-1975).
Con posterioridad tuvo apariciones invitadas en numerosas series
y películas expresamente grabadas para televisión, como Medical Center (1975) Pray
for the Wildcats (1974), The Boy in the Plastic Bubble (1976), Rich
Man, Poor Man (1976), Roots(1977), Wonder Woman (1976), Hawaii Five-0 (1979), Charlie's Angels (1980), Vega$ (1981)
o Murder, She Wrote.
En Broadway intervino en los montajes de Barefoot
in the Park, Death Trap y Avanti.1
Como muchos actores de la época ocultó su condición de homosexual y se casó, en 1957,
con Marilyn Rosenberg (1954-1959). El matrimonio tan sólo duró dos años y
tuvieron una hija, Caroline Reed.
1992:
Nace Malcolm David
Kelley, actor estadounidense.
Malcolm David Kelley es
un actor estadounidense, nacido el 12 de mayo de 1992 en Bellflower, California. Es un actor y músicoestadounidense. Representó el papel protagonista de Lil'
Saint en la película You Got
Served (2004), aunque es más conocido por su papel de Walt
Lloyd en
la serie de televisión Lost.
También ha hecho apariciones en Judging Amy, Law
& Order: Special Victims Unit y Me llamo Earl.
1984:
Muere Ben Roberts, escritor y productor de cine y
televisión
norteamericano. (n. 1916).
Benjamin Eisenberg Roberts (23 de marzo de 1916 - 12 de mayo de
1984) fue un escritor y productor de cine y televisión, y uno de los creadores
de las series de televisión Charlie's Angels y Time Express '. En 1958 fue
nominado para un Premio de la Academiapor
escribir la película biográfica de Lon Chaney El hombre
de las mil caras . También ha sido nominado para
dos premios Emmy y un Premio Edgar . En 1972, Roberts ganó
un Globo de Oro a la mejor
serie de televisión, drama para Mannix .
Ben Roberts ingresó a la Universidad de
Nueva York a los 16 años y se graduó tres años después. [ cita requerida ] Cuando
tenía 22 años, Roberts dirigía con éxito su propia firma independiente de
asesoramiento en relaciones públicas y contribuía material de comedia en varios
musicales de Broadway. [ cita requerida ] En
1941, colaboró con otro joven escritor, Ivan Goff , en el thriller de suspense
teatral Portrait in Black. Trabajó brevemente en películas a principios de
la década de 1940, regresó al escenario durante seis años y luego se estableció
definitivamente en Hollywood en 1949. Todos sus esfuerzos cinematográficos
posteriores, como guionista y productor, fueron en colaboración con su viejo
amigo Ivan Goff.. La pareja contribuyó al éxito
de proyectos tan variados como White Heat (1949), el Capitán Horatio
Hornblower (1951), Shake
Hands with the Devil (1959) y Midnight Lace (1960); y en 1957,
compartieron una nominación al Premio de la Academia por su escritura en
El hombre de las mil caras (1957). Ben Roberts e Ivan
Goff también fueron productores ejecutivos de la serie semanal de
televisión Mannix y Nero Wolfe . [1]
1981:
Nace Rami Malek, actor estadounidense.
Nace Rami Malek, actor estadounidense.
Rami Said Malek (Los Ángeles, 12 de mayo de 1981) es un actor estadounidense de origen egipcio conocido principalmente por su papel protagonista en la serie Mr. Robot, como Elliot Alderson, el cual lo hizo ganador de un un premio Emmy, y por encarnar a Freddie Mercury en el biopic Bohemian Rhapsody, trabajo por el cual ganó un Premio Óscar, un premio de la Crítica Televisiva, un Globo de Oro1 y un premio del Sindicato de Actores, entre muchas otras nominaciones.
Malek también ha interpretado personajes notables en el cine y televisión como el faraón Ahkmenrah en la trilogía Night at the Museum, Kenny en la serie de FOX The War at Home (La guerra en casa), y Merriel "Snafu" Shelton en la miniserie de HBO The Pacific. Además, ha aparecido en las películas Larry Crowne, The Master, The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 2, Short Term 12, Ain't Them Bodies Saints, Papillon, Need for Speed y Buster's Mal Heart.
1980:
Nace Silvestre Dangond,
cantautor colombiano de música vallenata.
Silvestre Francisco Dangond Corrales (Urumita, La Guajira; 12 de mayo de 1980.1) es un cantante, presentador de televisión y
compositor colombiano,
naturalizado estadounidense.2 Dangond es considerado uno de los
principales representantes de «la Nueva Ola» de música vallenata.3 Silvestre es idolatrado por sus
fanáticos, apodados silvestristas.4
Silvestre atribuye sus talentos a su padre, el cantante William
José “El Palomo” Dangond Baquero, quien a mediados de la década de los 70,
produjo 10 sencillos con Andrés “El Turco” Gil;5 y su madre, quien proviene de una
familia musical y le transmitió su carácter carismático, mientras que desempeñó
un papel importante en su educación formal y personal.
Siempre ha contado con el apoyo de su familia Él siempre estuvo
fascinado por el vallenato, y a menudo se escapaba por las noches para tocar y
escuchar las alegres melodías de su acordeón. Mientras se formaba en la escuela,
participó en numerosos shows de talento, ganando varios de ellos gracias a su
contagioso vallenato.
Para ayudarlo a perseguir su sueño de una carrera musical, su
familia se trasladaron a la ciudad de Bogotá. Allí, comenzó a presentarse en fiestas
con su gran amigo y acordeonista “Coco” Zuleta.6
En el 2002, firmó con Sony Music y lanzó su álbum debut Tanto
Para Ti, el cual produjo tres sencillos: “Quién Me Mandó,7” “Necesito Verte8” y “Muñeca de Porcelana.9”
En los años siguientes, lanzó dos álbumes más, Lo Mejor
Para Los Dos, y Más Unidos Que Nunca, con sencillos como “Mi
amor por ella” y “La Pinta Chévere.” Su primer éxito nacional llegó en el 2004
con “La Colegiala,” la cual fue escrita por él mismo.
Ya en el 2005 había logrado acumular una fiel base de fans
conocida como “Silvestristas”. Ese mismo año, lanzó el álbum Ponte a la
Moda, y comenzó a obtener reconocimiento internacional con “La
Indiferencia,” “Dile” y “La Pareja del Momento.” Su álbum La Fama, lanzado en
el 2006, reflejó su creciente madurez y produjo los singles “La Miradita,” “Ahí
Ahí” y “Así No Sirve.”
Con El Original (2008), lanzó uno de sus
álbumes más meticulosamente elaborados. Luego vino su álbum de 2010 Cantinero(Bartender).
La Asociación para la Protección de los Derechos Intelectuales sobre Fonogramas
y Videogramas Musicales, APDIF, certificó este álbum como Disco Cuádruple
Platino por ventas que superaron las 80,000 unidades.
Reuniéndose con el acordeonista Juancho De La
Espriella, en el 2011 lanzó el álbum No Me Compares
Con Nadie, que incluye los populares sencillos “La Gringa,” “Por
Dios Que Sí” y “La Cosita.” Éste álbum recibió una certificación de Disco de
Diamante en Colombia por ventas de más de 100,000 unidades.
En el año 2012, comenzó a trabajar con el acordeonista Rolando Ochoa, hijo del artista de
vallenato Calixto Ochoa, y
al año siguiente lanzaron el álbum La 9ª
Batalla.
Con 13 canciones escritas por compositores de Colombia, La
9ª Batalla fue certificado como Disco de Platino en Colombia y Venezuela a solo días después de su
lanzamiento. El álbum también alcanzó el puesto #1 en la lista de álbumes
latinos de iTunes en Estados Unidos, convirtiéndolo
en el primer artista de vallenato en llegar a la cima de este ranking altamente
competitivo.
En el 2014 comenzó a trabajar con el acordeonista Álvaro López y
con su primo el acordeonista Lucas Dangond . Su primer álbum juntos fue Sigo Invicto, lanzado el 24 de Noviembre
de 2014, y el cual produjo una gran cantidad de éxitos internacionales, como
“Cómo Lo Hizo,” “El Confite,” “Por Un Mensajito,” “El Glu Glu,” “Niégame Tres
Veces,” “El Mismo de Siempre,” “Novia Ingrata” y “El Tiempo.”
Luego de firmar con Sony Latin Music,10 Silvestre continuó dándole los
toques finales a su nueva producción discográfica en el 2016. Comenzó el 2017
lanzando su nuevo álbum, "GENTE VALIENTE," dos días antes de lo
planeado gracias a una demanda abrumadora.
"Gente Valiente" es una nueva propuesta musical con la
cual Silvestre populariza su versión moderna del vallenato colombiano y marca
el 11º álbum en su carrera. El álbum es producido por el productor
múltiplemente nominado al GRAMMY y Latin GRAMMY, Andrés Castro, quien ha
trabajado con músicos como Carlos Vives, ChocQuibTown, Gian Marco, Prince Royce, Samo y Thalía, entre otros.
Para celebrar el lanzamiento, Silvestre presentó un masivo
concierto en Valledupar, Colombia,
al cual asistieron más de 55 mil personas que celebraron el folclor vallenato
con las letras contagiosas y los mensajes inspiradores típicos de la música de
Silvestre. La histórica "parranda" tomo 15 días de trabajo en montar
e incluyó un espectáculo de sonido, luces y efectos especiales que la convirtió
en la producción más grande que se haya visto para presentar un álbum en el
país.
Similarmente, con miras a dominar a EE.UU., Silvestre siguió
celebrando el lanzamiento y el éxito que ha tenido con el amplio número de
descargas y reproducciones en Spotify, presentando una "parranda" en
conjunto con El Zol 106.7 FM. El evento estuvo abierto a todos aquellos que
ganaran tickets mediante un concurso. La demanda fue tan excesiva que muchos
fans se quedaron afuera porque no cabía un alma más.
Filmografía[editar]
- The Storekeeper (1998)
- A Reasonable Man (1999)
- Tsotsi (2005)
- Rendition (2007)
- X-Men Origins: Wolverine (2009)
- El juego de Ender (2013)
- Eye in the Sky (película) (2016)
1962:
Nace Emilio Estévez,
Emilio Estévez (Staten Island, Nueva York, 12 de mayo de 1962) es un actor, director y guionista estadounidense. Alcanzó su popularidad durante los 80 junto con el grupo de actores adolescentes conocido como Brat Pack. Entre sus trabajos más relevantes destacan The Breakfast Club, Young Guns, Bobby, St. Elmo's Fire o Misión: Imposible.2
Biografía[editar]
Comienzos[editar]
Emilio Estévez nació en Staten Island, Nueva York.3 Es el hijo mayor del actor Martin Sheen (nacido Ramón Estévez), de origen español, y la artista Janet Templeton. Sus hermanos son Ramón Estévez, Charlie Sheen (nacido Carlos Estévez), y Renée Estévez. Inicialmente asistió a la escuela pública en Nueva York, pero fue trasladado a un prestigioso colegio privado una vez que la carrera de su padre despegó. Vivió en el Upper West Side de Manhattan, hasta que su familia se mudó a la costa oeste en 1968, cuando contrataron a Sheen en Catch-22. Creció en Malibú, California, rechazó la escuela privada local (que era "para los padres que tienen todo menos una relación con sus hijos") a favor de la escuela pública Santa Monica High School.4 Cuando Estévez tenía 11 años, su padre le compró a la familia una cámara de vídeo portátil. Estévez, su hermano Charlie y sus amigos de secundaria, Sean Penn, Chris Penn, Chad Lowe y Rob Lowe utilizaron la cámara para hacer cortometrajes, que a menudo escribía Estévez.5 También apareció en un corto anti-nuclear producido en su escuela secundaria, titulado Meet Mr. Bomb ("Conoce al señor Bomba").6 Emilio tenía 14 años cuando acompañó a su padre a las Filipinas, donde Sheen estaba rodando Apocalypse Now. Apareció como extra en Apocalypse Now, pero las escenas fueron suprimidas.7 Al regresar a Los Angeles, co-escribió y protagonizó una obra de teatro de secundaria sobre los veteranos de Vietnam llamado Echoes of an Era e invitó a sus padres a verla. Sheen recuerda maravillado la actuación de su hijo y "comenzó a darse cuenta: Dios mío, él es uno de nosotros".8 Después de graduarse en Santa Mónica en 1980, se negó a ir a la universidad y en su lugar empezó su carrera de actor.9 A diferencia de su hermano Charlie, Emilio y sus otros hermanos, Ramón y Renée, no adoptaron el apellido artístico de su padre. Emilio admitió que le gustaba la alineación de sus iniciales "E" y que "no quería entrar en el negocio como el hijo de Martin Sheen".10 También confesó que se sentía orgulloso de su linaje hispánico y que siempre estuvo contento con la decisión de no cambiar su nombre como lo hicieron su padre y su hermano.11
Carrera[editar]
Su primer papel fue en un drama producido por la orden católica Paulista. Poco después, hizo su debut en el escenario con su padre en Mister Roberts en el teatro del restaurante de Burt Reynolds en Jupiter, Florida (este fue el único trabajo en el que su padre nunca lo puso ). Desde entonces, padre e hijo trabajaron juntos en la película de 1982 de ABC-TV sobre menores en la cárcel, en la que Emilio hizo el casting.
Estévez recibió gran atención durante la década de 1980 por ser miembro del Brat Pack y fue reconocido como el líder del grupo de jóvenes actores. Estévez y Rob Lowe estableció el Brat Pack a partir de la película The Outsiders basado en la novela del mismo nombre. Lowe fue elegido como el hermano mayor de C. Thomas Howell, Sodapop y Estévez como Dos Bits Matthews. Durante la producción, también se acercó a su personaje como un hombre relajado y pensó que el interés de dos bits en Mickey Mouse, que se muestra por su uniforme de Mickey Mouse y viendo dibujos animados.
Entre sus otros papeles primerizos se encuentran proyectos de la NBC-TV Nightmares y Tex, la versión cinematográfica de la novela de S.E. Hinton. Él compró los derechos cinematográficos de un tercer libro de Hinton, That Was Then... This Is Now, y escribió el guion. Su padre predijo que tendría que sentir todo el peso de la dirección, a quien describió como "un oficial, no un soldado."
Después de The Outsiders, Estévez apareció como el punk-rockero Otto en la película de culto Repo Man antes de co-protagonista en El club de los 5 y St. Elmo's Fire. Tras el éxito de estas películas, That Was Then... This Is Now (historia que él co-escribió), la película de terror Maximum Overdrive (por la que fue nominado para un premio Golden Raspberry), y el drama criminal Wisdom (el cual dirigió). Estévez fue la primera elección para interpretar al soldado Chris Taylor en Platoon, pero se vio obligado a abandonar después de que la producción se retrasó dos años; el papel finalmente fue para su hermano menor, Charlie Sheen.12 Luego pasó a interpretar papeles principales en la comedia/acción Stakeout y los westerns de Young Guns y Young Guns II. Dirigió a su hermano Carlos en el filme Dos Chalados Y Un Fiambre sobre un par de basurero; Estévez indicó más adelante: "La gente se me acerca en la calle y me cuentan que es la comedia más graciosa que han visto... lo que hace cuestionarme cuántas películas han visto en su vida".
A principios de los 90, protagonizó The Mighty Ducks como el entrenador Gordon Bombay, un abogado y antiguo prodigio del hockey en busca de olvidar el pasado, obligado a entrenar a un equipo de hockey como una forma de servicio a la comunidad. La película resultó ser una de las franquicias más exitosas de Disney. Fue seguida por dos secuelas. Por aquella época también vio la luz la secuela de Stakeout; Another Stakeout.
Estévez ha actuado junto a su padre en varias ocasiones. Protagonizó (y también dirigido) en 1996 Guerra en casa, en la que interpretó a un veterano de la Guerra de Vietnam que se trata de un trastorno de estrés postraumático, mientras que Sheen interpretó a un padre poco comprensivo. Él también fue estrella invitada en un episodio de The West Wing como una versión más joven del personaje de su padre (Jed Bartlet).
Estévez también apareció en un papel sin acreditar en la exitosa película de acción Misión: Imposible. De 1998 a 1999, él apareció en tres películas para televisión: Un dólar por los muertos (1998), Late Last Night (1999), y Rated X (2000), que también dirigió. En el año 2000, Estévez protagonizó Sand, como parte de un reparto que incluía también Denis Leary, Jon Lovitz, Harry Dean Stanton y Julie Delpy.
En 2003, hizo su debut como actor de voz cuando él ayudó a traducir Los Reyes Magos. Más tarde, Estévez protagonizó The LA Riot Spectacular y también puso voz en la película Arthur y los Minimoys. En 2006 estrenó su filme más ambicioso Bobby (que le llevó 6 años escribir el guion). Desordenadamente no tuvo éxito inicial, lo cual lo dejó al borde de la bancarrota. Pero obtuvo más fortuna en Europa.13 El filme en sí recibió críticas favorables, fue nominado como mejor película en los Globos de Oro y recibió una clamorosa ovación de 7 minutos en Venecia.
En 2008 fue estrella invitada en la comedia de enredo de su hermano Dos hombres y medio como un viejo amigo del personaje de Charlie Sheen. (Su padre Martin Sheen tuvo también un papel como estrella invitada en 2005).14En una entrevista realizada un mes después del homenaje a John Hughes en los Oscars del 2010 explicó su ausencia debida a la timidez: "Nunca he sido un tipo que buscaba publicidad para sí mismo".15
En 2010 estrenó su última película hasta la fecha The Way, que dirigió, produjo y escribió. La película fue lanzada a través de su propia productora Estevez Sheen Productions (una filial de Warner Bros.).16
1961:
Lar Park Lincoln (12 de mayo de 1961)
es una actriz estadounidense. Ella apareció en la película
de 1987 House
II: The Second Story como Kate, y en la película de 1988 Friday
the 13th Part VII: The New Blood como Tina Shepard.1
Índice
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Biografía[editar]
Laurie Jill Park nació en Dallas, Texas,
ella apareció en Knots
Landing interpretando a Linda Fairgate. Ha participado en gran variedad de series de televisión como Hunter, Outlaws, Highway to Heaven, Freddy's Nightmares, Tour of Duty, Murder, She Wrote, Space: Above and Beyond y Beverly Hills, 90210.
En 2005, grabó Bit
Parts. Park Lincoln regresó a Texas para criar a sus hijos. Con un guión de
su entonces sobrino de 17, un estudiante de cine, que fue productor de Static,
una película sobre el abuso de los adolescentes con la heroína. Ella también
co-dirigió una película sobre la discriminación, Black and White.
Ella también completó la producción de su nuevo papel en Inspector Mom,
una nueva serie de Texas.
Vida
personal[editar]
Ella se casó con
Michael Lincoln desde 1981 hasta la muerte de
él, en 1995. Tuvo dos hijos, Piper y Trevor y vive
cerca de Dallas, Texas. Ella ha estado luchando contra el cáncer de mama desde 2008, y ha tenido
numerosas cirugías.
1948:
Stephen Lawrence
"Steve" Winwood (12 de mayo de 1948, Handsworth, Birmingham, Inglaterra) es un cantante, teclista y compositor de rock. Sus primeros pasos los dio en las
bandas Spencer Davis Group y Traffic, y luego en el supergrupo inglés Blind Faith, todo ello en los años sesenta, para posteriormente iniciar a
mediados de los setenta una
exitosa carrera como solista que tuvo su punto culminante en la segunda mitad
de los años ochenta. Su
sonido se caracteriza por el uso del teclado como instrumento principal
adornado con influencias de jazz, R&B y pop.
Índice
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Carrera
como solista[editar]
En 1977,
tras dejar el supergrupo Go (con Stomu Yamashita y Al Di Meola), Winwood publica su primer álbum
solista, "Steve Winwood", con el cual consigue estatus de
doble platino. Este álbum contiene los temas "Midland Maniac" y
"Vacant Chair". No sería hasta la publicación del álbum "Arc Of
Diver" de 1980 que Winwood consolidaría su éxito
como solista. Este disco contiene la canción éxito "While You See A
Chance" y el Hot 100 "Arc Of Diver", elevando el disco a la
categoría de multiplatino.
En 1982,
el álbum "Talking Back To The Night", que contiene la canción del Hot
100 "Valerie" no tuvo el mismo éxito del anterior y eso lo llevó a
modificar el trabajo de producción de su siguiente álbum incluyendo la
participación de otros artistas. Hasta esa fecha Winwood asumía tanto la
producción como la grabación de sus discos en su estudio privado ubicado en su
casa de Gloucestershire.
En 1986,
apareció "Back in the high Life", grabado íntegramente en Nueva York,
con la coproducción de Russ
Titelman, incluye la participación de un selecto grupo de artistas
como Chaka Khan, James Ingram, Nile Rodgers, James Taylor, Joe Walsh, Jocelyn Brown, Steve
Ferrone y Randy Brecker. Este álbum se convirtió en el
punto más alto de la carrera de Winwood, con los éxitos "Higher Love"
(N.º 1 por una semana), "Freedom Overspill" (N.º 20), "The Finer
Things" (N.º 8) y "Back in the High Life Again" (N.º 13). El
éxito de "Back in The High Life" permitió a Winwood triunfar en los
premios Grammy de 1987 en
donde obtuvo los galardones de "Grabación del año" y "Mejor
vocalista masculino".
En 1987,
editó el álbum "Chronicles", un recopilatorio con versiones
remasterizadas de sus éxitos. Este disco le ayudó a colocar en los Hot 10 el
tema "Valerie" del álbum "Talking Back To The Night".
En 1988, Winwood lanzó el álbum "Roll With
It", cuyo tema homónimo se mantendría en el N.º 1 por cuatro semanas. Otros temas destacados de este álbum son "Don't You Know What The
Night Can Do?" (N.º 6) y "Holding On" (N.º 11). Con este disco Winwood adquiere
definitivamente la categoría de clásico y alcanza la cumbre de su popularidad.
Luego del éxito de
"Roll with It", los álbumes posteriores de Winwood no lograrían mayor
repercusión. En 1990 lanza "Refugees Of the
Heart", que pese a llegar a la categoría de platino, no colocaría ningún
Hit en los Hot 10. En 1995, Winwood logró colocar
en el N.º 1 del Hot 10 el tema principal de la película "Balto"
"Reach for The Light". Sus restantes álbumes Junction Seven"
de 1997 y "About Time" de 2003 no
logran el éxito esperado
Lanzó un CD y DVD
doble junto a Eric Clapton con grabaciones de sus actuaciones en el Madison
Square Garden en febrero de 2008.
1942:
Nace Michel Fugain, cantante francés.
Michel Fugain (Grenoble, 12 de mayo de 1942)
es un cantautor francés.
En 1964 entra en las nuevas ediciones Barclay como
"compositor de edición" y escribe sus primeras canciones. Ha sido
interpretado por Hugues Aufray, Hervé Vilard, Dalida, Marie Laforêt, y otros.
En 1969 grabó su
primer álbum: Je n’aurai pas le temps
En 1972 creó el grupo artístico Big Bazar, un grupo de 11
músicos y otras 15 personas. En esa época produjo las canciones «Une belle
histoire» y «La fête», y realizó una adaptación de la canción brasileña «Você
abusou» (del dúo Antonio Carlos y
Jocafi), a la que registró como propia, y llamó «Fais comme
l'oiseau». La canción se convirtió en el himno del Partido Socialista Francés.
El dúo brasileño, al enterarse del plagio, inició una demanda judicial, que
finalmente ganó. Sin embargo, la mayor parte de los franceses creen que la
canción es de Fugain. El Big Bazar dejó de existir en 1976.
Al año siguiente (1977) creó el grupo artístico «Compañía Michel
Fugain».
En Argentina es muy conocida su canción «Attention, mesdames et
messieurs» (‘atención, señoras y señores’) por ser el tema de apertura del
programa humorístico de televisión No toca botón, protagonizado por el cómico
rosarino Alberto Olmedo.
En 1988 creó la canción «Viva la vida».
1928:
Burt Freeman Bacharach (Kansas City, 12 de mayo de 1928-Los Ángeles, 8 de febrero de 2023)1 fue un compositor, productor y cantante estadounidense. Cientos de sus canciones, muchas de ellas en colaboración con el letrista Hal David, fueron populares en las listas de éxito entre la década de los cincuenta y los ochenta y han sido regrabadas por más de mil artistas desde entonces.2 Obtuvo los galardones más importantes de la industria del entretenimiento, entre ellos: seis premios Grammy, dos Globos de Oro, un premio BAFTA, un premio Emmy y tres premios Óscar.3
Muchos de sus éxitos fueron interpretados por Dionne Warwick, pero también sobresalen sus colaboraciones con Perry Como, Dusty Springfield, Jackie DeShannon, Bobbie Gentry, Tom Jones y The Carpenters, entre muchos otros. Algunas de sus canciones más conocidas son: «Alfie» de 1965, «What the World Needs Now Is Love» de 1965, «The Look of Love» de 1967, «This Guy's in Love with You» de 1968, «Raindrops Keep Fallin' on My Head» de 1969, «I'll Never Fall in Love Again» de 1969, «(They Long to Be) Close to You» de 1970, «Arthur's Theme (Best That You Can Do)» de 1981, «That's What Friends Are For» de 1986 y «On My Own» de 1986.
Su música es de fácil escucha y él mismo fue descrito como «un compositor cuyo venerable nombre puede estar conectado a cualquier otro prominente artista de su época».4 En los últimos años, algunas de sus canciones han hecho parte de bandas sonoras de películas de gran calado, por lo que diversos «tributos, recopilaciones o relanzamientos son fáciles de encontrar actualmente».4 Es denotado como una influencia importante para el pop orquestal y el género shibuya-kei y junto con Hal David, fue incluido por la revista Rolling Stone en su lista de «los 100 compositores más grandes de todos los tiempos».5678 En 2012, ambos fueron condecorados con el premio Gershwin por el presidente Barack Obama por el legado de sus composiciones en la música.9
Biografía[editar]
Sus padres fueron Irma Freeman y Bert Bacharach, un periodista. Bacharach estudió música en la Universidad de McGill, el Colegio de Música de Mannes y la Academia de Música del Oeste en Santa Bárbara, California. Durante los años 50 y comienzos de los 60 fue el pianista, arreglista y músico principal de Marlene Dietrich con quien hizo giras.
Primeros trabajos[editar]
En 1957, junto al letrista Hal David comenzaron a trabajar en Nueva York. Casi un año más tarde su canción "The Story of My Life" fue grabada por Marty Robbins para Columbia Records convirtiéndose en la número uno de las listas country a fines de ese año, a continuación "Magic Moments" fue grabada por Perry Como para RCA Records llegando al número 4 en febrero de 1958. Estas dos grabaciones llegaron al número uno consecutivamente en Reino Unido, dándoles a ambos el honor de ser los primeros autores en la historia de Reino Unido en haber escrito dos números uno consecutivos. Después vendrían éxitos como "Heavenly" y "Faithfully" en la voz de Johnny Mathis ambos merecedores de disco de oro.
A inicios de los 1960, Bacharach escribió más de cien canciones con David, que incluyen un tesoro de éxitos populares a lo largo de los 60 y 70, muchos de los cuales aún gozan de popularidad. Durante los 60 ambos estuvieron ligados a Dionne Warwick, una vocalista formada en conservatorio que los conoció en 1961. Ella comenzó a trabajar con el dúo cuando necesitaron una buena cantante para hacer demostraciones apropiadas de sus canciones para otros artistas. Bacharach y David notaron que la calidad de los demos de Warwick a menudo superaban la de las interpretaciones que otros grababan. Comenzaron a escribir parte de sus obras específicamente con Warwick en mente y esto condujo a la formación de uno de los equipos más exitosos en la historia de la música popular. En un lapso de veinte años desde los inicios de los 60, Warwick llevó a las listas treinta y ocho sencillos coescritos o producidos por Bacharach, incluyendo veintidós éxitos dentro de los primeros 40 de las listas de los 100 más populares del American Billboard. Entre estas canciones figuran "Walk on By", "Anyone Who Had a Heart", "Alfie", "I Say a Little Prayer", "I'll Never Fall in Love Again", "What the World Needs Now Is Love", y "Do You Know the Way to San Jose?". A principios de los 60s, Bacharach colaboró además con Bob Hiliard en varias canciones como "Mexican Divorce" para The Drifters y "Any Day Now" para Chuck Jackson.
Durante los años 60 y 70 las canciones de Bacharach se hicieron famosas en las voces de artistas como The Beatles ("Baby It's You"), The Carpenters ("Close to You", la que primeramente fue grabada por Warwick, aunque sin el éxito que tuvo esta nueva versión), Barbra Streisand, Aretha Franklin ("I Say a Little Prayer"), B.J. Thomas ("Raindrops Keep Falling on my Head"), Tom Jones ("What's New, Pussycat"), The Stranglers, Dusty Springfield, The Drifters, Jack Jones, Jackie DeShannon y Luther Vandross.
Muchos temas de Bacharach fueron adaptados por músicos de jazz como Stan Getz y Wes Montgomery. Adicionalmente fue compositor y arreglista de exitosas películas como Alfie de 1966 y de 1967 Casino Royale. Bacharach y David también trabajaron en Broadway con el productor David Merrick en el musical de 1968 Promises, Promises. En 1969 la canción interpretada por BJ Thomas "Raindrops Keep Falling on My Head" de la película Butch Cassidy and the Sundance Kid ganó el premio Óscar como mejor canción de Banda Sonora.
Setenta y ochenta[editar]
En 1973, Bacharach y David intentaron revivir la película clásica de 1937 Lost Horizon convirtiéndola en un musical. El resultado fue un fracaso comercial y de crítica que resultó en demandas tanto entre ellos dos como de parte de Warwick.
A inicios de los años 80, Bacharach se separó de la actriz Angie Dickinson y creó una nueva sociedad de composición con Carole Bayer Sager, con quien finalmente se casó. Entre sus composiciones más notables están "Arthur’s Theme (Best That You Can Do)" (Christopher Cross), "Heartlight" (Neil Diamond), "Making Love", "On My Own" y la conocida "That's What Friends Are For" de 1985 cuyas ganancias van directamente a fundaciones en la lucha contra el sida.
En cuanto a nuevas versiones de sus temas clásicos, en 1983 contó con la exitosa versión pop de su canción "(There's) Always Something There to Remind Me" por la banda new wave inglesa "Naked Eyes".
En los años 90 Bacharach apareció en películas de Hollywood como en los tres filmes de Austin Powers.
Influencia[editar]
- El compositor Jimmy Webb ha reconocido la influencia de Bacharach en su trabajo.
- En el álbum de Status Quo Heavy Traffic, la pista 8 se llama "Diggin' Burt Bacharach."
- En la portada del álbum de Oasis Definitely Maybe, se ve una foto de Bacharach.
- El dúo británico Swing Out Sister cita a Bacharach como una gran influencia.
- En 1997 la banda norteamericana Faith No More incluyó en su disco de grandes éxitos "Who cares a lot?" una versión en vivo de la canción de Burt Bacharach "This guy´s in love with you". También durante los años noventa, Noel Gallagher compositor y guitarrista de la famosa banda inglesa Oasis, cantó a dúo esta canción con el mismo Bacharach.
Familia[editar]
Estuvo casado cuatro veces, primero con Paula Stewart (1953-1958), luego con la actriz Angie Dickinson (1965-1980), posteriormente con la letrista Carole Bayer Sager (1982-1991) y desde 1993 con Jane Hanson. Tuvo cuatro hijos, dos mujeres y dos varones. Nikki Bacharach murió de asfixia usando una bolsa plástica y helio el 4 de enero de 2007 a los cuarenta años. Nikki había sufrido de problemas mentales.
Fallecimiento[editar]
Falleció en su casa en Los Ángeles, producto de una larga enfermedad, rodeado de su familia.1011
1907:
Katharine Houghton Hepburn (Hartford, 12 de mayo de 1907-Fenwick, 29 de junio de 2003)
fue una actriz estadounidense. Conocida por su fuerte
independencia y personalidad enérgica, fue una primera actriz en Hollywood durante más de sesenta años.
Intervino en una variedad de géneros que van desde la comedia alocada a dramas basados en obras
literarias y recibió cuatro premios Óscar a la mejor actriz,
un récord no superado por ningún intérprete hasta la fecha.1 En 1999, Hepburn fue nombrada por
el American Film
Institute como la mayor
estrella femenina de la historia de Hollywood.2
Criada en Connecticut por padres reformistas y de
clase alta, Hepburn comenzó a actuar mientras estudiaba en el Bryn Mawr College.3 Tras cuatro años en el teatro, las
críticas favorables de su labor en Broadway llamaron la atención de
Hollywood. Sus primeros años en la industria del cine estuvieron marcados por
el éxito e incluso recibió un premio de la Academia por su tercera
película, Morning Glory (1933),
aunque a esta le siguieron una serie de fracasos comerciales que la llevaron a
ser calificada como «veneno de taquilla» en 1938.4 Hepburn planeó su regreso al comprar
la cancelación de parte de su contrato con RKO Radio Pictures y
adquirir los derechos cinematográficos de The Philadelphia
Story, que vendió a condición de ser la protagonista.56 En la década de 1940, fue contratada
por la Metro-Goldwyn-Mayer,
donde su carrera se centró en un dúo con Spencer Tracy. La asociación de ambos en
pantalla siguió durante 25 años y produjo nueve películas.7
Hepburn se desafió en la segunda mitad de su vida cuando
apareció regularmente en producciones teatrales de Shakespeare y abordó una amplia gama de
papeles de obras literarias.8 Encontró un lugar propio recreando a
solteronas de mediana edad como en The African Queen (1951), que
tuvieron aceptación entre el público.9 Recibió tres premios más de la
Academia por su trabajo en Guess Who's
Coming to Dinner (1967), The Lion in Winter (1968)
y On Golden Pond (1981).
En la década de 1970, comenzó a participar en películas para televisión, que se
convirtieron en el foco central de su carrera en su vejez. Se mantuvo activa en
el final de su vida y se retiró en 1994 a los 87 años. Tras un período de
inactividad y mala salud, Hepburn murió en 2003 a la edad de 96 años.10
Fue reconocida por rechazar el sistema publicitario de Hollywood
y negarse a cumplir con las expectativas que la sociedad tenía para con las
mujeres.1112 Cuando era joven, se casó con Ludlow
O. Smith pero después de su divorcio, vivió sola el resto de su vida aunque
mantuvo un romance oculto de 26 años con su coestrella Spencer Tracy,13 .14 Con su estilo de vida poco común y
los personajes seguros de sí mismos que interpretó en la pantalla, Hepburn
personificó a la «mujer moderna» en los Estados Unidos del siglo XX y es
recordada como una importante figura cultural.1516
1820:
Florence Nightingale, OM, RRC (Florencia, Gran Ducado de
Toscana, 12 de mayo de 1820-Londres, 13 de agosto de 1910),
fue una enfermera, escritora y estadística británica, considerada precursora de la enfermería profesional moderna y creadora
del primer modelo conceptual de enfermería. Desde muy joven se destacó en matemáticas, y aplicó sus conocimientos de
estadística a la epidemiología y
a la estadística sanitaria. Fue la primera mujer admitida en la Royal Statistical
Society británica, y miembro honorario de la American
Statistical Association.
Sentó las bases de la profesionalización de la enfermería con el
establecimiento, en 1860, de su escuela de enfermería en el hospital Saint Thomas de Londres, actualmente parte integrante
del King's College de
Londres y del NHS.1 Fue la primera escuela laica de enfermería en el mundo.
Su trabajo fue la fuente de inspiración de Henri Dunant, fundador de la Cruz Roja y autor de las propuestas
humanitarias adoptadas por la convención de Ginebra.2
De fe anglicana, creía que
Dios la había inspirado para ser enfermera. Alcanzó fama mundial por sus
trabajos precursores de enfermería en la asistencia a los heridos durante
la guerra de Crimea.
A partir de ese momento fue conocida como «la dama de la lámpara», por su
costumbre de realizar rondas nocturnas con una lámpara para atender a sus
pacientes.
En 1883, la reina Victoria le
otorgó la Real Cruz Roja, y
en 1907 se convirtió en la primera mujer en recibir la Orden de
Mérito del Reino Unido.3 En 1908, le fueron otorgadas
las Llaves de
la Ciudad de Londres.4
El juramento Nightingale efectuado
por los enfermeros al graduarse, fue creado en su honor en 1893. El Día
Internacional de la Enfermería se celebra en la fecha de su
cumpleaños.
1003:
Muere Silvestre II, papa de la Iglesia Católica.
Silvestre II, de nombre secular Gerberto de Aurillac (Auvernia, Francia, c. 945–Roma, 12 de mayo del 1003), fue el centésimo trigésimo noveno papa de la Iglesia católica, de 999 a 1003.
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