Un día como hoy 14 de mayo
El 14 de mayo es el 134.º (centésimo trigésimo cuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 135.º en los años bisiestos. Quedan 231 días para finalizar el año.
Santoral de la Iglesia Católica:
San Matías, el apóstol n.º
13, que reemplazó a Judas Iscariote.
Matías significa: "Regalo de Dios".
Este es el apóstol No. 13 (El 14 es San Pablo). Es un apóstol
"póstumo" (Se llama póstumo al que aparece después de la muerte de
otro). Matías fue elegido "apóstol" por los otros 11, después de la
muerte y Ascensión de Jesús, para reemplazar a Judas Iscariote que se ahorcó.
La S. Biblia narra de la siguiente manera su elección:
"Después de la Ascensión de Jesús, Pedro dijo a los demás
discípulos: Hermanos, en Judas se cumplió lo que de él se había anunciado en la
Sagrada Escritura: con el precio de su maldad se compró un campo. Se ahorcó,
cayó de cabeza, se reventó por medio y se derramaron todas sus entrañas. El
campo comprado con sus 30 monedas se llamó Haceldama, que significa:
"Campo de sangre". El salmo 69 dice: "su puesto queda sin quién
lo ocupe, y su habitación queda sin quién la habite", y el salmo 109
ordena: "Que otro reciba su cargo".
"Conviene entonces que elijamos a uno que reemplace a Judas.
Y el elegido debe ser de los que estuvieron con nosotros todo el tiempo en que
el Señor convivió con nosotros, desde que fue bautizado por Juan Bautista hasta
que resucitó y subió a los cielos".
Los discípulos presentaron dos candidatos: José, hijo de Sabas y
Matías. Entonces oraron diciendo: "Señor, tú que conoces los corazones de
todos, muéstranos a cuál de estos dos eliges como apóstol, en reemplazo de
Judas".
Echaron suertes y la suerte cayó en Matías y fue admitido desde ese día en el número de los doce apóstoles (Hechos de los Apóstoles, capítulo 1).
Echaron suertes y la suerte cayó en Matías y fue admitido desde ese día en el número de los doce apóstoles (Hechos de los Apóstoles, capítulo 1).
San Matías se puede llamar un "apóstol gris", que no
brilló de manera especial, sino que fue como tantos de nosotros, un discípulo
del montón, como una hormiga en un hormiguero. Y a muchos nos anima que haya
santos así porque esa va a ser nuestra santidad: la santidad de la gentecita
común y corriente. Y de estos santos está lleno el cielo: San Chofer de camión
y Santa Costurera. San Cargador de bultos y Santa Lavandera de ropa. San
Colocador de ladrillos y Santa Vendedora de Almacén, San Empleado y Santa
Secretaria, etc. Esto democratiza mucho la santidad, porque ella ya no es para
personajes brillantes solamente, sino para nosotros los del montón, con tal de
que cumplamos bien cada día nuestros propios deberes y siempre por amor de Dios
y con mucho amor a Dios.
San Clemente y San Jerónimo dicen que San Matías había sido uno de
los 72 discípulos que Jesús mandó una vez a misionar, de dos en dos. Una
antigua tradición cuenta que murió crucificado. Lo pintan con una cruz de
madera en su mano y los carpinteros le tienen especial devoción.
Thomas Kennerly Wolfe Jr. (Richmond, Virginia; 2 de marzo de 1930a-Manhattan, 14 de mayo de 2018), fue un escritor y periodista estadounidense, uno de los padres del «nuevo periodismo».
Biografía[editar]
Wolfe era hijo de Helen Perkins Hughes Wolfe, paisajista de jardines, y Thomas Kennerly Wolfe Sr., un agrónomo.12
Tras graduarse en 1947,3 estudió literatura y periodismo en la Universidad Washington and Lee tras rechazar la oferta de ingresar en la Universidad de Princeton.4 Tras licenciarse en 1952, intentó dedicarse al béisbol pero desistió al declararse sin condiciones para ello.5 En sus inicios fue un colaborador de The Washington Post, Enquirer y New York Herald.6
Wolfe, quien se definía como «un demócrata a lo Jefferson»,[cita requerida] expresó en varias oportunidades ser un «reivindicador de Balzac», desde un punto de vista cultural y estilístico, lo que le llevó a ser calificado como «El Balzac de Park Avenue».[cita requerida]
Acerca de su obra, afirmaba que su objetivo como escritor de ficción era retratar a la sociedad contemporánea de acuerdo al realismo, siguiendo la tradición literaria de John Steinbeck, Charles Dickens y Emile Zola, usando técnicas adoptadas del periodismo.7 De hecho, las primeras obras de Wolfe consistían en ensayos críticos y no fue hasta 1987 que escribió su primera novela, a la cual tituló La hoguera de las vanidades.
Respecto a esa y su otra novela, Todo un hombre, comentó que ambas afirman la necesidad de novelas que surjan del realismo.8 En su caso, sus propias raíces provenían de una búsqueda cuidadosa o del reportaje, y le daba importancia al entorno social de sus personajes como medio para explicar sus ideas y conductas, explorando los temas de sexo, raza, dinero e ideología como elementos divisorios y al mismo tiempo integradores de la sociedad estadounidense.
La obra de Tom Wolfe pasó por varias etapas, marcada en los años sesenta por una defensa de la llamada cultura pop y en las décadas siguientes por radicales polémicas en contra del narcisismo de los años 1980 y atacando la política de los liberales, así como cuestionando al mainstream intelectual estadounidense en temas como arquitectura, arte moderno o literatura.9
Wolfe se declaró ateo y en 2007 afirmó que en las elecciones presidenciales de 2004 había votado por la reelección de George W. Bush, de quien se declaró admirador. Una de sus características era ir vestido con un traje blanco en sus apariciones públicas.
Powers Allen Boothe (Snyder, Texas; 1 de junio de 1948 - Los Ángeles, California; 14 de mayo de 2017)1 fue un actor estadounidense de cine, teatro y televisión. Sus papeles más notables incluyen su interpretación ganadora del Emmy del predicador Jim Jones en la película Guyana Tragedy: The Story of Jim Jones y sus papeles en la televisión como el detective Philip Marlowe en los años 80. Otros papeles destacados de Boothe incluyen el de Cy Tolliver en la serie Deadwood, "Curly Bill" Brocius en la película Tombstone, el del vicepresidente y posteriormente presidente Noah Daniels en la serie 24 y como Lamar Wyatt en Nashville.
Primeros años[editar]
Powers Boothe, el menor de tres hijos, nació en una granja en la localidad de Snyder, en el condado de Scurry, Texas, siendo su madre Emily Kathryn (de soltera Reeves) y su padre Merrill Vestal Boothe, quien trabajaba como ranchero.
Carrera profesional[editar]
Algunos de sus papeles más notables incluyen el del ingeniero Bill Markham en La selva esmeralda (1985), de John Boorman, el papel del reverendo Jim Jones en la película Guyana Tragedy: The Story of Jim Jones (1980), el del forajido "Curly Bill" Brocius en Tombstone (1993), Cy Tolliver en Deadwood, el Senador Roark en Sin City y el del vicepresidente Noah Daniels en 24. Además, entre 2015 y 2016, participó en once episodios de la tercera temporada de la serie de la cadena ABC Agents of S.H.I.E.L.D., en el papel del villano Gideon Malick, un líder histórico de Hydra, repitiendo este rol a partir de una breve participación en la película de 2012 The Avengers, donde interpretó al mismo Malick, aunque en la película se hace pasar por un miembro del Consejo de Seguridad Mundial.
Vida personal[editar]
Boothe se casó con su novia del colegio, Pamela Ann Cole, en 1969. Juntos tuvieron dos hijos, Parisse y Preston.
Muerte[editar]
Powers Boothe murió mientras dormía en la mañana del 14 de mayo de 2017 a causa de un cáncer de pulmón que tenía desde hacía casi tres años. Tenía 68 años.
2015:
Muere B. B. King,
músico, cantante y compositor estadounidense (n. 1925)
Riley B. Kinga o Riley Ben King23 (Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925-Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 20154), más conocido como B.B. King,
fue un músico, cantante y compositor estadounidense.
Es
ampliamente considerado uno de los músicos de blues más
influyentes de todos los tiempos, recibiendo el apodo de «Rey del Blues» y el
sobrenombre de «uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues»
junto a Albert King y Freddie King.567 Según Edward M. Komara, King «introdujo un
sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas [de guitarra]
dobladas y brillantes vibratos que
influirían prácticamente en todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron».8 Los Beatles le mencionaron en la canción «Dig It» (1970).9 Además, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de
la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos10 y figura en el puesto 17 de la lista «Top
50 Guitarists of All Time» elaborada por Gibson.11 King fue invitado al Salón de
la Fama del Rock and Roll en 1987.
Con los años,
King desarrolló un estilo de guitarra identificable en su obra musical, con
elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros
musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop.
Su guitarra eléctrica Gibson ES-335,
apodada «Lucille», también da nombre a una línea de guitarras creada por la
compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífica nómina de
actuaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante
la década de 1970.
Fallecimiento[editar]
Fallecimiento[editar]
King falleció
el jueves 14 de mayo de 2015 a las 9:40 p. m. (Tiempo del Pacífico) mientras dormía en su
casa ubicada en Las Vegas, de acuerdo a la información proporcionada por su
abogado.30
2003:
Wendy Margaret Hiller (Bramhall, Stockport; 15 de agosto de 1912 – Beaconsfield; 14 de mayo de 2003) fue una distinguida actriz teatral y cinematográfica británica, ganadora de un Óscar. Disfrutó de una carrera interpretativa variada que duró casi sesenta años. A pesar de sus notables actuaciones para el cine, ella eligió principalmente ser actriz de teatro.
Biografía[editar]
Nacida en Bramhall, Stockport, condado de Cheshire, era hija de Frank Watkin Hiller, un fabricante de algodón de Mánchester, y de Marie Stone. Hiller empezó su carrera profesional como actriz teatral en Mánchester en los inicios de la década de 1930. Su primer éxito llegó con su interpretación de Sally Hardcastle en la versión teatral de Love on the Dole en 1934. La obra tuvo un éxito enorme, e hizo una gira por Inglaterra. Con esta obra debutó en el círculo teatral del West End londinense, representándose en 1935 en el Teatro Garrick. Se casó con su autor, el dramaturgo Ronald Gow, quince años mayor que ella, en 1937. A principios de los años cuarenta la pareja se trasladó a Beaconsfield, Buckinghamshire, donde tuvieron dos hijos, Ann (1939 – 2006) y Anthony (1942), y vivieron juntos en la casa llamada "Spindles" hasta la muerte de Gow en 1993.
A pesar de una carrera profesional muy ocupada, toda su vida estuvo interesada en el apoyo a los jóvenes actores, apoyando a sociedades teatrales locales,1 así como presidiendo la Chiltern Shakespeare Company hasta el momento de su fallecimiento. Enferma crónica, finalmente hubo de retirarse de la actuación en 1992. Pasó su última década de vida en un tranquilo retiro en su domicilio en Beaconsfield, donde falleció por causas naturales a los 90 años de edad.2
Considerada como uno de los grandes talentos dramáticos del Reino Unido, se le otorgó el grado de OBE en 1971, y ascendida a Dama Comandante (DBE) en 1975. En 1996, Wendy Hiller fue galardonada por el London Film Critics Circle con el Premio Dilys Powell por su contribución al cine británico.
Carrera teatral[editar]
La gran popularidad de Love on the Dole llevó la representación a Nueva York en 1936, donde su actuación llamó la atención de George Bernard Shaw. Shaw la escogió para actuar en varias de sus obras, incluyendo Saint Joan, Pigmalión y Major Barbara, y su influencia en su temprana carrera es clara, siendo reputada como la actriz favorita de Shaw. A diferencia de otras actrices teatrales de su generación, ella representó poco a Shakespeare, prefiriendo a dramaturgos más modernos, como Henrik Ibsen y adaptaciones de novelas de Henry James y Thomas Hardy, entre otros.
En el transcurso de su carrera teatral, Wendy Hiller ganó el favor de la crítica y del público tanto en Londres como en Nueva York. Tras hacer una gira por Inglaterra con el papel de Viola en Noche de Reyes (1943), volvió al West End para ser dirigida por John Gielgud en Cradle Song (Apollo, 1944). La serie de éxitos continuó con The First Gentleman (Savoy, 1945), junto a Robert Morley, Playboy of the Western World (Bristol Old Vic, 1946) y Tess of the d'Urbervilles (Bristol Old Vic, 1946), que fue adaptada al teatro por su marido Ronald Gow.
En 1947, Wendy Hiller originó el papel de Catherine Sloper de The Heiress en Broadway. En la obra, basada en la novela de Henry James Washington Square, también actuaba Basil Rathbone como su padre. La producción disfrutó de un año de representaciones en el Teatro Biltmore de Nueva York, y sería su mayor triunfo en Broadway. Olivia de Havilland posteriormente ganaría el Oscar por este papel en la versión cinematográfica de 1949. Tras su vuelta a Londres, Hiller volvió a interpretar el papel en el West End en 1950.
Su trabajo teatral siguió siendo prioritario y continuó con Ann Veronica (Piccadilly, 1949), que fue otra colaboración con Gow, que escribió la obra con su mujer en el papel principal. Estuvo dos años con el título de N.C. Hunter Waters of the Moon (Haymarket, 1951-52), trabajando con Sybil Thorndike y Edith Evans. Una temporada en el Teatro Old Vic en 1955-56 supuso una notable actuación como Portia en Julio César, entre otras obras. Otros trabajos teatrales de esta época fueron The Night of the Ball (New Theatre, 1955), la nueva obra de Robert Bolt Flowering Cherry (Haymarket, 1958, 1959 Broadway), The Wings of the Dove (Lyric, 1963), A Measure of Cruelty (Birmingham Repertory, 1965), The Sacred Flame (Duke of York's Theatre, 1967) con Gladys Cooper y The Battle of Shrivings (Lyric, 1970) con John Gielgud.
En 1957, Wendy Hiller volvió a Nueva York para hacer el papel de Josie Hogan en la obra de Eugene O'Neill A Moon for the Misbegotten , una actuación que le supuso la nominación para los Premios Tony como mejor actriz dramática. La representación también incluía a Cyril Cusack y Franchot Tone. Su última actuación en Broadway fue como Miss Tina en la adaptación de la novela de Henry James llevada a cabo en 1962 por Michael Redgrave Los papeles de Aspern,
Según maduraba, demostraba una gran afinidad a las obras de Henrik Ibsen, como Al despertar de nuestra muerte (Cambridge, 1968), Espectros (Edinburgh, 1972), Peer Gynt (BBC, 1972) y Juan Gabriel Borkman (Old Vic, 1975), en la cual trabajaba con Ralph Richardson y Peggy Ashcroft. Un posterior éxito en el West End fue su interpretación de María de Teck en Crown Matrimonial (Haymarket, 1972). Hacia el final de su carrera reinterpretó algunas obras tempranas, como las reposiciones de Waters of the Moon (1977 Chichester Festival, Haymarket, 1978) con Ingrid Bergman y Los papeles de Aspern (Haymarket, 1984) con Vanessa Redgrave. Estaba previsto que volviera al teatro americano en la reposición en 1982 de Anastasia, con Natalie Wood, pero la muerte de Wood acaeció semanas antes de iniciar los ensayos. Hiller hizo su última actuación en el West End con el papel principal de Driving Miss Daisy (Apollo, 1988).
Carrera cinematográfica[editar]
Por insistencia de Shaw, interpretó a Eliza Doolittle en la película Pigmalión (1938), con Leslie Howard como Profesor Higgins. Esta actuación le supuso su primera nominación al Oscar y fue uno de sus papeles más famosos. Además, fue la primera vez que una actriz británica trabajando en una película británica conseguía dicha nominación. También fue la primera vez en la que una actriz maldecía en una escena cinematográfica británica. Después siguió otro éxito con otra adaptación de Shaw, Major Barbara, con Rex Harrison y Robert Morley, en 1941. El equipo formado por Powell y Pressburger firmó con ella para rodar en 1943 la película The Life and Death of Colonel Blimp, pero se vio forzada a abandonar el proyecto a causa de su embarazo, consiguiendo finalmente el papel Deborah Kerr. Determinados en trabajar con Hiller, la pareja consiguió que actuara junto a la estrella de Colonel Blimp, Roger Livesey, en la película de 1945 I Know Where I'm Going!, que se convirtió en un clásico del cine británico.
A pesar de su temprano éxito en el cine y de las ofertas llegadas desde Hollywood, ella volvió al teatro después de 1945 y solo aceptaba papeles cinematográficos de manera ocasional. Con su vuelta al cine en la década de 1950, trabajó en la película de Carol Reed Outcast of the Islands (El desterrado de las islas) (1952). En esa época ya interpretaba personajes secundarios y maduros, como en Sailor of the King (1953) y Something of Value (Sangre sobre la tierra) (1957), donde era una víctima del levantamiento Mau Mau. Ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto en 1959 por la película Separate Tables (Mesas Separadas) (1958), donde interpretaba a una solitaria gerente de hotel y pareja de Burt Lancaster. Recibió una tercera nominación al Oscar por su interpretación de la simple pero digna Lady Alice More, junto a Paul Scofield en el papel de Tomás Moro, en A Man for All Seasons (1966). Retomó su papel del teatro londinense en Toys in the Attic (1963), con el cual ganó una nominación al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto como la hermana soltera de Dean Martin y Geraldine Page.
Su retrato de la dominante y posesiva madre en Sons and Lovers (1960) le valió una nominación a los Premios BAFTA como mejor actriz secundaria. Por otra parte, la interpretación de una princesa rusa en el gran éxito comercial Asesinato en el Orient Express (1974), le valió el reconocimiento internacional y el Evening Standard British Film Award como mejor actriz. Otros papeles notables incluyen el de una refugiada judía en Voyage of the Damned (1976) y la formidable matrona del Hospital de Londres en The Elephant Man (El hombre elefante) (1980).
2001:
Juan Francisco Verdaguer, conocido simplemente como Juan Verdaguer (Montevideo, 30 de julio de 1915-Buenos Aires, 14 de mayo de 2001), fue un humorista y actor uruguayo, residente en Argentina y naturalizado argentino, que tuvo una destacada actuación en los escenarios de América Latina, en especial de Argentina.
Primeros años[editar]
Nació en Montevideo en el seno de una familia circense. Su padre, Lindolfo Verdaguer, era equilibrista, y Aída, su madre, acróbata. Llegó a Buenos Aires con su familia cuando tenía 6 meses de edad. Realizó sus estudios primarios en el colegio Juan Enrique Pestalozzi. Había estudiado violín, y también trabajó con su padre en el circo.
Juan Francisco debutó en 1932 en Cruz del Eje, Córdoba, en la pista del circo Continental, propiedad de la familia. A los 20 años viajó a Brasil, donde trabajó con el circo de los hermanos de su madre realizando equilibrismo. A partir de la década de 1940 participó en el casino Da Urca, en el varieté, y en Brasil, luego viajó a Chile, y tras una larga gira recaló en Estados Unidos realizando el mismo trabajo. En 1950 se radicó en México, y en el famoso local "El Patio" realizó el mismo número; después regresó a Buenos Aires y se dedicó al teatro de revistas, especialmente en el teatro Maipo.
Su número consistía en permanecer en el último travesaño de una escalera de hoja única de cinco metros de largo: "Para hacer esta prueba no debo comer. Y para poder comer debo hacer esta prueba". Completaba el acto tocando Czardas, de Vittorio Monti o La Cumparsita en su violín: "El violín me salvó de muchísimas situaciones porque al principio tenía que empeñarlo seguido. Tantas veces que el hijo del prestamista tocaba mejor que yo".
Pasó algún tiempo en Río de Janeiro, Brasil, donde adaptó su número a la elegancia propia de los lujosos casinos en los que actuaba.
Primeros éxitos[editar]
Trabajó en Nueva Orleans, Estados Unidos, en espectáculos de varieté. Fue allí cuando una noche, mientras tocaba Me vuelves loco en su violín, se le rompieron dos cuerdas, y tuvo que improvisar. Allí se hizo evidente su original veta humorística, caracterizada por la sutileza cerebral, el absurdo inesperado y el impecable manejo de palabras, tiempos y silencios: "De mis padres, a través de incontables itinerarios trashumantes, aprendí que lo que llega al íntimo espíritu del público tiene un eco más perdurable y efectivo que lo epidérmicamente festivo".
Realizó exitosas presentaciones en Estados Unidos, México, Perú, Panamá, Chile, Uruguay, Brasil y Australia. Fue en el México de la década de 1950 donde tuvo su primera gran experiencia teatral como protagonista de Blum, que en Buenos Aires había hecho Enrique Santos Discépolo. "No quise copiar las indicaciones que sobre él quisieron darme. Lo hice como lo sentía y afortunadamente resultó un éxito". Fue la obra de mayor duración en un escenario azteca; una placa de bronce en el hall del teatro rememora el notable éxito.
En 1951 fue contratado por Carlos A. Petit para participar en un espectáculo revisteril del teatro Comedia. Actuó en los teatros El Nacional, Tabarís, Sans Souci y de la Comedia, entre otros.
En la televisión[editar]
Poco después conoció a Goar Mestre, quien lo contrató para trabajar en la televisión argentina, en donde debutó en 1961 con su espectáculo Este loco, loco hotel, en el entonces nuevo Canal 13 de Buenos Aires. Comenzaba su programa con un "señor, señora, no tiene que sintonizar su televisor... mi cara es así".
Durante más de dos décadas actuó en televisión en programas como “Risas y sonrisas”, junto a Nelly Beltrán o "Sábados Circulares". Allí, Nicolás Mancera solía presentarlo como "El señor del humorismo". En los años 1980, en los primeros años de la TV color argentina, reflotó su loco Hotel en ATC.
En 1981 recibió un diploma al mérito de la Fundación Konex. A su vez, en la década de los 80, Verdaguer frecuentaba estelares televisivos y hasta el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile.
Cine[editar]
Recibió una invitación del director cinematográfico Mario Soffici para ser el protagonista masculino de la película dramática Rosaura a las diez, que tuvo excelente repercusión económica y artística.
Participó en once películas. La primera fue la comedia musical de 1951 Locuras, tiros y mambo, acompañado por el grupo Los Cinco Grandes del Buen Humor. Le siguieron Marido de ocasión (1952), La edad del amor (1954) y Estrellas de Buenos Aires (1956).
En 1958 hizo la mencionada Rosaura a las diez, sobre la novela de Marco Denevi, donde su dramática composición de un oscuro pensionista llamado Camilo Canegato le valió la aclamación del público y de la crítica.
La siguieron las comedias La herencia de 1964, junto a Nathán Pinzón y el aún desconocido Alberto Olmedo, y Cleopatra era Cándida con Niní Marshall, donde se afirmó en su perfil humorístico.
Ese mismo año intervino en La industria del matrimonio. En 1969 protagonizó la muy sofisticada Kuma Ching. En 1980 hizo La noche viene movida.
Muchos años después, en 1998, filmó la que sería su última película: El amateur.
Consideraba al legendario Pepe Arias, como "el mejor humorista" del país. Destacaba especialmente que, "siendo un hombre culto, hizo un humor bien porteño con el hombre común".
En 1999 participó de una fallida temporada de revista en el Teatro Astros con Reina Reech. Al poco tiempo emprendió una gira por Chile, Colombia y Miami.
El último espectáculo lo brindó a comienzos de 2001 junto a sus amigos Mario Clavell y Carlos Garaycochea con la obra Masters. Allí, en el auditorio del Hotel Bauen, Verdaguer se reía de las trampas que le jugaba su memoria. Después recorrió algunas ciudades para realizar monólogos y con su salud bastante deteriorada se presentó por última vez en el teatro San Nicolás.
Falleció el 14 de mayo de 2001 a los 85 años de un infarto de miocardio en Buenos Aires.
1998:
Muere Frank
Sinatra, cantante y actor estadounidense (n. 1915).
Francis Albert Sinatra, más conocido como Frank Sinatra (Hoboken, 12 de diciembre de 1915-Los Ángeles, 14 de mayo de 1998),
fue un cantante y actor estadounidense.
Apodado «La
Voz»,1 fue una de las principales figuras de la
música popular del siglo XX y
dejó, a través de sus discos y actuaciones en directo, un legado canónico en lo
que respecta a la interpretación vocal masculina de esa música.2 Su popularidad llegó a ser inmensa y
prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron especialmente
exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, con su
producción discográfica para la compañía Capitol, la considerada como su etapa de mayor
calidad como cantante.
Su repertorio
se basó en la obra de los más importantes compositores populares
estadounidenses, como Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó, ya en sus
orígenes, quince años de influencias mutuas entre la música de
inspiración jazzística y la música pop que
empezaba a difundirse a través de la radio.3 Sinatra construyó su estilo sobre la base de
una comprensión natural de la música popular, tal como la habían
entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong, explotando la idea de que esta, en todas
sus vertientes, debería ser una extensión de la conversación.4
Técnicamente,
se caracterizó por su cuidada precisión en el fraseo y su dominio del control de la respiración; el rango de su vozestaba próximo al de bajo-barítono.5 En cuanto a su categoría artística, esta
radica en su capacidad interpretativa para transmitir las emociones y
sentimientos implícitos en las letras de las canciones.6
En Sinatra, cualquier
tipo de consideración vocal e, incluso, musical, resulta secundaria respecto de
la que es su misión principal: contar una historia de la forma más expresiva
posible.7
A Sinatra se
le reconoce el haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los
medios de amplificación del sonidocon
el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta (dominadora de
la música popular estadounidense de principios del siglo XX) y para aproximarla a la intimidad del oído
del oyente.8
Como actor,
Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y
repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones
fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su
vida de su trabajo de actor fue capital; por ejemplo fue precisamente a través
de su papel en De aquí a la eternidad como
logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años
cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad,
además de ganar por su interpretación el Óscar al mejor actor secundario.
A lo largo de
su carrera profesional, Sinatra grabó más de 1300 canciones y participó en más
de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que
se cuentan diez premios Grammy, otorgados por la Academia de
Artes y Ciencias de la Grabación, y la Medalla de la Libertad del gobierno
estadounidense.
En noviembre de 1996, un mes después de su
última aparición pública en el baile benéfico del Carousel en Los Ángeles,
ingresó en el hospital, así como dos veces más en enero de 1997,
apareciendo en titulares de prensa y reportajes de todo el mundo. A finales de
abril de ese año el Congreso de Estados Unidos votó conceder a Sinatra la Medalla de Oro del Congreso a propuesta
del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano.
Murió
el 14 de mayo de 1998 en
West Hollywood (California, EEUU), a los 82 años, a consecuencia de un ataque
al corazón.13
1995:
Muere Rodrigo Arenas Betancourt,
escultor colombiano (n. 1919).
Rodrigo Arenas Betancourt (El Uvital, área rural de Fredonia, Antioquia, 23 de octubre de 1919 - 14 de mayo de
1995) fue un escultor colombiano.1
Muchas de sus
obras son monumentos públicos. Fue uno de los artistas colombianos más
prolíficos y apreciados nacional e internacionalmente. Sus bronces se
caracterizan por ser gigantes, melodramáticos y espectaculares; se encuentran
en ciudades a lo largo y ancho de la geografía colombiana. Fue un escultor en
serie.
El 18 de
octubre de 1987 fue secuestrado por las FARC en
Caldas, Antioquia, cuando viajaba junto a su esposa y sus hijos. Fue liberado
el 1.° de enero de 1988, tras 81 días de cautiverio.2
1987:
Margarita Carmen Cansino Hayworth (Nueva York, 17 de octubre de 1918-Nueva York, 14 de mayo de 1987),
más conocida por su nombre artístico de Rita Hayworth, fue una de
las actrices más emblemáticas y glamurosas de
la época dorada del cine estadounidense y la diva máxima de Hollywood de la década de 1940. Ocupa el puesto 19º en
la lista
del American Film Institutede las grandes estrellas del Séptimo Arte y fue apodada "la diosa
del amor" por el periodismo de su tiempo.
Índice
[ocultar]
o 1.5Gilda
Biografía[editar]
La familia[editar]
Nació en Nueva York, hija de emigrantes: su padre era el bailarín español Eduardo Cansino Reina, natural de Castilleja de la
Cuesta1 (Sevilla,
en España), pero nacido en el seno de una familia
originaria de Paradas (provincia de
Sevilla), y su madre era Volga Margaret Hayworth, una bailarina de los Ziegfeld Follies, de origen irlandés e inglés.2 Su padre era pariente del
escritor Rafael Cansinos
Asséns (escritor español, poeta, novelista, ensayista, crítico
literario, hebraísta y traductor al español de las obras completas de Goethe, Balzac, Tolstói y Dostoievski, perteneciente a la generación de
1914 o novecentismo).
Inicios como bailarina[editar]
Su padre apreció su talento natural, por lo que empezó su
carrera como bailarina junto a él con su nombre real, Rita Cansino (tanto Marga
como Rita son los diminutivos habituales de Margarita), a la edad de 13 años.
Pero la obligaba a fingir que era su mujer y no su hija, puede decirse que su
padre fue el primer hombre que conoció íntimamente.3
Llegó a Hollywood en 1933 como
miembro del Spanish Ballet y pudo empezar a filmar gracias a la ayuda del
eximio compositor José Iturbi y a
las influencias del diplomático español en Estados Unidos Lázaro Bartolomé y
López de Queralta (conocido como Lázaro Bartolomé Queralt).4 Desde 1935 participó
como actriz en papeles secundarios, realizando muchas películas de serie Ben las que sobre todo destacó por
sus dotes para la danza y por su elegante aspecto. De esta etapa destaca la
película Charlie Chan en Egipto (1937), de Louis King,
película perteneciente a la saga dedicada al célebre detective oriental, en la
que trabajó junto a Warner Oland, que
encarnaba a Chan.
Contrato con Columbia[editar]
Fue su primer marido, Edward Judson, con quien se casó a los
dieciocho años a pesar de la oposición de sus padres, quien la lanzó al
estrellato, convirtiéndola en su mejor inversión personal.
Judson le consiguió un contrato con Columbia Pictures, productora que necesitaba
de estrellas importantes y a quien la actriz acabaría colocando entre las
primeras compañías cinematográficas, reportando a la empresa millonarios
ingresos sólo con su presencia. «Rita Hayworth es la Columbia», dijo Frank Sinatra. Para entonces, Harry Cohn,
magnate de la productora, se enamoró de ella. La presión y las disputas por
este motivo entre la actriz y el productor darían mucho que hablar entre los
profesionales de la industria, y él estuvo toda la vida obsesionado con ella,
quien no respondió nunca a sus requerimientos amorosos.
Su primer papel importante fue como actriz secundaria en la
película: Sólo los
ángeles tienen alas (1939), de Howard Hawks, lo que hizo que la crítica
cinematográfica se empezara a fijar en ella. Poseía una personalidad tímida y
bondadosa, que contrastaba con su fuerza y enorme impacto en la pantalla. En
este film compartió cartel con Cary Grant, Jean Arthur y Thomas Mitchell. Luego rodó una comedia junto
a Brian Aherne: Una dama en cuestión (1940),
de Charles Vidor.
Éxitos[editar]
Hayworth ingresó triunfante tras esos éxitos en la Twenty Century Fox (compañía
que años atrás la había rechazado), reclamada por el director Rouben Mamoulian, para interpretar a Doña
Sol en la superproducción basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, Sangre y arena (1941),
junto a Tyrone Power y Linda Darnell. Esta película significó su
lanzamiento como sex symbol,
indiscutible durante toda una década. Su carrera la convirtió en una de las
grandes estrellas de su época y en la actriz mejor pagada del momento.
Luego intervino en dos comedias musicales de amplio eco popular,
junto a Fred Astaire: Desde
aquel beso (1941), de Sidney
Lamfield, y Bailando nace el amor (1942), de William A. Seiter. Estos éxitos y su talento
la llevaron a protagonizar un musical ya clásico, Las modelos (1944),
de Charles Vidor,
junto a Gene Kelly y Phil Silvers, filme innovador en su día, al
ser de los primeros en trasladar los números de baile de salón a ambientaciones
callejeras. En esa época rodó también The Strawberry Blonde (1941),
de Raoul Walsh, junto a James Cagney y Olivia de Havilland; Mi
mujer favorita (1942), de Irving Cummings una cinta de corte
biográfico junto a Victor Mature y Carole Landis; y Esta noche y todas
las noches (1945), de Victor Saville, un musical que fluctúa entre
la comedia y el drama de tono menor, junto a Lee Bowman y Janet Blair.
Gilda[editar]
No obstante, su fama como mito erótico se consolidó con Gilda (1946),
de Charles Vidor, una
de las grandes películas del cine negro, en la que Rita protagoniza dos
escenas ya míticas: primero, una sugerente interpretación musical de «Put the
blame on Mame», con un striptease tan explosivo como breve
(solo se quita un guante), y después una bofetada. Estas dos imágenes fueron en
la época consideradas demasiado atrevidas en algunos países, que censuraron el
filme, que a pesar de ello consiguió récords de taquilla en todo el mundo. La
bofetada se convertiría en la más famosa de la historia del cine
estadounidense; se la propinó a Rita su pareja en el film, Glenn Ford, y aunque ahora se cuestiona como
ejemplo de machismo, hay que aclarar
que en una escena previa Rita había golpeado igualmente a Glenn Ford.
La película fue un escándalo, y en países como España fue considerada "gravemente
peligrosa"[cita requerida] por
la Iglesia católica,
debido a la famosa escena musical donde se quita un guante. Esta película la
hizo inmensamente famosa, hasta el punto de que se colocó su imagen en la bomba atómica de pruebas arrojada
por Estados Unidos sobre
las Islas Bikini en
ese mismo 1946. Dado el carácter pacifista de la actriz, este hecho la indignó
profundamente. Sin embargo, "Gilda" convirtió a Rita Hayworth en una
de las máximas divas de Hollywood de todos los tiempos, sólo superada por
Marilyn Monroe.
También ocasionó una histérica expedición a la Cordillera de los
Andes, a fin de enterrar allí una copia de la película, para que se
conservase en caso de un desastre nuclear.
Este momento de fama internacional también coincide con una de
sus crisis en lo personal: su segundo matrimonio, con el célebre director Orson Welles, entró en crisis, y ella declaró
a la prensa una frase que se haría célebre: «Todos los hombres que conozco se
acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo».
La dama de Shanghái y otros filmes[editar]
La suerte profesional continuaba en racha y en 1947 rueda junto
a su todavía marido, el director Orson Welles, un filme que fue en su día poco
valorado, pero que resultó de enorme trascendencia: La dama de Shanghái.
La película no tuvo mucho éxito comercial porque Welles le cortó
el pelo, la tiñó de rubio platino, le dio un papel de arpía y la mató al final
de la película, cosa que no gustó mucho a su público. Sin embargo, forma parte
de la mitología del cine por su narrativa, estilística y ritmo, y Rita Hayworth
declaró años después que «sabía que estábamos haciendo un clásico mientras la
rodábamos».
Gilda, el papel más importante de su carrera, fue también el que
marcó el inicio de su declive como estrella de Hollywood, ya que nunca
consiguió el mismo éxito como sex symbol en ninguna de sus películas
posteriores. Sin embargo, fue y es la película que la convirtió en una actriz
inolvidable: «Nunca hubo una mujer como Gilda», era el eslogan de la película.
Otros títulos destacados de su filmografía son Los amores de Carmen (1948)
y La dama de Trinidad (1952), que no lograron reeditar el
éxito de Gilda, pese a repetir pareja protagonista con Glenn Ford
(para el escritor y cinéfilo Terenci Moix, Rita fue la mejor 'Carmen' del
cine); Salomé (1953), de William Dieterle, recreando la historia
bíblica, junto a Stewart Granger y Charles Laughton; La bella del
Pacífico (1953), de Curtis Bernhardt, nueva versión de un clásico
de William Somerset
Maugham ya adaptado para el cine en la década de 1920; Pal Joey (1957), que fue su
último musical y único rotundo triunfo de la
actriz ya en su madurez física e interpretativa, que incluye un número que ha
pasado a la historia del género; Fuego escondido (1957),
de Robert Parrish,
junto a Robert Mitchum y Jack Lemmon; y Mesas separadas (1958), de Delbert Mann, junto a Burt Lancaster, Deborah Kerr, Wendy Hiller y David Niven.
Rita nunca fue nominada a los premios Óscar, pero asistió a la
36ª ceremonia de dichos premios para entregar el galardón a la mejor dirección
en 1964, antes de que en la siguiente década empezara a tener problemas de
memoria.
Declive[editar]
A finales la década de 1960 y principios de la de 1970 solo
trabajó ya ocasionalmente en producciones modestas, de serie B, y en algunas coproducciones europeas, mostrando su
declive físico e intelectual, ya que comenzaba a mostrar síntomas de la Enfermedad de
Alzheimer prematura, que le impedía memorizar bien los guiones.
De esta última etapa destacan tres títulos: El fabuloso
mundo del circo (1964) de Henry Hathaway, junto a John Wayne y Claudia Cardinale; El aventurero (1967),
de Terence Young,
junto a Anthony Quinn;
y La ira de Dios (1972), de Ralph Nelson, que fue su última interpretación
en la gran pantalla.
Fallecimiento[editar]
Cuidada y acompañada en sus últimos años por su hija Yasmine,
Rita Hayworth cayó en un semicoma en febrero de 1987. Murió unos meses más
tarde, el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de
Alzheimer en su apartamento de Manhattan. El servicio fúnebre para Hayworth se
llevó a cabo el 19 de mayo de 1987 en la iglesia del Buen Pastor, en Beverly
Hills. Los portadores del féretro fueron los actores Ricardo Montalbán, Glenn
Ford, Don Ameche y el coreógrafo Hermes Pan. Fue enterrada en el cementerio de
Santa Cruz, Culver City.
1984:
Nace Mark Zuckerberg,
empresario estadounidense, creador de Facebook.
Mark Elliot Zuckerberg (White Plains, Estados Unidos; 14 de mayo de 1984)
es un programador y empresario estadounidense,
conocido por ser el creador de Facebook. Para desarrollar la red, Zuckerberg
contó con el apoyo de sus compañeros de Harvard,
el coordinador de ciencias de la
computación y sus compañeros de habitación Eduardo Saverin, Dustin Moskovitz, y Chris Hughes. A la fecha abril de 2018 es
el personaje más joven que aparece en la lista
de multimillonarios de la revista Forbes, con una fortuna valorada en US $
63 300 millones de dólares,
clasificándole como la quinta persona más rica del mundo.1 Fue nombrado como Persona del
Año en 2010 por la publicación
estadounidense Time.
Zuckerberg lanzó Facebook desde su dormitorio de la Universidad
de Harvard el 4 de febrero de 2004. Fue asistido por sus compañeros de cuarto
de la universidad y sus compañeros estudiantes de Harvard Eduardo Saverin,
Andrew McCollum, Dustin Moskovitz y Chris Hughes. El grupo entonces presentó
Facebook a otros campus universitarios. Facebook se expandió rápidamente,
llegando a mil millones de usuarios en 2012. Mientras tanto, Zuckerberg estuvo
involucrado en varias disputas legales llevadas por otros en el grupo, que
reclamaron una parte de la empresa basada en su participación durante la fase
de desarrollo de Facebook.
En diciembre de 2012, Zuckerberg y su esposa Priscilla Chan
anunciaron que en el transcurso de sus vidas darían la mayoría de su riqueza a
"avanzar el potencial humano y promover la igualdad" en el espíritu
de la promesa de dar.
El 1 de diciembre de 2015, anunciaron que eventualmente darían el 99 por ciento
de sus acciones de Facebook (por valor de unos 45 mil millones de dólares en
ese momento) a la Iniciativa Chan Zuckerberg.
Desde 2010, la revista Time ha nombrado a Zuckerberg entre las
100 personas más ricas e influyentes del mundo como parte de su Persona del
Año. En diciembre de 2016, Zuckerberg ocupó el puesto 10 en la lista Forbes de
la persona más poderosa del mundo.
Anahí Giovanna Puente Portilla (Ciudad de México; 14 de mayo de 1983) es una actriz, cantante, modelo, compositora y empresaria mexicana, conocida por haber interpretado a Mía Colucci Cáceres en la telenovela juvenil Rebelde y también por haber formado parte del grupo RBD. Se casó con el exgobernador del estado de Chiapas, Manuel Velasco Coello el 25 de abril de 2015. Fue primera dama del estado de Chiapas entre el 25 de abril de 2015 y el 7 de diciembre de 2018.456
En el ámbito de la actuación, no se ha limitado a producciones para la pantalla chica, también ha participado en diversas películas como: Nacidos para morir y Había una vez una estrella, por su actuación en esta última, ganó los premios Ariel y Palma de Oro como mejor actriz infantil. Desde muy niña realizó varios trabajos para la televisión sorprendiendo a todos, por su carisma e innata calidad artística. Algunos de los programas que contaron con su participación fueron: Chiquilladas, donde interpretaba el tema «Te doy un besito», Mujer, casos de la vida real, La hora marcada y La Telaraña.
Tras trabajar en novelas como Vivo por Elena, El diario de Daniela y Mujeres engañadas entre otras, en el año 2000 llegó su primer protagónico en la famosa telenovela Primer amor: A 1000 por hora donde interpreta a Jovana. En el 2002 se integró al elenco de Clase 406. En 2004 logró fama internacional tras interpretar a Mía Colucci en la telenovela mexicana, Rebelde, y formar parte del grupo RBD. En 2007, RBD presenta la serie RBD: la familia. En 2011, regresa junto a Carlos Ponce y Sergio Goyri a protagonizar Dos hogares, proyecto producido por Emilio Larrosa.
En el ámbito musical ha lanzado cinco álbumes de estudio como solista, el primer álbum de la cantante se titula Anahí, su siguiente disco se llamó ¿Hoy es mañana?. Su tercer disco, titulado Anclado en mi corazón, es lanzado en 1997 y el cuarto álbum, Baby blue, lanzado en el año 2000, siendo el último antes de integrar la agrupación RBD, con quienes vendió más de 57 millones de discos.7 En 2009, lanzó el quinto álbum como solista titulado Mi delirio. En 2016, lanzó su sexto álbum titulado Inesperado luego de cuatro años de ausencia en la música.8 Como solista ha vendido más de 3 000 000 discos y ha sido considerada una de las mejores exponentes del pop latino.910
1980:
Muere Hugh Griffith, actor británico (n. 1912).
Hugh Emrys Griffith (Marian Glas, de Anglesey, en Gales, 30 de mayo de 1912 - Londres, 14 de mayo de 1980)
fue un actorgalés ganador
de un Premio de la Academia por
su representación del personaje del jeque Ilderim
en la película de 1959 Ben-Hur.
Índice
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·
3Premios
Biografía[editar]
Fue educado en la Llangefni Grammar School.1 Su idioma era el galés, y cuando intentó ingresar en la
universidad luego de su secundaria, no pasó el examen de inglés.
Trabajó como empleado en el National Provincial Bank. Después se
fue a Londres para tener más ocasiones de actuar, y lo hizo en el St. Pancras
People's Theatre. Ganó la Bancroft Gold Medal otorgada al mejor actor shakesperiano por
su interpretación del personaje del Rey Lear.
Justo cuando lograba grandes progresos en la actuación y había
ganado su ingreso en la Royal Academy
of Dramatic Art con el puesto número 1 de un total de 300
participantes, tuvo que suspender sus planes para servir en el ejército durante
6 años. Estuvo en la India y en Birmania durante
la Segunda Guerra
Mundial.
Luego de recuperar su salud, retomó su membresia de la Royal Shakespeare
Company antes de ir a Hollywood con su novia Margaret Belgunder
von Dechend, en 1947. Ya no dejaría de actuar hasta 1980.
Ya instalado en Hollywood y luego de haber participado en
variadas películas, fue requerido para el papel del jeque Ilderim en la
película Ben-Hur, y por él se haría merecedor del Premio de la
Academia como Mejor Actor de Reparto (1959).
Tuvo después una candidatura a otra edición de ese mismo premio
por su papel de Squire Western en el film Tom Jones,
en 1963.
Representó el personaje de un magistrado en el film Oliver! (1968),
adaptación de la novela de Charles Dickens Oliver Twist.
En 1978, representó el personaje del director Caradog Loyd-Evans
en el telefilme cómico de la BBC galesa Grand Slam.
En 1980, fue nombrado doctor honoris
causa de la Universidad de Bangor.
Murió de un ataque al corazón, 16 días antes de cumplir 68 años.
en la escuela primaria de su ciudad natal, se colocó una placa en memoria suya.
La imagen de Hugh Griffith fue utilizada como modelo para
diseñar el personaje de Watto en The
Phantom Menace: George Lucas rindió homenaje a Griffith
en clara alusión a su personaje en la película de Ben-Hur, en la
que interpreta a un jeque apasionado por las carreras de cuadrigas.
Sofia Carmina Coppola (Nueva York; 14 de mayo de 1971) es una directora, actriz, productora y guionista de cine estadounidense.2 En 2003 ganó un Premio Óscar a mejor guion original por Lost in Translation, además de ser la tercera mujer en la historia en ser nominada a mejor director por la Academia de los Óscar. Es hija de Francis Ford Coppola.
Vida personal[editar]
Sofia nació en Nueva York, hija del director y productor Francis Ford Coppola y la decoradora y artista Eleanor Coppola (nacida Eleanor Jessie Neil), con lo que tiene ascendencia irlandesa, inglesa e italiana.3 En 1989 se graduó en la Escuela Secundaria de Santa Helena, más tarde asistió a Mills College y al Instituto de Artes de California. Tras abandonar la universidad, Coppola creó una línea de ropa llamada Milkfed, que actualmente sólo se vende en Japón. Estuvo casada con el director Spike Jonze entre el 26 de junio de 1999 y el 5 de diciembre de 2003, cuando presentaron una demanda de separación alegando "diferencias irreconciliables". En 2011 se casó en Bernalda con el vocalista de la banda francesa Phoenix, Thomas Mars,4 con el que tiene dos hijas, Romy, llamada así en honor al hermano de Sofia, Roman, y otra, Cosima. Es sobrina de la actriz Talia Shire y prima del actor Nicolas Cage.5
Carrera[editar]
Actriz[editar]
La carrera cinematográfica de Sofia Coppola comenzó a muy temprana edad, ya que siendo un bebé apareció en la película "El padrino" en la escena del bautismo interpretando a Michael Francis Rizzi y en "El Padrino II" aparece como un niño inmigrante. Además ha participado en siete de las películas de su padre. Su papel más conocido fue el de Mary Corleone en "The Godfather Part III" (1990), en un papel que estaba pensado inicialmente para Winona Ryder, pero al que una enfermedad de esta última impidió representar.6 Esta interpretación recibió muchas críticas y terminó con la carrera interpretativa de Sofia, aunque posteriormente hizo pequeñas apariciones en las películas "Inside Monkey Zetterland" (1992), "Star Wars: Episode I - The Phantom Menace" (1999) y en siete de las películas de su padre. Su primera interpretación no relacionada con el trabajo de su padre fue en "Frankenweenie" de Tim Burton, bajo el nombre de Domino.7
Directora de cine[editar]
Su primera experiencia detrás de la cámara fue con el corto Lick the star (1998). Posteriormente, llegaría su reconocimiento a nivel mundial con Las vírgenes suicidas (1999)8 y más adelante, Lost in Translation (2003). Por esta última película ganó el premio Óscar al mejor guion original (además de obtener otras tres nominaciones, entre ellas la de mejor película) y tres premios Globos de Oro, entre ellos el de mejor película en la categoría de comedia o musical. Con su nominación a los Óscar en la categoría de mejor director, se convirtió en la tercera mujer en estar nominada en esta categoría y la primera estadounidense.9 En 2004 fue invitada a unirse a la AMPAS.10
En 2006 estrena su película Marie Antoinette (2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser.11 La actriz Kirsten Dunst interpreta en papel de la reina, y el actor Jason Schwartzman (primo de la directora) interpreta el papel de Luis XVI.12
En 2010 gana el León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia por su película Somewhere, la historia de una estrella de Hollywood interpretada por Stephen Dorff, que vive en el famoso hotel Chateau Marmont de Los Ángeles y el cambio radical de vida que sufre con la llegada de su hija, interpretada por Elle Fanning.13
En 2013 estrenó la cinta The Bling Ring,14 protagonizada por Emma Watson y Taissa Farmiga,15 abrió la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes del mismo año.16
La directora colaboró de nuevo con Bill Murray en una nueva producción titulada A Very Murray Christmas, protagonizada por Murray y Mitch Glazer. Es una película de comedia con temática navideña, fue estrenada de manera exclusiva en Netflix en diciembre de 2015.17
En el Festival de Cine de Cannes de 2017 se convirtió en la segunda mujer (y primera mujer americana) en la historia del festival en ganar un galardón a mejor dirección, triunfó con su trabajo en la cinta The Beguiled.18
Muere Billie Burke, actriz estadounidense.
Mary William Ethelbert Appleton "Billie" Burke (Washington D. C., 7 de agosto de 1884-Los Ángeles, California, 14 de mayo de 1970) fue una actriz estadounidense. Es conocida sobre todo por su papel de Glinda (la bruja buena del norte) en la película ganadora del Oscar, El mago de Oz (The Wizard of Oz, 1939).
Biografía[editar]
Provenía del vodevil, de niña acompañó a su padre, payaso de profesión, en una gira europea de su circo "Barnum y Bailey".
El mundo del circo la acercó más al mundo del espectáculo y vodevil, haciendo su debut teatral en Londres a los 18 años y convirtiéndose en la reina de Broadway en la veintena. Su primer debut cinematográfico fue Peggy (1916). Dos años antes se había fugado con el productor y empresario Florenz Ziegfeld, con el que se casó en Hoboken (Nueva Jersey). Tras la muerte de su marido se convirtió en una de las actrices de reparto más solicitadas colaborando en diferentes películas.
Billie Burke murió en Los Ángeles por causas naturales a la edad de 85 años, en 1970.
1969:
Nace Danny Wood, cantante
estadounidense, de la banda New Kids on the Block.
1969:
Nace Cate Blanchett, actriz
británica de origen australiano.
Catherine «Cate» Élise Blanchett (AFI:
/ˈkæθrɪn eˈliz ˈblɑːntʃət/ Melbourne, 14 de mayo de 1969)
es una actriz de cine y teatro australiana. Es una de las pocas actrices que
han ganado los cuatro premios más importantes del cine: dos Premios Óscar, tres Globos de Oro,
tres BAFTA y tres premios
del Sindicato de Actores de Cine. También posee una estrella en
el Paseo de la
Fama de Hollywood.
Comenzó su carrera en las tablas a principios de la década de
los noventa y debutó en el cine en la película Parklands en
1994. Llamó la atención de la crítica internacional en 1998 con su destacada
encarnación de Isabel I en Elizabeth,
papel que le otorgó diversas distinciones y reconocimientos, tales como:
un BAFTA, un Globo de Oro y su primera nominación al
premio Óscar. Entre 2001 y
2003 participó en la trilogía cinematográfica de Peter Jackson basada en El Señor de los
Anillos del autor británico J. R. R. Tolkien, como la elfa Galadriel, repitiendo este mismo papel en
las tres películas basadas
en El hobbit.
En 2004, participó en la cinta de Martin Scorsese, El aviador, interpretando a Katharine Hepburn; por dicho papel, se hizo
con el aplauso de la crítica y con el Óscar a la Mejor
actriz de reparto. Otros títulos como Babel (2006), Diario de un escándalo (2006), Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008), El
curioso caso de Benjamin Button (2008), y Blue Jasmine (2013), por la que ganó
el Óscar, están incluidos en su filmografía.
En 2013, fue
bien acogida por la crítica cinematográfica por su interpretación en la
película Blue Jasmine,
hecho que le permitió, en la temporada de premios 2013-2014, recibir un número
considerable de galardones, ingresando al grupo de actrices que ha ganado los
cuatro premios comerciales más importantes de la industria del cine por solo
una película: el Globo de Oro,
el Bafta, el premio del
Sindicato de Actores y el premio Óscar; además otros importantes premios
otorgados por la crítica estadounidense (destacando el Independent
Spirit y el Critics'
Choice Awards) e internacional.
Blanchett y su esposo, Andrew
Upton, son actualmente los directores artísticos de la Sydney
Theatre Company.
1961-1963:
Nace Kiara, cantante venezolana.
Gloria Sabrina Gómez Delgado (Barquisimeto, Estado Lara, 14 de mayo de 1963), más conocida
como Kiara, es una cantante, actriz y abogada venezolana. Su nombre artístico, Kiara,
proviene de una princesa indígena latinoamericana.
Se dio a conocer desde finales de la década de 1980 y en la
década de 1990 con canciones compuestas por el cantante y productor musical Rudy La Scala, como "Deskarado",
"Qué bello", "Con mi cara tan lavada", "Tesoro
mío" (a dúo con su compatriota Guillermo Dávila),
"Libérame", "Luna de plata", "Nadie como tú",
"Corazón de contrabando", "Quiero un ángel", "Baila
conmigo", "Es el amor", entre otras.1 Actualmente está dedicada
principalmente a su faceta de actriz,2 empresaria3 y animadora. En el 2011 presentó su
nuevo disco Como La Primera Vez,4 que incluye 6 temas nuevos y 5 temas
"Hits" de la artista.5 El primer single extraído de este
nuevo disco, es la canción "Perdóname".6
Índice
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Biografía[editar]
Kiara (nombre artístico de Gloria Sabrina Gómez Delgado)
proviene del nombre de una princesa indígena de Yaracuy, Venezuela. Sin duda, es una mujer
polifacética. Es abogada, cantante, actriz, animadora y madre de un varón de
nombre Marco Aurelio. Estudió Derecho y se graduó en la Universidad Católica
Andrés Bello (UCAB).
Comenzó formando parte de la Coral del Colegio Santa Rosa de
Lima, donde estudiaba, pero la sacaron. Su voz era potente y siempre se
destacaba en forma excesiva. Su gusto por la música siempre estuvo presente y
se dedicaba a cantar acompañada de su guitarra en su grupo de amigos. Un día,
alguien le sugirió que prepara una maqueta y la llevara a los dos sellos
disqueros más importantes: Sonográfica y Rodven. Allí se interesó en su talento
el productor musical del momento (Rudy La Scala) y en un mes ya tenía listo su
material.
En sus casi 25 años de carrera como cantante ha grabado un total
de 7 CD (Kiara, Buscando Pelea, Como un Huracán, Corazón
de Contrabando, Luna de Plata, Amores Perdidos y Como
la primera vez). Desde entonces, ha realizado diversas presentaciones
en Venezuela y el resto del Mundo.
Su carrera no se ha centrado solo en la música. También ha
incursionado en el mundo de la actuación, principalmente del canal RCTV,
participando en varias telenovelas como: Macarena (1992), Reina
de Corazones (1998), Amantes de Luna Llena (2000), La
Mujer de Judas (donde recibió muy buenas críticas por su personaje
"Laura", 2003) y Estrambótica Anastasia (2004).
Otras novelas en las que ha participado son: La extraña (2012), Nadie
me dirá como quererte (2008), Te tengo en salsa (2006), Y
los declaro marido y mujer (2006), y Amor a palos (2005).
También incursionó en el género comedia al formar parte del
elenco de Casos y Cosas de Casa y ha trabajado en numerosos
unitarios (El Enviado, Quiero un Ángel, Tesoro Mío, Sin
pensarlo dos veces, Silvia Rivas, Divorciada).
Numerosos premios ha conquistado a punta de talento entre ellos,
"Orden del Municipio Sucre 2000" (Honor a su trayectoria artística),
"2 de Oro 2000" (Mejor Animadora), "Meridiano" (89-92),
"Ronda" (89-92), "Guaicaipuro de Oro", "Aplausos
92" (Miami), "Viña del Mar" (94), "Premio Nacional Casa del
Artista" (92), "Venus de la Prensa" (94), "Exa Award
2000" como imagen publicitaria.
En 1998, actuó en la comedia chilena Casos y Cosas de
Casa, emitido por Chilevisión, canal de TV en ese país
En 1999 decide debutar como animadora en el canal RCTV a través
del espacio Aló RCTV junto a Winston Vallenilla. Un magazine
matutino con el cual, logró gran aceptación.
Posteriormente se enfrentó a su segundo reto como presentadora y
a su nueva responsabilidad como tutora de la Academia de Fama y
Aplausos, donde cumplió con un doble rol que le exigía echar mano de todos
sus conocimientos y experiencias dentro del mundo artístico.
Ha enfrentado también retos en el teatro. En el 2002, se le
presenta un proyecto de subir a las tablas con Hambre, el cual la
introduce en esta forma de expresión artística. En el 2005, presentan una nueva
obra de teatro, Tres Reinas, una obra de Martin Hahn y la dirección
de Javier Vidal. Obra que se presentó en el Teatro Cultural de Trasnocho de las
Mercedes, en Caracas, y duraría 27 funciones con un récord de taquilla en dicho
teatro. La obra se va a una gira nacional, que solo se pudo dar en Margarita,
debido a los compromisos adquiridos por las tres actrices.
Esta polifacética mujer además de todos los talentos mostrados
siempre ha resaltado por su gran atractivo físico, el cual ha hecho que a lo
largo de toda su carrera haya posado para una gran cantidad de sesiones
fotográficas, y que los años no han hecho disminuir, siendo prueba de esto que
en el 2005, junto con otras actrices y modelos venezolanas, posó para la
edición de una famosa revista de modelos venezolanas, Urbe Bikini,
llamada "Las Veteranas", la cual se convirtió en el hasta ahora la
edición más vendida de dicha revista, siendo ella uno de los principales
atractivos de esa edición y que hizo que la misma se vendiera en tiempo récord.
En el año 2010 Kiara retoma su carrera como cantante grabando su
nuevo disco Como La Primera Vez,[5] que incluye 6 temas nuevos y 5
éxitos previos de la artista en versiones regrabadas.
Ese mismo año, además, se presenta en el opening del Miss Venezuela 2010,
interpretando una versión en español del tema "Bad Romance" de Lady GaGa, titulada "Romance
Especial". Dicha presentación fue objeto de severas críticas por parte de
la prensa venezolana.7
Timothy Simon Smith (Dulwich, Londres, 14 de mayo de 1961), conocido como Tim Roth, es un actor y director británico de cine. Ha actuado en películas como Reservoir Dogs, Four Rooms, La leyenda del pianista en el océano, Rob Roy, The Incredible Hulk, Pulp Fiction, Planet of the Apes, The Hateful Eight y por su papel protagonista como el Dr. Cal Lightman en la serie televisiva Lie to Me. Debutó como director con el filme, The War Zone.
Primeros años[editar]
Nació en el seno de una familia de clase media alta, hijo de la pintora Anne Roth y del periodista Ernie Smith. De niño, Tim quería ser escultor y estudió en la Camberwell College of Arts, un instituto de arte de Londres.
Carrera[editar]
Hizo su debut a los veintiún años haciendo el papel de un skinhead racista en el telefilme Made in Britain. Sus primeros papeles tanto en televisión como en el cine estuvieron relacionados con tipos duros, como por ejemplo en Made in Britain y Meantime. En 1984 se produjo su paso a la gran pantalla con la cinta La venganza. Un año más tarde participó en el musical Return to Waterloo (1985), donde fue dirigido por el líder del grupo The Kinks, Ray Davies.
También formó parte del reparto de los filmes Vincent y Theo (1990), donde Roth actuó como el pintor holandés Vincent van Gogh, y Rosencrantz y Guildenstern han muerto (1990). Más tarde fue seleccionado para interpretar a Mr. Orange en Reservoir Dogs (1992) y a un ladrón en Pulp Fiction (1994).
Roth debutó como director de cine en el año 1999 con el filme, The War Zone, la cual obtuvo muy buenas críticas y diversos galardones cinematográficos.
Su primera nominación al Óscar la obtuvo con la película Rob Roy (1995).
Vida personal[editar]
Tuvo un hijo en 1984 con Lori Baker, llamado Jack Roth, quien también se dedica a la actuación. Se casó con Nikki Butler en 1993 y tuvieron dos hijos: Hunter (n. 1995) y Cormac (n. 1996 - m. 2022).1
Cormac falleció el 16 de octubre de 2022, después de librar una batalla contra el cáncer.2
1959:
Nace Patrick Bruel, actor y
músico francés.
Patrick Bruel, cuyo nombre real es Maurice Benguigui,1 (Tremecén, Argelia, 14 de mayo de 1959),
es un conocido cantante, compositor, actor y jugador profesional de póker francés de origen judío.
Su primer gran éxito en el mundo de la música fue Marre
de cette nana-là. En 2002 editó Entre
deux, un álbum de duetos con, entre otros, Charles Aznavour, Jean-Louis Aubert o Jean-Jacques Goldman.
Ese mismo año compuso el tema francés para el Festival de
Eurovisión, Il faut de temps, que obtuvo la quinta
posición. Entre sus logros en la mesa de póker, en 1998 ganó
el brazalete "World Series of Poker" y también ha participado en
el World Poker Tour.
Ha publicado más de 10 álbumes, siendo varios de ellos número uno en Francia.
Robert Greene (Los Ángeles, California 14 de mayo de 1959) es un escritor estadounidense de origen judío, conocido por sus libros en materia de estrategia, poder y seducción. Greene ha escrito cinco superventas internacionales: Las 48 leyes del poder, El arte de la seducción, Las 33 estrategias de la guerra, La Ley 50 (con el rapero 50 Cent), y Maestría.
Cursó estudios en la Universidad de California en Berkley y en la Universidad de Wisconsin-Madison, donde se graduó en estudios clásicos.
Ha trabajado como editor y escritor de varias revistas en la Ciudad de Nueva York, y en Los Ángeles como guionista y también escritor. Vivió varios años en Londres, París y Barcelona. Habla varios idiomas y ha trabajado como traductor.
1958:
Nace Rudy Pérez,
músico y productor cubano-estadounidense.
Rudy Amado Pérez (Pinar del Río, 14 de mayo de 1958)1 es un músico, compositor, productor, arreglista, ingeniero de sonido, director musical, cantante,2 empresario y filántropo estadounidense nacido en Cuba.
Durante los últimos 30 años, ha producido más de 70 álbumes,3 compuesto más de mil canciones, de las cuales 300 han llegado a los
«diez primeros» de las tablas. Pérez ha compuesto y producido música para
artistas como Beyoncé, Christina Aguilera, José Feliciano, Julio Iglesias, Claudia de Colombia, Luis Miguel, Raúl di Blasio, Jaci Velasquez, Cristian Castro, Michael Bolton, Luis Fonsi, Marc Anthony, Jennifer López, y Jon Secada. Es el primer productor latino en
ser reconocido por Billboard como
productor del año por cuatro años consecutivos.
Índice
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·
9Premios
Primeros años[editar]
Rudy Pérez nació en 19582 de padres bautistas (su abuelo había sido ministro
de esa iglesia).2 Su madre se llamaba Elsa Pérez.4 Su padre, Rudy Amado, era teniente en la Armada cubana en la época
del dictador Fulgencio Batista,
y fue preso luego de la Revolución cubana de
enero de 1957.25
El niño Rudy Pérez descubrió su interés por la música en su
infancia. Podía cantar perfectamente afinado con cualquier canción, y utilizaba
cualquier objeto como instrumento.2 Pero fue cuando escuchó la música
de Frederic Chopin que
decidió convertirse en músico y comenzó a estudiar piano.
Cuando Rudy Pérez tenía 9 años, su familia emigró desde
Pinar del Río (Cuba) a Miami (Estados Unidos).6
Pérez comenzó a tocar instrumentos y cantar en la iglesia bautista de Miami (estado de
Florida) el mismo año en que llegó a esa ciudad. Además recibió la influencia
de la comunidad afroamericana, que
lo introdujo a rhythm and blues y
a la música gospel.27
Él quería comprarse una guitarra eléctrica,
pero como sus padres no podían pagarla,25 a los doce años Pérez encontró
trabajo en una compañía que fabricaba alambre de púas y que utilizaba trabajo
infantil.25 Cuando finalmente pudo comprar
su guitarra, no pudo tocarla durante tres meses
debido al daño que sus dedos habían sufrido en la fábrica.
Pearly Queen[editar]
Rudy Pérez abandonó sus estudios para unirse a varias bandas
de rock en su vecindario, hasta que fue
invitado a formar parte de la banda Pearly Queen (una banda de covers de éxitos que alcanzó popularidad
en Miami en 1973) cuando tenía 15 años. El
grupo firmó contrato para tocar en los clubes Big Daddy Flanigan en Estados
Unidos y Canadá (en 90 locales), y tocaban 5 sets cada noche, 5 o 6 noches
a la semana. Su época en los clubes de Big Daddy Flanigan introdujeron a Rudy a
la producción musical, ya que era él era responsable de los arreglos de las
versiones que la banda tocaba. Rudy permaneció en la banda por cinco años hasta
que renunció para producir y escribir para artistas locales en Miami
Carrera como compositor[editar]
Miami Sound Studios y comienzos como compositor[editar]
Más adelante, comenzó a trabajar como asistente en Miami Sound
Studios, con Carlos Granado, realizando tareas como limpiar el estudio o buscar
comida para quienes trabajaban allí. Pérez literalmente vivió en el estudio durante dos años, mientras
atravesaba un divorcio, y fue durante este tiempo que comenzó a aprender ingeniería de sonido.
En 1983 comenzó a trabajar como pasante en Climax Studios de Pablo Cano, en North
Miami, donde también se le permitió vivir por un año y medio.
Continuó arreglando detalles de álbumes y canciones que otros artistas grababan
allí, incluyendo a los propios hijos de Cano, a quienes grabó para aprender y
practicar. De acuerdo con el propio Pérez, fue descubierto por la sobrina de
Pablo Cano cuando lo escuchó cantar una composición propia. Ella le mostró
la balada a Cano, quien decidió contratarlo
con «un buen sueldo» para realizar un álbum con él. Durante este tiempo comenzó
a trabajar con otros artistas que conoció en el estudio, tales como Roberto Carlos y Gloria Estefan, y continuó estudiando música
Después, Pérez lanzó el álbum ¿Qué voy a hacer sin ti?. José
Menéndez, quien trabajaba en RCA Records, escuchó el trabajo y decidió
contratarlo.
En este momento se convirtió en productor. Semanas más tarde, mientras estaba
en una gira promocional por Puerto Rico con Pablo Cano, conoció
a José Feliciano,
quién escuchó su versión de «¿Qué voy a hacer sin ti?» y le pidió producir su
próximo álbum. Pérez produjo la mayoría de las canciones del álbum de
Feliciano, Ya soy tuyo, el cual alcanzó el número 1 con la canción
«Me has echado al olvido». El álbum recibió además dos nominaciones a los Grammy de 1985 por Productor y Canción
del Año (por «Ella») y marcó el regreso de Feliciano a la elite de la música
latina, convirtiendo a Rudy Pérez en un solicitado productor y compositor.
Carrera como compositor desde 1986[editar]
En 1986, Pérez ganó un Grammy como productor en la categoría "mejor
performance de pop latino, por la canción «Ya soy tuyo» de José Feliciano, y
fue nombrado "productor del año" por primera vez por la revista Billboard.
En 1993 lanzó al mercado su segundo álbum, Rudy.8 Ese mismo año (1993), la empresa
discográfica EMI lo contrató para trabajar en la
producción del álbum Aries,
de Luis Miguel, lo cual implicaba firmar un
contrato de exclusividad que le impedía producir para otros hasta 1997. Al año
siguiente (1994) ganó otro Grammy como productor y compositor del álbum de Luis
Miguel.
En 1997, luego de la finalización de su contrato con EMI, Pérez
compuso y produjo el álbum del cantante mexicano Cristian Castro, Lo mejor de mí.
El álbum incluyó el sencillo homónimo, que permaneció en los rankings durante
90 semanas, «Después de ti, ¿qué?», y «Si tú me amaras». El álbum alcanzó
el número 1 en la lista Hot Latin Tracks, y recibió una nominación
como Mejor Álbum de Pop Latino en 1998. «Después de ti, ¿qué?»
fue una canción que dedicó a su difunta madre, y el tema fue un gran éxito del
cual se filmó un videoclip en el cual aparecía Rudy Pérez con Cristian Castro
y Raúl di Blasio.
El álbum de Castro, junto con «De Hoy En Delante» de Millie,
y «Una voz en el alma», también compuesto por Rudy Pérez, le valieron
premios ASCAP en el año 2000.
En 1997, el trabajo de Pérez con Ricky Martin también llegó al #1 de Hot
Latin Tracks de Billboard. En 1999
obtuvo un premio Ace al
álbum del año por Señor bolero, de José Feliciano. El álbum
de Jaci Velasquez, Llegar
a ti, también de su producción, incluyó la balada «Sólo tú», la cual llegó al
top 10 del Latin Chart de Billboard. Este año
obtuvo un nuevo galardón de ASCAP como compositor del año.
En 2000, Rudy Pérez produjo el álbum de Luis Fonsi, Eterno, y compuso 7 de
las 13 canciones del álbum, incluyendo el éxito Imagíname sin ti,
y su versión en inglés. En ese
mismo año produjo el álbum en español de Christina Aguilera, Mi reflejo, el cual se convirtió en uno de
los álbumes de habla hispana más exitosos del mundo, vendiendo un millón
de copias en Estados Unidos y otras 2,5 millones en el resto del mundo. El
álbum ganó el Grammy Latino 2001
al mejor álbum de pop por una artista femenina. El éxito de este álbum y el
Grammy le permitieron trabajar produciendo y componiendo canciones en español
para artistas anglosajones como Michael Bolton y Westlife.
En 2002, su trabajo como productor para Jaci Velasquez le valió a la canción
«Imagine me without you» una nominación a los premios CMA como mejor canción
del año. Pérez también escribió la canción «I wanna hear you say it» para Michael Bolton. También
trabajó en canciones en inglés para Charlie Williams («If
you should leave me») y Julia Kova(«Don’t
go for anything but love»). El éxito de sus canciones se hace evidente cuando tantas de
ellas llegan a lo más alto de las listas. En 2002, la canción que produjo
para Pilar Montenegro,
«Quítame ese hombre», alcanzó el número 1, donde permaneció durante
13 semanas consecutivas. También fue el caso de la canción que produjo en
2002 para Jennifer Peña, «El
dolor de tu presencia», permaneció en el número 1 durante
nueve semanas.
En 2002, Rudy Pérez también trabajó en el álbum de Jordi, Tú
no sospechas, para el cual compuso 11 canciones, entre ellas, el
sencillo que da nombre al álbum. En 2004, Rudy Pérez creó su propio sello, Rudy
Pérez Enterprises (RPE). En 2005 fue nombrado «productor/compositor latino del
año». Además compuso todas las canciones del álbum de Il Divo, y produjo el álbum en español
de Beyoncé, Irreplaceable.
En setiembre de 2009 lanzó Bullseye Productions, su segunda
empresa discográfica.
En enero de 2010 recibió el premio Productor de la Década de
manos de la revista Billboard.
En 2012 Pérez lanzó Lo mejor de mí, una compilación
con muchas de las canciones que escribió para otros cantantes, interpretadas
por él. También produjo el primer álbum en español de la cantante Natalie Cole, Natalie Cole en español.
Steve Hogarth (nacido Ronald Stephen Hoggarth el 14 de mayo de 19561 en Kendal, Westmorland, Inglaterra), también conocido simplemente como h, es un cantante y compositor británico.23 Desde el año 1989 ha sido el vocalista principal, así como teclista y guitarrista ocasional, de la banda de rock británica Marillion. Hogarth fue anteriormente teclista y covocalista con The Europeans y vocalista con How We Live. Jeri Montesano de AllMusic escribió que "la singularidad de Hogarth es inconfundible", alabando su voz "única" y su "bella expresividad y fraseo".4
Vida temprana[editar]
Hogarth nació en Kendal, en el sur del condado de Cumbria; hijo de un ingeniero de la marina mercante, fue educado en Doncaster desde los dos años de edad. Aún siendo niño se interesó por la música, y sus influencias más tempranas fueron The Beatles y The Kinks. Aprendió a tocar el piano de manera autodidacta y dejó la escuela a los 18 años de edad, tras lo cual pasó tres años estudiando para un grado en ingeniería eléctrica en la Trent Polytechnic. Durante esta época perteneció a una banda de música, Harlow, que tocaba en locales de trabajadores. Grabaron el sencillo "Harry de Mazzio" en la discográfica Pepper en 1978. La banda se disolvió en 1981 y Hogarth dejó su grado de ingeniería y se mudó a Londres con el objetivo de progresar en su carrera musical.5
Trayectoria[editar]
En Londres, después de responder a un anuncio en la prensa musical, Hogarth se unió a la banda Motion Pictures, que posteriormente cambiarían su nombre y se harían llamar The Europeans. A pesar de que en un principio entró en la banda simplemente como pianista, Hogarth acabó compartiendo el rol de vocalista con Ferg Harper. The Europeans, que tenían contrato con la compañía discográfica A&M Records, publicaron dos álbumes de estudio y uno en directo. En el primer álbum de estudio Hogarth cantaba un tema, pero en el segundo ya cantó cinco.
En 1985, Hogarth y el guitarrista Colin Woore dejaron la banda para formar How We Live, dúo que firmó con Columbia Records. En 1987, después de algunos cambios de discográfica, el álbum debut de How We Live, titulado Dry Land, no tuvo éxito. Hogarth incluso consideró dejar la música profesionalmente y dedicarse a ser lechero o cartero. Sin embargo, una reunión con sus editores organizada por un amigo —Darryl Way, durante un tiempo miembro de Curved Air— le convenció para enviar una cinta a Marillion, que en ese momento se encontraban buscando un nuevo cantante tras la marcha de Fish a finales de 1988.
Marillion escuchó la cinta y sus componentes se interesaron, por lo que concertaron una cita con Hogarth. Relatos posteriores de esta primera reunión cuentan que Hogarth apareció en casa de Pete Trewavas con sus maquetas en un cubo de plástico rojo y que la audición tuvo lugar en el garaje de la casa, ya que Trewavas tenía gatos y Hogarth es fuertemente alérgico a su pelo.1 Los miembros de Marillion quedaron sorprendidos por sus capacidades vocales; sin embargo Hogarth no se decidió inmediatamente y le llevó algo más de tiempo aceptar el puesto, ya que en ese momento también tenía pendiente una buena oferta para ir de gira como teclista por Estados Unidos con la banda The The. Finalmente se unió a Marillion, convencido por el hecho de que sería uno más en la banda y porque ese puesto de cantante podría acabar siendo permanente. El primer álbum de Hogarth con Marillion, Seasons End, era ya el quinto de la banda y fue publicado en septiembre de 1989. Desde aquel debut para el vocalista, Marillion ha grabado más de doce trabajos más con Hogarth a la voz.
Asimismo, Hogarth publicó en solitario, bajo el nombre de h, el álbum Ice Cream Genius, que contaba con la participación de Richard Barbieri (miembro de Japan y Porcupine Tree), del exguitarrista de XTC Dave Gregory, del batería de Blondie Clem Burke, del bajista Chucho Merchán y del percusionista Luís Jardim. El proyecto paralelo de Steve Hogarth, The H-Band, ha tocado en directo por el Reino Unido y el resto de Europa con una gran variedad de músicos, como el guitarrista Aziz Ibrahim (The Stone Roses), el batería Andy Gangadeen (Massive Attack y The Bays), el músico de sesión Jingles como bajista, la chelista Stephanie Sobey-Jones y Dalbir Singh Rattan a las tablas. Con Barbieri y Gregory, esta formación grabó en 2001 un doble álbum titulado Live Spirit: Live Body, que fue lanzado en 2002. Hogarth se puso a trabajar en un segundo álbum en solitario a finales de 2004. En 2006, Hogarth fue de gira en solitario con h Natural, unas veinte fechas que eran publicitadas como veladas de música y conversación con Hogarth al piano, que leía algunos extractos de sus diarios personales.6 Estos espectáculos fueron mezclados y editados para su descarga —como un único paquete y por tiempo limitado— en la página web de Hogarth H-Tunes.6
El 14 de mayo de 2010, Steve Hogarth actuó en el Relentless Garage de Londres para celebrar su cumpleaños y los dos días siguientes cantó en Liverpool y Sheffield. Además, coincidiendo con estos conciertos, se publicó un disco que incluía algunos de los mejores temas de sus actuaciones de h Natural y que fue denominada H Natural Selection. En 2012 Hogarth volvió a unirse con Richard Barbieri y juntos como dúo publicaron un nuevo trabajo titulado Not the weapon but the hand.7 Habían planeado varios conciertos para promocionar su trabajo, pero finalmente los cancelaron por razones económicas.7
En 2014 se anunció que Hogarth publicaría dos volúmenes de diarios escritos entre 1991 y 2014. El primero de los tomos, The Invisible Man, comprendía el espacio temporal entre 1991 y 1997 y fue puesto a la venta en junio de 2014 por Miwk Publishing; el segundo tomo apareció en diciembre de 2014.89
Hogarth ha citado a The Blue Nile, Paddy McAloon, Mike Scott, John Lennon, David Bowie y Joni Mitchell como inspiraciones profesionales, y mencionó a Peter Gabriel, Sting y Massive Attack como artistas con quienes le gustaría trabajar.10
1952:
Nace Robert
Zemeckis, cineasta estadounidense.
Robert Lee Zemeckis (Chicago, 14 de mayo de
1952) es un director, productor y guionista de cine estadounidense. En
1984, alcanzó popularidad con su primer filme destacado, Romancing the Stone,
donde se narra una aventura de una pareja por Colombia. Un año más tarde le
llegó el reconocimiento universal y la crítica fue muy favorable con su film de
ciencia ficción Back to the Future.
Su carrera continuó con películas muy exitosas en taquilla pero
sin tantas críticas favorables hasta que dirigió Forrest Gump en 1994, por la que ganó
el Óscar al mejor
director.
Índice
[ocultar]
·
2Carrera
·
4Premios
Biografía[editar]
Robert Zemeckis nació en la ciudad de Chicago, Illinois, hijo de un lituano y una italoestadounidense.
Estudió en la Universidad
del Sur de California.
Se casó por primera vez el 26 de julio de 1980 con la
actriz Mary Ellen Trainor,
a quien hizo partícipe de muchas de sus películas durante el tiempo en que
estuvieron casados. De este matrimonio nació un hijo. El matrimonio concluyó en
divorcio en el año 2000.
El 4 de diciembre de 2001 contrajo matrimonio con Leslie Harter.
Harter también trabajó en muchas de sus películas, sobre todo de las más
recientes. El matrimonio tiene dos hijos
1944:
Nace George Lucas, productor y
cineasta estadounidense.
George Walton Lucas, Jr. (Modesto, California, 14 de mayo de 1944) es un cineasta estadounidense, creador de las
sagas fílmicas de Star Wars e Indiana Jones, y expresidente de Lucasfilm Limited, LucasArts
Entertainment Company, Lucas Digital Ltd, Lucas Licensing, LucasBooks y Lucas Learning Ltd. Fue
considerado, dos años consecutivos, el número 4 de los más poderosos de la
industria del entretenimiento, detrás de los dueños de Time Warner, Turner y Steven Spielberg.
Gran amante del cómic (en especial, Flash Gordon), es un coleccionista.2
Índice
[ocultar]
·
2Carrera
·
5Premios
Biografía[editar]
Fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su
padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos.34 Durante su adolescencia estudió en la
Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso
tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. Sin embargo
sufrió un terrible accidente con su coche poco tiempo después de graduarse en
la secundaria, estuvo hospitalizado por varias semanas y estuvo a punto de
morir. Este accidente cambió definitivamente su manera de ver la vida. Decidió
ir a la preparatoria Modesto Junior College, donde tomó materias como
antropología, sociología y literatura, entre muchas otras. También empezó a
filmar con una cámara de 8mm. Durante esta época, Lucas y su amigo John
Plummer comenzaron a interesarse en el cine Canyon Cinema:
proyecciones de cineastas asociados al underground y al avant-garde, como Jordan
Belson, Stan
Brakhage y Bruce Conner.
Lucas y Plummer también comenzaron a ver películas clásicas del
cine europeo, como À bout de souffle,
de Jean-Luc Godard, Jules y Jim de François Truffaut y 8½ de Federico Fellini. “Ahí fue cuando George
comenzó realmente a explorar”, ha dicho Plummer. Gracias a su interés en las
carreras automovilísticas Lucas conoció al renombrado cinematógrafo Haskell
Wexler quien también compartía su gusto por las carreras.
Wexler, quien después trabajaría con Lucas en varias ocasiones, se impresionó
por el talento del muchacho: «George tenía muy buen ojo y pensaba de una manera
muy visual».
Lucas se mudó a la Universidad del Sur de California (USC),
donde estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas. USC fue una de las
primeras universidades en Estados Unidos en contar con una escuela dedicada a
la educación del cine. Durante sus años en USC, Lucas compartió el cuarto de
los dormitorios universitarios con Randall
Kleiser. En el campus también forjó amistad con compañeros
como Walter Murch, Hal Barwood y John Milius, entre otros. Este grupo de amigos
fue conocido en el campus como The Dirty Dozen (una referencia a la cinta del
mismo nombre, estrenada en 1967 y dirigida por Robert Aldrich); los doce alcanzarían cierto
éxito en la industria cinematográfica de Hollywood. Lucas también se hizo muy buen
amigo de un alumno destacado del campus, con quien colaboraría después en Indiana Jones: Steven Spielberg. Lucas se vio fuertemente
influenciado por el curso de Expresión Fílmica impartido por el cineasta Lester
Novros y agrupaba los elementos no narrativos de la forma
fílmica como el color, la luz, el movimiento, el espacio el tiempo. Otra
inspiración fue el realizador serbio (y decano del Departamento de Cine de la
USC) Slavko
Vorkapich, un teórico del cine que realizó grandes secuencias de
montajes para estudios de Hollywood como MGM, RKO y Paramount. Vorkapich enseñó la naturales
autónoma de la forma cinemática, y enfatizaba la cualidad dinámica única del
movimiento y la energía cinética inherente en las películas.
1936:
Nace Bobby Darin, cantante estadounidense.
Nace Bobby Darin, cantante estadounidense.
Walden Robert Cassotto, conocido como Bobby Darin (Nueva York, 14 de mayo de 1936-Los Ángeles, 20 de diciembre de 1973), fue un cantante estadounidense, uno de los más populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960.
Interpretó varios géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y trabajó como actor en varias películas, llegando a estar nominado a un Óscar en 1964.
Primeros años[editar]
Nació en el seno de una familia pobre de clase trabajadora del Bronx, Nueva York. Su padre provenía de una familia italiana y desapareció unos pocos meses antes de que Bobby naciera. Como resultado, su madre (que provenía de una familia descendiente de colonos ingleses e italianos) se vio forzada a pedir ayuda para cuidar a su hijo.
De pequeño tuvo una salud frágil, quizá por una dieta deficiente y una escasa atención médica. A los 8 años estaba aquejado de múltiples ataques de fiebre reumática. La enfermedad lo dejó con serios problemas de corazón. Una vez oyó cómo su médico le decía a su madre que tendría mucha suerte si llegaba a los 16.
Bobby tenía un gran talento para la música. Cuando era adolescente podía tocar varios instrumentos como el piano, la batería, y la guitarra. Más tarde aprendió a tocar la armónica y el xilófono.
Alumno destacado, con un cociente intelectual de genio, Bobby se graduó en el Bronx High School of Science y después asistió al Hunter College con una beca. Lo que Bobby quería realmente era tener una carrera para actuar en el Teatro de Nueva York. Dejó los estudios y comenzó a trabajar en Clubes Nocturnos como cantante con un conjunto de música. También trabajó en un centro turístico de las montañas de Catskill como animador.
Bobby eligió como nombre artístico "Bobby Darin" porque lo habían llamado así desde niño (algunos lo llamaban "Waldo" como diminutivo de su nombre real). Escogió Darin porque una vez vio un restaurante chino llamado "Darin Duck". El nombre del restaurante era realmente "Mandarin Duck" ya que se habían fundido las demás letras.
Cuando Darin tenía 35 años descubrió que quien parecía ser su hermana era en realidad su madre que había quedado embarazada muy joven. Y la mujer que pensaba Darin que era su madre era realmente su abuela. La identidad de su verdadero padre nunca le fue revelada.
Carrera musical[editar]
En 1956 su agente firmó un contrato con Decca Records donde Bill Halley and his Comets habían alcanzado la fama. Sin embargo Darin como muchos otros cantantes empezó cantando éxitos de otros artistas.
Cuando dejó Decca Records firmó con Atlantic Records, donde escribió música para él y para otros artistas. Después de tres grabaciones mediocres, su carrera empezó a despegar en 1958 cuando lanzó su único single de rock Splish Splash. Éste se convirtió en un éxito vendiendo más de un millón de copias.
A partir de entonces, Bobby tuvo un gran éxito comercial. En 1959 grabó Dream Lover, una balada que vendió varios millones de copias. Su éxito posterior fue Mack the Knife del clásico de Kurt Weill Three Penny Opera melodía que estuvo como número uno en la lista de Billboard en el año 1959 por cerca de 8 semanas, y ésta, junto con Beyond The sea que se basó en el clásico "La mer" de Charles Trenet, son sin duda las canciones más importantes y representativas de Bobby Darin. Este último éxito nunca fue número uno pero, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción Bobby ganó un premio Grammy en la edición de 1960. Bobby Darin ganó también el premio a Mejor artista revelación. Es en esa década cuando Darin encabeza los carteles de los casinos más importantes de Las Vegas. Él tuvo otros éxitos que llegaron a los primeros lugares de las listas de Billboard: "Splish and Splash" "Multiplication", "Things" que tuvieron versiones en español para el público de Latinoamérica, con éxitos importantes.
Otras canciones de éxito en la década de 1960 fueron I'll be there, Hello Dolly y Fly me to the moon. Darin se dedicó también al cine, escribiendo temas para varias películas en las que actuaba. La película más importante de la que formó parte fue Come September, filmada en Italia, una comedia romántica co-protagonizada por Rock Hudson, Gina Lollobrigida y Sandra Dee. En 1962 fue nominado un Globo de Oro por su papel en Pressure Point. En 1963 fue nominado a un Oscar por su papel de soldado en Capitán Newman M.D.
Últimos años y muerte[editar]
Se casó con Sandra Dee en 1960 y en 1961 tuvieron a su hijo Dodd Mitchell Darin, divorciándose en 1967.
También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy, cuyo asesinato marcó a Bobby y este publicó dos álbumes protesta de música Folk.
A principios de la década de 1970, continuó actuando y grabando en estudios como Motown Records. En enero de 1971 fue operado para corregir sus afecciones de corazón con las que había vivido desde pequeño.
En 1972 tenía su propio show en la televisión norteamericana NBC (The Bobby Darin Amusement Company) que duró 2 años. También siguió actuando en Las Vegas donde le administraban oxígeno después de cada actuación, dada la lesión cardíaca que tenía.
Fue embajador de buena voluntad de la Asociación Americana del Corazón. El 20 de diciembre de 1973, Darin murió en Los Ángeles, durante una operación que pretendía corregir daños ocasionados en sus válvulas cardíacas. Su cuerpo fue donado a la UCLA para la investigación.
La estrella de Bobby Darin en el Paseo de la fama de Hollywood está en el 1735 de Vine Street.
1933:
Nace Siân Phillips,
actriz británica.
Jane Elisabeth Ailwên Phillips CBE (Gwaun-Cae-Gurwen, Neath, Gales, 14 de mayo de 1933),
más conocida como Siân Phillips, es una actriz galesa.
Índice
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Biografía[editar]
Ha participado en algunas películas y programas de televisión,
pero su fama se debe sobre todo a su interpretación del personaje Livia Drusila, la esposa del emperador Augusto en la adaptación hecha
para la televisión por la BBC de
la novela Yo, Claudio,
de Robert Graves, y
también como Ann, la esposa del espía Smiley (sir Alec Guinness) en la serie Calderero, Sastre, Soldado, Espía, también de la BBC.
Ennoblecida en el 2000 con el título de "Dame" (Dama
comendadora de la Orden del Imperio Británico, DBE), equivalente al masculino
título vitalicio de "Sir".
Vida familiar[editar]
Estuvo casada en segundas nupcias con Peter O'Toole, con quien tuvo dos hijas, Pat y
Kate. Escribió sobre este periodo de su vida en el segundo volumen de su
autobiografía, Public
Places. Más tarde se casó con el actor británico Robin Sachs, de quien se divorció
posteriormente.
1930:
Nace Juan Carlos Saravia,
cantautor folclórico argentino, del grupo Los Chalchaleros. (f. 2020).
Juan Carlos Saravia Guedes (Salta, 14 de mayo de 1930-ibíd., 17 de enero de 20201) fue un músico folclórico argentino, integrante y voz líder del conjunto folclórico Los Chalchaleros.
Biografía[editar]
Realizó sus estudios primarios en la escuela Pizarro, de San Ramón de la Nueva Orán. Durante los años 1960, el grupo tiene un grave accidente automovilístico cuando regresaba de una de sus innumerables giras por el país, y allí falleció su esposa, madre de sus primeros cinco hijos. Varios años después contrajo matrimonio con Margarita, su actual esposa, con quien tuvo un sexto hijo. Tiene catorce nietos.
Su hijo Facundo Saravia también fue integrante al conjunto Los Chalchaleros en el año 1983 hasta que finalizaron sus actuaciones y siguió como solista.
Junto a Víctor Zambrano ("Cocho"), Carlos Franco Sosa, y Aldo Saravia integra el grupo folclórico Los Chalchaleros, haciendo su debut el 16 de junio de 1948. De allí en adelante el conjunto inicia una carrera de incontables éxitos en su país y en muchos otros sitios del mundo. Luego de tantos triunfos y de tantos años de trayectoria, el grupo decide retirarse definitivamente, situación que se produce en el año 2003. Si bien su vida como cantor concluye a la par de la despedida voluntaria de los escenarios del conjunto Los Chalchaleros, siguió concurriendo como invitado a programas de televisión y radio, para compartir sus interesantes anecdóticos relatos.23
Integraba como protesorero la comisión directiva de Sadaíc (Sociedad Argentina de Autores y Compositores).4
Filmografía[editar]
- Mire que es lindo mi país (1981)
- El canto cuenta su historia (1976)
- Argentinísima (1971)
- Una ventana al éxito (1966) dir. Enrique de Rosas (h)
- Cosquín, amor y folklore (1965) dir. Delfor María Beccaglia
Referencias[editar]
- ↑ http://www.nuevodiarioweb.com.ar/noticias/2020/01/17/226805-el-folclore-de-luto-fallecio-juan-carlos-saravia-fundador-de-los-chalchaleros
- ↑ Saravia, Juan Carlos. «Los Chalchaleros». Consultado el 5 de noviembre de 2018.
- ↑ «Juan Carlos Saravia». Consultado el 5 de noviembre de 2018.
- ↑ Sadaíc (Sociedad Argentina de Autores y Compositores.
Enlaces externos[editar]
1929:
Nace Henry McGee,
actor británico (f. 2006).
Henry McGee (14 de mayo de 1929 – 28 de enero de 2006)
fue un actor británico, conocido principalmente por sus años trabajando como
pareja de Benny Hill.
Biografía[editar]
Su verdadero nombre era Henry Marris-McGee, y nació
en el distrito londinense de South
Kensington. Estudió en el Stonyhurst College,
esperando McGee hacer la carrera de medicina, aunque el fallecimiento de su
padre cuando él tenía 17 años cambió sus planes a causa de las dificultades
económicas por las que hubo de pasar su familia.
Habiendo disfrutado de la actuación siendo un niño, McGee
decidió continuar con la tradición interpretativa materna, que podía trazarse
desde la época de Kitty Clive.
McGee trabajó en papeles de reparto tanto en el cine como en la
televisión, interviniendo en producciones como El Santo y Los
Vengadores, pero su actividad más recordada es la relacionada
con los papeles humorísticos, principalmente su intervención como entrevistador
serio en el show de Benny Hill.
Otra actuación que le dio cierta fama fue la de la 'momia' de
Honey Monster, una criatura grande, amarilla y furry de los anuncios de los
cereales Sugar Puffs.
McGee fue Two-Ton Ted en el video de la canción escrita por
Benny Hill Ernie (The Fastest Milkman In The West). Otros papeles
de comedia fueron el que hizo en el film de 1973 On
The Buses y su trabajo junto a Charlie Drake en la sitcom de Associated Television/Independent
Television (ITV) The Worker (1965–1970). También es
de reseñar su participación en There Was An Englishman, An Irishman and
a Scotsman, producción de la BBC de
humor escrita por Lew Schwarz con McGee interpretando al inglés, y Harry Towb y Roy Kinnear al irlandés y al escocés.
Además tuvo una larga y exitosa carrera teatral, interpretando
una amplia variedad de papeles, y trabajando en farsas como Plunder.
McGee tuvo una hija, Stephanie, nacida en 1963. Pasó sus últimos
seis meses en una residencia
de personas mayores, afectado por la enfermedad de
Alzheimer. Falleció en 2006 en Londres, y fue enterrado en el
Cementerio Brompton de la misma ciudad.
Henry Rider Haggard (Bradenham, Norfolk, 22 de junio de 18561-Londres, 14 de mayo de 1925)2 fue un escritor inglés victoriano de novelas de aventuras, iniciador del subgénero «mundo perdido».
Biografía[editar]
Nació en la mansión rural Wood Farm, en Bradenham Hall1 (Norfolk, Inglaterra). Fue el octavo de los diez hijos del matrimonio formado por sir William Meybohm Rider Haggard, terrateniente con especial habilidad para los negocios, y Ella Doveton, amante de la literatura y ocasional poeta.1
Aprendió a leer en la casa familiar de la mano de su hermana mayor y desde los diez años tuvo como tutor en Londres al reverendo H. J. Graham que lo inició en estudio de los clásicos.1 Ingresó en un instituto de Ipswich donde destacó por su habilidad para escribir versos latinos a la manera de Virgilio y Horacio.3 A los dieciséis años se presentó sin éxito a unas oposiciones para el Foreign Office.4
Recomendado por su padre, se incorporó en 1875 al equipo de funcionarios como secretario de sir Henry Bulwer, recién nombrado gobernador de Natal, colonia británica en la actual Sudáfrica.3 En el ejercicio de su profesión viajó por la zona tratando con diversas tribus, especialmente zulúes, por razones laborales pero también por placer, lo que le permitió conocer por sí mismo los futuros escenarios de sus novelas. La ceremonia de la danza guerrera que contempló en honor de Bulwer le inspiró el artículo Una danza guerrera zulú publicado en el Gentleman's Magazine en julio de 1877.5 Durante esta primera estancia en África se prometió a Mary Elizabeth «Lilly» Jackson, pero no se pudo casar con ella porque no obtuvo el permiso paterno. Durante sus cuatro años en el África meridional, Rider Haggard compaginó sus deberes profesionales como asistente del gobernador con sus estudios sobre los colonos y naturales de la región.5 A los veintiún años, se le nombró secretario del Tribunal Supremo de Pretoria, pero sus críticas a la administración le apartaron pronto de esta y le llevaron a emprender diversos y fallidos negocios.5
En 1879 regresó a Inglaterra y un año después se casó con Louise Margitson, amiga de su hermana, con quien viajó a África ese mismo año.5 Haggard quería dedicarse a los negocios en la colonia pero la inestabilidad de la zona por la primera guerra anglo-bóer los obligó a regresar a Inglaterra en agosto de 1881, donde estudió derecho y empezó a ejercer la abogacía, compaginándola con la publicación de artículos inspirados en sus estancias en África.6
En 1882 se editó su primer libro, Cetywayo and his white neighbours, reflejo de sus observaciones de los pueblos africanos autóctonos, que no obtuvo demasiado éxito.6 Dos años después, publicó un libro de cuentos, Dawn, al que siguieron The witch's head (1885) y Las minas del rey Salomón (1885), escrito en poco más de un mes en Londres, que lo consagró definitivamente —publicada en septiembre, había sido rechazada por numerosas editoriales7 antes de aparecer con enorme éxito—.6 En esta obra, aparece por primera vez su personaje Allan Quatermain, que reunía algunas características del propio autor.8
En 1887 ven la luz las novelas Allan Quatermain, Jess —ambas escritas en 1885 y publicadas primeramente por entregas— y Ella —escrita con la característica velocidad del autor a comienzos de 1886—,7 que, con ochenta y tres millones de ejemplares vendidos, es uno de los libros más populares de todos los tiempos.9 La continuación de esta obra, publicada en 1905, obtuvo también muy buena acogida entre el público.7
En 1888, rico y considerado como uno los escritores más famosos de su época, escribió Cleopatra después de un viaje a Egipto, La venganza de Maiwa y Mr. Meeson's Will y comenzó Beatrice y El deseo del mundo.7 Sucesivas muertes en la familia le sumieron temporalmente en una profunda crisis que le condujo a aislarse en la mansión de su esposa, sin dejar por ello de escribir a un ritmo notable.10 La necesidad de mantener los ingresos familiares y el nacimiento de su hija Lilias en 1892 le permitieron sobreponerse y retomar su intensa actividad literaria y social.2
Incansable escritor, reflejó los problemas de la agricultura contemporánea en A Farmer's Year (1899) y en su obra de dos volúmenes Rural England (1902), fruto de dos años de investigaciones.2 Enviado por el Gobierno inglés, viajó a Estados Unidos para informar sobre los establecimientos agrícolas e industriales instalados allí por el Ejército de Salvación.2 Posteriormente formó parte de la Comisión Real para la Repoblación Forestal y la Erosión Costera.2 Otro nombramiento oficial, como miembro de la comisión real para las colonias, lo que le permitió viajar por Australia, Nueva Zelanda, Sudáfrica y Canadá hasta principios de la Primera Guerra Mundial, momento en el que regresó a Gran Bretaña.2
Fue elegido caballero (Knight Bachelor) en 1912 y caballero del Imperio Británico (Knight Commander of the Order of the British Empire) en 1919.2 Unos años antes (1895) había intentado acceder al Parlamento por el partido conservador2 pero no lo consiguió por 198 votos.
Tuvo un hijo, Jock,7 cuya muerte a los diez años le provocó su única crisis creativa, y tres hijas, Angela, Dorothy y Lilias. A esta última debemos la biografía de su padre, The cloak that I left, publicada en 1951.2 El escritor falleció en Londres el 14 de mayo de 1925 tras una operación.2
1919:
Muere Henry John Heinz,
empresario estadounidense (n. 1844).
Henry John Heinz (11 de octubre de 1844 - 14 de mayo de 1919)
fue un empresario estadounidense que fundó la H. J. Heinz Company con
sede en Pittsburgh, Pensilvania. Él nació en esa ciudad, es hijo
de los inmigrantes alemanes de Baviera que vinieron independientemente a
los Estados Unidos a
inicios de 1840s. Heinz desarrolló su negocio en una
compañía nacional que hizo más de 60 productos alimenticios; Uno de sus
primeros fue el ketchup de tomate.
Fue influyente para la introducción de altos estándares
sanitarios para la fabricación de alimentos. Es reconocido porque ejerció una
relación paternal con sus trabajadores, proporcionando beneficios de salud,
instalaciones recreativas y servicios culturales. Sus descendientes continuaron
con el negocio hasta hace poco, vendiendo sus acciones restantes a la compañía
predecesora de lo que ahora es Kraft Heinz. Heinz fue el bisabuelo del ex
senador estadounidense H.
John Heinz III de Pensilvania.
1875:
Nace José Santos Chocano,
poeta y escritor peruano (f. 1934).
José Santos Chocano Gastañodi (Lima, Perú, 14 de mayo de 1875 - Santiago, Chile, 13 de diciembre de 1934)
fue un destacado poeta peruano, conocido como «El Cantor de América»
por antonomasia. Su vida fue rocambolesca y estuvo ligada a la de los
dictadores y los caudillos latinoamericanos de su tiempo.
Es considerado uno de los poetas hispanoamericanos más
importantes, por su poesía épica de tono grandilocuente, muy
sonora y llena de color, aunque también produjo poesía lírica de
singular intimismo, todas ellas trabajadas con depurado formalismo, dentro de
los moldes del modernismo. Su obra se inspira mayormente en los temas, los
paisajes y la gente de su país y de América en general. Su creación literaria
obtuvo en el Perú un reconocimiento nunca antes visto; llegó a ser el literato
más popular después de Ricardo Palma, aunque su ascendiente en los
círculos literarios peruanos fue disminuyendo paulatinamente, en beneficio de
otro grande de la poesía peruana, César Vallejo. No obstante, Chocano sigue
siendo recordado por la mayoría de los peruanos como un gran poeta; algunos de
sus composiciones como «Blasón», «Los caballos de los conquistadores» y «¡Quién
sabe!…», son clásicos de las recitaciones hasta la actualidad.
Su infancia transcurrió en plena Guerra del Pacífico,
cuando los chilenos ocupaban la capital del
Perú. Cursó sus estudios secundarios en el Instituto de
Lima y en el Colegio de Lima. En 1891, ingresó a la Facultad de
Letras de la Universidad
Nacional Mayor de San Marcos, pero no concluyó su carrera. En 1894
se inició en el periodismo, colaborando en el diario La Tunda, que
se oponía al segundo gobierno del general Andrés A. Cáceres.
Acusado de subversión, fue encarcelado en una celda submarina de la Fortaleza del
Real Felipe. Tenía entonces 20 años. Salió libre tras el triunfo de
la revolución
cívico-demócrata de 1895 y gozó del apoyo del nuevo gobierno.
Publicó sus primeros poemarios y editó periódicos y revistas en la imprenta del
Estado. Luego recorrió América como
diplomático y aventurero; se desempeñó en algunas misiones diplomáticas que le
condujeron a Centroamérica, Colombia y España. Durante su estancia en Madrid y dada su vinculación al
movimiento modernista en
torno al editor y librero Gregorio Pueyo, publicó su poemario Alma
América (1906).
Separado del servicio diplomático al ser involucrado en una
estafa al Banco de España,
pasó a Cuba, Puerto Rico y México, donde fue secretario del jefe
revolucionario Pancho Villa. En
1915 se trasladó a Guatemala, donde
colaboró con el dictador Manuel Estrada
Cabrera, lo que casi lo llevó ser fusilado en 1920 al ser derrocado
éste, salvándose gracias a la intercesión de muchos estadistas y escritores del
mundo. En 1921 volvió al Perú y el gobierno municipal de Lima lo nombró poeta laureado, otorgándole una corona de
laureles de oro en 1922. Se declaró amigo y simpatizante del presidente Augusto B. Leguía.
Se convirtió en el panegirista de las «dictaduras organizadoras» del
continente.
En 1925, asesinó de un disparo a quemarropa al
joven escritor Edwin Elmore, luego
de un altercado entre ambos en el local del diario El Comercio de
Lima. Chocano salió en libertad a los dos años, pues el Congreso de
mayoría leguiísta ordenó cortar el proceso judicial.
Se fue a vivir a Santiago de Chile, donde padeció penurias
económicas. En 1934 fue asesinado en un tranvía por Martín Bruce Padilla, un
esquizofrénico que afirmó haberse asociado con el poeta en la búsqueda de
tesoros ocultos, pero al verse marginado de los supuestos beneficios de la
empresa, optó por vengarse de esa manera. En realidad, Chocano no halló ningún
tesoro. Fue sepultado en Santiago. Treinta años después sus restos fueron
trasladados a Lima.
937?
Teodoro I (Jerusalén, ¿? – Roma, 14 de mayo de 649) fue el 73.er papa de la Iglesia católica, de 642 a 649.
Elegido cardenal por su antecesor en el año 641, al acceder al trono de San Pedro continúa la lucha de sus predecesores contra el monotelismo, doctrina que mantenía que en Jesucristo existen dos naturalezas pero una sola voluntad, condenando la Ecthesis, un edicto promulgado en 638 por el emperador Heraclio en el que se realizaba una profesión de fe de dicha doctrina, e intentando que el emperador Constante II, la condenase por herética y la aboliese.
Durante su pontificado se negó a reconocer a Pablo como patriarca de Constantinopla aduciendo que su elección era anticanónica al haberse producido tras la destitución ilegal de su antecesor Pirro. Ambos serían posteriormente excomulgados por el Papa al reafirmarse en su monotelismo, lo que llevó a Pablo a tomar represalias contra Teodoro, ordenando destruir el altar romano que existía en el Palacio de Placidia y desterrando o encarcelando a los nuncios papales.
Poco antes de su muerte, en el 649, el emperador promulga un edicto, conocido como el Typos de Constante, en el que, intentando una reconciliación con el Papado, prohibía «a todos los súbditos ortodoxos que estaban en la fe cristiana inmaculada y pertenecían a la Iglesia católica y apostólica, luchar o querellarse unos con otros sobre una voluntad o dos voluntades», ordenando hacer desaparecer todas las disertaciones escritas sobre el tema, incluida la Ecthesis.
El emperador no condenaba, sin embargo, el monotelismo, del que siguió siendo partidario, ya que el nuevo edicto sólo perseguía proteger dicha doctrina de los ataques doctrinarios que venía recibiendo.
Ante la nueva situación, Teodoro convoca un concilio para ser celebrado en Letrán con el objetivo de fijar la doctrina de la Iglesia, sínodo, que, al fallecer el Papa el 14 de mayo de 649, se celebrará y será presidido por su sucesor Martín I.
Durante su pontificado se añadió al título de “Pontífice” el de “Soberano”.
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