El 7 de mayo es el 127.º (centésimo vigesimoséptimo) día del año en el calendario gregoriano y el 128.º en los años bisiestos. Quedan 238 días para finalizar el año.
Fue mundialmente reconocido por su labor junto a las personas con discapacidad mental. Fundó las comunidades de El Arca,2 que brindan hogares y talleres donde conviven personas con discapacidad mental y sin ella, en un ambiente familiar. A su vez, es el fundador de las comunidades de Fe y Luz,3 para familiares de personas con discapacidad.
Johnny Albino
nació el 19 de diciembre de 1919 en Yauco, Puerto Rico.2
A muy temprana edad demostró gran interés por la música y le encantaba cantar.
En el ejército de Estados Unidos, durante la Segunda Guerra Mundial, Albino
prestó servicios en el cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos
y estudió comunicaciones como operador de telégrafo. Pero también encontró la
forma de perseguir sus intereses musicales formando un cuarteto y cantando en
eventos patrocinados por U.S.O. para los mecánicos.
En 1946,
Albino formó su primer trío Trío San Juan con Jaime Gozilez,
primera guitarra, y José Ramón Ortiz, segunda voz. El grupo debutó en la ciudad
de Nueva York. El salto a la fama de Albino vino como vocalista con algunos de
los tríos más famosos de esa época. Con el Trío San Juan, cantó canciones muy
conocidas y ahora clásicas, tales como “Cosas como tú”, “No sigamos pecando”,
“Plazos traicioneros”, "Vuelve Cuando Quieres" y “Por el bien de los
dos”. El grupo tenía su propio sonido único; muy distinto de su archi-rival e
internacionalmente famoso Trío Los Panchos. El trío cantaba guarachas,
pasodobles, boleros, y muchas canciones compuestas por el conocido compositor
de esa era, Chago Alvarado. Alvarado era segunda voz en el trío y se mezcló
bien con Albino y Martínez.
Albino se
integró posteriormente al Trío Los Panchos,
reemplazando al vocalista líder, Julito Rodríguez. Su primera aparición con
ellos fue como primera voz en un concierto en Buenos Aires. Él cantó con el
trío desde 1958 hasta 1968, y ejecutó con gran éxito su papel, conocido en los
Estados Unidos así como en toda América Latina, Europa y Asia, incluyendo
Japón, donde grabó dos álbumes en japonés. Albino apareció en programas de
televisión difundidos a nivel nacional en los Estados Unidos, tales como Johnny
Carson y Ed Sullivan. También trabajó con estrellas tales como Frank Sinatra,
Sammy Davis, Xavier Gugat, Nat King Cole y Steve Lawrence. Él también trabajó
con Eydie Gormé, incluyendo dos álbumes que grabaron juntos, sin el resto del
trío.
Después de
dejar Los Panchos debido a graves desaveniencias caracterizadas
por demandas legales de ambas partes, Albino volvió a grabar con varios otros
tríos y solo; siempre manteniendo la calidad de claridad y fuerza vocal que le
hicieron un ingrediente tan esencial en el éxito de los tríos anteriores con
los que se le asocia siempre.
La
discografía de Albino incluye más de 300 álbumes en una carrera larga e
ilustre. Él también realizó numerosas giras de conciertos por todo el mundo en
lugares como Japón, Hong Kong, Singapur, Egipto, Israel, y por toda Europa y
América Latina.
Más
recientemente, con una voz perfectamente preservada, Albino se unió a Julito
Rodríguez en el año 2000 para conmemorar el famoso Trío Los Panchos y los
éxitos de sus respectivas épocas con la banda. Hasta el día de su muerte,
Albino vivía en Nueva York, dedicado a su familia y a su música.
El 7 de mayo
de 2011,
a consecuencia de un infarto cardiaco masivo sorpresivo, fallece el cantante
Johnny Albino en un hospital de Long Island, su cuerpo fue velado en Queens,
Nueva York, y sus restos fueron cremados.
Realmente, todo el álbum, I
do not want what i haven’t
got se convirtió en un éxito internacional.
El disco era el segundo
trabajo de la vocalista, después de The lion and the cobra (1987), y en él se
incluían temas como Feel so different o I am stretched on your grave. Fue un
momento de gloria efímero porque tras él, Sinnéad O’Connor fue más conocida por sus
excentricidades y escándalos que por sus discos.
José Álvaro Osorio Balvin (Medellín, 7 de mayo de 1985), conocido como J
Balvin, es un cantante colombiano de reggaetón y música urbana.1
Desde muy joven mostró interés por la música 2
En sus inicios musicales, hizo parte de varias bandas de rock,3
mostrando su actual admiración por bandas como Nirvana,
luego formó un grupo de rap y en 2004 lanza su primer canción como solista.2
En 2010 se convierte en artista revelación por varias emisoras de Colombia.4
Ese mismo año firmó un contrato musical con EMI Music.5
Así lanza su álbum debut Real, que fue certificado disco de oro en
Colombia.6
En el 2012, lanza su segundo álbum El negocio, este tuvo tres sencillos, «Sin
compromiso», «Me gustas tú» y «En lo oscuro». «En lo oscuro» se ubicó en la
primera posición del listado National Report de
Colombia, siendo su primer número uno en su país.7
Su tercer
álbum de estudio La familia fue un éxito internacional,
al certificar discos de oro, platino y multiplatino en varios países.8
«6 AM»
fue el sencillo más exitoso de ese proyecto al alcanzar los cinco primeros en
los listados de Billboard,9
además se convirtió en el primer tema en ganar un disco de diamante en Estados Unidos. 10
«Ay vamos»,
fue número uno en Hot Latin Songs de Billboard,9
y también ganó un disco de diamante en Estados Unidos.10
Ese tema le valió a Balvin su primer premio Grammy Latino.11
En el 2015, lanza «Ginza», primer sencillo de su siguiente
álbum. Ese tema se posiciona en el número uno en Colombia, Estados Unidos,
así como en México y España,
siendo el éxito internacional del artista, puesto que además ingresó a la
lista Billboard Hot 100, en la posición 84, es así su
primer sencillo en esa lista.9
Breckin Erin Meyer nació el 7 de mayo de 1974 en Minneapolis (Minnesota), en
los Estados Unidos. Sus padres, Christopher William Meyer, consultor de negocos
y Dorothy Ann Vial, microbióloga y agente de viajes, están divorciados. Como
hijo de padres separados, Breckin creció en distintos lugares incluyendo
California, Texas, West Virginia y New Jersey.
Meyer asistió a la escuela primaria con la actriz Drew Barrymore y continuó sus estudios
secundarios en la famosa Beverly Hills High School, donde tuvo entre sus
compañeros a Alicia Silverstone,
Joshua John Miller y Branden Williams. Fue precisamente Barrymore quien le
presentó a su agente, luego de lo cual Breckin comenzó a trabajar en
comerciales y en el programa de juegos "Child's Play".
Luego de ser aceptado en la Universidad Northbridge, Meyer
decidió dejar sus estudios por un tiempo para dedicarse a la actuación. Durante
esa época, integró junto con su hermano, la banda Streetwalking Cheetahs, donde
tocaba la batería; la banda grabó un demo en 1995, en el que él interpretaba
las canciones "Carnival" y "Dave". Entre 1995 y 1996, los
Cheethats dieron alrededor de 10 presentaciones en el área de Los Ángeles; su
segundo álbum, "Live on KXLU", tuvo varias canciones escritas por
Meyer como "None of Your Business", "All I Want",
"Peppermint", "Thought that Crosses My Mind" y "Turn
Me Down". Posteriormente formó su propia banda llamada
"Bellyroom", junto con Seth Green y Alexander Martin, nieto del actor
Dean Martin. "Bellyroom" también realizó varias presentaciones en Los
Ángeles, durante el año 1996. En la actualidad, Breckin no integra ninguna
banda.1
Su primer rol televisivo importante fue interpretando a Chas
Walker en "The Jackie Thomas Show", entre 1992 y 1993;
posteriormente, a lo largo de los años interpretó otros papeles significativos
comoel de Mike Solomon en "The Home Court", también fue Adam Schwartz
en "Inside Schwartz" y Tom en "Married to the Kellys";
además de prestar su voz para los personajes de Commander Palmer en la serie
animada "Titan Maximum", Joseph Gribble en "Los reyes de la
colina" y Superman en "Robot Chicken".
Actualmente, además de continuar con su trabajó en "Robot
Chicken", Breckin protagoniza a Jared Franklin en la serie "Franklin
& Bash".
Meyer debutó ante la gran pantalla en 1991, cuando interpretó el
rol de Spencer en "Pesadilla final: la muerte de Freddy"; en 1995
trabajó junto a su ex compañera del secundario Alicia Silverstone, en Ni
idea" y, un año más tarde, actuó bajo la dirección de John Carpenter, en
"2013: rescate en L.A." (1996).
Entre sus numerosos créditos cinematográficos figuran también
"Studio 54" (1998), "El dilema (The insider)" (1999),
"Road Trip (Viaje de pirados)" (2000), "Ratas a la carrera"
(2001), "Pinocchio" (2002) (en la que prestó su voz para el personaje
principal de Pinocchio), "Herbie Fully Loaded" (2005) o "Los
fantasmas de mis ex novias" (2009).
En su vida personal, contrajo matrimonio con la escritora y
cineasta Deborah Kaplan, con quien tiene una hija llamada Keaton Willow. Dedica
su tiempo libre a tocar la batería, jugar videojuegos y practicar deportes;
pero, principalmente, a estar con sus mejores amigos Seth Green y Ryan
Phillippe, con quienes dirige su propia compañía productora.
Durante siete
años hizo teatro. Su primera vez en televisión fue como extra para la telenovelaMi
única verdad, en donde le pagaron 25 mil pesos colombianos. En 1998 ingresó
al canal RCN,
y debutó en la telenovela La madre. Su trabajo en el canal le hizo
merecedor de premios como el Simón Bolívar, Shock, TV y Novelas y el Gran Águila de Venezuela.1
Luego de su
viaje a México, regresó a Colombia a formar parte de la telenovela Isabel me la veló, donde interpretó a Pepe
Grillo. Con este papel también recibió varios reconocimientos en Houston.
Pasó a ser un sacerdote en Milagros de amor y luego un
pescador en Las noches de Luciana.1
Regresó a RCN
para darle vida a Manuel, más conocido como «El coloso de Jalisco», un
talentoso mariachi en una de las novelas más exitosas del canal: La Hija del Mariachi. También, participó en
la producción de Telemundo Sin senos no hay paraíso, donde dio
vida al narcotraficante Aurelio Jaramillo, alias «el Titi». Luego actuó junto
con Katherine Porto y Santiago Cepeda en la
película Fantasmas del Das dirigida por Humberto Dorado.
Después interpretó a Víctor García, un detective de origen humilde que desea
cumplir el sueño de su esposa Chabela (Paola Rey)
de tener una casa propia y así sacar adelante a su familia.1
en Las detectivas y el Víctor.
En 2010 trabajó
en la telenovela Ojo por ojo junto a Gaby Espino y Miguel Varoni dando
vida al personaje de Many Monsalve, un hombre cuyo propósito era conseguir el
amor de Alina Jerico (Espino), el cual se disputaba con su primo Nando Barragán
(Varoni). Esta novela tuvo altos índices de audiencias.[cita requerida]
En el 2012
participó como villano secundario en la telenovela Corazón Valiente de la
cadena estadounidense Telemundo, con el papel del Verdugo en donde interpreta a un
narcotraficante siendo su mujer Fernanda del Castillo (Aylin Mujica)
y con una obsesión por Fabiola Arroyo (Brenda Asnicar).
En el año 2016
encarnó nuevamente a el narcotraficante Aurelio Jaramillo alias ‘El Titi’ en la
segunda temporada de Sin tetas no hay paraíso ahora
titulada Sin tetas si hay paraíso, producción
de Telemundo Internacional y transmitida por el canal Caracol.
Pernía vive con
la modelo Erika Rodríguez con quien tuvo dos hijos (Luna del Mar) de 12 años y
(Valentino) de 6 años, su tercer hijo es (Julián) de 12 años, quien vive en
Barranquilla con su madre. Anteriormente estuvo con la actriz Marcela Mar,
con quien vivió 5 años y tuvo un hijo, Emiliano.1
Piketty nació el 7 de mayo de 1971, en el suburbio parisino
de Clichy, Hauts-de-Seine. Sus padres habían
estado involucrados en un grupo trotskista y las protestas de mayo de 1968 en
París, pero se habían alejado de esta posición política antes de que naciera su
hijo. Una visita a la Unión Soviética en 1991 fue suficiente para hacerle un
firme "defensor del capitalismo, la propiedad privada y el mercado".
Piketty entró a la École
Normale Supérieure (ENS) a la edad de 18 años, donde estudió
matemáticas y economía. A la edad de 22 años, Piketty recibió su doctorado por
una tesis sobre la redistribución de la riqueza, que escribió en la London School of
Economics (LSE) y en la EHESS bajo Roger Guesnerie3 y ganó el premio de la Asociación
Francesa de Economía para la mejor tesis del año.4
Después de obtener su doctorado, Piketty enseñó de 1993 a 1995
como profesor asistente en el Departamento de Economía del Instituto
de Tecnología de Massachusetts. En 1995 se incorporó como
investigador al Centro Nacional de Investigación Científica (CNRS), y en 2000
se convirtió en profesor (directeur d'études) en la EHESS.5
Piketty obtuvo en 2002 el premio al mejor joven economista de
Francia y, según una lista fechada el 11 de noviembre de 2003, es miembro de la
junta de orientación científica de la asociación À gauche, en Europe (fr),
fundada por Michel Rocard y Dominique
Strauss-Kahn.6
En 2006, Piketty se convirtió en el primer director de la
Escuela de Economía de París, que ayudó a establecer.
Es columnista del periódico francés Libération y
ocasionalmente escribe para Le Monde.
La investigación de las estadísticas históricas realizada por
Piketty establece que la proporción de los ingresos del capital en el ingreso
nacional fue de 6 o 7 en el siglo XIX, cayó a 2 después de la Segunda Guerra
Mundial y en el siglo XXI volvió a un nivel cercano al
siglo XIX, con un valor de 5 o 6. Por otra parte, encontró que a largo plazo,
el retorno promedio sobre el capital supera la tasa de crecimiento de la
economía, lo cual implica que los propietarios del capital se enriquecen cada
vez más rápidamente que el resto de la población.7
Para el economista francés Etienne
Wasmer las tesis de Piketty se ven confirmadas en el caso
francés ya que el incremento de las tasas de retorno del capital en Francia se
debe principalmente a un aumento de los precios inmobiliarios y este aumento es
captado principalmente por el capital inmobiliario.8
Piketty es un especialista en la economía de la
desigualdad o desigualdad de
ingreso, desde una aproximación estadística e histórica.910 En sus publicaciones analiza cómo la
tasa de acumulación de capital en relación con el crecimiento económico aumentó
desde el siglo XIX hasta la actualidad. Los registros sobre impuestos le han
permitido reunir datos sobre las élites económicas, que tradicionalmente han
sido poco estudiados, y que le permiten establecer las tasas de acumulación de
la riqueza y su comparación con la situación económica del resto de la sociedad.
Su libro más reciente, El capital en el
siglo XXI, se nutre de datos económicos que se remonta 250 años
para demostrar que se produce una concentración constante del aumento de la
riqueza que no se autocorrige y que aumenta la desigualdad económica, problema
que requiere para su solución una redistribución de la riqueza a través de un
impuesto mundial sobre la misma.1112
En relación con la posibilidad de autorizar préstamos a
estudiantes universitarios en España, Piketty señaló, en una entrevista a La Vanguardia, que la aplicación del modelo británico
que quiere copiar el ministro de educación Wertes
el ejemplo perfecto de cómo provocar deuda en el sector público y
beneficiar a las universidades privadas que podrían financiarse con préstamos
de muy difícil devolución hechos por el Estado a los estudiantes.18
María Almudena Grandes Hernández1 (Madrid, 7 de mayo de 1960-Madrid, 27 de noviembre de 2021)2 fue una escritora española, columnista habitual del diario El País. Galardonada con el Premio Nacional de Narrativa en 2018, la mayor parte de su obra trata de ahondar en la historia reciente de España para recuperar las huellas de un pasado oculto durante la dictadura de Francisco Franco y explicar las claves de la sociedad española de finales del siglo xx y primeras décadas del siglo xxi.3 Autora con gran vinculación cinematográfica, seis de sus obras fueron llevadas al cine y era patrona de honor de la Fundación Academia de Cine.4
Desde pequeña quiso ser escritora pero, por voluntad de su madre —quien deseaba que se dedicase a una «carrera de chicas»—,5 ingresó en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid, aunque, según confesión de la autora, hubiera preferido estudiar latín.6 Tras titularse, comenzó a trabajar escribiendo textos para enciclopedias. También hizo algún papel en el cine (A contratiempo, de Óscar Ladoire). Siendo hija y nieta de «escritores de poesía aficionados», afirmó que nunca se ha dedicado a otro género que no fuera el narrativo, género por el cual sentía «una gran pasión y a la vez una gran frustración».7 La primera novela que publicó fue Las edades de Lulú (1989), obra erótica que ganó el XI Premio La Sonrisa Vertical. Fue llevada al cine por Bigas Luna al año siguiente, con un guion escrito con Almudena Grandes por el que ambos fueron nominados a los premios Goya en 1991 en la categoría de Mejor guion adaptado.8 El libro tuvo un gran éxito y fue traducido a más de veinte idiomas.9 El desmedido éxito de su primera novela, según declaraciones de la autora «le regaló la vida que ella quería vivir y jamás podrá saldar esa deuda».10
Su siguiente novela, Te llamaré Viernes (1991), ya apartada del género erótico, no tuvo gran repercusión. Sí la tuvo, en cambio, Malena es un nombre de tango (1994), que Gerardo Herrero adaptó al cine en 1996. Ese mismo año se publicó una recopilación de relatos titulada Modelos de mujer, algunos ya conocidos anteriormente por haber aparecido en alguna de sus frecuentes colaboraciones en la prensa. Uno de ellos, «El vocabulario de los balcones», inspirado en un poema de Luis García Montero, sirvió de base para el largometraje Aunque tú no lo sepas, que Juan Vicente Córdoba dirigió en 2000.
En octubre de 1997 recibió en Italia el Premio Rosone d'Oro de literatura por el conjunto de su obra. Fue la primera vez que se entregó a un autor español y la primera vez a una mujer.11
Atlas de geografía humana (1998), Los aires difíciles (2002) y Castillos de cartón (2004) continuaron su obra novelística. Como sus obras anteriores, todas transcurren en la España del último cuarto del siglo xx o principios del xxi, mostrando con técnicas realistas e introspección psicológica la vida cotidiana de personajes de esta época.
En 2003 se publicó una serie de artículos que habían aparecido en El País bajo el título de Mercado de Barceló y en 2005 continuó su obra breve con Estaciones de paso, un nuevo libro de relatos en el que se recogen cinco historias cortas sobre el planteamiento que varios adolescentes realizan ante distintas situaciones, que no son capaces de entender ni comprender pero que, puesto que es su vida, han de vivir.6
En 2007 publicó El corazón helado, extenso y complejo relato en el que se plasma la vida de dos familias españolas a lo largo de gran parte del siglo xx. Esta novela ganó al año siguiente dos importantes premios: el José Manuel Lara y el del Gremio de Libreros de Madrid.
Durante el proceso de escritura de El corazón helado fue reuniendo documentación sobre la lucha clandestina de la resistencia antifranquista en la posguerra, sobre todo a través de los testimonios de sus protagonistas, para relatar episodios silenciados por los medios oficiales e ignorados por la historiografía. Con ello fue armando un ciclo de seis novelas que denominó Episodios de una guerra interminable, en recuerdo de los Episodios nacionales de su admirado Pérez Galdos. Abarcan el periodo comprendido entre 1939 y 1964, año de los XXV Años de Paz proclamados por el régimen, y alternan la ficción y la no ficción con personajes que aparecen en varios episodios pero con distinto nivel de protagonismo. Asimismo, la autora proyecta los hechos narrados y sus consecuencias hasta 1977-78 en unos epílogos redactados con voz propia.3 Inés y la alegría, que inició la serie en 2010, obtuvo en México el Premio Elena Poniatowska. Fue calificada de «portentosa obra narrativa que, montada en la tradición galdosiana escrita contra viento y marea, contra la tendencia general en nuestro tiempo, de andar con prisas, tanto del lado de quien la construye como de quien la lee».13 Le siguen El lector de Julio Verne (2012), Las tres bodas de Manolita (2014), Los pacientes del doctor García (2017), por el que consiguió el Premio Nacional de Narrativa en 2018, y La madre de Frankenstein (2020). La última, sin publicar en el momento de su fallecimiento, se titula Mariano en el Bidasoa.14
En 2019 Tusquets, su editorial de siempre, publicó La herida perpetua, una recopilación de parte de las columnas que escribió en El País desde que inició su colaboración con este periódico en 2008.15
Almudena Grandes fue columnista habitual del diario El País y contertulia en los programas de Onda Cero y la Cadena SER. Se distinguió por sus posiciones políticas de izquierda y mostró su apoyo público a Izquierda Unida (por ejemplo, en las elecciones generales de 2011).20 En las elecciones generales de 2016, sin embargo, aseguró que no se había "decantado por ningún partido", ya que, según su punto de vista, "ninguno de ellos en estos momentos la representa ideológicamente".21En una entrevista concedida en abril de 2010, cuando le preguntaron desde cuándo "tenía el corazón inclinado hacia la izquierda", respondió que, "como tantas otras cuestiones ideológicas vitales dentro de las que se asienta su pensamiento, se hizo de izquierdas leyendo".22
La autora también señaló que España, a lo largo de la primera década del último siglo, se ha convertido en un país de "horteras y borricos". Una sociedad, en su opinión, muy desagradable e insensible, llena de gente indiferente al sufrimiento de los demás sumida en el espejismo de consumismo y materialismo.23 En su obra Los besos en el pan (2015), novela centrada en la temática de la crisis económica de 2008 (que sacudió a las clases sociales medias y bajas), reivindicó la idea de: "volver a vivir con dignidad, como nuestros abuelos". Esta idea es de suma importancia para la novela, ya que en ella aparece reflejada en forma de diálogos entre abuelos y nietos, la "necesidad de recuperar la humildad para asumir la pobreza (que siempre se ha encontrado presente en España) como una cuestión contra la que luchar, sin que llegue a ser una lucha que excluya la alegría y la ilusión".23
En cuanto al tema de la posguerra y la transición española, asuntos en torno a los que gira gran parte de su obra, Grandes afirma que la cultura oficial que ha adquirido mayor difusión (respecto a la guerra civil y a la posguerra españolas) tiene mucho que ver con la versión silenciosa y evasiva que mantuvo la generación de "los abuelos", versión de la que se han alimentado las generaciones posteriores, según opina la autora, "incapaces de comprender en su totalidad la historia contemporánea española debido a este silencio generacional". Según declaraciones de la autora, el franquismo fue una dictadura prototípica debido a su certera aplicación progresiva del terror; se sembraba toda esa represión desde el gobierno para que nadie se moviera ni quisiera cambiar las cosas. La transición española fue exhibida como modélica en países de todo el mundo, especialmente en los de América Latina. En su opinión, desde el punto de vista institucional, la transición tuvo un éxito sin precedentes: introduciendo una democracia inédita y ejemplar; sólida y real. Sin embargo, partiendo desde un punto de vista moral, la autora opina que la transición, aún treinta años después de su implantación, ha resultado un fracaso en tanto a ideología para la generación sucesiva: "no reconociendo las reglas del juego establecidas en los años 70". A pesar de ello, Grandes coincidió en que: «Esa generación (la de la transición) hizo honestamente lo que creía que tenía que hacer».24
Almudena Grandes firmando un ejemplar de su novela El Lector de Julio Verne.
En una entrevista publicada en abril de 2010, la autora afirmó que la literatura es "vida para la gente que está viva, te permite vivir, además de tu propia vida, otras muchas vidas".24En su opinión, la literatura "da alas y eleva a los lectores sobre la realidad", por eso, dice haber aprendido muchas cosas en la vida, pero aún más, en los libros que ha leído. Además, la autora también remarcaba que la instintiva necesidad de escuchar sobre otras historias y saber de otras vidas es la fuerza que nos empuja en tanto que seres humanos a leer. A su vez, la autora afirmaba en la misma entrevista que el lenguaje se trata de la expresión del pensamiento, ya que sólo existe aquello que podemos decir: "Si perdemos palabras que nombren cosas estaremos perdiendo también esas cosas; la gente no llega a comprender hasta qué punto el lenguaje pobre empobrece el pensamiento, las experiencias y los placeres de la vida”.24
Respecto a la pasión que despiertan su literatura y sus lectores, Grandes también añadió en la entrevista de 2010: «Mis lectores son mi libertad, mientras ellos estén ahí, seguiré escribiendo los libros que creo que tengo que escribir en lugar de los libros que otros creen que tengo que escribir. Sin embargo, cuando escribo, escribo para emocionarme a mí; para convencer a la lectora que yo soy (la más crítica de todas); para emocionarles a ellos; para devolverles, de alguna manera, todo lo que ellos me han dado a mí, porque son mi piel de por vida.»25
Destacó Almudena Grandes la influencia que tuvieron, especialmente durante su adolescencia y que marcaron su obra, autores como Benito Pérez Galdós y Ana María Matute, en particular su obra Los hijos muertos que leyó con 20 años y despertó su vocación literaria, Daniel Defoe –especialmente su Robinson Crusoe– y Homero con su Odisea. Estas obras marcaron el apego que sintió la autora por personajes del arquetipo de superviviente, no necesariamente náufragos, sino personas que sobreviven arreglándoselas de un modo u otro, frente a los héroes, antihéroes, etc. Asimismo, como en muchos otros escritores españoles, es de notar el gran influjo de Cervantes, que hicieron que Grandes tendiera a construir historias complejas, con pequeñas historias dentro de otras más extensas.626
Pero no solo han sido escritores los que han marcado la obra de Almudena Grandes, sino también cineastas como Buñuel: «Es difícil de detectar, pero (…) el final de Los aires difíciles está influenciado por el final de Viridiana».6
Almudena Grandes fue columnista habitual del diario El País y contertulia en los programas de la Cadena SER. Se ha distinguido por sus posiciones políticas de izquierda, habiendo mostrado su apoyo público a Izquierda Unida. Así, en abril de 2007, fue una de los firmantes del manifiesto «Por la convivencia, frente a la crispación»,2728 en el que un grupo de intelectuales consideraba inaceptable hacer del terrorismo "el eje de la oposición", y denunciaba el incremento de un mal ambiente político y social "en base a exageraciones y manipulaciones". Durante la manifestación convocada tras el atentado de ETA en la T-4 del aeropuerto de Barajas, leyó la declaración «Por la paz, la vida, la libertad y contra el terrorismo». Aquella tragedia, en la que murieron dos personas, constituyó la ruptura de la tregua que mantenía la organización terrorista en el contexto de las negociaciones mantenidas entre el gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero y la banda.29
Estrechamente ligada a la ciudad de Madrid, a la que reivindicó en todas sus obras y a la que la une su historia personal y familiar, en mayo de 2018 fue pregonera de las fiestas de San Isidro.30
En marzo de 2007, en la presentación del libro El corazón helado, unas declaraciones de la escritora causaron gran polémica: cuando se le preguntó si habría que fusilar alguna cosa,31 la escritora respondió que fusilaría a dos o tres voces que la sacan de quicio,32 según algunas fuentes en tono de broma.31 Pío Moa criticó esta afirmación burlándose de la autora en el periódico Libertad Digital.33 En la misma presentación, Almudena Grandes criticó también al Partido Popular, afirmando que "estamos en un país en el que la derecha española recuerda más a la de la II República que a la del franquismo", donde se vuelve a reclamar el derecho a gobernar "por gracia divina" o "no ha sabido reaccionar como un partido político derrotado, sino como un terratenienteexpropiado o alguien a quien le roban el bolso".[cita requerida]
En noviembre de 2008 escribió un artículo en El País en el que ridiculiza una frase de la madre Maravillas. El párrafo en cuestión dice textualmente: «Un tribunal ha constatado la muerte de Franco. Qué risa, dicen algunos. Yo prefiero reírme de otras cosas. "Déjate mandar. Déjate sujetar y despreciar. Y serás perfecta". Parece un contrato sadomasoquista, pero es un consejo de la madre Maravillas. ¿Imaginan el goce que sentiría al caer en manos de una patrulla de milicianos jóvenes, armados y -¡mmm!- sudorosos? En 1974, al morir en su cama, recordaría con placer inefable aquel intenso desprecio, fuente de la suprema perfección. Que la desbeatifiquen, por favor. A cambio, pueden beatificar a Bono, porque la pequeña vanidad de su implante capilar es pecado venial frente a tamaña perversión».34 Esta ironización en torno a las violaciones sufridas por monjas a manos de los milicianos durante la guerra civil española fue rechazada y criticada por el autor Antonio Muñoz Molina353637 así como por periodistas y columnistas en numerosos medios de prensa.383940414243
1958:
Nace Bones Hillman,músico de Nueva Zelanda, integrante de la
banda “Midnight Oil”.
Wayne Stevens (nacido en
1958), conocido por el nombre artístico de Bones
Hillman , es un músico de Nueva
Zelanda . Tocó el bajo en su primera banda, los
masoquistas, uno de los primeros grupos de punk de Nueva Zelanda , formado con
amigos del suburbio de Avondale en Auckland (que también se conocían como
Avondale Spiders). A fines de 1977 se unió a los Reptiles Suburbanos y
apareció en su primer single, "Megaton" (Vertigo, 1978). El
nombre de Hillman fue
acuñado por la marca del auto que manejaba. Dejó la banda a principios de
1978 y se unió a los antiguos masoquistas en los Rednecks, un pilar de la
legendaria escena punk de Zwines en Auckland.[1]
Se mudó a Australia como parte de The Swingers en
1980 y vivió allí hasta 2002, fue miembro de la banda de rock australiana Midnight Oil , reconocida
internacionalmente , y reemplazó a Peter Gifford en 1987 como bajista. [2]
Durante la pausa de
Midnight Oil, Hillman regresó a Nueva Zelanda, trabajó como músico de estudio y
en vivo con Dave Dobbyn y
grabó el álbum Available Light . Hillman
se mudó con su familia a Nashville ,
EE. UU., A principios de 2007 para participar en la escena musical más
activa allí. En 2009, Hillman grabó álbumes para Anne McCue ( Broken Promise Land )
y Elizabeth Cook ( Welder , producido por Don Was ). En 2011, Hillman trabajó
en la adaptación musical de las pistas de grabación de Diner para Sheryl Crow .
En 2014, Hillman se
reunió con el productor de Midnight Oil, Warne Livesey, para grabar canciones para
su nuevo proyecto musical, The Graysmiths.
En 2015, Hillman
grabó y realizó una gira con Matthew Good .
El tema se incluyó en el
álbum Shake rattle & roll (1955), y fue considerado el primer rock and
roll de la historia. Ese mismo año, nada más lanzarse al mercado, estuvo en lo
más alto de las listas de ventas durante ocho semanas.
A pesar del arrollador éxito
de esta primera perla del rock & roll, Bill Haley & The
Commets pasaron de ser inventores y pioneros, a quedarse en un grupo de
culto.
Andy Montañez ganó
fama a nivel internacional, como miembro del Gran Combo de Puerto Rico, con canciones
como "Las Hojas Blancas", "Un Verano en Nueva York",
"El Barbero Loco", "Julia", "Ponme el
Alcoholado, Juana", "Vagabundo", "El Swing",
"Sube Nene, Sube", "El Son de Santurce" y
"Don Goyo", entre otras. Permaneció en la agrupación entre
1962 y 1977, produciendo 26 discos de larga duración.
Tras el retiro
de Oscar D'León, logró ingresar a la Dimensión Latina en 1977, donde logró
popularizar los temas: "El Eco de un Tambor", "Estela
Mayombe", "Cantares", grabando en total ocho discos.
Posteriormente, en 1978, formaría parte de Puerto Rico All-Stars,
donde grabó 2 producciones musicales más, aunque consiguió mayor éxito a escala
internacional con su propia orquesta, la cual formó en 1980 con giras
por América Latina y Estados Unidos. De esta
época han resaltado temas como "Ella", "Boca Mentirosa",
"Mi Otro Yo", "Martha", "Más que Ayer",
"La Última Copa", "Cobarde, Cobarde", "Cuando
yo te vi", "Casi te Envidio", "Payaso",
"Me Gusta", "Genio y Figura", entre otras.
Dos de los hijos de
Andy, Harold y Andy Jr. también se han
adentrado en el mundo de la salsa como cantantes. Su hija actuó por primera vez
en la Expo 92 de Sevilla junto
a sus dos hermanos. En 1997 Andy fue invitado a participar en la película
venezolana “Cien Años de perdón” como intérprete de dos de los temas que
acompañan la trama. El innegable afecto que tiene en el pueblo venezolano y la
recomendación del destacado actor puertorriqueño Daniel Lugo hicieron
posible esta experiencia y desde entonces reside en Caracas.
En años recientes
se ha unido a otro cantante de salsa, Ismael Miranda,
para producir algunos boleros y música bohemia. En 2005 comenzó a
experimentar una mezcla entre los ritmos de salsa y reggaetón,
llamándolo salsatón. En este esfuerzo se unió a
raperos como Daddy Yankee y Julio Voltio.
El 30 de abril de
2012 sufrió un accidente de carretera cerca de Fundación, departamento del Magdalena, Colombia,
en el que sufrió una herida en una pierna, golpes y laceraciones.
Estuvo en muchas giras en toda Colombia y países como Estados
Unidos, Canadá, Ecuador, México, Venezuela, Panamá y El Salvador. Entre sus
composiciones se destacan los temas: Ella y yo, grabada por los
Melódicos, Regreso a mi pueblo, con Alfredo Gutiérrez tocando la
acordeón, Seimientnto de Amigo, grabado por Pastor López, Nostalgia
Campesina, grabada recientemente por Beto Zabaleta y Emiliano Zuleta y que tiene por lo menos
25 grabaciones de artistas sobresalientes en sus respectivos países.1
Entre sus logros, se encuentra su reconocido grito: Nos
fuimos pa´ Magangué, que dado a conocer su pueblo de nacimiento en gran
parte de Latinoamérica. Otro de sus logros es componer la música del himno de
Magangué, y haber grabado no menos de 10 composiciones en honor a su ciudad
natal. Ha incursionado en la música cristiana, lo cual le ha permitido cantar y
predicar la palabra de Dios que lo ha llevado a seguir recorriendo el mundo.
Fue invitado para grabar una producción cristiana, estilo corralero, al lado de
acordeonistas famosos como Bolañito, Pangue Maestre y Omar Geles. Chico Cervantes falleció en una
clínica en Cartagena de Indias a
los 73 años tras sufrir recaídas de su salud.3
https://www.youtube.com/watch?v=e9obK27wBuc
1931:
Nace Helí Toro, músico colombiano, creador y fundador del “Cuarteto
Imperial”.
Su creador y
fundador es Heli Toro áÁlvarez, nacido en Manzanares caldas
Colombia
Sus estudios musicales los hizo en el conservatorio de la ciudad de Manizales.
(Colombia). Primero formo el trio imperial en la ciudad de Bogotá (Colombia) en
el año de 1961. En sus comienzos interpretaban música folclórica colombiana e
internacional. Después una gira nacional con el trio imperial.
Llego a la ciudad de Quimbaya Quindío Colombia donde incorporo un elemento más
Creándose así el cuarteto imperial.
Luego una gira por la costa atlántica colombiana, regresaron al interior del
país en la ciudad de Cali grabaron su primer lp, obteniendo su primer Éxito “la
palmadita.”
En el año de 1963 salieron a recorrer todo sur América, actuando en ecuador,
Perú (en donde grabaron otro lp), Bolivia (grabaron dos lp). Donde fue Éxito la
cumbia trinidad donde el autor es Heli Toro Álvarez. Continuaron su gira y
llegaron a la argentina el 13 de junio de 1964. Basto que grabaran su primer lp
cuyo título fue Adiós, Adiós corazón con sus Éxitos “cumbia sobre el mar”
En menos de un mes estuvieron de primeros en el ranking consiguiendo así¬ al
público argentino. Continuaron con una serie de Éxitos: como “Rio Mamore”, “La
casa Esta sola”, “La secretaria, 488 Kilómetros, etc”
Se han hecho acreedores a más de setenta trofeos entre ellos: discos de oro y
platino por la venta de más de 25 millones de placas vendidas.
Es el grupo colombiano de más Éxito en el exterior, conquistando gran parte de
Latinoamérica, Oceanía y Europa. Han realizado varias giras por estados unidos,
México, Panamá¡, costa rica, Australia y España.
Nacido en Manzanares (Caldas)
el 7 de mayo de 1931, el compositor Helí Toro Álvarez se formó musicalmente en
Manizales en piano, estudios que luego trasladaría a la ejecución del acordeón.
Dispuesto a emprender carrera en el mundo de la música tropical, en 1961 formó
en Bogotá el Trío Imperial, que luego, con la incorporación de un miembro más,
pasó a convertirse en el Cuarteto Imperial, afincado en ese momento en
Quimbaya, Quindío, y con el cual recorrió gran parte del continente
americano.
Un día de 1964, el Cuarteto
viajó a Argentina, donde grabaron un primer disco que de inmediato los
catapultó como fenómeno de ventas, llegando a ser el grupo colombiano más
importante el en sur del continente junto con Los Wawancó de Hernán Rojas,
registrando una cifra de más de treinta millones de unidades vendidas.
Escenarios en Estados Unidos,
México, Panamá, Costa Rica, Australia y España también han devuelto el aplauso
al particular modo de interpretar la cumbia de este conjunto que ya superó los
50 años de actividad. Algunos de los temas más reconocidos de su fundador son
"Si yo tuviera plata", "Tengo una novia en Santa Fe",
"De Colombia a la Argentina", "Trinidad", "Río Mamoré",
"Caramelo santo", "Adiós adiós corazón", "488
kilómetros" y "La casa está sola", entre muchas más.
Baxter nació en Michigan City, Indiana. Sus padres eran Kenneth Stuart Baxter
y Catherine Wright. Su abuelo materno era el arquitecto Frank Lloyd Wright.
Su padre fue un prominente ejecutivo de la Seagrams Distillery y
ella se crio en medio de la sofisticación y el lujo, en Nueva York. Cuando tenía 10 años, asistió a
una obra de Broadway protagonizada
por Helen Hayes y quedó tan impresionada que
le dijo a su familia que se quería convertir en actriz. A la edad de 13 años
había actuado en Broadway. Durante este período Baxter aprendió el arte de la
actuación como estudiante de la afamada profesora Maria Ouspenskaya.
Para el papel de Mrs. DeWinter en Rebeca,
Baxter realizó una prueba de cámara, pero perdió contra Joan Fontaine, porque el director Alfred Hitchcock la consideraba
«demasiado joven» para interpretar el personaje. La fuerza de ese primer
acercamiento al mundo del cine provocó que Baxter,
con sólo 16 años, firmara su primer contrato por 7 años con la 20th Century Fox. Su primera aparición
cinematográfica fue en la película Twenty
Mule Team, de 1940. Fue elegida por Orson Welles para que actuara en El cuarto
mandamiento, basada en la novela de Booth Tarkington. Al poco tiempo Baxter tuvo
un papel protagonista en El filo de la navaja,
de 1946, por la cual ella ganó el Óscar por Mejor
Actriz de Reparto.
En 1950 coprotagonizó Eva al desnudo, debido a su gran parecido
con Claudette Colbert,
quien fue originalmente la elegida para que coprotagonizara la película. Baxter
fue nominada a Mejor Actriz por
su papel protagonista de Eve Harrington, papel por el cual Anne Baxter se ganó
un lugar en la historia del cine.
Al avanzar la década, Baxter también continuó actuando en el teatro profesional. Baxter participó en
la obra de teatroJohn Brown's Body, basada
en el libro de Stephen Vincent Benét,
dirigida por Charles Laughton,
la cual se estrenó en Broadway en 1953.
Baxter apareció regularmente en la televisión en los años 60. Por ejemplo, participó en el popular
programa de la emisora CBSWhat's My Line? como una «Invitada de
Misterio». También protagonizó, como invitada especial, dos episodios del show de
televisión del superhéroe de los 60, Batman, como la villana «Zelda la Grande»
(episodios 9 y 10 en 1966).
Baxter volvió a Broadway en 1970, en Aplauso, la versión musical de Eva al desnudo, pero esta vez como «Margo
Channing», rol actuado en la película por Bette Davis (ella sustituía a Lauren Bacall, la cual ganó un premio Tony por su papel). Cuatro años después
se despidió de los escenarios neoyorquinos con A Song at Twilight y Come
Into the Garden Maud, ambas del británico Noel Coward.
En los 70, Baxter fue frecuentemente invitada y
sustituyó al anfitrión en el popular programa diurno The Mike Douglas
Show, ya que Baxter y Mike Douglas eran muy buenos amigos. En 1983,
protagonizó la serie de televisiónHotel después
de reemplazar a Bette Davis en
el casting al caer enferma esta. Baxter tiene una estrella en el Paseo de la
Fama de Hollywood en 6741 Hollywood Bulevard.
De orígenes humildes, migró a la ciudad de Buenos Aires a los quince años donde se
dedicó a la actuación, alcanzando
renombre en el teatro, el radioteatro y el cine.
En 1943 fue una de las fundadoras de la Asociación Radial Argentina (ARA),
siendo elegida presidenta.3
En 1944 conoció a Perón, entonces secretario de Estado del
gobierno de facto, en un acto de recaudación de fondos para las víctimas
del terremoto de
San Juan. Ya casada con Perón, participó activamente en la campaña electoral de
su marido en 1946, siendo la primera mujer argentina en hacerlo.
Impulsó y logró la sanción en 1947 de la ley de sufragio femenino. Tras lograr la igualdad
política entre los hombres y las mujeres, buscó luego la igualdad jurídica de
los cónyuges y la patria potestad
compartida con el artículo 39 de la Constitución
de 1949. En 1949 fundó el Partido Peronista
Femenino, el que presidió hasta su muerte. Desarrolló una amplia
acción social a través de la Fundación Eva Perón,
dirigida a los grupos más carenciados. La Fundación construyó hospitales, asilos, escuelas, impulsó el turismo social creando
colonias de vacaciones, difundió el deporte entre los niños mediante
campeonatos que abarcaron a toda la población, otorgó becas para
estudiantes, ayudas para la vivienda y promocionó a la mujer en
diversas facetas.
Adoptó una posición activa en las luchas por los derechos sociales y laborales y se
constituyó en vínculo directo entre Perón y los sindicatos. En 1951, para las primeras
elecciones presidenciales con sufragio universal, el movimiento
obrero propuso a Evita, como la llamaba la población, como
candidata a vicepresidenta, sin embargo ella renunció a la candidatura el 31 de
agosto, conocido como el Día del Renunciamiento, presionada por las
luchas internas en el peronismo y la
sociedad ante la eventualidad de que una mujer apoyada por el sindicalismo
pudiera llegar a vicepresidenta.
Debido a un fulminante cáncer de útero, falleció el 26 de julio de
1952, a la edad de 33 años. Recibió honores oficiales siendo velada en el Congreso de
la Nación y en la central
sindical (CGT), con un reconocimiento multitudinario sin
antecedentes en el país. Su cuerpo fue embalsamado y ubicado en la CGT. La
dictadura cívico-militar autodenominada Revolución
Libertadorasecuestró y profanó su cadáver en 1955, ocultándolo
durante dieciséis años.
Cooper fue hijo de
un emigrante inglés que llegó a ser juez de la Corte Suprema del Estado
de Montana,
trabajó con sus padres en el rancho familiar mientras asistía a la escuela. Más
tarde, ingresó en el Wesleyan College, de Bozeman,
para estudiar un técnico en agropecuaria, y en la Universidad de Grinnell (estado
de Iowa),
donde estudió arte. Sufrió un accidente automovilístico que le causó
complicaciones en su cadera. En aquella época aspiraba a ser caricaturista
político, por eso deseaba asistir a la Escuela de Arte de Chicago.
Abandonó sus
estudios y se trasladó a Hollywood, donde, en 1925, debuta con La hora maldita (The Thundering Herd),
rodó algunos cortos, y posteriormente actuó como actor secundario en
varios westerns.
Adoptó el nombre artístico de Gary Cooper; y aunque quiso
llamarse Frank Cooper, ya existía otro actor que lo usaba.
En 1926 fue contratado
por la Metro-Goldwyn-Mayer con un sueldo de 50
dólares semanales, y consiguió su primer papel importante en Flor del
desierto (The Winning of Barbara Worth) dirigido
por Henry King,
conviertiéndose en uno de los actores más populares de Hollywood.
La MGM intentó retenerlo con un contrato más largo, pero Cooper acepta la
oferta de la productora Paramount, económicamente muy superior; con 175 dólares
semanales.
En 1927, participó
en el clásico Alas, de William A. Wellman, donde mantuvo una relación
con Clara Bow ,
tanto dentro como fuera de la pantalla. Dicho romance le dio el empujón
definitivo a su carrera artística. En 1929, protagonizó El virginiano (The Virginian),
dirigida por Victor Fleming, pasando a ser una de las
primeras estrellas del cine sonoro, con éxitos taquilleros y de crítica
constantes: Marruecos (con Marlene Dietrich), Las
calles de la ciudad, Entre la espada y la pared, La
mujer preferida, Noche nupcial o El secreto de
vivir.
El 15 de diciembre
de 1933 se casó con Verónica "Rocky" Balfe. Ella era doce años más
joven que él; católica y de maneras refinadas. El 15 de septiembre de 1937
nació su única hija, María. De ella dirá Cooper: "Nunca he sabido que haya
hecho nada que no estuviera bien. Ella es mi vida"1
Su gran popularidad
se basó en su estilo sobrio y natural a la hora de actuar. Era alto y
desgarbado, encarnando mejor que nadie al "americano ideal",
hombre íntegro y caballeroso.
Fue miembro de la
asociación anticomunista de actores Motion Picture Alliance for the
Preservation of American Ideals. Pero a pesar de tener ideas conservadoras
evitó delatar a sus compañeros de profesión durante la famosa Caza de brujas.
Aunque tuvo muchos
romances, sólo se casó una vez, con la actriz Verónica Balfe. En
especial, mantuvo una fuerte relación sentimental con la actriz Patricia Neal,
desde que rodaron juntos El manantial (The Fountainhead),
en 1949,
el romance finalizó tras protagonizar la película El rey del tabaco (Bright
Leaf, 1950).
El 26 de junio de
1953, durante un viaje a Italia, Gary conoció a Pio XII.
Fue un encuentro "accidentado" ya que Cooper llevaba varios rosarios,
medallas y estampas en las manos, y al hacer la genuflexión se
le cayó todo al suelo. Mientras él buscaba a tientas terriblemente avergonzado
los objetos por el suelo, Pio XII miraba hacia abajo sonriendo.2
El 9 de abril de
1959 fue admitido formalemente en la Iglesia Católica. Sus padrinos de bautismo
fueron: Shirley Burden (que también era converso), íntimo amigo de la familia,
y Dolores Hart. En una entrevista, poco después de su conversión, Cooper le decía
a Waterburry: "Nunca seré un santo. Lo sé. Nunca he tenido esa fortaleza.
Lo único que sé es que estoy intentando ser un poco mejor. Quizás lo
consiga"3
Murió el 13 de mayo
de 1961, a los 60 años, víctima de un cáncer de
próstata.
Su padre era organista en un pueblecito polaco y su madre era de
origen noble. Ambos querían que el joven Władysław se hiciera sacerdote, pero
éste tenía otros proyectos. Dejó el colegio y desempeñó diversos oficios (actor
de teatro, maquinista de ferrocarril), cambiando a menudo de lugar de
residencia. Viajó mucho por Polonia y a través de Europa, pero su pasión
siempre fue la literatura. Perteneció a la corriente literaria Polonia
joven.
La más conocida de sus novelas, Los campesinos (1904-1909),
dividida en cuatro partes que llevaban los nombres de las estaciones del año,
fue su principal aval para conseguir el premio Nobel de
Literatura en 1924, a pesar de que Stefan Zeromskiera considerado un mejor
candidato para que un escritor en lengua polaca obtuviera este premio, pero
éste era profundamente anti-alemán, y por ello no fue galardonado.
Tagore revolucionó la literatura bengalí con obras tales
como El hogar y el mundo y Gitanjali. Extendió el
amplio arte bengalí con multitud de poemas, historias cortas, cartas, ensayos y
pinturas. Fue también un sabio y reformador cultural que modernizó el arte
bengalí desafiando las severas críticas que hasta entonces lo vinculaban a unas
formas clasicistas. Dos de sus canciones son ahora los himnos nacionales
de Bangladés e India:
el Amar Shonar Bangla y
el Jana-Gana-Mana.
El de la India ha sido armonizado por el maestro Francisco Casanovas.
Tagore, quien desde muy pronto estuvo en contacto con la
sociedad y la cultura europeas, «se convirtió a todos los efectos en uno de los
observadores más lúcidos y en uno de los críticos más severos de la
europeización de la India».1
Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió
Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la
precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió
seguir una carrera musical y en 1862 accedió
al Conservatorio
de San Petersburgo, graduándose en 1865.
La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental,
lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido
como el «Grupo de los Cinco»
conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales
Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.
Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en
varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y
la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o
seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por crisis personales y periodos
de depresión. Como factores que quizá
contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que
se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la
única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años
con la rica viuda Nadezhda von Meck.
En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó;
recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia
y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte
a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.1
A pesar de ser popular en todo el mundo, Chaikovski recibió a
veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su
reputación como compositor es hoy en día segura,2 y ha desaparecido por completo el
desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo
XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.3
De hecho, Chaikovski está considerado actualmente como el más
destacado músico de Rusia y una de las figuras más importantes de la cultura de
ese país a lo largo de su historia.4
Nació y se crio en Alemania, donde su obra, romántica,
conservadora y con un clasicismo muy contenido, no fue bien recibida. Por ese
motivo, en 1862 decidió autoexiliarse en Viena,
donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para
instrumentos solistas de diversa clase [cita requerida].
Las expresiones Las tres bes y La santa
trinidad (frase acuñada por Hans von Bülow) se refieren a Bach, Beethoven
y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.1 Algunos opinan, sin embargo, que von
Bülow incluyó a Brahms en la «trinidad» por despecho y para perjudicar a
Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa lo abandonó para
casarse con el otro compositor.2
Los historiadores consideran que la filosofía de Hume no es
válida como una profundización en el escepticismo,
aunque esta visión ha sido discutida argumentando que el naturalismo tiene
un peso comparable en su pensamiento. El estudio de Hume ha oscilado entre los
que enfatizan la vertiente escéptica de Hume (como es el caso del positivismo lógico),
y los que, en cambio, consideran más importante la vertiente naturalista
(como Don Gartner, Norman
Kemp Smith, Kerry
Skinner, Barry Stroud y Galen
Strawson).[cita requerida]
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