El 11 de junio es el 162.º (centésimo sexagésimo segundo) día del año en el calendario gregoriano y el 163.º en los años bisiestos. Quedan 203 días para finalizar el año.
Santoral de la Iglesia Católica:
Apóstol
Siglo I
¿Qué me enseñará la vida de San Bernabé? ¿A compartir mis bienes con los pobres? ¿A tratar de descubrir las aptitudes que otros tienen para el apostolado y a ayudarles a emplearlas bien? ¿A dedicar mi vida a propagar nuestra santa religión? El Espíritu Santo me ilumine.
La historia de San Bernabé
está escrita en el libro de Los Hechos de los apóstoles, en la S. Biblia.
Antes se llamaba José, pero
los apóstoles le cambiaron su nombre por el de Bernabé, que significa "el
esforzado", "el que anima y entusiasma".
Era judío, de la tribu de
Leví, pero nació en la isla de Chipre. Se hizo muy popular en la primitiva
Iglesia porque vendió las fincas que tenía y luego llevó el dinero que obtuvo y
se lo dio a los apóstoles para que lo repartieran a los pobres.
Un mérito formidable de San
Bernabé es el haber descubierto el gran valor que había en aquel recién
convertido que se llamaba Saulo y que más tarde se llamaría San Pablo. Cuando
después de su conversión Saulo llegó a Jerusalén, los cristianos sospechaban de
él y se le alejaban, pero entonces Bernabé lo tomó de la mano y lo presentó a
los apóstoles y se los recomendó. Y el será el que lo encaminará después a
emprender sus primeras grandes labores apostólicas.
La S. Biblia, en el libro de
los Hechos de los Apóstoles, hace de Bernabé unos elogios que es difícil
encontrarlos respecto de otros personajes. Dice así: "Bernabé era un
hombre bueno, lleno de fe y de Espíritu Santo" (Hechos 11, 24).
Cuando Saulo o San Pablo
tuvo que salir huyendo de Jerusalén porque los judíos trataban de asesinarlo,
se fue a su ciudad de Tarso, y allá se quedó un tiempo. Mientras tanto en la
ciudad de Antioquía había sucedido algo muy especial. Al principio los
discípulos de Jesús solamente predicaban el Evangelio a los israelitas, pero de
pronto algunos empezaron a enseñar las doctrinas cristianas a los paganos en
Antioquía, y resultó que aquellas gentes respondieron de una manera admirable y
se convirtieron por centenares. Al saber esta noticia, los apóstoles lo
enviaron desde Jerusalén a que se informara de lo que allí estaba sucediendo y
les llevara noticias. Bernabé se quedó encantado del fervor de aquellos paganos
convertidos y estuvo con ellos por un buen tiempo animándolos y acabando de
instruirlos. En aquella ciudad fue donde por primera vez se llamó
"cristianos" a los seguidores de Cristo.
Entonces se le ocurrió a
Bernabé la feliz idea de dirigirse a Tarso a invitar a Saulo a que se le uniera
en el apostolado en Antioquía y éste aceptó con gusto.
Desde entonces Bernabé y
Saulo trabajaban asociados ayudándose en todo el uno al otro, y obteniendo
resonantes triunfos. Por todo un año predicaron en Antioquía, cuidad que se
convirtió en el gran centro de evangelización, del cual fueron saliendo
misioneros a evangelizar a diversos lugares.
Por aquel tiempo hubo una
gran hambre en Jerusalén y sus alrededores y los cristianos de Antioquía
hicieron una colecta y la enviaron a los apóstoles por medio de Bernabé y
Saulo. Ellos al volver a Jerusalén se trajeron a Marcos (el futuro San Marcos
evangelista) que era familiar de Bernabé. Venía a ayudarles en la
evangelización.
Un día mientras los
cristianos de Antioquía estaban en oración, el Espíritu Santo habló por medio
de algunos de ellos que eran profetas y dijo: "Separen a Bernabé y Saulo,
que los tengo destinados a una misión especial". Los cristianos rezaron
por ellos, les impusieron las manos, y los dos, acompañados de Marcos, después
de orar y ayunar, partieron para su primer viaje misionero.
En Chipre, la isla donde
había nacido San Bernabé, encontraron muy buena aceptación a su predicación, y
lograron convertir al cristianismo nada menos que al mismo gobernador, que se
llamaba Sergio Pablo. En honor a esta notable conversión, Saulo se cambió su
nombre por el de Pablo. Y Bernabé tuvo la gran alegría de que su tierra natal
aceptara la religión de Jesucristo.
Luego emprendieron su primer
viaje misionero por las ciudades y naciones del Asia Menor. En la otra ciudad
de Antioquía (de Pisidia) al ver que los judíos no querían atender su
predicación, Bernabé y Pablo declararon que de ahora en adelante les
predicarían a los paganos, a los no israelitas, con lo cual los paganos
sintieron una inmensa alegría al saber que la nueva religión no los despreciaba
a ellos sino que más bien los prefería. Allí en Iconio estuvieron a punto de
ser apedreados por una revolución tramada por los judíos y tuvieron que salir
huyendo. Pero dejaron una buena cantidad de convertidos y confirmaron sus
enseñanzas con formidables señales y prodigios que Dios obraba por medio de
estos dos santos apóstoles.
En la ciudad de Listra, al
llegar curaron milagrosamente a un paralítico y entonces la gente creyó que
ellos eran dos dioses. A Bernabé por ser alto y majestuoso le decían que era el
dios Zeus y a Pablo por la facilidad con la que hablaba lo llamaban el dios
Mercurio. Y ya les iban a ofrecer un toro en sacrificio, cuando ellos les
declararon que no eran tales dioses, sino unos simples mortales. Luego llegaron
unos judíos de Iconio y promovieron un tumulto y apedrearon a Pablo y cuando lo
creyeron muerto se fueron, pero él se levantó luego y curado instantáneamente
entró otra vez en la ciudad.
Después de todo esto Bernabé
y Pablo se devolvieron ciudad por ciudad donde habían estado evangelizando y se
dedicaron a animar a los nuevos cristianos y les recordaban que "es
necesario pasar por muchas tribulaciones para entrar en el Reino de Dios"
(Hechos 14, 22).
Al llegar a Antioquía se
encontraron con que los cristianos estaban divididos en dos partidos: unos
(dirigidos por los antiguos judíos) decían que para salvarse había que
circuncidarse y cumplir todos los detalles de las leyes de Moisés. Otros decían
que no, que basta cumplir las leyes principales. Bernabé y Pablo se pusieron
del lado de los que decían que no había que circuncidarse, y como la discusión
se ponía acalorada, los de Antioquía enviaron a Jerusalén una embajada para que
consultara con los apóstoles. La embajada estaba presidida por Bernabé y Pablo.
Los apóstoles reunieron un concilio y le dieron la razón a Bernabé y Pablo y
luego pasaron horas muy emocionantes oyéndoles contar las formidables aventuras
de sus viajes misioneros.
Volvieron a Antioquía y
dispusieron organizar un segundo viaje misionero. Pero Bernabé quería llevar
como ayudante a su primo Marcos, y Pablo se oponía, porque Marcos les había
abandonado en la mitad del viaje anterior (por miedo a tantas dificultades). Y
así fue que se separaron y Bernabé se fue a acabar de evangelizar en su isla de
Chipre y San Pablo se fue a su segundo viaje. Más tarde se encontraron otra vez
como amigos misionando en Corinto (1 Cor. 9,6).
2016:
Muere José luis Armenteros, músico y compositor español.
José Luis Armenteros Sánchez (Madrid, 26 de junio de 1943-ibíd., 11 de junio de 2016)
fue un músico y compositor español.1
Índice
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Biografía[editar]
Carrera[editar]
En 1965 formó parte del grupo instrumental Los Relámpagos. En 1968, junto con Pablo Herrero decidió dar nuevo rumbo a
su carrera produciendo y componiendo para otros artistas, convirtiéndose en el
equipo de composición y producción más importante y prolífico de la segunda
mitad del siglo XX en España.2 Sus canciones han sido interpretadas
por Fórmula V, Nino Bravo, Francisco, Juan Bau, Basilio, José Luis
Rodríguez El Puma, Jarcha o Rocío Jurado, entre otros. Como productores
han apoyado a grupos como Doctor Pop3 y cantantes como Juan Bau.4
Desde 2010 tocaba en el grupo de "vintage"
instrumental Trastos viejos.5
Anécdotas[editar]
En 1974 Doctor Pop grabó el tema ‘«Sofía» (compuesto y producido
por Armenteros y Herrero) pero la censura de la dictadura
franquista obligó a la discográfica RCA a cambiar el título por
«Lucía», ya que el original era el nombre de la futura reina de España Sofía.3
Discografía[editar]
Como compositor[editar]
(con Pablo Herrero)
·
"Un beso y una flor"
(Nino Bravo)
·
"Libre"
(Nino Bravo)
·
"América, América"
(Nino Bravo)
·
"La
estrella de David" (Juan Bau)
·
"Tengo
tu amor" (Fórmula V)
·
"Cuéntame"
(Fórmula V)
·
"Cenicienta"
(Fórmula V)
·
"Eva María"
(Fórmula V)
·
"La fiesta de Blas"
(Fórmula V)
·
"Libertad sin ira"
(Jarcha)
·
"Como una ola"
(Rocío Jurado)
·
"Tierras
lejanas" (Basilio)
Ruby Dee (nacida Ruby Ann Wallace, Cleveland, Ohio, 27 de octubre de 1922 - New Rochelle, Nueva York, 11 de junio de 2014) fue una actriz, poeta, dramaturga, guionista, periodista y activista por los derechos civiles estadounidense.
Fue conocida, entre otros trabajos, por el que hizo en 1961 junto a Sidney Poitier en la película Un lunar en el sol, basada en la obra de teatro homónima de 1959 de Lorraine Hansberry (1930 - 1965) y dirigida por Daniel Petrie (1920 - 2004). Sus otros papeles cinematográficos notables incluyen The Jackie Robinson Story (1950), Do the Right Thing (1989) y Jungle Fever (1991).
En 2007 trabajó junto a Denzel Washington en American Gangster de Ridley Scott por la que fue nominada en los Premios Oscar en la categoría de Mejor Actriz de Reparto y ganó en dicha categoría en los Premios SAG. También fue candidata en los Premios Emmy en seis ocasiones, lográndolo en 1991 gracias a la película para televisión "Decoration Day".También recibió la Medalla Nacional de las Artes, el Kennedy Center Honor y el Premio a la Trayectoria del Screen Actors Guild.
Dee estaba casada con Ossie Davis, con quien actuó frecuentemente hasta su muerte en 2005.
Primeros años de vida[editar código · editar]
Dee nació el 27 de octubre de 1922 en Cleveland, Ohio, hija de Gladys (de soltera Hightower) y Marshall Edward Nathaniel Wallace, cocinero, camarero y portero. Después de que su madre dejó a la familia, el padre de Dee se volvió a casar con Emma Amelia Benson, una maestra de escuela.
Dee se crio en Harlem, [Nueva York]], asistiendo a Hunter College High School, estudió en las escuelas públicas 119 y 136. Luego, se graduó de Hunter College con una licenciatura en lenguas romances en 1945. Fue miembro de Delta Sigma Theta.
Carrera[editar código · editar]
Dee se unió al American Negro Theatre como aprendiz, trabajando con Sidney Poitier , Harry Belafonte e Hilda Simms. Hizo varias apariciones en Broadway, como su primer papel en la producción de ANT de 1946 de Anna Lucasta. Su primer papel en pantalla fue en That Man of Mine en 1946. Recibió reconocimiento nacional por su papel en la película de 1950 The Jackie Robinson Story. En 1965, Dee actuó en papeles principales en el Festival Americano de Shakespeare como Kate en La fierecilla domada y Cordelia en El rey Lear, convirtiéndose en la primera actriz negra en interpretar un papel principal en el festival. Su carrera como actriz atravesó todos los principales medios de comunicación a lo largo de ocho décadas, incluidas las películas A Raisin in the Sun, en la que recreó su papel escénico como ama de casa sufrida en los proyectos, y Edge of the City. Interpretó ambos papeles junto a Poitier.1
En 1969, Dee apareció en 20 episodios de Peyton Place. Apareció como Cora Sanders, una profesora universitaria marxista, en la temporada 1, episodio 14 de Police Woman, titulado "Target Black", que se emitió la noche del viernes 3 de enero de 1975. El personaje de Cora Sanders era obviamente, pero vagamente, influenciado por la vida real de Angela Davis. Apareció en un episodio de la sexta temporada de The Golden Girls. Interpretó a la reina Haley en Roots: The Next Generations, una miniserie de 1979.
Dee fue nominada a ocho Premios Emmy, ganando una vez por su papel en la película para televisión de 1990 Decoration Day. Fue nominada por su aparición como invitada televisiva en el episodio de China Beach, "Skylark". Su marido Ossie Davis (1917-2005) también apareció en el episodio. Apareció en la película Do the Right Thing de Spike Lee de 1989 y en su película Jungle Fever de 1991.
En 1995, ella y Davis recibieron la Medalla Nacional de las Artes. 2También recibieron los Honores del Centro Kennedy en 2004. En 2003, narró una serie de narrativas de esclavos y WPA en la película de HBO Unchained Memories. En 2007, el Premio Grammy al Mejor Álbum de Palabras Habladas lo compartieron Dee y Ossie Davis por With Ossie and Ruby: In This Life Together, y el expresidente Jimmy Carter.
Dee fue nominada al Premio Oscar a la Mejor Actriz de Reparto en 2007 por su interpretación de Mamá Lucas en American Gangster. Ganó el Premios SAG por la misma actuación. A sus 85 años, Dee es actualmente la tercera candidata de mayor edad a Mejor Actriz de Reparto, detrás de Gloria Stuart y Judi Dench (ambas con 87) cuando fueron nominadas por su papel en American Gangster. Esta fue la única nominación al Oscar de Dee.
El 12 de febrero de 2009, Dee se unió a la orquesta y coro de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, junto con el Riverside Inspirational Choir y el NYC Labor Choir, en honor al 200 cumpleaños de Abraham Lincoln en la Riverside Church en la ciudad de Nueva York.3
Vida personal[editar código · editar]
Ruby Wallace se casó con el cantante de blues Frankie Dee Brown en 1941 y comenzó a usar su segundo nombre como nombre artístico. La pareja se divorció en 1945. Tres años más tarde se casó con el actor Ossie Davis, a quien conoció mientras coprotagonizaba la obra de Broadway de Robert Ardrey de 1946, Jeb. Juntos, Dee y Davis escribieron una autobiografía en la que hablaron de su activismo político y su decisión de tener un matrimonio abierto (luego cambiaron sus puntos de vista). Juntos tuvieron tres hijos: un hijo, el músico de blues Guy Davis, y dos hijas, Nora Day y Hasna Muhammad.4
Dee sobrevivió al cáncer de mama durante más de tres décadas.5
Activismo[editar código · editar]
Aunque desde pequeña quiso actuar, no pisó el club de teatro de su instituto cuando rechazaron su posible participación en alguna obra “porque no hay papeles para camareras”. Dee ni siquiera se acercó a ver alguna representación. La aspirante a actriz ya era de armas tomar y se metió en varias peleas defendiendo lo que creía justo.
La lucha de Dee y de su marido, el también actor Ossie Davis, duró más de medio siglo y fue tan intensa que durante un tiempo se les conoció como “la primera pareja” de los derechos civiles. Ambos no solo se implicaron en todo tipo de luchas, grandes y pequeñas, sino que, por ejemplo, fueron los presentadores del acto que cerró, en agosto de 1963, la Marcha sobre Washington por el Trabajo y la Libertad, evento que cerró Martin Luther King con su famoso discurso Tengo un sueño. Aún en 1999 el matrimonio fue detenido en una manifestación contra la brutalidad policial en Nueva York en protesta por el tiroteo policial contra Amadou Diallo.6
A principios de 2003, The Nation publicó "No en nuestro nombre", una proclamación abierta que prometía oposición a la inminente invasión estadounidense de Irak. Ruby Dee y Ossie Davis estuvieron entre los firmantes, junto con Robert Altman, Noam Chomsky, Susan Sarandon y Howard Zinn, entre otros.
En noviembre de 2005, Dee recibió, junto con su difunto marido, el premio Lifetime Achievement Freedom Award, presentado por el Museo Nacional de Derechos Civiles situado en Memphis. Dee, residente desde hace mucho tiempo de New Rochelle, Nueva York, fue incluido en el Paseo de la Fama de New Rochelle, que rinde homenaje a los residentes más notables de los 325 años de historia de la comunidad. También fue incluida en el Salón de la Fama de las Mujeres del Condado de Westchester el 30 de marzo de 2007, uniéndose a otras homenajeadas como Hillary Clinton y Nita Lowey. En 2009, recibió el título de Doctor honoris causa en Bellas Artes de la Universidad de Princeton.78
Muerte[editar código · editar]
Dee murió el 11 de junio de 2014 en su casa de New Rochelle, Nueva York, por causas naturales a la edad de 91 años. En un comunicado, Gil Robertson IV de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos dijo: "Los miembros de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos están profundamente entristecidos por la pérdida de la actriz y humanitaria Ruby Dee. A lo largo de sus siete décadas de carrera, Dee abrazó diferentes plataformas creativas con sus diversas interpretaciones de la feminidad negra y también utilizó sus dones para defender los derechos humanos."
"Ella se entregó muy pacíficamente", dijo su hija Nora Day. "La abrazamos, la besamos, le dimos permiso para ir. Ella abrió los ojos. Nos miró. Cerró los ojos y zarpó". Tras su muerte, la marquesina del Teatro Apollo decía: "Una verdadera leyenda de Apollo 1922-2014".9
Dee fue incinerada y sus cenizas se guardan en la misma urna que la de Davis, con la inscripción "Juntos en esto". El 20 de septiembre de 2014 se llevó a cabo una celebración conmemorativa pública en honor a Dee en la Iglesia Riverside en el Alto Manhattan. Su urna compartida fue enterrada en el cementerio Ferncliff de Nueva York.10
2001:
Muere Amalia Mendoza,
cantante mexicana.
Amalia Mendoza García (Huetamo, Michoacán, 10 de julio de 19231–Ciudad de México, 11 de junio de 2001),
apodada como «La Tariácuri», fue una cantante y actriz mexicana , conocida como una de las más
importantes intérpretes de la música ranchera, además de pertenecer a la
llamada Época de Oro
del cine mexicano.2
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Biografía[editar]
Amalia nació en la
ciudad michoacana de San Juan Huetamo en 1923, dentro de una familia de
músicos renombrados. La familia se mudó a la Ciudad de México en 1927 y fue
allí donde se desarrolló su carrera. Sus hermanos Norberto, Eligio y Juan
formaron el famoso trío Tariácuri; en tanto que ella y su hermana Perla
formaron un dueto conocido como Las Tariácuritas.
Posteriormente se unió
a su hermano Juan, "El Tariácuri" para cantar e incluso grabaron un
par de lps en los que hacían llamar El Dueto Tariácuri.
Comenzó su carrera
como solista en 1954 con la grabación de la canción puñalada trapera del
famoso compositor Tomás Méndez y ganó fama más adelante
cuando comenzó a difundirse su música en la principal estación de radio de
México, la XEW.
Junto con el éxito a
lo grande en los discos, llegó la radio, luego la televisión, el teatro, los
cabarets de lujo y las giras nacionales e internacionales. Todos los lunes
actuaba en la XEW en el mítico programa "Así Es Mi Tierra", más tarde
también cantó en "Revista Musical" y "Las Estrellas y
Usted".
Amalia también hizo
suyo el teatro de revista de la Ciudad de México. Se presentó infinidad de
veces en el "Esperanza Iris", "El Lirico", el "Teatro
Ideal", el "Teatro de la Ciudad", pero sobre todo en el
"Blanquita" dónde alguna vez protagonizó un mano a mano con Lola
Beltrán.
Durante muchos años se
presentó diariamente en el majestuoso centro nocturno llamado "El
Capri", ubicado sobre Av. Juárez, aunque también realizó largas temporadas
en el "Flamingos", "La vendimia" y en el "Plaza Santa
Cecilia" de la Plaza Garibaldi.
También participó en
varias películas, le rindió homenaje a Jorge Negrete en "El Charro
Inmortal", siguió con "Yo El Aventurero", "Fiesta En El
Corazón", "Los Laureles", "¿Dónde Estás Corazón?" y
"Una Cita de Amor" Participó en el Festival de Cine de Berlín con
esta última que fue dirigida por Emilio, "El Indio", Fernández quien
siempre consideró a Amalia como la mejor cantante del género.
También junto con
Miguel Aceves Mejía se convirtió en una época como la cantante más popular en
Centro y Sudamérica. En Cuba tuvo gran aceptación, fue la intérprete más
querida por los milicianos cubanos refugiados en Sierra Maestra. Tiempo después
fue declarada la artista extranjera más popular de la Perla Antillana.
En Nueva York, Nueva
Jersey, Indiana, Los Angeles, San Francisco, San Antonio fue declarada la mejor
intérprete de música ranchera.
Diversos poetas han
tomado a "La Tariácuri" como un manantial de emociones que se
traducen en obras liricas; también diversos escritos se han encargado de narrar
en libros algunos pasajes de su vida. Carlos Monsiváis y Juan José Arreola siempre
hablaron encomiosamente de ella.
A lo largo de su
carrera fue acompañada frecuentemente por el Mariachi
Vargas de Tecalitlán, además de grabar numerosas canciones de
compositores mexicanos como: José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, José
Ángel Espinoza "Ferrusquilla", Gabriel Ruíz y Tomás Méndez.
La Tariácuri fue
reconocida mundialmente por su forma de interpretar la canción Mexicana,
imponiendo su famoso estilo de llorar mientras cantaba, a la fecha no hay
intérprete igual.
Amalia murió el 11 de
junio de 2001 de una enfermedad pulmonar progresiva. Estuvo casada en dos
ocasiones y sus cenizas fueron depositadas en el lago de Pátzcuaro en
Michoacán.
1999:
Muere DeForest
Kelley, actor estadounidense.
Jackson DeForest
Kelley (20 de enero de 1920 - 11 de junio de 1999)
fue un actor estadounidense, famoso por interpretar al
doctor Leonard McCoy, (Bones),
en la serie original
y los seis primeros largometrajes de Star Trek.
Índice
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o
3.1Cine
Biografía[editar]
Combatió en la segunda guerra
mundial como miembro de las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos,
entre 1943 y 1946.
Después de una larga estancia en Long Beach, California, decidió comenzar su carrera teatral. Su padre aborreció la idea, pero
recibió el apoyo de su madre. En California, Kelley fue descubierto por un
cazatalentos de la productora Paramount Pictures mientras
trabajaba en una película de entrenamiento de la Armada de los
Estados Unidos.
Su primera película
fue Fear in the Night (1947),
una película de cine negro de
bajo presupuesto. En la década siguiente destacó como actor dramático, sobre
todo en películas del oeste, antes de conseguir el
papel del doctor Leonard McCoy Bones (Bones en
jerga militar estadounidense, médico de campaña), el médico Jefe de la nave
estelar Enterprise, uno de los
papeles protagonistas de la famosa serie televisiva Star Trek.
Fallecimiento[editar]
En 1999,
Kelley murió de cáncer de estómago en Los Ángeles, a la edad de 79 años. Fue el
primer miembro del reparto original de Star Trek en fallecer.
1993:
Muere Julio Miranda, cantante y compositor venezolano de música llanera.
Julián Antonio
Indriago Díaz (Carúpano, Estado Sucre, Venezuela; 7 de julio de 1953 - Maracay, Estado Aragua, Venezuela, 11 de junio de 1993),
más conocido como Julio Miranda, fue un cantante y compositor venezolano de música llanera, reconocido como El
Cantautor del Amor.1
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Biografía[editar]
Julián Antonio
Indriago Díaz nació en la población de Carúpano, Estado Sucre, el 7 de julio de
1953, fue hijo de Miguel Ángel Indriago y Bárbara Antonia Díaz, combinando sus
estudios con su trabajo de pescador, labor que realizaba junto a sus otros
hermanos, se graduó de bachiller, de una familia muy humilde y de noble corazón,
pasó por muchos trabajos para ayudar a sus padres, hasta llegar adulto,
pescador, limpiabotas, motorizado, chofer, técnico en refrigeración, mecánico.
A la edad de 8 años empezó sus manifestaciones artísticas, su primera actuación
fue bien recibida por el publico que asistió al Teatro Municipal de Carúpano,
en radio se presento en un programa “Hora infantil” por Radio Carúpano en el
Estado Sucre. Miranda siente inclinación por la música llanera, oyendo a Jesús Moreno, El Carrao de
Palmarito, Francisco
Montoya y el sonido del arpa, empezó su mente a volar y
desarrolló su vena poética, que el transcurrir del tiempo lo hizo ser un gran
compositor, al igual que muchos, Miranda sintió que su pueblo se le hizo
pequeño para expresar musicalmente sus inquietudes y decidió viajar a Caracas
donde se le abrieron las puertas de una exitosa carrera, su primer tema que lo
hizo sentir como cantautor, es el tema “Egoísmo” de su autoría. En el año 1979,
grabó un 45 con el cual no tuvo mucho éxito, pero eso no lo intimidó, logrando
un gran sueño en el año 1982, su primer lon-play bajo el sello “Araguaney”
titulado “Egoísmo”, fue acompañado por el maestro del arpa, Gustavo Sánchez y
con su nombre artístico “Julio Miranda”, así lo bautizó el maestro José
Romero Bello, quien fue su padrino artístico, basándose en el nombre
de su Padre y una población de Paracoto “Miranda” en el Estado Miranda.
Julio Miranda, siempre
fue catalogado como un artista de gran ética profesional, generoso, admirable,
y como él decía “Oriental de nacimiento y llanero de Corazón”, llevó toda la
música a Colombia, México, Estados Unidos, Puerto Rico, y siguen disfrutando su
arte porque el vive en su voz, y el publico sigue pidiendo sus canciones.
Además de cantautor y compositor, tocaba varios instrumentos musicales entre
los cuales destacan el cuatro, la mandolina, etc.2
Fallecimiento[editar]
Falleció a los 39 años
de edad el 11 de junio de 1993, a causa de la ingesta de un alimento
contaminado con una bacteria durante una gira por el mundo lo cual causó graves
padecimientos y posteriormente el desenlace fatal.
Discografía[editar]
·
“Egoísmo”
·
“Aquel Señor”
·
“Amor de Ayer, Amor de Hoy”
·
“El Sentir de un Poeta”
·
“Mis Canciones”
·
“Un Tiempo Mejor”
·
“Julio Miranda”
·
“Cuando el Amor se Termina”
·
“Para que un Día”
·
“Igual que tú”
1992:
Muere Rafael Orozco Maestre, cantautor de vallenato
colombiano (n. 1954).
Rafael José Orozco
Maestre (Becerril, 24 de
marzo de 1954 - Barranquilla, 11 de
junio de 1992), fue un cantante colombiano de música vallenata, cofundador y voz líder de la
agrupación El Binomio de Oro.
Índice
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·
1Inicios
Inicios[editar]
Rafael Orozco nació en
Becerril, entonces departamento del Magdalena,
el 24 de marzo de 1954, en el hogar de "Rafita" Orozco y Cristina
Maestre, compuesto por trece hermanos, cinco hombres y ocho mujeres. Desde niño
realizó labores menores para contribuir con la supervivencia de una familia
numerosa. Montado en el burro "El Ñato" vendía agua que recogía en el
río Maracas. Inicialmente quiso ser acordeonero como
su padre. También cantaba rancheras que aprendía en películas mexicanas
exhibidas en el teatro del viejo Juan, y baladas de Yaco Monti, en esa época su
cantante preferido.12
Orozco Maestre se dio
a conocer como una alternativa moderna en el canto vallenato, integrando
conjuntos de oportunidad con los acordeoneros Julito de la Ossa, y Luciano
Poveda, con quienes consolidó su propio estilo, diferente del que en esos
momentos se imponía en el gusto de los seguidores del vallenato clásico, que
estaba representado por "Los playoneros del Cesar", "Bovea y sus
vallenatos", Alfredo Gutiérrez, Jorge Oñate, Los Hermanos Zuleta, entre otros.1
Adelantó estudios
secundarios en el Colegio Nacional Loperena de Valledupar y en una Semana Cultural
resultó vencedor en una confrontación artística ante personajes como Juvenal
Daza, Octavio Daza, Adalberto Ariño y Diomedes Díaz, quien en el evento interpretó
"Cariñito de mi vida", un tema que Rafael Orozco hizo famoso y que
fue su primer éxito, grabado con Emilio Oviedo en 1975.12
Bajo el entusiasmo del
éxito alcanzado, Rafael Orozco aceptó ser el cantante de Luciano Poveda y su
conjunto, pero solo para animar fiestas privadas, pues nunca alcanzaron a
grabar. Después estuvo brevemente con Julio De la Ossa igualmente sin grabar.
Orozco grabó por primera vez con el acordeonero Emilio Oviedo en 1975.1
El
Binomio de Oro[editar]
Rafael Orozco e Israel
Romero se conocieron por primera vez en un colegio de Manaure, Cesar,
donde Orozco cantó en una fiesta. Después afianzaron su amistad en un
cumpleaños de Poncho Zuleta.3
En Barranquilla,
Rafael coincidió con Israel Romero en
el cumpleaños de Mario Ceballos, rector de la Universidad
Autónoma del Caribe, y tocaron por primera vez juntos. Dos meses más
tarde se cristalizó el nacimiento de la agrupación musical El Binomio de Oro en el cumpleaños de
Lenín Bueno Suárez también en Barranquilla, en 1976.12
En su primer
trabajo discográfico imponen
éxitos como "La creciente" de Hernando Marín, "Momentos de
Amor" de Fernando Meneses, "Eterno Enamorado" de Edilberto Daza,
"El pataleo" de Poncho Cotes Jr. y "La gustadera" de
Alberto Murgas.12
Con el Binomio de Oro
se hizo merecedor de tres Congos de Oro en el Festival de Orquestas del Carnaval de
Barranquilla, 16 discos de oro y dos de platino por ventas
millonarias, distinciones y galardones en Venezuela, Panamá y Estados Unidos.12
Orozco incursionó en
la composición al final de su vida; fue autor del famoso tema "Solo para
ti".14
Vida
personal[editar]
Rafael Orozco se casó
con Clara Elena Cabello (Urumita, Guajira) en
la iglesia de Santa Bernardita de
Barranquilla, el 5 de marzo de 1976. Con Clara Cabello tuvo tres hijas, Kelly
Johanna, Wendy Yurany y Loraine.56
Orozco era aficionado
al fútbol, hincha del Junior (en
cuyo honor publicó una canción, en colaboración de Juan Piña, llamada "El Cumbión
del Junior") y de la Selección
Colombia. Estudió varios semestres de administración
de empresas en la Universidad Autónoma del Caribe antes de
dedicarse por completo a la música.21
Asesinato[editar]
Rafael Orozco había
llegado a Barranquilla el 9 de junio de 1992 tras una ausencia de cuarenta y
cinco días en razón de sus compromisos artísticos en Venezuelay el interior de Colombia.7 En la noche del 11 de junio de 1992,
las hijas de Orozco dieron una fiesta en su residencia para celebrar el fin del
semestre escolar. Pasadas las 9:00 p.m., Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco
Javier Corena, ayudantes de la agrupación musical de Diomedes Díaz, llegaron a la casa de Orozco
solicitando al cantante con la intención de pedir prestados unos instrumentos
musicales y dinero. Orozco los atendió en la terraza de la casa para no
interrumpir la fiesta. Se encontraban dialogando cuando a las 9:45 p.m. un
pistolero le disparó a Orozco en diez ocasiones, haciendo blanco en su
humanidad en nueve oportunidades (en la región occipital, en el rostro, en la espalda y en la
región glútea), y ocasionándole la muerte en el acto. El cuerpo de Orozco fue
llevado a la Clínica del Caribe por su esposa Clara Elena Cabello, pero el
artista había llegado sin vida al centro asistencial, donde fue declarado
muerto a las 10:00 p.m.148
Entre los móviles del
asesinato se barajaron la relación extramatrimonial que Orozco sostenía con
María Angélica Navarro Ogliastri910 (quien había sido esposa del
después congresista Armando Benedetti) y quien para entonces
también mantenía una relación sentimental con el ganadero y narcotraficante José
Reinaldo "El Nano" Fiallo Jácome, y un ajuste de cuentas por la
supuesta implicación de Orozco en el narcotráfico.11 Por el crimen fueron aprehendidos
como autor material el ingeniero Jorge Navarro Insignares (padre de María Angélica);1213 Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco
Javier Corena (como cómplices); Orby Campo Valdeblánquez, Diomedes Zubiría
Redondo y Porfirio Zubiría Redondo (como autores materiales según la versión de
Javier Enrique Arias Martínez, quien después dijo llamarse José Luis Ospino
Ariza); y Ever Antonio Zubiría Redondo, pero todos quedaron libres al
comprobarse que no tuvieron nada que ver con el asesinato.214
El 19 de agosto de
1998, el Juzgado Cuarto Penal del Circuito de Barranquilla dictaminó que Orozco
fue asesinado por Sergio González Torres, escolta de Fiallo Jácome,81516 y que el crimen obedeció a móviles
pasionales, por el mencionado triángulo amoroso entre Orozco, Navarro y Fiallo.7171819
Entre las pruebas de
la Fiscalía se
encuentran las pruebas de balística que establecieron que Orozco había sido
baleado con la pistola Heckler & Koch modelo P7 K3, calibre
7,65 que fue encontrada en poder de Fiallo el día de su asesinato, y una carta
dirigida desde la cárcel por Mario Alzate Urquijo al entonces fiscal general de
la Nación, Gustavo de Greiff,
en la que revelaba que "el Nano" Fiallo expresó en su presencia y de
otros narcotráficantes que tenía el respaldo de su patrón, alias
"Camilo", para eliminar a Rafael Orozco, porque este estaba sosteniendo
una relación con su novia.7
Sin embargo, una serie
de muertes y desapariciones se dieron posteriores al asesinato de Rafael
Orozco: Orby Campo Valdeblánquez fue asesinado en Barranquilla el 4 de abril de
1993, Alfonso Ariza De la Hoz y Francisco Javier Corena fueron sacados de sus casas
y desaparecieron después de su última indagatoria el 4 de agosto de 1992, José
Reinaldo Fiallo y su escolta Sergio González fueron asesinados en Medellín el
18 de noviembre de 1992,19 y Víctor Herrera Ortega, celador de
una construcción vecina a la residencia de Rafael Orozco que presenció el
crimen, desapareció después de declarar al día siguiente de los
acontecimientos. Además, el fiscal que inició el proceso, Jorge Paternostro, falleció
ahogado en las aguas de un arroyo turbulento en Barranquilla el 16 de julio de
1993.20 El periodista Fabio Poveda Márquez (amigo
muy cercano de Orozco) y el acordeonero de Diomedes Díaz al momento de los
hechos, Juancho Rois,
quienes también declararon en el proceso, murieron poco después.8
La muerte de Rafael
Orozco conmocionó a Colombia, al mundo vallenato, y a varias naciones latinoamericanas, sobre todo a Venezuela.
1992:
Nace Eugene Simon, actor británico.
Eugene Michael
Simon (Inglaterra, 11 de junio de 1992) es un actor y modelo británico, conocido por su papel de Jerome Clarke
en House
of Anubis y
como Lancel Lannister en Game of Thrones.
1991:
Muere José Luis Martín Descalzo, escritor y periodista español.
José Luis Martín
Descalzo, (Madridejos, provincia de Toledo, 27 de agosto de 1930- Madrid, 11 de junio de 1991).
Sacerdote, periodista y escritor español.
Índice
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·
2Obras
·
3Premios
Biografía[editar]
De raíces
vallisoletanas, nació sin embargo el 27 de agosto de 1930 en Madridejos
(Toledo), en el seno de una familia profundamente cristiana, de la que era el
menor de cuatro hermanos. Sus padres fueron Don Valeriano, de carácter noble y
sobriedad castellana, secretario judicial, y Doña Pepita, que derrochaba bondad
y buen humor -comíamos amor cada mañana, rebanadas de alma, diría de
ellos-. Ambos inculcaron en él su afición temprana a la lectura y su profundo
sentido del deber.
Cuando tenía tres años
se trasladaron a Astorga, nuevo destino
profesional de su padre quien oficiaba de secretario judicial. Allí transcurrió
casi toda su infancia, hecho que evoca de manera entrañable a menudo en sus
obras, hasta que a los 12 años ingresa en el Seminario de Valladolid, ciudad donde transcurrió su
juventud.1
Completó sus estudios
de Historia y Teología en la Pontificia
Universidad Gregoriana de Roma;1 allí formó parte del grupo poético
reunido en la revista Estría del Colegio Español, que ayudó a
fundar junto con José María Javierre,
y en la cual colaboraron escritores como José María
Cabodevilla, el más tarde arzobispo Antonio Montero
Moreno, el biblista Luis Alonso Schökel,
el P. Joaquín
Luis Ortega (después director de la Biblioteca
de Autores Cristianos), y luego el poeta y ensayista José María Valverde.2 Ese grupo parecía intuir que los
medios de comunicación estaban llamados a sustituir al magisterio de la Iglesia
en la formación espiritual de las masas y que, por lo tanto, el periodismo era
el sacerdocio de la modernidad.3
José Luis Martín
Descalzo se ordenó sacerdote en
el Colegio Español de
Roma, en 1953. Ejerció como profesor
de Literatura en el Seminario de Valladolid,
dirigiendo también allí una compañía de teatro de cámara. Entre 1954 y 1961
mantuvo una columna fija semanal, "Cosas de Dios, en el diario El Norte de Castilla y
colaboró desde 1958 en el diario Ya.
En 1957 obtuvo, por oposición, la cátedra de literatura castellana, griega y
latina en el Seminario de Valladolid. En 1960 se trasladó a hacer el doctorado
en Teología a la Universidad Gregoriana de Roma y ese mismo año ingresó como
editorialista de La Gaceta del Norte,
encargándose además de las colaboraciones y trabajando entre 1962 y 1965 como
enviado especial para cubrir en Roma las cuatro sesiones del Concilio Vaticano II como
corresponsal de prensa. En 1960 empezó a estudiar periodismo en la Escuela
Oficial de Madrid y se licenció en 1966. En ese mismo año empezó a dirigir la
sección "La Iglesia en el mundo de hoy" del diario Abc de
Madrid, que desempeñó durante veinte años. Dirigió asimismo las revistas Vida Nueva (desde 1968 a 1975)
y Blanco y Negro (1978-1981),
además de hacerse cargo en 1976 de la sección de Cultura de Abc.
Fue editorialista de Abc en 1980 y en 1982 dirigió la sección
religiosa del diario. En 1987 pasó a ser redactor jefe de la sección de Sociedad.
También dirigió el programa televisivo Pueblo de Dios de RTVE (1982).4 Representó una literatura relacionada
con el humanismo cristiano.
En 1956 obtuvo el Premio Nadal por La Frontera de
Dios y en 1962 el Premio Teatral
de Autores. En 1976 consiguió el Premio González-Ruano de
periodismo. Dos años más tarde pregona la Semana Santa de
Valladolid.
Su trayectoria
dramática se inició con La hoguera feliz, montada por Mario Antolín por el Teatro Nacional de Cámara y Ensayo en
1969, una nueva recreación del personaje histórico de Juana de Arco en que se privilegia su
capacidad de optar por el camino más difícil. La pieza fue un éxito de crítica
y público. A dos barajas(1972) fue un melodrama fácil al gusto del
público de entonces. Las prostitutas os precederán en el reino de los
cielos (1986) constituyó su mayor éxito y, tras más de cien
representaciones en provincias, llegó a Madrid y conquistó al público de la
capital, sobre todo por la cautivadora interpretación de Elisa Montés.
De su prolífica obra
literaria destacaron: Vida y misterio de Jesús de Nazaret, y los
libros de Razones: para vivir, para la
esperanza, para la alegría, para el amor, desde
la otra orilla, que recogieron muchos de los artículos periodísticos
publicados, seguidos semanalmente por multitud de lectores... Basados en hechos
reales y cotidianos de la vida, constituyen un estilo singular, a modo de parábolas,
que tratan de dar una respuesta de esperanza al dolor humano, utilizando para
ello un lenguaje sencillo, transparente y a la vez profundo, al alcance del
"hombre de la calle". En ellos también expone y acerca la esencia y
el pensamiento de numerosos autores que influyeron en su vida.
José Luis Martín
Descalzo, padeció una grave enfermedad cardíaca y renal, que lo obligó a estar
sometido a diálisis durante
muchos años, en los que tuvo a su lado como ángel custodio a su hermana Sor
Angelines; en ese tiempo escribió muchas de las mejores páginas de su prolífica
obra, además de continuar interviniendo en televisión y escribiendo artículos
en prensa. Vivió en todo momento sin dejar de sembrar esperanza y vida, hasta
su muerte en Madrid, el martes 11 de junio de 1991; su último libro poético, y
uno de los mejores, en el que anuncia su fin, fue Testamento del pájaro
solitario, henchido de referencias a la mística de San Juan de la Cruz.
Su testimonio y su
obra permanecen vivos, extendiéndose hoy su legado por todo el mundo, con
múltiples reediciones de sus libros.
Arnulfo Briceño Contreras Corregimiento de Villa Sucre (Arboledas, Norte de Santander, 26 de junio de 1938 - Tame, Arauca,
11 de junio de 1989) fue un autor, compositor, intérprete, abogado y
pedagogo colombiano.
A pesar de haber nacido en la Región Andina, se destacó como un gran
exponente del folclor llanero.1
Índice
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·
2Muerte
Biografía[editar]
Hijo de un
carpintero, Pedro José Briceño y su esposa Isolina Contreras, nació en Villa
Sucre, Norte de Santander el 26 de junio de 1938 y murió en un accidente aéreo
el 11 de junio de 1989. Cantautor, Pedagogo y Abogado.
Estudió
Derecho en la Universidad Libre y Pedagogía en la Universidad Pedagógica
Nacional (Bogotá).2
Entre sus
composiciones más destacadas se encuentran: «Ay, mi llanura» (adoptado como
himno del departamento del Meta en
1979)2
«Hato Canaguay».,1
«Canta llano», «Amo», «Quinceañera», «A quién engañas abuelo» y la Misa en Sol
Mayor, la cual fue encargada e interpretada para la visita de Juan Pablo II (2
de julio de 1986) donde reunió 37 coros de la ciudad de Bogotá, los cuales
sumaban casi 600 voces para tan magno evento .Otra de sus composiciones
conocidas es «señora de los llanos»3
Realizó sus
estudios profesionales en la Universidad Libre de Bogotá siguiendo la carrera
de Derecho. Culminó su carrera en 1973, con su tesis de grado titulada “Los
derechos del artista en Colombia” expuso una problemática nacional y estableció
los parámetros legales de defensa al artista “…Se dedicó por entero al servicio
de los artistas, en una dura batalla contra los robos de derecho de autor, el
escamoteo en las regalías y el asalto a la labor honrada”[4]. Paralelamente, el
maestro continuó con su carrera musical, dirigiendo coros, componiendo
canciones, realizando giras internacionales y nacionales y ganándose el cariño
del público colombiano.
Posteriormente,
Arnulfo Briceño estudió, simultáneamente con sus tres hijos mayores,
Licenciatura en Pedagogía musical en la Universidad Pedagógica Nacional de
donde se graduó en 1981. Siendo un compositor famoso, decidió estudiar música
formalmente para enriquecer sus composiciones y realizar con excelencia los
arreglos musicales. Como parte de uno de sus trabajos de contrapunto, decidió
no realizar pequeños fragmentos sino escribir una misa para coro en Sol mayor,
la cual había sido encargada por un amigo sacerdote, para ser interpretada en
su parroquia; la misa se empezó a desarrollar bajo guía del maestro Jesús
Pinzón y fue terminada por el autor para ser interpretada para la visita del
papa Juan Pablo II, (2 de julio de 1986) donde reunió 37 coros de la ciudad de
Bogotá, los cuales sumaban casi 600 voces para integrar tan magno evento[7].
Arnulfo Briceño fue un estudiante incansable, también estudió francés, ruso,
inglés y latín.
Muerte[editar]
Pereció en un
accidente aéreo el 11 de junio de 1989, cuando el avión de
Aerotaca HK 24-86 en que viajaba con otros 5 ocupantes se estrelló contra un
cerro a 25 kilómetros de Tame, Arauca,
en la vereda Caribabare del mismo municipio.12
Había sido llamado a interpretar el himno de Tame, Arauca, en conmemoración a
los 170 años de la campaña Libertadora, antes de su fallecimiento el compositor
cumpliría dos semanas después sus 51 años de vida.
Carrera musical[editar]
Arnulfo tuvo
su primer acercamiento a la música siendo un niño, mientras observaba a un
hombre tocar guitarra por monedas; ganó su primera guitarra en un concurso
musical organizado por la emisora "La Voz del Norte" de su tierra
natal. En 1946 interpretó una canción en la escuela con motivo del día de la madre “Luz de Mi Vida”.1
Más adelante, a la edad de 12 años(1953), conoció al famoso acordeonista
Alfredo Gutiérrez, con el cual formó inmediatamente el grupo “Los pequeños
Vallenatos”1
junto con Ernesto Hernández, Víctor Gutiérrez, Gustavo Amaya y Adonai Díaz.
Empezaron a presentarse en la localidad y luego fueron llevados a Venezuela a
presentarse en colegios en el estado del Zulia, donde pagaban diez centavos de
Bolívar por verlos interpretar dos o tres piezas.[2] Pronto estaban
presentándose en teatros y emisoras radiales.
Cuando aun
cursaba segundo año de Bachillerato, se unió nuevamente a Alfredo Gutiérrez y
otros cinco intérpretes para formar una agrupación musical con la que
estuvieron de gira, presentándose en emisoras radiales y canales de televisión.
Sus primeras dos ciudades fueron Bucaramanga y Bogotá, luego fueron a
Venezuela, esta vez presentándose en Caracas en Televisa y Canal 4, así mismo,
recorrieron Ecuador. En Guayaquil grabaron un disco sencillo con ONIX, “El
Desengaño” del Maestro Briceño y “El Cóndor “de José Barros.
En 1966,
siendo integrante de la agrupación Los Vlamers de Marco Rayo, grabó en México “Quinceañera”,
por el cual le fue otorgado el Trébol de Oro. Con esta agrupación permanecio en
el país azteca por cerca de seis años.1
En su vida
como músico recorrió países como Venezuela, Perú, Bolivia, Ecuador, Puerto
Rico, Costa Rica, República Dominicana, España, México, Estados Unidos,
Francia, Polonia, Alemania, Unión Soviética y Cuba, donde participó en el
Festival de la Nueva Trova. Como cantante y actor, fue parte del elenco de la
telenovela Hato Canaguay y de las películas Canaguaro y Fuga[8].
Dirigió una
gran cantidad de coros, entre los cuales se encuentran: Texas Petroleum
Company, Aseguradora Gran Colombia, Procuraduría General de la Nación, Icetex,
Inscredial, Empresa de Teléfonos de Bogotá, Universidad Pedagógica Nacional y
la coral Arnulfo Briceño, con el cual solo estuvo seis meses antes de morir.
Entre los
muchos reconocimientos que recibió se encuentran: “Centauro de Oro” otorgado
por la Alcaldía Mayor de Cúcuta, la orden de “Benjamín Herrera” concedido por
la Universidad Libre, “Honor al mérito artístico” de la Universidad Pedagógica
Nacional, “Trébol de Oro” por Musart (México), Premio El Tiempo al “Mejor
compositor Colombiano” en 1979, y un tributo a su obra, Concert Hall, Nueva
York el 31 de enero de 1986, entre muchos otros.
Entre sus
obras más destacadas encontramos: Misa para coros en Sol mayor, "A quién
engañas Abuelo", "Adiós a mi llano", "Canta llano",
"Llanerita", "Alma americana", "Remanso",
"Lágrimas", "Amo", "A tus pies descalzos",
"Un hombre", "Linda colegiala", "Qué más quieren los
señores", "Flor María", "Siempre" y "Cúcuta"
entre otras. Compuso y arregló varios himnos como "Ay mi llanura",
de la Contraloría Distrital, del Inderena, un Himno a Bogotá en sus 450 años,
de la Empresa de Teléfonos de Bogotá y un Himno de la Guajira, encargo de la
administración del Departamento de la Guajira, el cual quedó sólo en registro.
1986:
Nace Shia
LaBeouf, actor estadounidense.
Shia Saide LaBeouf1 (Los Ángeles, California, 11 de junio de 1986)
es un actor estadounidense.
LaBeouf ha sido ganador del Daytime Emmy.2 En sus inicios protagonizó la
serie Even Stevens para el canal Disney Channel y la película Holes (2003).
Durante un breve período de tiempo tuvo papeles secundarios en Charlie's
Angels: Full Throttle (2003), I, robot (2004)
o Constantine (2005).
Pero, todo cambió en 2007, cuando protagonizó dos películas: Transformers y Disturbia.
Un año más tarde rodó, junto a Harrison Ford y bajo las órdenes de Spielberg, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008)
y Eagle Eye (2008).
La revista Time le ha descrito como «el
beligerante chico de barrio».3 y Vanity Fair le
adjudicó el puesto número 34 en la lista de las 40 celebridades hollywoodienses con más ingresos
durante 2010: dieciséis millones de dólares.4
Hay muy poca información sobre Marta Mendicute. Si bien esta autora y compositora tiene en su haber tanto la letra como la música de la mayor parte de una veintena de canciones, han logrado la popularidad solamente dos: "Que seas vos" y "A qué volver", ésta con letra de Marta Mendicute y música de Eduardo Falú. Su lugar de origen es la provincia de Tucumán, aunque sus versos hablan de Tilcara (Jujuy), pero se radicó en Buenos Aires a mediados de la década del 50, donde falleció el 11 de junio de 1981.
Cantante e intérprete de la guitarra, luego del éxito conseguido por
"Que seas vos", Marta Mendicute realizó recitales de sus canciones,
auspiciadas por entidades culturales, pero es poco probable que haya
grabaciones de esta cantautora.
Según sus propias palabras, compuso
"Que seas vos" un día en que se sentía muy sola, sentada en su cama.
Cuando la cantó entera, sintió algo inexplicable, extraño y poderoso, como que
en esas estrofas había puesto todo de sí, lo que le provocaba una gran emoción.
Por eso cuando Marta Mendicute tuvo que decidir cuál de sus canciones
presentaría en el II Festival Odol de la Canción, realizado en
diciembre de 1964, optó por esta zamba, que además era un ritmo accesible y
popular.
Si bien Marta Mendicute no aclara quien es "Vos", la letra
parece dedicada a un ser querido, a quien le deja esas coplas para que le cante
a su cerro "como lo ha sentido, casi con dolor", surgidas
probablemente del sentimiento de desarraigo que sienten muchos provincianos que
deben emigrar. Un sentimiento que también se expresa en la chacarera
"Añoranzas", de Julio Jerez. En uno de los tantos reportajes que se
le hicieron al "chalchalero" Juan Carlos Saravia contaba que en su
primera gira mundial, cuando se encontraban en Estados Unidos, extrañaban mucho
"pero más que a la Argentina, extrañábamos Salta..."
En "A qué volver" Marta Mendicute revela la frustración que
produce el atraso de ciertas regiones del país con respecto a la Capital. Hay
una lucha entre el sentimiento y la razón; le gustaría volver, pero se
encontraría con lo mismo que la obligó a emigrar, o peor aún: ya no encontraría
las cosas que añora.
Volviendo a la zamba que la lanzó a la fama, "Vos" podría ser
alguien imaginario, quien la cante, o la propia zamba, porque según palabras de
la propia Marta Mendicute, al referirse a esa cuestión dice: "Todo el
mundo pregunta quien es Vos. Yo quiero que permanezca en el incógnito. Ya mi
cerro debe saber cómo lo he sentido. Deseo que cada interprete le dé ese Vos
como lo hace Jorge Cafrune, con su calor, su ternura conmovedora y con la
fuerza de su autenticidad." Si se analiza la letra de la zamba, la
intención es que "Vos" le haga saber a "su tierra" que se
ha ido por necesidad, en busca de mejores horizontes, pero que no ha dejado de
quererla. En realidad parece escrita con el propósito de dejar una especie de
herencia para que cuando ella no estuviera se conociera la añoranza que sentía
por sus pagos, pero al conseguir una difusión masiva pudo lograrlo en vida:
"Ya mi cerro debe saber cómo lo he sentido..."
1979:
Muere John Wayne, actor
estadounidense.
John Wayne (Marion Robert Morrison: Winterset, Iowa, Estados Unidos, 26 de mayo de 1907-Los Ángeles, California, EE. UU., 11 de junio de 1979),
conocido popularmente como The Duke (El Duque),1 fue un actorestadounidense que comenzó su carrera en
el cine mudo en la década de 1920. Fue el símbolo de lo rudo y masculino,
además fue un icono estadounidense y Símbolo de América durante muchas décadas.
Es memorable el timbre distintivo de su voz, su forma de caminar y su presencia
física. Es célebre su eslogan "John Wayne es América" al igual que su postura
política conservadora y
su apoyo a las posturas políticas anticomunistas de la década de 1950. Tiene el récord de la mayor cantidad de
papeles protagonistas en la historia del cine con 142.2
En 1999, el American Film
Institute le otorgó el lugar número 13 en su lista
de las 100 Estrellas Más Grandes de Todos los Tiempos. Una encuesta
Harris publicada en 2007 le otorgó el tercer lugar entre las estrellas
favoritas de los Estados Unidos,3 la única estrella ya fallecida de la
encuesta y a la vez, la única estrella que había estado apareciendo en ella
todos los años.
Su carrera fílmica comenzó en el cine mudo en la década de 1920, pero su éxito y fama se
consolidaron entre las de 1940 y 1970. Su imagen ha quedado asociada, para
muchos, con el género Western y
con las películas de guerra,
a pesar de que en realidad trabajó en muchos otros géneros (biografías, comedias románticas, dramas policíacos, aventuras, etc.).
Falleció el 11 de junio de 1979, tan sólo dieciséis días después
de cumplir 72 años, a causa de un cáncer.
1970:
Muere Frank Silvera, actor de carácter y director teatral estadounidense de origen jamaicano.
Frank Silvera (24 de julio de 1914 – 11 de junio de 1970) fue un actor de carácter y director teatral estadounidense de origen jamaicano. Fue conocido como "el hombre con mil caras" debido a su habilidad para interpretar a un amplio abanico de personajes.1
Índice
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Biografía[editar]
Inicios[editar]
Su nombre completo era Frank Alvin Silvera, y nació en Kingston, Jamaica, siendo sus padres un judío de origen español y portugués, y su madre una jamaicana con antepasados de diferentes etnias.23 Su familia emigró a los Estados Unidos cuando él tenía seis años de edad, asentándose en Boston.4 Interesado en la interpretación, Silvera empezó a actuar en grupos teatrales de aficionados y en la iglesia.1
Graduado en la English High School of Boston, estudió después en la Universidad de Boston y en la Escuela de Derecho de la Universidad Northeastern.345
Carrera[editar]
Silvera dejó la Escuela de Derecho en 1934, cuando fue escogido para formar parte del reparto de la producción de Paul GreenRoll Sweet Chariot. Posteriormente ingresó en el New England Repertory Theatre, donde actuó en obras como Macbeth, Otelo y The Emperor Jones. También trabajó con el Federal Theatre Project y con el New Hampshire Repertory Theatre. En 1940, Silvera debutó en el circuito de Broadway con un pequeño papel en Big White Fog.
Sin embargo, su carrera se vio interrumpida en 1942 cuando fue alistado en la Armada de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Destinado al campamento Robert Smalls, allí se encargó, junto a Owen Dodson, del entretenimiento de la tropa. Silvera dirigió y actuó en programas radiofónicos y trabajó en shows organizados por la United Service Organizations. Licenciado con honores en 1945, finalizada la guerra, se unió al reparto de Anna Lucasta, haciéndose miembro del Actors Studio.156
En 1952 Silvera debutó en el cine actuando en el western The Cimarron Kid. Debido a su aspecto hispano, fue elegido para interpretar una gran variedad de papeles étnicos tanto en el cine como en la televisión.3 Así, fue Victoriano Huerta en ¡Viva Zapata!, película protagonizada por Marlon Brando. Irónicamente, fue la primera gran producción que utilizó a un actor no blanco para interpretar a un personaje no blanco. Silvera también interpretó al personaje en la producción teatral, la cual se estrenó en el Regent Theatre de Nueva York el 28 de febrero de 1952.6 De su trayectoria cinematográfica, destaca su participación en dos películas dirigidas por Stanley Kubrick, Fear and Desire (1953) y El beso del asesino (1955).
En agosto de 1955 actuó en Broadway en una reposición de la obra de Thornton Wilder The Skin of Our Teeth, con la cual obtuvo algunas críticas favorables. En noviembre de 1955 fue John Pope, Sr., el padre de los personajes de Ben Gazzara y Anthony Franciosaen la pieza de Michael V. Gazzo representada en Broadway A Hatful of Rain (un papel interpretado por Lloyd Nolan en la pantalla), obteniendo nuevamente críticas favorables.7
Silvera fue actor invitado en numerosas series televisivas, sobre todo dramas y westerns, incluyendo entre ellas Westinghouse Studio One, Alfred Hitchcock presenta, Bat Masterson, Thriller, Riverboat, The Travels of Jaimie McPheeters, Los Intocables, y Bonanza. En 1962 fue el Dr. Koslenko en el episodio de The Twilight Zone "Person or Persons Unknown", actuando junto a Richard Long. Ese año también fue Minarii, un polinesio, en la cinta de 1962 Mutiny on the Bounty, de nuevo junto a Marlon Brando. Al año siguiente fue nominado al Premio Tony al mejor actor principal en una obra de teatro por su papel de Monsieur Duval en The Lady of the Camellias.
En 1964, Silvera y Vantile Whitfield fundaron el Theatre of Being, un teatro con base en Los Ángeles dedicado a proporcionar a los actores negros papeles no estereotipados. Uno de sus primeros proyectos fue producir The Amen Corner, del escritor afroamericano James Baldwin. Silvera y Whitfield financiaron la obra con dinero propio y con donaciones de amigos. Se estrenó el 4 de marzo de 1964, y recaudó 200.000 dólares en un año, pasando a Broadway en abril de 1965. Beah Richards se ganó el favor de la crítica con su actuación.8
Silvera continuó con su carrera en el cine y con sus actuaciones televisivas como artista invitado. En 1965 fue el Rey Gaspar en el film épico La historia más grande jamás contada. Al siguiente año trabajó por tercera vez con Marlon Brando, en esta ocasión en el western Sierra prohibida. En 1967 fue Nick Sorello en The St. Valentine's Day Massacre, haciendo después actuaciones en Dundee and the Culhane y The Wild Wild West. Asimismo, fue un bandido mexicano en el film de 1967 dirigido por Martin Ritt Un hombre, basado en una novela de Elmore Leonard. Silvera hizo en 1969 un papel de reparto en la película Che!, y encarnó a Lobero en el western La furia de los siete magníficos.
Silvera fue después contratado como primer director invitado del Fresno State College, en la California State University, en Fresno, con planes para llevar a escena The Tea Concession, un drama racial de Henry Kemp-Blair.9 Sin embargo, se vio forzado a cesar dos semanas más tarde, a causa de problemas administrativos y del abortado contrato de Marvin X.10
En la época de su muerte, Silvera tenía un papel recurrente en la serie western de la NBC El gran chaparral, el de Don Sebastián Montoya. Su última película, Valdez is Coming, se estrenó a título póstumo, en 1971.
1969:
Nace Peter Dinklage,
actor estadounidense.
Peter Hayden
Dinklage1 (Morristown, Nueva Jersey, Estados Unidos; 11 de junio de 1969) es un
actor de cine, televisión y teatro estadounidense. Su papel más conocido hasta la fecha es el
de Tyrion Lannister en la serie Juego
de tronos (HBO), el cual le ha valido cuatro Emmy y
un Globo de Oro. También ha participado en proyectos como la
independiente The Station Agent (2003), Elf (2003), Find Me Guilty (2006), Underdog (2007), Death at a
Funeral (2007), remake
de 2010, Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian (2008) y X-Men:
días del futuro pasado (2014).
El actor está casado con Erica Schmidt, con la que es padre de dos hijos.
1965:
Nace El Cocha Molina, músico colombiano, acordeonero
de música vallenata.
Gonzalo Arturo Molina
Mejía (n. Valledupar, Cesar,
el 11 de junio de 1965),
apodado "El Cocha", es un músico colombiano, acordeonero de música vallenata.2 Ha sido ganador de las categorías
"Rey Vallenato Aficionado", "Rey Vallenato Profesional" y
"Rey de reyes" del Festival
de la Leyenda Vallenata como mejor acordeonero.3
Ha grabado
producciones musicales con los más reconocidos artistas del vallenato y grabó
en 1995 una producción musical con la cantante Gloria Estefan titulada Abriendo Puertas.4
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·
1Familia
Familia[editar]
Gonzalo Arturo nació
en el hogar del patillalero César
Arturo Molina Gutiérrez y Estela Mejía, de cuya unión nacieron cinco hijos.56
Molina es pariente de
los compositores de música vallenata, Tobías
Enrique Pumarejo, Freddy
Molina y Gustavo Gutiérrez
Cabello.2
Su hermana Luz Stella
Molina Mejía fue secuestrada junto a Consuelo Araújo
Noguera por la guerrilla de las FARC en
septiembre de 2001.7 Luz Estella sería liberada tiempo
después, sin embargo Consuelo fue asesinada durante el secuestro.7
En el 2016, Molina
contrajo matrimonio con la vallenata Yulieth Peraza.1
Trayectoria[editar]
Molina heredó su gusto
por la música de su padre, Arturo Molina, quien fue guitarrista y cantante.2 En su infancia formó una agrupación
de música vallenata infantil junto a Iván Villazón y
Jaime López.2 Su primer acordeón fue un obsequio de
Evaristo Gutiérrez, padre de Tomás Darío Gutiérrez.8
En 1982 "El
Cocha" participó en la categoría "Rey Vallenato Aficionado"
del Festival
de la Leyenda Vallenata, ganando el concurso y en la que
participó Iván Villazóncomo
su guacharaquero.4
El cantante Diomedes Díaz y Colacho Mendoza lo invitaban a sus
presentaciones como artista invitado.2
1959:
Nace Hugh Laurie,
actor británico.
James Hugh Calum
Laurie OBE (Oxford, 11 de junio de 1959), conocido
como Hugh Laurie, es un actor, humorista, escritor, músico y cantante inglés.
En televisión, es
mundialmente conocido principalmente por su papel de Gregory House, protagonista de la serie de televisión House M. D. (2004-2012),
Laurie ha conseguido gracias a este el premio Globo de Oro al
mejor actor dramático en dos años consecutivos (2006 y 2007).12
En cine, es conocido
por interpretar al personaje de Frederick Little, en las películas
infantiles Stuart Little, Stuart Little 2 y Stuart Little 3, así como interpretar al
villano Jasper en la aclamada película de Disney en 1996, 101
dálmatas: ¡Más vivos que nunca!.
En el mundo musical,
forma parte de la banda benéfica Band From TV y en 2011 estrenó su primer
trabajo musical Let Them Talk.
Índice
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·
2Carrera
o
4.1Cine
Biografía[editar]
Nació en Oxford (Oxfordshire), Inglaterra. Es el más joven de cuatro hijos
(un hermano, Charles; y dos hermanas, Susan y Janet). Su padre, Ran Laurie, fue médico y también medallista
olímpico, ganando el oro en los Juegos de Londres
1948 en remo.
Aunque Laurie se crio
como niño presbiteriano de
la iglesia (comunión anglicana).
Fue educado en Oxford y estudió en
la Dragon
School. Más tarde pasó a Eton y luego a Selwyn College de Cambridge, donde estudió Arqueología y Antropología. Durante su estancia en Cambridge,
fue miembro de Footlights, el club
universitario de interpretación del que han salido muchos actores y cómicos
conocidos, como Emma Thompson.
Llegó a ser presidente del club en 1981.
Al igual que su padre,
Laurie era remero en la escuela y en la universidad.
En 1977, era integrante del par con timonel junior que ganó el título nacional
británico, antes de representar al equipo de Gran Bretaña de la Juventud en ese
mismo año en el Campeonato Mundial Juvenil de Remo. En 1980,
Laurie y su compañero de remo, Palmer, fueron subcampeones en las copas de
plata dos sin timonel para el club de remo de Eton Vikings. Más tarde, en ese
mismo año, participó en la Regata
Oxford-Cambridge y su equipo perdió por cinco pies. Durante
este tiempo, Laurie entrenaba aproximadamente ocho horas al día y estaba en
curso para convertirse en un estándar de remo olímpico. Laurie es miembro
del Leander Club, uno
de los clubes más antiguos de remo en el mundo.
Durante un tiempo, se
vio obligado a abandonar este deporte por contraer Mononucleosis
infecciosa. En estas circunstancias, se unió a los Footlights
de Cambridge, punto de partida de numerosos
cómicos británicos. Allí conoció a Emma Thompson, con quien tuvo relación
amorosa. Gracias a ella, conoció a su amigo y futuro compañero de comedia Stephen Fry. En 1981, mientras Emma Thompson
era la vicepresidenta, Laurie fue presidente del Footlights. Laurie, Fry y
Thompson hicieron una parodia de sí mismos en la serie de televisión The Young Ones.
1950:
Nace Graham Russell, músico y compositor inglés, popular por su participación en la
banda de soft rock Air Supply.2
Cyril Graham Russell (11 de junio de 1950) es un músico y compositor inglés, popular por su participación en la
banda de soft rock Air Supply.2
En 1975, junto al
cantante Russell Hitchcock, formó el dúo Air Supply en Australia, especializándose en música
romántica y baladas, de las que destacan "Lost in Love", "All
Out Of Love", "Every Woman In The World", "Even the Nights Are Better", "The One That You Love", "Goodbye" y "Making Love Out of Nothing at All", logrando gran notoriedad comercial por más de cuarenta años.
Índice
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·
1Carrera
Carrera[editar]
En 1975, Graham conoció a Russell Hitchcock en una función de la
ópera Jesucristo Superstar.
Empezaron a cambiar impresiones musicales y terminaron formando el dúo Air
Supply. En 1979 la banda firma su primer contrato con Arista Records. El sencillo "Lost In
Love" logró escalar al Top 3 en mayo de 1980 en los Estados Unidos. Con Air Supply ha grabado exitosos álbumes como The Vanishing
Race, News from Nowhere y The Book of Love.
Discografía[editar]
Air Supply[editar]
·
1976: Air Supply
·
1977: The Whole Thing's
Started
·
1977: Love & Other
Bruises
·
1979: Life Support
·
1980: Lost in Love
·
1981: The One That You Love
·
1982: Now and Forever
·
1985: Air Supply
·
1986: Hearts In Motion
·
1987: The Christmas Album
·
1991: The Earth Is...
·
1993: The Vanishing Race
·
1995: News From Nowhere
·
1997: The Book of Love
·
2001: Yours Truly
·
2003: Across The Concrete
Sky
·
2010: Mumbo Jumbo
Solista[editar]
·
2007: The Future
Denisse de Kalafe (algunos autores escriben Kalaffe; Ponta Grossa, Paraná, 1949) es una cantante y compositora mexicana de origen brasileño. Se radicó en México, país donde ha hecho la parte principal de su exitosa carrera artística, y el que, en su propio decir, «dio sentido a mi voz y a mis canciones».1
Biografía[editar]
El nombre original de la artista fue Denise y ella agregó la segunda s en 2005 por recomendación de la numeróloga Aparecida Liberato.[cita requerida]
Al llegar a su patria de adopción en 1972 y habiéndose convertido rápidamente en brasicana (nombre que se asigna a los brasileños avecindados en México) fue apoyada artísticamente por Marco Antonio Muñiz y por sus compatriotas Roberto Carlos y el escritor Paulo Coelho.
En 1969 participó en el I Festival Mundial de la Canción Latina, quedando en segundo lugar. Uno de sus temas clásicos, «El amor... cosa tan rara», le valió el primer premio del Festival OTI de 1978 y le hizo cobrar fama internacionalmente. Más tarde, en 1982, cobró nuevamente notoriedad al componer Señora, señora, en honor a su madre. Este tema es hasta la fecha muy cantado en ocasión al 10 de mayo, Día de las Madres en México y otros países.1
Otros temas e interpretaciones que han cobrado fama y han ganado el favor del público hacia Denisse de Kalafe fueron El Asunto; Al revés y al derecho (que fue incluida en el álbum del mismo nombre y que le permitió ganar El Disco de Oro de 1983.
Participó exitosamente en los programas televisivos de Siempre en Domingo con Raúl Velasco y 24 Horas, con Jacobo Zabludovsky.1
Denisse reside en Holbox, Quintana Roo, México, donde sigue componiendo canciones y es invitada a varios festejos que se realizan en el lugar.
Los Iracundos es una banda de música popular y balada romántica originaria de la ciudad uruguaya de Paysandú. Estuvo vigente en las décadas de los años 1960 hasta los años 1980, aunque con breves reuniones de conciertos en las décadas siguientes, con algunos miembros distintos.
Originalmente, estuvo integrada por seis músicos oriundos de Paysandú.1
Redactor | Rafael Veintimilla Aragundi
Franco, Bosco y Febro son tres de los seis miembros originales, que murieron entre 1989 y agosto pasado. El grupo surgió en 1961 y grabó su primer disco en 1963.
Las canciones éxito que tienen Los Iracundos, desde su primera grabación hace 41 años, son tan innumerables como las ocasiones en que este legendario sexteto uruguayo ha pisado los escenarios ecuatorianos y los de otros países como los de Europa. Son cifras que no se pueden precisar.
Y entre esas melodías constan Puerto Montt (quizá la más famosa de todas), Fábula, Mamarracho, Es la lluvia que cae, Venite volando, Tú me diste amor, tú me diste fe, Te lo pido de rodillas (la célebre balada de 1973 en la que destaca un nostálgico sonido de armónica durante el coro) y otras entre las clásicas. También están las canciones menos antiguas como Tú con él o 40 grados. Entonces no es exageración decir que el número de canciones que tienen Los Iracundos no se puede precisar, pese a esta lista de su cancionero (de la que muchas no se han podido citar, pero que existen, especialmente en la memoria de sus más acérrimos seguidores).
La última vez que la banda, oriunda de la localidad charrúa de Paysandú, se presentó en Ecuador fue por el Festival del Recuerdo, en la Plaza de Artes y Oficios (PAO), en julio pasado, un mes antes de que falleciera Jesús María Febrero Galán, mejor conocido como Febro. El deceso ocurrió el sábado 2 de agosto pasado por una enfermedad de la que no se precisó cuál fue.
Febro, quien fue tecladista fundador del grupo desde 1961 (aunque el primer disco fue publicado tres años después), se unió a los fallecimientos de Eduardo Franco y Juan Bosco Zabalo (conocido como Bosco), el 1 febrero de 1989 por cáncer a la garganta y el 1 de noviembre de 1992 por un edema pulmonar, respectivamente.
Aunque las canciones que Los Iracundos actuales interpretaron en la Plaza de Oficios guayaquileña son las mismas de siempre, los integrantes son otros, con excepción de Juano, el baterista y Leoni, el guitarrista líder, los únicos de la formación original.
Juano (Juan Carlos Velásquez, Paysandú, 13 de noviembre de 1941) y Leoni (Leonardo Franco, nacido el 7 de noviembre de 1942 en la localidad charrúa de Tambores), el resto de integrantes de los “nuevos iracundos” son Carlos Piñeyros, bajista; Danilo Correa, teclados, y Jorge Gatto, vocalista que reemplaza al fallecido Franco desde 1989.
El grupo se formó en Paysandú, pero curiosamente alcanzaron el éxito en Argentina durante el Festival de la Canción de Parque del Plata, en 1963.
En aquel festival pegaron tan bien con sus canciones Despierta Lorenzo y Caravana, que al final del recital fueron contratados por el sello RCA Víctor, de Argentina, para grabar su primer disco que se tituló simplemente Los Iracundos, el 27 de agosto de 1964. La banda tenía tres años de haberse creado, pero con otro nombre: Los Blue Kings.
Antes de morir, durante una de las múltiples entrevistas que concedió la banda charrúa, Febro (nacido el 10 de marzo de 1946 en Paysandú) relató que durante la secundaria en un colegio religioso de su ciudad natal, a inicios de la década del sesenta, conoció a Eduardo Franco (15 de marzo de 1946, Paysandú), su hermano Leoni; Hugo María Burgueño (Burgues, el carismático gordo bajista, 13 de febrero de 1941 en Paysandú); Bosco; (guitarrista, nacido el 11 de junio de 1944 también en Paysandú) y Juano, el baterista.
Esa fue la alineación original, la que en sus inicios mezcló el rock and roll de la década del sesenta con las baladas que nacieron de la inspiración de Franco.
El nombre Los Iracundos surgió en Argentina el mismo año en que firmaron contrato con la RCA.
Febro una vez explicó que lo tomaron por el “movimiento literario y cultural inglés que surgió después de la Segunda Guerra Mundial en Europa, en la que se llamaba ‘iracundos’ a quienes pertenecían a ese grupo de personas”.
Desde entonces, Los Iracundos no han parado de presentarse en los escenarios del mundo con sus clásicas canciones, las que nunca pasan de moda, las que han atravesado cuatro generaciones, las que no faltan en alguna reunión bohemia, las que están plasmadas en sus discos de vinilo o compactos...
Y entre esas melodías constan Puerto Montt (quizá la más famosa de todas), Fábula, Mamarracho, Es la lluvia que cae, Venite volando, Tú me diste amor, tú me diste fe, Te lo pido de rodillas (la célebre balada de 1973 en la que destaca un nostálgico sonido de armónica durante el coro) y otras entre las clásicas. También están las canciones menos antiguas como Tú con él o 40 grados. Entonces no es exageración decir que el número de canciones que tienen Los Iracundos no se puede precisar, pese a esta lista de su cancionero (de la que muchas no se han podido citar, pero que existen, especialmente en la memoria de sus más acérrimos seguidores).
La última vez que la banda, oriunda de la localidad charrúa de Paysandú, se presentó en Ecuador fue por el Festival del Recuerdo, en la Plaza de Artes y Oficios (PAO), en julio pasado, un mes antes de que falleciera Jesús María Febrero Galán, mejor conocido como Febro. El deceso ocurrió el sábado 2 de agosto pasado por una enfermedad de la que no se precisó cuál fue.
Febro, quien fue tecladista fundador del grupo desde 1961 (aunque el primer disco fue publicado tres años después), se unió a los fallecimientos de Eduardo Franco y Juan Bosco Zabalo (conocido como Bosco), el 1 febrero de 1989 por cáncer a la garganta y el 1 de noviembre de 1992 por un edema pulmonar, respectivamente.
Aunque las canciones que Los Iracundos actuales interpretaron en la Plaza de Oficios guayaquileña son las mismas de siempre, los integrantes son otros, con excepción de Juano, el baterista y Leoni, el guitarrista líder, los únicos de la formación original.
Juano (Juan Carlos Velásquez, Paysandú, 13 de noviembre de 1941) y Leoni (Leonardo Franco, nacido el 7 de noviembre de 1942 en la localidad charrúa de Tambores), el resto de integrantes de los “nuevos iracundos” son Carlos Piñeyros, bajista; Danilo Correa, teclados, y Jorge Gatto, vocalista que reemplaza al fallecido Franco desde 1989.
El grupo se formó en Paysandú, pero curiosamente alcanzaron el éxito en Argentina durante el Festival de la Canción de Parque del Plata, en 1963.
En aquel festival pegaron tan bien con sus canciones Despierta Lorenzo y Caravana, que al final del recital fueron contratados por el sello RCA Víctor, de Argentina, para grabar su primer disco que se tituló simplemente Los Iracundos, el 27 de agosto de 1964. La banda tenía tres años de haberse creado, pero con otro nombre: Los Blue Kings.
Antes de morir, durante una de las múltiples entrevistas que concedió la banda charrúa, Febro (nacido el 10 de marzo de 1946 en Paysandú) relató que durante la secundaria en un colegio religioso de su ciudad natal, a inicios de la década del sesenta, conoció a Eduardo Franco (15 de marzo de 1946, Paysandú), su hermano Leoni; Hugo María Burgueño (Burgues, el carismático gordo bajista, 13 de febrero de 1941 en Paysandú); Bosco; (guitarrista, nacido el 11 de junio de 1944 también en Paysandú) y Juano, el baterista.
Esa fue la alineación original, la que en sus inicios mezcló el rock and roll de la década del sesenta con las baladas que nacieron de la inspiración de Franco.
El nombre Los Iracundos surgió en Argentina el mismo año en que firmaron contrato con la RCA.
Febro una vez explicó que lo tomaron por el “movimiento literario y cultural inglés que surgió después de la Segunda Guerra Mundial en Europa, en la que se llamaba ‘iracundos’ a quienes pertenecían a ese grupo de personas”.
Desde entonces, Los Iracundos no han parado de presentarse en los escenarios del mundo con sus clásicas canciones, las que nunca pasan de moda, las que han atravesado cuatro generaciones, las que no faltan en alguna reunión bohemia, las que están plasmadas en sus discos de vinilo o compactos...
https://www.youtube.com/watch?v=wGL9whmK3u0
https://www.youtube.com/watch?v=OTf_UrP2E6s&list=PLZ4OLg7iKI1ikk63VKSyTtLFWUSaIchnM
https://www.youtube.com/watch?v=KFl0kAQzcwg
https://www.youtube.com/watch?v=OTf_UrP2E6s&list=PLZ4OLg7iKI1ikk63VKSyTtLFWUSaIchnM
https://www.youtube.com/watch?v=KFl0kAQzcwg
Humberto Vicente Castagna (Florida, Buenos Aires, Argentina, 11 de junio de 1942-Buenos Aires, 15 de octubre de 2019), más conocido por su nombre artístico Cacho Castaña, fue un cantante y compositor argentino, autor de famosas canciones como Para vivir un gran amor, Café La Humedad y Garganta con arena, entre otras. También ha trabajado como actor en varias películas argentinas.
Biografía[editar]
Fue el tercer hijo del matrimonio entre don Antonio ('Ntoni) Castagna, comerciante italiano de calzado, y Rosa Curra. La vocación y el amor de Cacho Castaña por la música comenzaron en la niñez. A los 14 años ya era profesor de piano. Empezó como pianista en orquestas de tango, y en la segunda mitad de la década de 1960 se presentó como cantante en programas "ómnibus" (programas de más de 6 horas en vivo) que los sábados destinaban su primera hora a nuevas voces, en Canal 9.
Formó el grupo Beto y los Huracanes, junto a Bingo Reyna (guitarra), con Kuky (batería), Alfredo (guitarra rítmica), Juan (bajo), dando sus primeros pasos como vocalista.1
Autor de muchos éxitos como Café La Humedad, Lo llaman el matador, La reina de la bailanta, Señora si usted supiera, Garganta con arena (dedicado a Roberto Goyeneche), Tita de Buenos Aires (dedicado a Tita Merello), La gata Varela (dedicado a Adriana Varela), Septiembre del 88, Ojalá que no puedas, Quieren matar al Ladrón (en coautoría) o Para vivir un gran amor, entre otras. Obtuvo el Premio Gardel en 2005, por su álbum Espalda con espalda.
También ha actuado y ha compuesto música para el cine y la televisión. Es un reconocido simpatizante del Club Atlético San Lorenzo de Almagro, participando como artista invitado en los festejos del centenario de su fundación en 2008.2
En el verano de 1995 tuvo una relación fugaz con la actriz y vedette Silvia Peyrou. Ella tuvo un hijo llamado Santino al que Cacho, en un principio, no reconoció. Tras una mediática batalla legal sí lo hizo, pero luego pruebas de ADN demostraron que Cacho no era el padre biológico.
En 2005 recibió el Diploma al Mérito de los Premios Konex a la Música Popular en la disciplina "Autores/Compositores de Tango" como uno de los 5 mejores de la década en Argentina.
En 2008 compone junto a Valeria Lynch la canción Por amor a vos, la cual sería cortina musical de la telecomedia Por amor a vos en Canal 13. Esta canción ganó el premio Martín Fierro a la mejor canción original.
A principios del 2010, se lo relacionó amorosamente con la modelo chaqueño-neo-zelandeza Chichi Román, quien anteriormente estuvo casada con el famoso dramaturgo Martín Ma.
En sus últimos años, su adicción al tabaco provocó que el popular artista debiera ser internado en varias oportunidades.[cita requerida] En septiembre de 2011, debió permanecer en terapia intensiva en el Sanatorio Los Arcos, a raíz de un síndrome bronquial agudo acompañado de fiebre; y fue en el 2005 que tuvo una situación médica límite cuando se le efectuó una compleja angioplastia coronaria de urgencia en el Instituto del Diagnóstico por el cardiólogo argentino Luis De la Fuente, quien le colocó 3 stents con medicamento.
En 2012, participó de la exitosa novela Dulce amor, protagonizada por Sebastián Estevanez, Juan Darthés y Carina Zampini, en donde interpretó a Vicente Guerrero, el exmarido de Isabel (Georgina Barbarossa) y papá de Marcos (Sebastián Estevanez) y Flor (Micaela Vázquez) en la ficción.3
En 2013, participó del programa de televisión Buenos Muchachos que se emitía en C5N los días sábados. Con la conducción de Beto Casella; junto al exfutbolista y director técnico Bambino Veira, el exmánager de futbolistas Guillermo Coppola y el también exdirector técnico Coco Basile, contaban sus anécdotas y experiencias de vida. En noviembre dejó el programa por internas con la producción.4
También en 2013 participó en la primera temporada del programa Tu cara me suena, en Telefe, conducido por Marley, en el cual había 8 participantes pertenecientes al ambiente artístico que debían aprender a imitar a un artista, caracterizándose e interpretando sus canciones. Cacho Castaña dentro de este concurso, cumplió el rol de jurado junto a Joaquín Galán y La Negra Vernaci. Cacho abandonó este programa porque ya tenía planeado realizar sus shows en el país.5
En 2014 volvió a ser jurado en la segunda temporada del mismo programa, pero desde la cuarta gala debió ser reemplazado por diversos artistas (Zeta Bosio, Miguel Ángel Cherutti, Sergio Denis, Carmen Barbieri, Soledad Pastorutti, Valeria Lynch, Natalia Oreiro, Patricia Sosa, Axel, Paz Martínez, Carlos Baute, Juan Darthés, Antonio Gasalla, Carlos Vives, Humberto Tortonese, Santiago Segura y Cris Morena) debido a sus problemas de salud.
En octubre de 2014 debió ser internado en el Sanatorio Los Arcos tras sufrir un accidente doméstico que le provocó una fractura de cuello de fémur, lo que requirió una cirugía de cadera, que resultó exitosa, pero complicó su evolución el desarrollo de una infección respiratoria, por lo cual debió recibir antibióticos. Cacho pasó varias semanas conectado a un respirador bajo medicación sedante y con apoyo de fármacos vasoactivos para apuntalar su función cardiocirculatoria, siendo su pronóstico delicado durante ese lapso.67Luego de pasar por ese trance, fue dado de alta y trasladado a una clínica de rehabilitación.
Durante 2017 y 2018 la canción Si te agarro con otro te mato (escrita y compuesta por Castaña), que había sido un éxito en los años 1970, fue señalada negativamente en varios medios de comunicación en el contexto de una tendencia a revisar la letra de canciones populares que promoverían el machismo o la violencia contra las mujeres. Las canciones señaladas involucran a cantantes y bandas que incluyen a Edmundo Rivero, Maluma, Attaque 77 y Café Tacvba.8910
La canción en cuestión dice cosas como:
Dicen que yo soy violento
pero no te olvides que yo no soy lento.
Dicen que yo soy celoso
pero no te olvides que yo fui tramposo.
Si te agarro con otro te mato,
te doy una paliza y después me escapo.
Al respecto, el músico comentó: "Esa canción la cantaba en sentido metafórico y divertido. No es un tema machista, para nada. Una canción no te lleva a matar a nadie."11
Fallecimiento[editar]
Cacho Castaña falleció a los 77 años el 15 de octubre de 2019 debido a complicaciones por su EPOC.12
https://www.youtube.com/watch?v=wUYryRqZHNI
1936:
Nace Chad Everett,
actor estadounidense (f. 2012).
Raymon Lee Cramton, conocido artísticamente como Chad Everett (South Bend, Indiana, 11 de junio de 1936 - Los Ángeles, California, 24 de julio de 2012)1 fue un actor estadounidense.
Biografía[editar]
Actor que ha desarrollado fundamentalmente su carrera en
televisión, su primer papel relevante se remonta a un episodio de la serie de
detectives Surfside 6 en 1960.
Un año después, da el salto a la gran pantalla con la película Claudelle
Inglish, a la que seguirían la serie The Dakotas (1963).
Tras aparecer en diversas películas y series de televisión
durante la segunda mitad de la década de 1960, obtiene el papel que le
proporcionaría su mayor popularidad, el del Dr. Joe Gannon en
la serie Medical Center(Centro Médico)
en 1969. Everett interpretó el personaje durante
siete años, hasta 1976. Su interpretación le valió sendas nominaciones
a los Premios Globos de Oro (en 1971 y 1973),
así como al premio TP de Oro, otorgado
en España.
Tras la cancelación de la serie que le proporcionó fama a nivel
mundial, el actor ha mantenido una continuada carrera sobre todo en televisión,
interviniendo de manera episódica en decenas de títulos como Centennial(1978), The Love Boat (1986), Hotel (1987), Murder, She Wrote (1990-1991) o Melrose
Place (1998).
Falleció a la edad de setenta y seis años en Los Ángeles a causa
de un cáncer de pulmón. Chad Everett enviudó en 2011 de la actriz Shelby Grant,
con la que estuvo casado durante cuarenta y cinco años. Tuvo dos hijas y seis
nietos.
1936:
Muere Robert E. Howard,
autor estadounidense (n. 1906).
Robert Ervin Howard (22 de enero de 1906 - 11 de junio de 1936)
fue un escritor estadounidense de aventuras históricas y fantásticas,
publicadas principalmente en la revista Weird Tales en los años 1930. Se le considera como uno de los
padres del subgénero conocido como «espada y brujería»
y es mundialmente conocido por ser el creador de afamados personajes populares
como Conan el Bárbaro, Kull de Atlantis y Solomon Kane. Es, junto con J. R. R. Tolkien, uno de los escritores más
influyentes de la fantasía heroica moderna.
Índice
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·
2Obras
Biografía[editar]
Nació en Peaster,1 Texas (Estados Unidos), hijo de Isaac Mordecai Howard
y Hester Jane Ervin Howard. Su familia vivió en varios lugares del sur, este y
oeste de Texas, además del oeste de Oklahoma, antes de asentarse en pleno centro
del estado, en Cross Plains (1919).
Muy enfermizo, se transformó en adicto al gimnasio y llegó a ser un joven
fornido y apuesto, pero solitario, introvertido y huraño, de forma que apenas
tuvo amigos, salvo los epistolares que hizo entre los escritores del círculo de Howard P. Lovecraft,
autor con quien empezó a cartearse en 1924. Los temas que le interesaban y que
se muestran en este epistolario son, sobre todo, los conflictos entre civilización y barbarie (con una preferencia nietzscheana por esta última), las
teorías geológicas e históricas, la decadencia de las razas y la eugenesia. Desde 1923 empezó a sentir fuertes
depresiones y tuvo varios intentos de suicidio. Su madre, que se llevaba muy
mal con su padre, fue con él sobreprotectora y la relación entre ellos se hizo
tan estrecha que, cuando su madre quedó en coma irreversible, el escritor, a
sus treinta años, prefirió suicidarse de un tiro.
Consagraba su tiempo a
la lectura de libros de historia y llegó a acumular una erudición notable;
empezó a escribir con quince años y a los dieciocho vendió su primer
relato, La lanza y la espada (diciembre de 1932), a la revista
de ficción popular y papel barato (pulp) Weird Tales, en la que se publicó la mayor
parte de su obra
1933:
Nace Gene Wilder, actor
estadounidense (f. 2016).
Jerome Silberman, conocido como Gene
Wilder (Milwaukee, Wisconsin, 11 de junio de 1933-Stamford, Connecticut, 29 de agosto de 2016),1 fue un actor, director y guionista estadounidense conocido por haber
aparecido en algunas de las obras más importantes de Mel Brooks, como Blazing Saddles, Los
productores y El jovencito
Frankenstein, además de otras películas como Willy
Wonka & the Chocolate Factory,El expreso de Chicago, El
Principito o Bonnie y Clyde.
Índice
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Biografía[editar]
Nacido en Milwaukee en una familia de inmigrantes
judíos rusos, Wilder estudió interpretación en la Universidad de Iowa,2 donde fue miembro de la Fraternidad
Alpha Epsilon Pi. Se graduó en 1955 y después sirvió en
el Ejército de
los Estados Unidos desde 1956 hasta 1958.
Allí sirvió como paramédico en el
Departamento de Psiquiatría y Neurología del Valley
Forge Army Hospital en Phoenixville, Pensilvania.
Posteriormente, Wilder
trabajó en el teatro además de ser conductor de limusinas y maestro de esgrima.
Su carrera como actor se fomentó en algunas producciones del off-Broadway como The Complaisant
Lover y Roots (1961), por lo que recibió los
galardones Clarence
Derwent. En 1964, tuvo la oportunidad de ser elegido para
interpretar Mother Courage and Her Children junto a Anne Bancroft. A la actriz le gustó Wilder y
habló de él al comediante Mel Brooks.
El debut en la gran
pantalla de Wilder fue con Bonnie y Clyde (1967)
de Arthur Penn. Después hizo de Leo Bloom
en Los
productores (1968), junto con Zero Mostel, y de Willy Wonka en Un mundo de fantasía (1971)
y del doctor Friederich Frankenstein en Young Frankenstein (1974).
A finales de la década
de 1970 y en los años 1980, apareció en cuatro películas junto con Richard Pryor, en la que fue una de las
parejas cómicas interraciales más famosas de la historia del cine. Actuaron
juntos en El expreso de Chicago (1976), Locos de
remate (1981), No
me chilles que no te veo (1989) y No
me mientas que te creo (1991).
En 1982 Wilder
protagonizó Hanky Panky, donde
conoció a Gilda Radner y
con la que se casó en 1984, una relación que se mantuvo hasta el fallecimiento
de la actriz (a causa de un cáncer de ovarios) en 1989. Su muerte afectó a
Wilder, quien fundó la asociación Gilda's Club en su memoria y junto a Karen Boyer se
convirtió en uno de los mayores activistas de la concienciación del cáncer de
ovarios. En 1998 Wilder publicó el libro Gilda's Disease, donde
explica sus experiencias junto a su tercera esposa. Un año después, Wilder se
retiró del mundo del cine para dedicarse a las actividades humanitarias.
En 2005,
Wilder publicó sus memorias bajo el nombre Kiss Me Like A Stranger y
en 2007 hizo lo mismo con su primera novela,
centrada en la Primera Guerra Mundial, bajo el título My French Whore.
Wilder, quien padecía
de alzheimer,
falleció en su casa de Stamford, Connecticut, el 29 de agosto de 2016, debido a
complicaciones derivadas de la enfermedad, según hizo público su familia en un
comunicado.3
1925:
Nace William Styron,
escritor estadounidense.
William Clark Styron, Jr. (Newport News, Virginia, 11 de junio de 1925–Martha’s Vineyard, Massachusetts, 1 de noviembre de 2006)
fue un escritor estadounidense.
Además de por su libro de memorias Esa visible oscuridad (Darkness
Visible, 1990), Styron es conocido sobre todo por tres novelas: Tendidos
en la oscuridad (Lie Down in Darkness, 1951),
escrita a los veinticinco años; la ganadora del Premio Pulitzer Las confesiones de Nat Turner (The
Confessions of Nat Turner, 1967), narrada por Nat Turner, el líder de una revuelta de esclavos que tuvo lugar en Virginia en
1831; y La decisión de Sophie(1979),
en que trata el tema del Holocausto.
Nace Michael Cacoyannis, cineasta
chipriota (f. 2011).
Michael Cacoyannis (en griego: Μιχάλης
Κακογιάννης; Limassol, Chipre, 11 de
junio de 1922-Atenas, Grecia, 25 de
julio de 2011)1 fue un prominente
director teatral y cineasta greco-chipriota, más conocido por su película Zorba el
griego (1964), que llevó a Broadway en 1983 en forma de musical. Buena parte de su
trabajo tiene origen en los textos clásicos, especialmente en el autor de tragedias griegas Eurípides. Cacoyannis ha
sido nominado en cinco oportunidades para el Premio
Óscar, un récord para cualquier artista griego.
Índice
·
1Vida
·
3Teatro
Vida[editar]
Nacido en Limassol, Chipre, bajo el nombre
Mikhalis Kakogiannis (Μιχάλης Κακογιάννης),2 Cacoyannis fue
enviado a Londres para seguir
estudios de Derecho; sin embargo, tras
producir programas en idioma griego para la BBC durante
la Segunda Guerra Mundial,3 Cacoyannis se
percató de que su interés estaba en el cine. Así, llegó al teatro Old Vic, donde desarrolló
una breve carrera como actor bajo el nombre "Michael Yannis" antes de
empezar a trabajar en el cine. Debido a que tuvo problemas para encontrar un
trabajo como director
de cine en la industria
cinematográfica británica, Cacoyannis regresó a Grecia, donde filmó su
primera película, titulada Kyriakatiko xypnima (1953).3 Luego, se le
ofreció la oportunidad de dirigir a Elizabeth
Taylor y Marlon
Brando en la película Reflejos de un ojo dorado, pero declinó tal
oferta y finalmente dirigió este filme John Huston.
Cacoyannis ha
trabajado en muchas ocasiones con la actriz griega Irene
Papas, destacándose en las versiones fílmicas de las tragedias Electra e Ifigenia.
En 1971, filmó la tragedia
de Eurípides Las troyanas, protagonizada
por Katharine
Hepburn, Irene
Papas y Vanessa
Redgrave. Antes, en 1967 dirigió la versión lírica de A Electra le sienta bien el
luto de Martin Levy en el Metropolitan Opera de Nueva York el 17 de
marzo de 19674 con Evelyn
Lear, Marie
Collier y Sherrill
Milnes dirigidos por Zubin
Mehta.
Cacoyannis fue un
amigo cercano de Darryl F.
Zanuck y de George
Cukor.
1917:
Nace Jaime Duque
Grisales, piloto colombiano, fundador del Parque Jaime Duque (f. 2007)
Jaime Duque Grisales (Villamaría, 11 de junio 1917-Tocancipá, 7 de noviembre de 2007) fue
un piloto colombiano de la década de 1940. Es
conocido por ser el fundador del Parque Jaime Duque que
empezó a funcionar en 1983.1
Biografía[editar]
Nació en la población
de Villamaría en
el departamento de
Caldas,2 vivió sus primeros años en Bogotá, la capital del país, posteriormente
viajó a Estados Unidos para
estudiar pilotaje de aviones finalizando
en 1944, cuando regresó al país para enrolarse en la empresa de aviación comercial Avianca, donde se convirtió en jefe de
pilotos.
Su primera esposa fue
Yolanda Romero Moyano. De esta relación no hubo hijos.
En 1983, se inauguró el parque que lleva su nombre, ubicado en el municipio de Tocancipá Cundinamarca a 34 kilómetros de Bogotá a aproximadamente 30 minutos y 20 de chia.2 Inauguró y organizó rutas internacionales de Avianca; cruzó los mares utilizando la navegación astronómica, cuando no existían ayudas de radio.
Falleció en 2007 a los
90 años debido a complicaciones renales y cardíacas.2
1910:
Nace Jacques Cousteau,
oceanógrafo y explorador francés (f. 1997).
Jacques-Yves Cousteau (pronunciación
en francés: /ʒak iv
kusto/; Saint-André-de-Cubzac, 11 de junio de 1910-París, 25 de junio de 1997)1 fue un oficial naval francés, explorador e investigador que estudió el mar y
varias formas de vida conocidas en el agua. Se recuerda sobre todo a Cousteau
por haber sido en 1943, junto a Émile Gagnan, el coinventor de los reguladores
utilizados todavía actualmente en el buceo autónomo
(tanto profesionalcomo recreativo)
con independencia de cables y tubos de suministro de aire desde la superficie.
Otros dispositivos de buceo autónomo ya habían sido experimentados
anteriormente (regulador de Théodore
Guillaumet de 1838,2 regulador Rouquayrol-Denayrouze de
1864, manoregulador de Yves Le
Prieur de 1926, regulador de René y Georges
Commheines de 1937 y 1942, reciclador de aire SCUBA de Christian
Lambertsende 1940, 1944 y 1952)3 pero ha sido el regulador de tipo
Cousteau-Gagnan el que se ha impuesto hasta nuestros días, principalmente por
la sencillez y fiabilidad de su mecanismo así como por su ligereza y facilidad
de transporte durante las inmersiones.
Jacques-Yves Cousteau
también era un fotógrafo y cinematógrafo subacuático, y fue el primero en
popularizar las películas submarinas. Las películas y series documentales
rodadas durante sus exploraciones a bordo de su buque Calypso han sido emitidas por televisión a través de su programa
documental, El Mundo Submarino de Jacques Cousteau,
que durante años fue transmitido en todo el mundo, haciendo de Cousteau el más
célebre de los divulgadores del
mundo submarino. Fue, además, una de las primeras personas en defender el
ambiente marino de la contaminación,
apasionado por encontrar y describir todas las especies que habitan los mares
del globo terráqueo.4
Índice
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·
2Legado
1910:
Nace Carmine
Coppola, compositor y director estadounidense (f. 1991).
Carmine Coppola (11 de junio de 1910 - 26 de abril de 1991)
fue un compositor, director musical y ocasional actor estadounidense. Coppola compuso y dirigió gran
parte de las piezas musicales de películas como El padrino II y Apocalypse Now.
Índice
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Vida
personal[editar]
Coppola nació en la
ciudad de Nueva York, hijo de
Marie Zasa y Agostino Coppola. Coppola fue el padre de August Coppola,
del director Francis Ford Coppola y
de la actriz Talia Shire, y
abuelo de Nicolas Cage, Sofia Coppola, Jason Schwartzman y Robert Schwartzman.
Su esposa, Italia Pennino Coppola, murió en 2004 en Los Ángeles, California. Por su parte, Coppola murió
en Northridge,
California, a los 80 años de edad. Después de su muerte, su nieto, Robert Schwartzman,
cambió su apellido por el de 'Carmine' como homenaje a su abuelo.
Biografía[editar]
Carmine Coppola
estudió en la Juilliard School y
posteriormente en la Manhattan
School of Music. Durante los años '40, Coppola trabajó en la Orquesta
Sinfónica de la NBC bajo las órdenes de Arturo Toscanini, hasta que en 1951 abandonó
la orquesta para dedicarse a la composición. A partir de entonces, trabajó como
director de orquesta en Broadway mientras
trabajaba con su hijo Francis en
películas como El valle del arco
iris (1968). Años más tarde, éste le pediría que compusiera
la música para la película El padrino. Parte II, junto al también
compositor Nino Rota. Por esta
banda sonora consiguieron el Premio
Óscar a la mejor banda sonora en el año 1974. Después de su
Óscar, también compuso la banda sonora de la película Apocalypse Now (1979), por la que
ganó el Globo
de Oro a la mejor banda sonora. También compuso las 3 horas y
media de la banda sonora de la versión de la película Napoleón,
que realizó el director Abel Gance en
1921, y que versionó su hijo en 1981.
Filmografía
selecta[editar]
·
El padrino. Parte III (1990)
·
El novato (1990)
·
Historias de Nueva
York (1989)
·
Tucker, el
hombre y su sueño (1988)
·
Blood Red (1988)
·
Jardines
de piedra (1987)
·
The Outsiders (1983)
·
Apocalypse Now (1979)
·
El corcel negro (1979)
·
El padrino. Parte II (1974)
·
El padrino (1972)
1899:
El papa León XIII dedica toda la raza humana al Sagrado Corazón de Jesús.
1864:
A través de la Encíclica "ANNUM SACRUM: De la Consagración del Género Humano al Sagrado Corazón de Jesús.
1864:
Nace Richard Strauss,
director de orquesta y compositor alemán.
Richard Georg Strauss (Múnich; 11 de junio de 1864 - Garmisch-Partenkirchen; 8 de septiembre de 1949) fue un
destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga
trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta
la primera mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto
con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del romanticismo
germánico después de Richard Wagner, en el cual un
desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico
avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la
música del siglo XX.
Índice
·
4Obras
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Strauss nació el 11 de junio de 1864
en Múnich, en una familia de la alta sociedad de Baviera dedicada a la
industria cervecera. Su padre, Franz Strauss, era intérprete
solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich. Parte de su familia eran
músicos, por lo que recibió una excelente educación musical en su juventud.
Empieza a estudiar piano a los cuatro años con su madre, y violín a los siete
con su tío. Apenas con seis años de edad realiza su primera composición y desde
ese momento no dejó de escribir hasta su muerte.
Durante su adolescencia Strauss
asistió a ensayos con la Orquesta de la Corte de Múnich, recibiendo clases
particulares de teoría musical y orquestación del director Wilhelm Friedrich Meyer. A los 17 años,
estrenó su Sinfonía en re menor (1881), una
obra de la que renegaría más tarde por considerarla inmadura. En 1882 ingresó
en la Universidad de Múnich, donde estudió cursos de Estética, Filosofía e
Historia del Arte. Un año después marchó a Berlín, donde obtuvo un puesto como
director asistente de Hans von Bülow, que quedó muy
fuertemente impresionado por la Serenata para
instrumentos de viento, compuesta por Strauss a los 16 años. Strauss
aprendió el arte de la dirección de orquesta observando a Bülow en los ensayos.
Este estaba muy encariñado con el joven, y decidió que fuera su sucesor como
director de la orquesta de Meiningen tras su dimisión en 1885.
En 1886 hizo un viaje por Italia, país por el que
siempre sintió una gran fascinación.
El éxito de su poema sinfónico Don Juan en 1888 consagró a Strauss como uno de los compositores más
importantes del momento, con gran prestigio a nivel internacional, y que habría
de acompañarle hasta su muerte.
En 1894 se casó con la soprano Pauline de Ahna. Pauline al
parecer tuvo un carácter irascible y excéntrico, pero su matrimonio fue
esencialmente feliz y tranquilo, y su mujer una gran fuente de inspiración para
él. A lo largo de su vida, desde sus primeras canciones hasta las Cuatro últimas canciones de 1948,
muchas de ellas compuestas para su mujer, Strauss muestra gran preferencia por
la voz de soprano, y todas sus óperas contienen un importante papel de soprano.
El matrimonio Strauss tuvo un hijo, Franz, en 1897, quien se casó con Alice von
Grab. El matrimonio dio dos nietos al compositor, Richard y Christian. Strauss
estuvo entrañablemente unido a su familia durante toda su vida.
En 1889 fue nombrado asistente
del Festival de Bayreuth, así como director del Teatro de la Ópera de Weimar, dirigiendo con
frecuencia obras de Wagner, Gluck y Mozart. En 1894 se
estableció en la ópera de Múnich, y en 1897 fue
contratado por el kaiser Guillermo II de Alemania como director
de la Orquesta Real de Prusia, en Berlín.
Strauss conoce en esta época al
compositor austriaco Gustav Mahler, con el que
mantiene amistad hasta la muerte de este en 1911, en una relación a veces
problemática y no exenta de rivalidades, a pesar de la influencia mutua entre
ambos compositores.
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