El 27 de junio es el 178.º (centésimo septuagésimo octavo) día del año en el calendario gregoriano y el 179.º en los años bisiestos. Quedan 187 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santoral de la Iglesia Católica:
Su autoridad sirvió santamente los designios de Dios. San Cirilo es famoso por su defensa de la ortodoxia contra la herejía, particularmente contra el nestorianismo.
Arzobispo de Alejandría (Egipto). Defensor de la doctrina que proclama a María la Theotokos: Madre de Dios. Esta doctrina fue proclamada como dogma en el Concilio de Efeso (431) que San Cirilo presidió bajo la autoridad el Papa Celestino. Su gran oponente era Nestóreo, patriarca de Constantinopla.
Al ponerse en duda que María es madre de Dios se ponía en duda la identidad de Jesucristo quien es una persona divina. Por eso San Cirilo no solo aportó a la Mariología sino también a la Cristología.
El argumento de San Cirilo: María es la Theotokos, no porque ella existiese antes de Dios o hubiese creado a Dios. Dios es eterno y María Santísima es una criatura de Dios. Pero Dios quiso nacer de mujer. La persona que nace de María es divina por lo tanto ella es madre de Dios.
Su santa defensa de la verdad le ganó la cárcel y muchas luchas pero salió victorioso.
Testimonio de San Cirilo al final del Concilio de Efeso:
"Te saludamos Ho María, Madre de Dios, verdadero tesoro de todo el universo, antorcha que jamás se apagará, templo que nunca será destruido, sitio de refugio para todos los desamparados, por quien ha venido al mundo el que es bendito por los siglos. Por ti la Trinidad ha recibido más gloria en la tierra; por ti la cruz nos ha salvado; por ti los cielos se estremecen de alegría y los demonios son puestos en fuga; el enemigo del alma es lanzado al abismo y nosotros débiles criaturas somos elevados al puesto de honor".
Y sobre la realidad histórica que se vivía:
"No se puede imaginar la alegría de este pueblo fervoroso cuando supo que el Concilio había declarado que María sí es Madre de Dios y que los que no aceptaran esa verdad quedan fuera de la Iglesia. Toda la población permaneció desde el amanecer hasta la noche junto a la Iglesia de la Madre de Dios donde estábamos reunidos los 200 obispos del mundo. Y cuando supieron la declaración del Concilio empezaron a gritar y a cantar, y con antorchas encendidas nos acompañaron a nuestras casas y por el camino iban quemando incienso. Alabemos con nuestros himnos a María Madre de Dios y a su Hijo Jesucristo a quien sea todo honor y toda gloria por los siglos de los siglos".
Nuestra Señora del Perpetuo
Socorro (la Virgen María).
Patrona de los Padres
Redentoristas y de Haití.
El icono original está en el altar mayor de la Iglesia de San Alfonso, muy cerca de la Basílica de Santa María la Mayor en Roma.
El icono de la Virgen, pintado sobre madera, de 21 por 17 pulgadas, muestra a la Madre con el Niño Jesús. El Niño observa a dos ángeles que le muestran los instrumentos de su futura pasión. Se agarra fuerte con las dos manos de su Madre Santísima quien lo sostiene en sus brazos. El cuadro nos recuerda la maternidad divina de la Virgen y su cuidado por Jesús desde su concepción hasta su muerte. Hoy la Virgen cuida de todos sus hijos que a ella acuden con plena confianza.
Historia
En el siglo XV un comerciante acaudalado de la isla de Creta (en el Mar Mediterráneo) tenía la bella pintura de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. Era un hombre muy piadoso y devoto de la Virgen María. Cómo habrá llegado a sus manos dicha pintura, no se sabe. ¿Se le habría confiado por razones de seguridad, para protegerla de los sarracenos? Lo cierto es que el mercader estaba resuelto a impedir que el cuadro de la Virgen se destruyera como tantos otros que ya habían corrido con esa suerte.
Por protección, el mercader decidió llevar la pintura a Italia. Empacó sus pertenencias, arregló su negocio y abordó un navío dirigiéndose a Roma. En ruta se desató una violenta tormenta y todos a bordo esperaban lo peor. El comerciante tomó el cuadro de Nuestra Señora, lo sostuvo en lo alto, y pidió socorro. La Santísima Virgen respondió a su oración con un milagro. El mar se calmó y la embarcación llegó a salvo al puerto de Roma.
Cae la pintura en manos de una familia
Tenía el mercader un amigo muy querido en la ciudad de Roma así que decidió pasar un rato con él antes de seguir adelante. Con gran alegría le mostró el cuadro y le dijo que algún día el mundo entero le rendiría homenaje a Nuestra Señora del Perpetuo Socorro.
Pasado un tiempo, el
mercader se enfermó de gravedad. Al sentir que sus días estaban contados, llamó
a su amigo a su lecho y le rogó que le prometiera que, después de su muerte,
colocaría la pintura de la Virgen en una iglesia digna o ilustre para que fuera
venerada públicamente. El amigo accedió a la promesa pero no la llegó a cumplir
por complacer a su esposa que se había encariñado con la imagen.
Pero la Divina Providencia
no había llevado la pintura a Roma para que fuese propiedad de una familia sino
para que fuera venerada por todo el mundo, tal y como había profetizado el
mercader. Nuestra Señora se le apareció al hombre en tres ocasiones, diciéndole
que debía poner la pintura en una iglesia, de lo contrario, algo terrible
sucedería. El hombre discutió con su esposa para cumplir con la Virgen, pero
ella se le burló, diciéndole que era un visionario. El hombre temió disgustar a
su esposa, por lo que las cosas quedaron igual. Nuestra Señora, por fin, se le
volvió a aparecer y le dijo que, para que su pintura saliera de esa casa, él
tendría que irse primero. De repente el hombre se puso gravemente enfermo y en
pocos días murió. La esposa estaba muy apegada a la pintura y trató de
convencerse a sí misma de que estaría más protegida en su propia casa. Así, día
a día, fue aplazando el deshacerse de la imagen. Un día, su hijita de seis años
vino hacia ella apresurada con la noticia de que una hermosa y resplandeciente
Señora se le había aparecido mientras estaba mirando la pintura. La Señora le
había dicho que le dijera a su madre y a su abuelo que Nuestra Señora del
Perpetuo Socorro deseaba ser puesta en una iglesia; y, que si no, todos los de
la casa morirían.
La mamá de la niñita estaba espantada y prometió obedecer a la Señora. Una amiga, que vivía cerca, oyó lo de la aparición. Fue entonces a ver a la señora y ridiculizó todo lo ocurrido. Trató de persuadir a su amiga de que se quedara con el cuadro, diciéndole que si fuera ella, no haría caso de sueños y visiones. Apenas había terminado de hablar, cuando comenzó a sentir unos dolores tan terribles, que creyó que se iba a morir. Llena de dolor, comenzó a invocar a Nuestra Señora para que la perdonara y la ayudara. La Virgen escuchó su oración. La vecina tocó la pintura, con corazón contrito, y fue sanada instantáneamente. Entonces procedió a suplicarle a la viuda para que obedeciera a Nuestra Señora de una vez por todas.
La mamá de la niñita estaba espantada y prometió obedecer a la Señora. Una amiga, que vivía cerca, oyó lo de la aparición. Fue entonces a ver a la señora y ridiculizó todo lo ocurrido. Trató de persuadir a su amiga de que se quedara con el cuadro, diciéndole que si fuera ella, no haría caso de sueños y visiones. Apenas había terminado de hablar, cuando comenzó a sentir unos dolores tan terribles, que creyó que se iba a morir. Llena de dolor, comenzó a invocar a Nuestra Señora para que la perdonara y la ayudara. La Virgen escuchó su oración. La vecina tocó la pintura, con corazón contrito, y fue sanada instantáneamente. Entonces procedió a suplicarle a la viuda para que obedeciera a Nuestra Señora de una vez por todas.
Accede la viuda a entregar la pintura
Se encontraba la viuda
preguntándose en qué iglesia debería poner la pintura, cuando el cielo mismo le
respondió. Volvió a aparecérsele la Virgen a la niña y le dijo que le dijera a
su madre que quería que la pintura fuera colocada en la iglesia que queda entre
la basílica de Sta. María la Mayor y la de S. Juan de Letrán. Esa iglesia era
la de S. Mateo, el Apóstol.
La señora se apresuró a entrevistarse con el superior de los Agustinos quienes eran los encargados de la iglesia. Ella le informó acerca de todas las circunstancias relacionadas con el cuadro. La pintura fue llevada a la iglesia en procesión solemne el 27 de marzo de 1499. En el camino de la residencia de la viuda hacia la iglesia, un hombre tocó la pintura y le fue devuelto el uso de un brazo que tenía paralizado. Colgaron la pintura sobre el altar mayor de la iglesia, en donde permaneció casi trescientos años. Amado y venerado por todos los de Roma como una pintura verdaderamente milagrosa, sirvió como medio de incontables milagros, curaciones y gracias.
En 1798, Napoleón y su ejército francés tomaron la ciudad de Roma. Sus atropellos fueron incontables y su soberbia, satánica. Exilió al Papa Pío VII y, con el pretexto de fortalecer las defensas de Roma, destruyó treinta iglesias, entre ellas la de San Mateo, la cual quedó completamente arrasada. Junto con la iglesia, se perdieron muchas reliquias y estatuas venerables. Uno de los Padres Agustinos, justo a tiempo, había logrado llevarse secretamente el cuadro.
Cuando el Papa, que había sido prisionero de Napoleón, regresó a Roma, le dio a los agustinos el monasterio de S. Eusebio y después la casa y la iglesia de Sta. María en Posterula. Una pintura famosa de Nuestra Señora de la Gracia estaba ya colocada en dicha iglesia por lo que la pintura milagrosa de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fue puesta en la capilla privada de los Padres Agustinos, en Posterula. Allí permaneció sesenta y cuatro años, casi olvidada.
Hallazgo de un sacerdote Redentorista
La señora se apresuró a entrevistarse con el superior de los Agustinos quienes eran los encargados de la iglesia. Ella le informó acerca de todas las circunstancias relacionadas con el cuadro. La pintura fue llevada a la iglesia en procesión solemne el 27 de marzo de 1499. En el camino de la residencia de la viuda hacia la iglesia, un hombre tocó la pintura y le fue devuelto el uso de un brazo que tenía paralizado. Colgaron la pintura sobre el altar mayor de la iglesia, en donde permaneció casi trescientos años. Amado y venerado por todos los de Roma como una pintura verdaderamente milagrosa, sirvió como medio de incontables milagros, curaciones y gracias.
En 1798, Napoleón y su ejército francés tomaron la ciudad de Roma. Sus atropellos fueron incontables y su soberbia, satánica. Exilió al Papa Pío VII y, con el pretexto de fortalecer las defensas de Roma, destruyó treinta iglesias, entre ellas la de San Mateo, la cual quedó completamente arrasada. Junto con la iglesia, se perdieron muchas reliquias y estatuas venerables. Uno de los Padres Agustinos, justo a tiempo, había logrado llevarse secretamente el cuadro.
Cuando el Papa, que había sido prisionero de Napoleón, regresó a Roma, le dio a los agustinos el monasterio de S. Eusebio y después la casa y la iglesia de Sta. María en Posterula. Una pintura famosa de Nuestra Señora de la Gracia estaba ya colocada en dicha iglesia por lo que la pintura milagrosa de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fue puesta en la capilla privada de los Padres Agustinos, en Posterula. Allí permaneció sesenta y cuatro años, casi olvidada.
Hallazgo de un sacerdote Redentorista
Mientras tanto, a instancias
del Papa, el Superior General de los Redentoristas, estableció su sede
principal en Roma donde construyeron un monasterio y la iglesia de San Alfonso.
Uno de los Padres, el historiador de la casa, realizó un estudio acerca del
sector de Roma en que vivían. En sus investigaciones, se encontró con múltiples
referencias a la vieja Iglesia de San Mateo y a la pintura milagrosa de Nuestra
Señora del Perpetuo Socorro.
Un día decidió contarle a sus hermanos sacerdotes sobre sus investigaciones: La iglesia actual de San Alfonso estaba construida sobre las ruinas de la de San Mateo en la que, durante siglos, había sido venerada, públicamente, una pintura milagrosa de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. Entre los que escuchaban, se encontraba el Padre Michael Marchi, el cual se acordaba de haber servido muchas veces en la Misa de la capilla de los Agustinos de Posterula cuando era niño. Ahí en la capilla, había visto la pintura milagrosa. Un viejo hermano lego que había vivido en San Mateo, y a quien había visitado a menudo, le había contado muchas veces relatos acerca de los milagros de Nuestra Señora y solía añadir: "Ten presente, Michael, que Nuestra Señora de San Mateo es la de la capilla privada. No lo olvides". El Padre Michael les relató todo lo que había oído de aquel hermano lego.
Por medio de este incidente los Redentoristas supieron de la existencia de la pintura, no obstante, ignoraban su historia y el deseo expreso de la Virgen de ser honrada públicamente en la iglesia.
Ese mismo año, a través del sermón inspirado de un jesuita acerca de la antigua pintura de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, conocieron los Redentoristas la historia de la pintura y del deseo de la Virgen de que esta imagen suya fuera venerada entre la Iglesia de Sta. María la Mayor y la de S. Juan de Letrán. El santo Jesuita había lamentado el hecho de que el cuadro, que había sido tan famoso por milagros y curaciones, hubiera desaparecido sin revelar ninguna señal sobrenatural durante los últimos sesenta años. A él le pareció que se debía a que ya no estaba expuesto públicamente para ser venerado por los fieles. Les imploró a sus oyentes que, si alguno sabía dónde se hallaba la pintura, le informaran dueño lo que deseaba la Virgen.
Los Padres Redentoristas soñaban con ver que el milagroso cuadro fuera nuevamente expuesto a la veneración pública y que, de ser posible, sucediera en su propia Iglesia de San Alfonso. Así que instaron a su Superior General para que tratara de conseguir el famoso cuadro para su Iglesia. Después de un tiempo de reflexión, decidió solicitarle la pintura al Santo Padre, el Papa Pío IX. Le narró la historia de la milagrosa imagen y sometió su petición.
El Santo Padre escuchó con atención. Él amaba dulcemente a la Santísima Virgen y le alegraba que fuera honrada. Sacó su pluma y escribió su deseo de que el cuadro milagroso de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fuera devuelto a la Iglesia entre Sta. María la Mayor y S. Juan de Letrán. También encargó a los Redentoristas de que hicieran que Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fuera conocida en todas partes.
Aparece y se venera, por fin, el cuadro de Nuestra Señora
Ninguno de los Agustinos de ese tiempo había conocido la Iglesia de San Mateo. Una vez que supieron la historia y el deseo del Santo Padre, gustosos complacieron a Nuestra Señora. Habían sido sus custodios y ahora se la devolverían al mundo bajo la tutela de otros custodios. Todo había sido planeado por la Divina Providencia en una forma verdaderamente extraordinaria.
A petición del Santo Padre, los Redentoristas obsequiaron a los Agustinos una linda pintura que serviría para reemplazar a la milagrosa.
La imagen de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fue llevado en procesión solemne a lo largo de las vistosas y alegres calles de Roma antes de ser colocado sobre el altar, construido especialmente para su veneración en la Iglesia de San Alfonso. La dicha del pueblo romano era evidente. El entusiasmo de las veinte mil personas que se agolparon en las calles llenas de flores para la procesión dio testimonio de la profunda devoción hacia la Madre de Dios
A toda hora del día, se podía ver un número de personas de toda clase delante de la pintura, implorándole a Nuestra Señora del Perpetuo Socorro que escuchara sus oraciones y que les alcanzara misericordia. Se reportaron diariamente muchos milagros y gracias.
Hoy en día, la devoción a Nuestra Señora del Perpetuo Socorro se ha difundido por todo el mundo. Se han construido iglesias y santuarios en su honor, y se han establecido archicofradías. Su retrato es conocido y amado en todas partes.
Signos de la imagen de Nuestra Madre del Perpetuo Socorro
(conocida en el Oriente bizantino como el icono de la Madre de Dios de la Pasión)
Aunque su origen es incierto, se estima que el retrato fue pintado durante el decimotercero o decimocuarto siglo. El icono parece ser copia de una famosa pintura de Nuestra Señora que fuera, según la tradición, pintada por el mismo San Lucas. La original se veneraba en Constantinopla por siglos como una pintura milagrosa pero fue destruida en 1453 por los Turcos cuando capturaron la ciudad.
Fue pintado en un estilo plano característico de iconos y tiene una calidad primitiva. Todas las letras son griegas. Las iniciales al lado de la corona de la Madre la identifican como la “Madre de Dios”. Las iniciales al lado del Niño “ICXC” significan “Jesucristo”. Las letras griegas en la aureola del Niño: owu significan “El que es”, mientras las tres estrellas sobre la cabeza y los hombros de María santísima indican su virginidad antes del parto, en el parto y después del parto.
Las letras más pequeñas identifican al ángel a la izquierda como “San Miguel Arcángel”; el arcángel sostiene la lanza y la caña con la esponja empapada de vinagre, instrumentos de la pasión de Cristo. El ángel a la derecha es identificado como “San Gabriel Arcángel”, sostiene la cruz y los clavos. Nótese que los ángeles no tocan los instrumentos de la pasión con las manos, sino con el paño que los cubre.
Cuando este retrato fue pintado, no era común pintar aureolas. Por esta razón el artista redondeó la cabeza y el velo de la Madre para indicar su santidad. Las halos y coronas doradas fueron añadidas mucho después. El fondo dorado, símbolo de la luz eterna da realce a los colores más bien vivos de las vestiduras. Para la Virgen el maforion (velo-manto) es de color púrpura, signo de la divinidad a la que ella se ha unido excepcionalmente, mientras que el traje es azul, indicación de su humanidad. En este retrato la Madona está fuera de proporción con el tamaño de su Hijo porque es -María- a quien el artista quiso enfatizar.
Los encantos del retrato son muchos, desde la ingenuidad del artista, quien quiso asegurarse que la identidad de cada uno de los sujetos se conociera, hasta la sandalia que cuelga del pie del Niño. El Niño divino, siempre con esa expresión de madurez que conviene a un Dios eterno en su pequeño rostro, está vestido como solían hacerlo en la antigüedad los nobles y filósofos: túnica ceñida por un cinturón y manto echado al hombro. El pequeño Jesús tiene en el rostro una expresión de temor y con las dos manitas aprieta la derecha de su Madre, que mira ante sí con actitud recogida y pensativa, como si estuviera recordando en su corazón la dolorosa profecía que le hiciera Simeón, el misterioso plan de la redención, cuyo siervo sufriente ya había presentado Isaías.
En su doble denominación, esta bella imagen de la Virgen nos recuerda el centralismo salvífico de la pasión de Cristo y de María y al mismo tiempo la socorredora bondad de la Madre de Dios y nuestra.
Un día decidió contarle a sus hermanos sacerdotes sobre sus investigaciones: La iglesia actual de San Alfonso estaba construida sobre las ruinas de la de San Mateo en la que, durante siglos, había sido venerada, públicamente, una pintura milagrosa de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. Entre los que escuchaban, se encontraba el Padre Michael Marchi, el cual se acordaba de haber servido muchas veces en la Misa de la capilla de los Agustinos de Posterula cuando era niño. Ahí en la capilla, había visto la pintura milagrosa. Un viejo hermano lego que había vivido en San Mateo, y a quien había visitado a menudo, le había contado muchas veces relatos acerca de los milagros de Nuestra Señora y solía añadir: "Ten presente, Michael, que Nuestra Señora de San Mateo es la de la capilla privada. No lo olvides". El Padre Michael les relató todo lo que había oído de aquel hermano lego.
Por medio de este incidente los Redentoristas supieron de la existencia de la pintura, no obstante, ignoraban su historia y el deseo expreso de la Virgen de ser honrada públicamente en la iglesia.
Ese mismo año, a través del sermón inspirado de un jesuita acerca de la antigua pintura de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, conocieron los Redentoristas la historia de la pintura y del deseo de la Virgen de que esta imagen suya fuera venerada entre la Iglesia de Sta. María la Mayor y la de S. Juan de Letrán. El santo Jesuita había lamentado el hecho de que el cuadro, que había sido tan famoso por milagros y curaciones, hubiera desaparecido sin revelar ninguna señal sobrenatural durante los últimos sesenta años. A él le pareció que se debía a que ya no estaba expuesto públicamente para ser venerado por los fieles. Les imploró a sus oyentes que, si alguno sabía dónde se hallaba la pintura, le informaran dueño lo que deseaba la Virgen.
Los Padres Redentoristas soñaban con ver que el milagroso cuadro fuera nuevamente expuesto a la veneración pública y que, de ser posible, sucediera en su propia Iglesia de San Alfonso. Así que instaron a su Superior General para que tratara de conseguir el famoso cuadro para su Iglesia. Después de un tiempo de reflexión, decidió solicitarle la pintura al Santo Padre, el Papa Pío IX. Le narró la historia de la milagrosa imagen y sometió su petición.
El Santo Padre escuchó con atención. Él amaba dulcemente a la Santísima Virgen y le alegraba que fuera honrada. Sacó su pluma y escribió su deseo de que el cuadro milagroso de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fuera devuelto a la Iglesia entre Sta. María la Mayor y S. Juan de Letrán. También encargó a los Redentoristas de que hicieran que Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fuera conocida en todas partes.
Aparece y se venera, por fin, el cuadro de Nuestra Señora
Ninguno de los Agustinos de ese tiempo había conocido la Iglesia de San Mateo. Una vez que supieron la historia y el deseo del Santo Padre, gustosos complacieron a Nuestra Señora. Habían sido sus custodios y ahora se la devolverían al mundo bajo la tutela de otros custodios. Todo había sido planeado por la Divina Providencia en una forma verdaderamente extraordinaria.
A petición del Santo Padre, los Redentoristas obsequiaron a los Agustinos una linda pintura que serviría para reemplazar a la milagrosa.
La imagen de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro fue llevado en procesión solemne a lo largo de las vistosas y alegres calles de Roma antes de ser colocado sobre el altar, construido especialmente para su veneración en la Iglesia de San Alfonso. La dicha del pueblo romano era evidente. El entusiasmo de las veinte mil personas que se agolparon en las calles llenas de flores para la procesión dio testimonio de la profunda devoción hacia la Madre de Dios
A toda hora del día, se podía ver un número de personas de toda clase delante de la pintura, implorándole a Nuestra Señora del Perpetuo Socorro que escuchara sus oraciones y que les alcanzara misericordia. Se reportaron diariamente muchos milagros y gracias.
Hoy en día, la devoción a Nuestra Señora del Perpetuo Socorro se ha difundido por todo el mundo. Se han construido iglesias y santuarios en su honor, y se han establecido archicofradías. Su retrato es conocido y amado en todas partes.
Signos de la imagen de Nuestra Madre del Perpetuo Socorro
(conocida en el Oriente bizantino como el icono de la Madre de Dios de la Pasión)
Aunque su origen es incierto, se estima que el retrato fue pintado durante el decimotercero o decimocuarto siglo. El icono parece ser copia de una famosa pintura de Nuestra Señora que fuera, según la tradición, pintada por el mismo San Lucas. La original se veneraba en Constantinopla por siglos como una pintura milagrosa pero fue destruida en 1453 por los Turcos cuando capturaron la ciudad.
Fue pintado en un estilo plano característico de iconos y tiene una calidad primitiva. Todas las letras son griegas. Las iniciales al lado de la corona de la Madre la identifican como la “Madre de Dios”. Las iniciales al lado del Niño “ICXC” significan “Jesucristo”. Las letras griegas en la aureola del Niño: owu significan “El que es”, mientras las tres estrellas sobre la cabeza y los hombros de María santísima indican su virginidad antes del parto, en el parto y después del parto.
Las letras más pequeñas identifican al ángel a la izquierda como “San Miguel Arcángel”; el arcángel sostiene la lanza y la caña con la esponja empapada de vinagre, instrumentos de la pasión de Cristo. El ángel a la derecha es identificado como “San Gabriel Arcángel”, sostiene la cruz y los clavos. Nótese que los ángeles no tocan los instrumentos de la pasión con las manos, sino con el paño que los cubre.
Cuando este retrato fue pintado, no era común pintar aureolas. Por esta razón el artista redondeó la cabeza y el velo de la Madre para indicar su santidad. Las halos y coronas doradas fueron añadidas mucho después. El fondo dorado, símbolo de la luz eterna da realce a los colores más bien vivos de las vestiduras. Para la Virgen el maforion (velo-manto) es de color púrpura, signo de la divinidad a la que ella se ha unido excepcionalmente, mientras que el traje es azul, indicación de su humanidad. En este retrato la Madona está fuera de proporción con el tamaño de su Hijo porque es -María- a quien el artista quiso enfatizar.
Los encantos del retrato son muchos, desde la ingenuidad del artista, quien quiso asegurarse que la identidad de cada uno de los sujetos se conociera, hasta la sandalia que cuelga del pie del Niño. El Niño divino, siempre con esa expresión de madurez que conviene a un Dios eterno en su pequeño rostro, está vestido como solían hacerlo en la antigüedad los nobles y filósofos: túnica ceñida por un cinturón y manto echado al hombro. El pequeño Jesús tiene en el rostro una expresión de temor y con las dos manitas aprieta la derecha de su Madre, que mira ante sí con actitud recogida y pensativa, como si estuviera recordando en su corazón la dolorosa profecía que le hiciera Simeón, el misterioso plan de la redención, cuyo siervo sufriente ya había presentado Isaías.
En su doble denominación, esta bella imagen de la Virgen nos recuerda el centralismo salvífico de la pasión de Cristo y de María y al mismo tiempo la socorredora bondad de la Madre de Dios y nuestra.
Día
Internacional de la Sordoceguera, declarado como homenaje al natalicio
de Helen Keller.
El 27 de junio, se ha
declarado como el Día Internacional de la Sordo ceguera, ello es según la
"Declaración de las Necesidades Básicas de las Personas Sordo
ciegas", en Estocolmo, Suecia, en el año 1989.
Esta determinación se hizo
en homenaje al natalicio de Hellen Keller, quien representa a un modelo de
persona sordo ciega exitosa, a fin de divulgar en todos los medios de
comunicación a nivel mundial, la existencia de la sordo ceguera.
La sordo ceguera puede ser
una discapacidad congénita o producto de rubéola en el embarazo, otra causa es
la prematuridad del feto y está ligada a la utilización incorrecta de las
incubadoras. De manera hereditaria puede ser transmitida a través del síndrome
de Usher, un gen recesivo que genera sordera al nacer y pérdida gradual de la
visión.
El hecho de no poder ver ni
oír, no imposibilita a los sordo ciegos para comunicarse, entre sus hobbies se
encuentra jugar pelota. El tacto es el sentido que más se desarrolla en los
sordo ciegos, pues es imprescindible para su comunicación, la cual no es tan
complicada como parece.
1540:
Muere Antonio de Montesinos,
misionero y fraile dominico español (nacido en 1475).
Antonio de
Montesinos o Antón Montesino, O.P. (España, c. 1475
- Venezuela, 27
de junio de 1540),
fue un misionero y fraile español.
Junto a la primera comunidad de dominicos de América,
encabezada por el vicario fray Pedro de Córdoba, se
distinguió en la defensa y denuncia en contra de los abusos a los indígenas por parte de
los colonizadores españoles en la isla La
Española, y que causó la conversión posterior de Bartolomé de las Casas a
la defensa de los indios.
En España[editar]
Antonio de Montesino ingresó en la Orden de Predicadores en el Convento de San Esteban de Salamanca, donde realizó todos sus estudios. Al concluir su año de noviciado hizo su profesión como religioso dominico el 1 de julio de 1502. Posteriormente, al terminar sus estudios de teología y ya ordenado sacerdote fue asignado al Real Convento de Santo Tomás de Ávila en 1509, de reciente construcción, en compañía de fray Pedro de Córdoba, fray Bernardo de Santo Domingo, fray Tomás de Fuentes y fray Domingo Velázquez.1
Hacia las Américas[editar]
En 1510 formó parte del primer grupo de misioneros dominicos que se embarcaron con destino al Nuevo Mundo, tras obtener la Real Cédula con fecha de 11 de febrero de 1509, que les concedía el pase a Indias de 15 religiosos y 3 personas laicas. Este grupo pionero de dominicos presidido por fray Pedro de Córdoba estaba conformado por fray Antonio Montesino, fray Bernardo de Santo Domingo y fray Domingo de Villamayor. En el transcurso del viaje a Santo Domingo la nave Espíndola, donde viajaban los religiosos, realizó una parada en la isla de San Juan. El grupo arribó al puerto de Ozama, Santo Domingo, en la La Española, en los postreros días del mes de septiembre de 1510. En sucesivas expediciones llegaron los demás religiosos hasta completar el número de 15 frailes.
Apostolado en Santo Domingo. El sermón de denuncia[editar]
Montesino, en Santo Domingo, se preocupó de defender a los indígenas. Predicó por encargo de fray Pedro de Córdoba y su comunidad religiosa los de encomiendas que llegaban a esclavizar a los indígenas , saltándose las obligaciones que dicho sistema les imponía a los colonizadores.
¿Estos no son hombres? ¿Con éstos no se deben guardar y cumplir los preceptos de caridad y de la justicia? ¿Estos no tenían sus tierras propias y sus señores y señoríos? ¿Estos hannos ofendido en algo? ¿La ley de Cristo, no somos obligados a predicársela y trabajar con toda diligencia de convertirlos?... Todos estáis en pecado mortal, y en él vivís y morís, por la crueldad y tiranía que usáis con estas inocentes gentes.Sermón de Fray Antonio. Santo Domingo, diciembre de 1511.2
El virrey Diego Colón presente en el oficio religioso se dirigió a hablar con fray Pedro de Córdoba al convento de los dominicos para que expulsara de la isla a fray Antonio o que, al menos, diera a la semana siguiente un sermón más suave, que apaciguara los ánimos. Gran sorpresa fue que, al domingo siguiente, el discurso fue mucho más beligerante por los indios y divulgó a viva voz cinco principios: que las leyes de la religión están por encima de las leyes de los particulares y del estado, que no existen diferencias raciales ante los ojos de Dios, que la esclavitud y la servidumbre son ilícitas, que se debía restituir a los indios su libertad y bienes y que se debían convertir a los indios al cristianismo con el ejemplo. Los colonos persuadieron a fray Alonso de Espinar, superior de los franciscanos de la isla, para que fuese a la corte a velar por sus intereses. Lo propio hicieron los dominicos, que enviaron a Montesinos para refutar los argumentos de las autoridades coloniales y sus partidarios.
Desenlace[editar]
El resultado de esa polémica fue la formación de una junta de teólogos, de la que salieron las Leyes de Burgos, aprobadas el 27 de diciembre de 1512. Fray Pedro de Córdoba las consideró incompletas y se desplazó a España para enmendarlas. El rey Fernando el Católico se mostró de acuerdo, las discusiones continuaron y el 28 de julio de 1513 se hicieron varias enmiendas. Tras regresar Montesinos al Nuevo Mundo trabajó como misionero en la Isla La Española y en la Isla de San Juan (Puerto Rico), donde se quedó gravemente enfermo. En 1514 participó en la primera expedición de los dominicos a la actual Cumaná (Venezuela) donde es probable que Montesino haya oficiado la primera misa en tierra firme del continente americano. Antes de regresar a la ciudad de Santo Domingo, fundó un convento en Píritu junto con los franciscanos de Cumaná en 1515. Viajó de nuevo a España en septiembre de 1515, en negocios de su comunidad. En 1518 nuevamente estuvo de paso en la isla de San Juan junto a Fray Pedro de Córdoba. Ambos se dirigieron hacia España para gestionar el establecimiento de una provincia dominicana en América. En 1521 fundó un convento en la ciudad de San Juan Bautista de la Isleta, junto a otros cuatro religiosos de su Orden, base de la primera universidad en Puerto Rico, fundada en 1532. Fue el predicador en el entierro de su mentor y compañero de lucha, fray Pedro de Córdoba, el domingo 5 de mayo de 1521, fiesta de Santa Catalina de Siena. Para su predicación escogió el Salmo 133 (132): «Qué bueno y agradable, cuando viven juntos los hermanos».
En otras partes de las Américas[editar]
El 3 de febrero de 1525 Montesino se encuentra en Puerto Rico, procedente de España, con seis religiosos destinados a la isla. En 1526 forma parte junto a fray Bartolomé de las Casas de la expedición de 600 personas al mando de Lucas Vásquez de Ayllón para colonizar la costa del actual del estado de Virginia (Estados Unidos), donde fundó San Miguel de Guadalupe, primera colonia europea en Norteamérica. Es probable que Montesino oficiara la primera misa en territorio norteamericano.
Fray Antonio Montesino, después de una incansable defensa de los nativos de las Antillas, fue enviado en 1529 a Santa Ana de Coro (Venezuela) como Vicario de los dominicos y capellán de la expedición alemana de los Welser de Augsburgo.
Muerte[editar]
Finalmente, encontró la muerte en algún lugar de Venezuela el 27 de junio de 1540. No se sabe con exactitud cómo murió, en el Libro Antiguo de Profesiones, al margen de la nota de su profesión, está escrita: «Obiit martyr in Indii»; y en el mismo convento de San Esteban de Salamanca, a la entrada del refectorio, se halla rotulado como mártir.3
Legado[editar]
Para perpetuar su memoria y su lucha por la justicia en favor de los indígenas del Nuevo Mundo, fue colocada una gran estatua suya en actitud de grito, en el paseo marítimo (Malecón) de la ciudad de Santo Domingo (República Dominicana), frente al mar Caribe. La estatua de piedra y bronce, de 15 metros de altura, diseñada por el escultor mexicano Antonio Castellanos Basich, fue donada al pueblo dominicano por el gobierno mexicano e inaugurada en 1982 por los presidentes de México y de la República Dominicana.
Las protestas de las autoridades de la Isla La Española llegaron a la Corte a través de una delegación acompañado por el vicario de los franciscanos. El rey Fernando el Católico al enterarse de lo sucedido se quejó al provincial de los dominicos en España y pidió sanciones para los dominicos de la Isla; y, además, mandó amenazarlos con el regreso. Mientras tanto, en la Isla los españoles les negaron el sustento y les amenazaron con embarcarlos a España.
El provincial de los dominicos fray García de Loaysa y Mendoza también les amonestó, y a través de tres cartas, les conmina a modificar su forma de predicación y les amenaza con no dejar pasar más frailes a la Isla. Los frailes dominicos, a pesar de las presiones y amenazas, no se amedrentan ni cambian de parecer, ya que su doctrina es fruto del estudio de la verdad, unieron el Evangelio al derecho de gentes. Luego de deliberar toman la decisión de enviar al mismo fray Antón de Montesinos, y con este propósito pidieron limosna para los gastos de viaje. Algunos se la negaron, pero, no faltaron personas caritativas que, conociendo sus virtudes, les ayudaron.
1844:
Muere Joseph Smith,
fundador del mormonismo (nacido en 1805).
Joseph Smith, Jr. (Sharon, Vermont; 23
de diciembre de 1805 – Carthage, Illinois; 27
de junio de 1844)
fue el fundador del Movimiento de los
Santos de los Últimos Días y de su principal denominación, La
Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días.
Es una figura controvertida
que suscita opiniones muy enfrentadas entre sus seguidores y detractores. Por
el mormonismo es
considerado como un profeta escogido
por Dios para restaurar la iglesia primitiva de Jesucristo. En
el año 1827
declaró, en lo que los mormones llamarían su "Primera
Visión", que un ángel le había mostrado un registro
antiguo, escrito en planchas de oro, que describía la visita de Jesús a los
antepasados de los indígenas de América, y
que le había encomendado la tarea de organizar nuevamente la iglesia cristiana.
En 1830,
Joseph Smith publicó El Libro de Mormón, el
cual, según él, es una traducción al inglés de
dicho registro; ese mismo año fundó la congregación religiosa denominada
originalmente Iglesia
de Cristo.
En medio del ambiente
religioso de la primera mitad del siglo XIX en los Estados
Unidos muy pronto pudo encontrar algunos seguidores, pero
muchos enemigos también. Algunos aspectos de las doctrinas presentadas por
Smith ofendían a las confesiones cristianas ya establecidas, y otros, como
la poligamia o sus intentos de
establecer una especie de teocracia en
un país que estaba construyendo su identidad nacional sobre la separación entre
Iglesia y Estado, resultaban intolerables para un parte importante de la
opinión pública estadounidense. Tras su expansión inicial, la persecución
contra los miembros y la iglesia mormona se fue intensificando, lo que obligó a
Smith a trasladar la sede de su iglesia en varias ocasiones hasta que fue
detenido en el estado de Illinois,
donde se hallaba en proceso de construir un segundo templo con sus seguidores,
entre los que se encontraba un nutrido grupo de conversos europeos,
principalmente de Inglaterra.
Smith fue imputado varias
veces bajo acusaciones de escándalo público e intentos de establecer una
teocracia. En 1844 estimuló
la supresión de un periódico que había publicado acusaciones contra
él; poco después fue arrestado en Carthage, acusado de sedición. La
cárcel en la que estaba retenido fue asaltada por una multitud con la cara
pintada de negro, que logró llegar a su celda y darle muerte a él y a su
hermano Hyrum Smith.
Joseph Smith es considerado
por sus seguidores como un profeta, vidente y
revelador tal como Moisés, Isaías y otros personajes de
la Biblia. Su
discurso defiende la necesidad de restaurar la iglesia cristiana original, que
se habría perdido poco después de la muerte de los doce
apóstoles en el proceso que los mormones llaman la Gran
Apostasía. Para sus detractores, en cambio, se trataría de una
víctima de autoengaño, en el mejor de los casos, o de un embaucador con
talento, en el peor.
1880:
Nace Helen
Keller, escritora, oradora y activista política sordociega
estadounidense (fallecida en 1968).
Helen Adams Keller (Tuscumbia, Alabama, 27
de junio de 1880-Easton, Connecticut, 1 de
junio de 1968)
fue una escritora, oradora y
activista política sordociega estadounidense. A
la edad de diecinueve meses sufrió una grave enfermedad que le provocó la
pérdida total de la visión y la audición. Su incapacidad para comunicarse
desde temprana edad fue muy traumática para Helen y su familia, por lo que
estuvo prácticamente incontrolable durante un tiempo. Cuando cumplió siete
años, sus padres decidieron buscar una instructora y fue así como el Instituto
Perkins para Ciegos les envió a una joven especialista, Anne
Sullivan, que se encargó de su formación y logró un avance en la educación especial.
Continuó viviendo a su lado hasta la muerte de esta en 1936.
Después de graduarse de la
escuela secundaria en Cambridge,
Keller ingresó en el Radcliffe
College, donde recibió una licenciatura, convirtiéndose así en la primera
persona sordociega en obtener un título universitario. Durante su juventud,
comenzó a apoyar al socialismo y
en 1905 se unió formalmente al Partido Socialista. A
lo largo de toda su vida redactó múltiples artículos y más de una docena de
libros sobre sus experiencias y modos de entender la vida, entre ellos La historia de mi vida (1903)
y Luz en mi oscuridad (1927).
Keller se convirtió en una
activista y filántropa destacada; recaudó dinero para la Fundación Americana
para Ciegos, fue miembro del Industrial Workers of the
World —donde escribió desde 1916 a 1918— y promovió
el sufragio femenino,
los derechos de los trabajadores, el
socialismo y otras causas relacionadas con la izquierda,
además de ser una figura activa de la Unión Estadounidense
por las Libertades Civiles tras cofundarla en 1920. En 1924,
se apartó de la actividad política para enfocarse en la lucha por los derechos
de las personas con discapacidades y realizó viajes por todo el mundo ofreciendo
conferencias hasta 1957. Por sus logros, el presidente estadounidense Lyndon
Johnson le otorgó la Medalla Presidencial de la
Libertad en 1964. Desde 1980, por decreto de Jimmy
Carter, el día de su natalicio es conmemorado como el Día de
Helen Keller. Su vida ha sido objeto de variadas representaciones
artísticas, tanto en cine, teatro y televisión, destacándose
particularmente The Miracle Worker
1884:
Nace Gaston
Bachelard, filósofo y poeta francés (fallecido en 1962).
Gaston Bachelard (Bar-sur-Aube, Champagne, 27
de junio de 1884-
París, 16 de octubre de 1962)
fue un filósofo (epistemólogo),
poeta, físico, profesor y crítico literario francés.
Autor inclasificable, estuvo interesado por la historia de la ciencia, moderna
o contemporánea, y al mismo tiempo por la imaginación literaria, a la que
dedicó una atención paralela.
Vida[editar]
Gaston Bachelard, hijo de artesanos, nació en Bar-sur-Aube, una localidad en la Champaña, donde será inhumado a su muerte en 1962. Entre 1895 y 1902 hizo la enseñanza secundaria en su pueblo, Bar-sur-Aube. Inicialmente, en 1902-1903, Bachelard dio clases en el colegio Sézanne; pero enseguida entró en el servicio de Correos y Telégrafos, donde estuvo diez años, 1903-1913: primero en Remiremont, hasta 1905, y luego en París, con un año de interrupción para el servicio militar (que hizo como telegrafista en 1906-1907).
Se casó en 1914 con Jeanne Rossi, una joven profesora de su tierra. Al enviudar en 1920 se quedaría solo con su hija Suzanne, que será su albacea y le acompañará. De inmediato tomará parte en la Guerra, pues fue movilizado de 1914 a 1919 (recibió por sus acciones el galardón: Croix de guerre 1914-1918).
Como había seguido estudiando de por libre, entre 1919-1930 va a dedicarse a sus tareas como profesor en su población natal. De hecho en 1920, se había licenciado ya en filosofía, y en 1922 logró ser agregado de filosofía, disciplina que enseñó por entonces en Bar-sur-Aube. También enseñaba ciencias (física). En 1927 dio clases y cursos de Letras, en Dijon.
El 23-V-1927 logró doctorarse en la Sorbona, con directores de primera fila, como Abel Rey y Léon Brunschvicg. Entre 1930 y 1940 fue profesor de filosofía, en la Facultad de Letras de Dijon, y culmina su carrera entre 1940 y 1954 siendo profesor en la Sorbona; allí explica historia y filosofía de las ciencias, como sucesor de Abel Rey. Además fue director del Instituto de Historia de Ciencias y Técnicas.
Estuvo un curso más, 1954-1955, como profesor honorario en la Sorbona.
Honores:
- 1951: Le nombran oficial de la Legión de Honor francesa.
- 1955: Miembro de la l'Académie des sciences morales et politiques.
- 1960: Comendador de la Legión de Honor.
- 1961: Gran Premio nacional de las Letras.
Pensamiento científico[editar]
En sus obras El nuevo espíritu científico (1934) y La formación del espíritu científico (1938) expone sus ideas sobre la Filosofía de la Ciencia. Su obra más importante en este terreno es El materialismo racional (1953). Supone su planteamiento una superación del debate empirismo/racionalismo, que combate a cada uno de ellos por separado, así en El nuevo espíritu científico.1
Para Bachelard el materialismo racional se halla en el centro de un espectro epistemológico cuyos extremos son el idealismo y el materialismo. Su crítica al inductivismo y al empirismo se trasluce en su idea de que el hecho científico se construye a la luz siempre de una problemática teórica, y lucha contra las ilusiones del conocimiento inmediato, como dice en su «philosophie du non», y se prosigue con un racionalismo aplicado («rationalisme appliqué») o de un materialismo racional («matérialisme rationnel»), que supere la oposición entre empirismo y racionalismo, para estudiar cómo se produce cada reorganización, cada renovación.2 Para Georges Canguilhem su ejercicio "se trata de un compromiso de la razón contra esa forma de racionalismo, especie de superstición científica, expresión beata de un primer éxito de racionalización".3 Se trata de estudiar las reconstituciones científicas.
El acceso al conocimiento como la historia de las ciencias está marcado por un corte («coupure épistémologique»), que separa lo precientífico de lo científico; lo cual implica una verdadera ruptura epistemológica («coupure épistémologique»). Bachelard consideraba que la ciencia progresaba a través de la superación de obstáculos epistemológicos («obstacles épistémologiques»), pues todo conocimiento, solía resaltar, es aproximado. En este sentido, se conoce "en contra del conocimiento anterior, destruyendo conocimientos mal adquiridos o superando aquello que, en el espíritu mismo, obstaculiza la espiritualización". Algunos de los obstáculos que deberá superar la ciencia son, entre otros, la opinión y la observación básica, que deben sustituirse por el ejercicio de la razón y por la simultánea experimentación.4
Según Bachelard, la ciencia no puede producir verdad. Lo que debe hacer es buscar mejores maneras de preguntar a través de rectificaciones. Él usa para ejemplificar el caso una metáfora: "El conocimiento de lo real es una luz que siempre proyecta alguna sombra". Cada superación de algún obstáculo epistemológico conlleva necesariamente otro obstáculo más complejo. “Poseo el mundo tanto más cuanta mayor habilidad tenga para miniaturizarlo. Pero de paso hay que comprender que en la miniatura los valores se condensan y se enriquecen. No basta una dialéctica platónica de lo grande y de lo pequeño para conocer las virtudes dinámicas de la miniatura. Hay que rebasar la lógica para vivir lo grande que existe dentro de lo pequeño”. Decía el filósofo por ejemplo, que "en la antigüedad la llama de una vela hacía pensar a los sabios".5
Imaginación poética[editar]
En la parte crítico-literaria de su obra —muy importante y vasta—, Bachelard se consagrará a profundizar sobre el problema de la imaginación poética.
Sus estudios sobre psicología de los elementos, el agua, el aire, la tierra, en sus relaciones con la literatura son hoy clásicos: Psicoanálisis del fuego (1938), El agua y los sueños (1942), El aire y los sueños (1943), La tierra y la ensoñación de la voluntad (1948). En estas obras se refleja cierta influencia de Jung,6 pero asimismo de Marie Bonaparte y el surrealismo. Ciertas afirmaciones suyas, como que "baste que hablemos de un objeto para creernos objetivos",7 pone en conexión esas otras preocupaciones con las epistemológicas.
Todos sus últimos libros, desde 1938, muestran una búsqueda más poética, acaso culminada con La poética del espacio (1957), que usan los arquitectos, y La poética de la ensoñación (1960).
El influjo de Bachelard ha sido evidente en pensadores posteriores que han abordado la misma temática, como Gilbert Durand o James Hillman, también lo leyeron Barthes o Starobinski. Otras figuras de talla han reconocido su valía, como Georges Canguilhem y Michel Foucault en el terreno epistemológico.
1907:
Nace John
McIntire, actor estadounidense (fallecido en 1991)
John McIntire, 27
de junio de 1903-30
de enero de 1991,
fue un actor estadounidense.
Nacido en Pasadena, California, EUA,
empezó su carrera en los años 40, actuando en las películas: The Hucksters con Clark
Gable - Call Northside 777 con James
Stewart - Command Decision - Down to the Sea in Ships.
En los 50 participa del film
bélico You're in the Navy Now con Gary
Cooper, y actúa en los
westerns: Ambush e Westward the Women con Robert Taylor -Horizons
West Winchester '73 The Far Country con James
Stewart - War Arrow con Maureen
O'Hara - Apache 1954 e The
Kentuckian 1955 con Burt
Lancaster-The Yellow Mountain - Four Guns to the Border - Stranger on
Horseback 1955 e The
Gunfight at Dodge City 1959 con Joel
McCrea.
En los años 60 McIntire
trabajó en las películas: Elmer Gantry donde interpreta al Reverendo
John Pengilly, Seven Ways from Sundown interpretando a un Texas
Ranger, en 1967 participa
del film Rough Night in Jericho con Dean
Martin.
Como actor invitado pasó
por: Alfred Hitchcock Presents - Zane Grey Theater - Peter Gunn - La Dimensión
Desconocida - Los Intocables - Laramie - Daniel Boone - Bonanza - El Virginiano
- El Fugitivo - El F.B.I. en acción - Los Angeles de Charly - La Isla de la
Fantasía - Dallas interpretando a un senador, Hotel - El Incrible Hulk - El
Cruzero del Amor. Su último trabajo fue en 1989 en
la película de Tom Hanks - Turner & Hooch.
Caravana
En 1959 los
ejecutivos de la cadena NBC lo
contratan para interpretar el papel de Christopher Hale en la serie Wagon
Train, el programa trataba sobre unos cowboys que se trasladaban por las
llanuras del viejo oeste. McIntire intervino en 154 capítulos de la serie que
se emitió hasta 1965.
1939:
Nace Nilton
César, cantautor brasileño.
Nilton César (Ituiutaba, Minas
Gerais, Brasil. 27
de junio de 1939) es
un cantante brasileño.
Tuvo éxito en la década
de 1970 con la canción Vacaciones en la India, grabada
en 1969, que vendió más de 500 mil copias y ganó innumerables discos de oro y
trofeos de aquella época. Presentado en los principales palcos del país,
también participó en programas de televisión como Programa Silvio
Santos y Joven Guarda. Actualmente sigue presentándose en Brasil y,
principalmente, en el exterior.
Principales éxitos[editar]
- La última canción
- Amor, amor, amor
- La enamorada que soñé
- Nunca más
- Cama separada
- Cerca de los ojos, lejos del corazón
- Yo tengo un mar de amor
- No me interesa
1941:
Nace Krzysztof Kieślowski,
cineasta polaco (fallecido en 1996).
Krzysztof Kieślowski (
Krzysztof Kieślowski nació
en Varsovia el
27 de junio de 1941. Se crio en el seno de una familia de clase modesta. Poco
después de finalizar el primer ciclo de estudios, ingresó en la escuela de
bomberos pero algunos meses más tarde la abandonó con la intención de volver a
estudiar. En 1957, se
inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. Su
primera producción cinematográfica estuvo centrada en la vida de los
trabajadores y los soldados de su Polonia natal.
A fines de los años 1980,
realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo.
Esta es una obra basada en la estructura de los Diez
Mandamientos con la que Kieślowski tomó la religión para
hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una
duración aproximada de una hora.
Tras su paso por la
televisión polaca, a principio de los años 1990 comenzó a trabajar en Francia,
donde realizó su más importante trabajo, la trilogía Tres Colores, dedicada
a la bandera francesa.
Tras esto, decidió retirarse del cine aunque comenzó a escribir el guion
de La Divina Comedia de Dante,
mediante una trilogía
titulada Paraíso, Purgatorio e Infierno, para llevarlo a la
pantalla. Sin embargo, en 1996,
sin concluir este guion, murió de un ataque cardíaco en su ciudad natal.
Filmografía seleccionada[editar]
Premios y distinciones[editar]
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 19884 | Premio del Jurado | No matarás | Ganador |
| 1988 | Premio de la Crítica | No matarás | Ganador |
| 19915 | Premio de la Crítica | La doble vida de Verónica | Ganador |
| 1991 | Premio del Jurado Ecuménico | La doble vida de Verónica | Ganador |
Bruce Johnston bautizado como Benjamin Baldwin (27 de junio de 1942, en Peoria, Illinois) es un teclista, bajista y músico estadounidense, más conocido por haber integrado el dúo Bruce & Terry, y por ser miembro de The Beach Boys desde el 9 de abril de 1965, después de que el reemplazo de Brian Wilson, Glen Campbell se emprendiera en su carrera de solista. En unos años escribió junto a la banda canciones significativas como "Deirdre" (con Brian Wilson) y "Tears in the Morning", ambas de Sunflower.
Su primer sencillo donde aparece con los demás Beach Boys fue "California Girls", lanzado tres meses después del álbum en donde no aparece su cara porque tenía contrato con otro sello discográfico, Summer Days (and Summer Nights!!).
Ganó un premio Grammy por la composición de su más grande éxito, la canción "I Write the Songs".
Biografía[editar]
Benjamin Baldwin nació el 27 de junio de 1942, recién en el verano de 1958 comienza su carrera musical cuando Phil Spector formó los Teddy Bears, con Bruce Johntson y Sandy, ellos se unieron a una banda local que acompañaba frecuentemente a los shows de rock de astros como Ritchie Vallens, donde tocaba batería.
Bruce también comenzó a desarrollar su carrera de músico de estudio, tocando en varias grabaciones como guitarrista, bajista o teclista. Bruce tocó el bajo en el éxito "To Know Him Is To Love Him", de los Teddy Bears, y también en Teen Beat, sencillo de Sandy Nelson que entró en los Top 5. Durante los años 60, estudiando en la UCLA, Bruce forma la banda Surf Stompers (the Bruce Johnston Surfing Band), y graba 2 LP con ellos: "Surfin' Around The World" y "Surfer's Pajama Party" (este último grabado en vivo en la UCLA). Después, Bruce hará producciones para el sello Del-Fi, produciendo Ron Holder, y más adelante, produciendo y componiendo los Rip-Chords juntamente con Terry Melcher (hijo de Doris Day). Con los Rip-Chords, conseguiría hacer la música "Hey Little Cobra", que llegó al 4º lugar. También haría con Melcher la canción "Summer Means Fun".
El ingreso a The Beach Boys[editar]
En 1965, Bruce es invitado a participar con el grupo The Beach Boys, tocando el bajo y substituyendo a Brian Wilson en los shows en vivo, quien dejó de participar en las giras para focalizarse en la composición y producción de Pet Sounds (el segundo mejor disco de la historia según la revista Rolling Stone).
Poco después de entrar al grupo, Bruce hace su primera grabación con ellos, cantando "California Girls". Después continuará haciendo giras y participando activamente en los álbumes. En el 1969, en el disco 20/20, Bruce es el responsable por la re-grabación y producción de la canción "Bluebirds over the Mountain", y consigue grabar su primera música en un disco de The Beach Boys, "The Nearest Faraway Place", una música instrumental que Bruce dice haber escrito como una continuación para "Let's Go Away For Awhile", música instrumental de Brian, del disco Pet Sounds.
Los 1970[editar]
Bruce iba a afirmarse todavía más como compositor en el grupo, lanzando en los discos siguientes: "Deirdre" (en colaboración con Brian) y "Tears in the Morning" (ambas del disco Sunflower, de 1970) y aquel que es probablemente su mayor clásico en el grupo "Disney Girls (1957)" de Surf's Up de 1971.
Permanece en el grupo hasta el inicio de 1972, cuando decide salir del grupo, por diferencias con el entonces mánager del grupo, Jack Rieley. Entre otras cosas, a Bruce no le gustó la estrategia del mánager, que estaba intentando hacer que el grupo tuviera una postura más política y ecológica, y también porque Rieley quería hacer parecer que Brian estaba siempre en la banda, pero de hecho no lo estaba. Bruce llegó a grabar el álbum Carl and the Passions - "So Tough", en 1972, pero como había salido del grupo, removieron sus créditos. Durante ese tiempo, Bruce formó la sello discografíco Equinox, junto con Terry Melcher y Gary Usher (esa disquera llegó a hacer un contrato con Brian Wilson, que participó en las grabaciones llamadas "California Music"), tocó, compuso y produjo para artistas como David Cassidy y Eric Carmen. Bruce también ganó un Grammy por el éxito de su canción "I Write The Songs", que fuera inmortalizada por Barry Manillow (Bruce dijo haber compuesto esa canción en homenaje a Brian Wilson).
En 1977, Bruce lanzaría su álbum como solista "Going Public", donde grabó canciones inéditas, covers y regrabó algunas de sus músicas, como "Deirdre", "Disney Girls" e interpretó su versión de "I Write The Songs", que es su canción más famosa. Aún estando fuera de los Beach Boys, participó desde Carl & The Passions de 1972 al L.A. (Light Album) de 1979.
Actualidad[editar]
Por primera vez produjo el duramente criticado sencillo "Here Comes The Night" para el grupo, una tentativa de transformar la música del disco Wild Honey en música disco. Ese mismo año, Bruce volvería a hacer giras con The Beach Boys, y entre el 1979 y el 1980, ayudaría a producir el próximo álbum, Keepin' the Summer Alive. Bruce participaría en los álbumes siguientes, THE BEACH BOYS de 1985, Still Cruisin' de 1989 y Summer in Paradise de 1992.
Hoy en día Bruce y Mike mantienen el nombre de The Beach Boys haciendo giras por todo Estados Unidos.
En relación con la reunión de The Beach Boys para celebrar sus 50 años Johnston expreso:
"Estoy esperando poder cantar las melodías de Brian Wilson y las letras de Mike Love otra vez en directo con muchos de los miembros originales de la banda, pero imaginad lo que podríamos hacer vocalmente en la atmósfera de un estudio de grabación bajo la dirección de Brian".Bruce Johnston.1
1943:
Nace Carlos Mejía Godoy, músico y compositor nicaragüense.
Carlos Arturo Mejía Godoy (1943- ) es un músico, compositor y cantautor nicaragüense, y uno de los
principales representantes de la canción testimonial o nueva canción de su país.
Creció en el seno de una familia relacionada con la música
popular, el folclore y la cultura
tradicional, lo que le proporcionó una relación muy temprana con el mundo
cultural y artístico de Nicaragua.3
Tuvo una estrecha amistad con los ya fallecidos; guitarrista de
la Camerata Bach y Los de Palacagüina Pedro Miranda y el gran
músico nicaragüense Silvio Linarte44
Entre 1979 y 1990 participó activamente en la Revolución Sandinista, propiciada por el FSLN.[cita requerida]
Índice
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Biografía[editar]
Carlos Mejía Godoy nació el 27 de junio de 1943 en la localidad de Somoto, departamento de Madriz en Nicaragua. Hijo
de Carlos Mejía Fajardo, músico popular, y de María Elsa Godoy, maestra de
escuela y artesana de pan. Su hermano Luis Enrique Mejía Godoy, dos años menor que él, es también un
músico nicaragüense.3
En 1954 abandonó su ciudad
natal y continuó sus estudios de primaria y bachillerato hasta comenzar la
universidad ya en los años 1960, donde comenzó a realizar colaboraciones de locutor de radio,
actor y libretista. Su relación con la radio se mantendría entrada la década
de 1970, destacando como actor
y creador de programas radiales de tipo satírico. Desarrollando en ese tiempo
las primeras obras musicales.5
Alforja campesina[editar]
En ese periodo comienza a destacar con su obra "Alforja
Campesina" que fue interpretada por el trío "Los
Madrigales". Junto con el trío "Los Bisturices Armónicos" se
dedica a la investigación y estudio del folclor nicaragüense recogiendo y
divulgando viejas canciones campesinas. Son de esos años las canciones de
contenido social por la que se apuntaba ya su simpatía por el movimiento
revolucionario del FSLN y su integración
en el movimiento estudiantil de la universidad. Canciones como "Yo no puedo callar" "Desde Siuna con amor", "Muchacha
del F.S.L.N.", "La tumba del guerrillero" son de esa
época.
Corporito[editar]
A finales de los años 60, incorporado en Radio Corporación
de Managua, creó el personaje de
"Corporito", que como él mismo reconoce le permitió
descubrirse como comunicador, así lo describió
en 1993:
"Cantaba todos los días una parodia, cambiando las letras a
las canciones conocidas y adaptándola a algún problema político y social"
Taller de Sonido Popular[editar]
Fundó, después del terremoto de 1972, el "Taller de Sonido Popular" junto con Humberto
Quintanilla, Milcíades Poveda Herrera, Enrique Duarte, Silvio Linarte y Pablo Martínez Téllez (El Guadalupano) y se integró en el grupo
"Gradas". Como integrante de las "Brigada de Salvación del Canto
Nacional" siguió la senda del rescate de muchas piezas folclóricas
nicaragüenses.
Cantos a flor de pueblo[editar]
El primer disco sencillo se editó en 1973 con el título "Cantos
de flor de pueblo" y estaba basado en el terremoto de Managua del año
anterior. El disco fue muy bien acogido por el público y marcó una nueva etapa
en el desarrollo y el fomento de la música vernácula de Nicaragua. Luego
saldría "La calle de en medio".5
Con canciones relacionadas en el alma popular nicaragüense, en
las que plasma los problemas cotidianos e incluso la forma de hablar se hacen
popular entre la población, canciones como "Terencio Acahualinca"
o "Clodomiro el Ñajo" lo identificaban con el pueblo y sus
esperanzas. La violencia del mundo rural queda reflejada en la pieza "Chinto
Jiñocuago", el terremoto de Managua de 1972 da lugar a "Panchito
Escombros", con "María de los guardias" o "La Tula Cuecho"
muestra la problemática de la mujer o con "Quincho Barrilete",
tema ganador del Festival de la OTI de 1977 interpretado
por Eduardo "Guayo" González, denuncia la situación
de la infancia en su país.3
Junto a canciones claramente revolucionarias, de las que luego
la Revolución Sandinista haría bandera, como "Las mujeres del Cúa", "La tumba del guerrillero", "Himno a la Unidad Sandinista" y "Nicaragua,
Nicaragüita"; crea el álbum "La Misa Campesina Nicaragüense", donde Ernesto Cardenal le brinda un
especial apoyo. En este trabajo refleja el espíritu de la Iglesia Popular
Latinoamericana en su activa opción por los pobres.5 La canción "Cristo de Palacagüina", incluida en este álbum, sería muy
popular, tanto cantada por él y su grupo, como por Elsa Baeza.3
España[editar]
Carlos Mejía Godoy comienza un proceso de proyección
internacional. Con el grupo "Los de Palacagüina" realiza una gira
internacional recorriendo Europa y América. De la mano del
sacerdote alavés Victoriano Arizti,
al cual dedican su canción "La viejecita de Mozambique",
recala una amplia temporada en Españadonde se hizo de embajador de la lucha de
Nicaragua por su libertad, dando a conocer y extendiendo las canciones
populares nicaragüenses.
La primera colaboración de Mejía Godoy en España fue la canción
"María de los Guardias", que se incluyó en el álbum de Massiel "Carabina 30-30"
en 1976.3
En España edita el disco "El son nuestro de cada día"
y obtiene tres discos de
oro.
En 1977, su tema "Quincho
Barrilete" gana el Festival de la OTI que se celebra en Madrid
interpretado por Guayo González. El presidente Anastasio Somoza Debayle intentó por intermediarios comprar
los derechos de la canción. La canción era de crítica social y de esperanza.6
También "El Credo", perteneciente a la Misa
Campesina, alcanzó los primeros puestos en las listas de éxitos en la voz
de Elsa
Baeza.
Son tus perjúmenes mujer[editar]
En ese mismo año, la canción "Son tus perjúmenes mujer"
logra entrar en la lista de los más exitosos temas de España. Esta pieza es
algo atípico en su trayectoria pues es una canción con un cierto contenido
sensual, que se aleja de sus temas de contenido más social.
Es una canción popular con influencias de las tonadas mexicanas,7 Carlos Mejía Godoy la
popularizó internacionalmente y está inscrita a su nombre en la Sociedad General de Autores y Editores, pero Mejia Godoy
siempre ha reconocido que fue Tonalá, en el departamento de Chinandega quien aportó el legado de esta
canción recopilada por el nicaragüense Wilfredo Álvarez Rodríguez (1934-2012)
del trío "Los Bisturices Armónicos", quien realizaba su servicio
social como médicoen esa localidad. Un detalle
interesante, la escuchó de boca de un menor de edad que tenía problemas
mentales.8 Nunca supo quien la
escribió. Ellos titularon la melodía como “Son tus perjúmenes mujer” y
la incluyeron en su primer disco en 1973.
1968, 1969 o 1970 :
Nace Draco Rosa músico de origen puertorriqueño.
Nace Draco Rosa músico de origen puertorriqueño.
Draco Cornelius Rosa Suárez (Peñuelas, Puerto Rico, 26 de junio de 1968), más conocido por su nombre artístico Robi Draco Rosa, Draco Rosa o simplemente Draco, es un músico, cantante, compositor, multi-instrumentista, productor, poeta y empresario de origen puertorriqueño, ganador de múltiples Premios Grammy y Premios Grammy Latinos.1
Cuando joven, se trasladó con sus padres a Puerto Rico, donde tuvo la oportunidad de participar en el grupo juvenil Menudo junto al cantante Ricky Martin entre otros. Luego de actuar en películas y tocar con una serie de grupos, lanza su carrera como solista grabando varios álbumes tanto en inglés como en español y convirtiéndose en compositor y productor para cantantes como Ricky Martin, Julio Iglesias y Ednita Nazario.
Primeros años[editar]
Robert Edward Rosa Suárez creció rodeado de una mezcla ecléctica de gustos musicales. De su padre adquirió el gusto por los ritmos latinos, principalmente la salsa.
Trayectoria profesional[editar]
En 1984, con quince años de edad se unió al grupo puertorriqueño de jóvenes adolescentes “Menudo” quienes causaron sensación a principio de los años ochenta. Ese mismo año ingresó Ricky Martin con quien estableció una amistad y posteriormente una asociación musical.
Robi Rosa estaba desencantado del grupo Menudo, porque no se le dio la oportunidad de escribir canciones para ellos, por lo que decidió abandonar el grupo en 1987. Se mudó a Playa Baha en Río de Janeiro, donde se relacionó con artistas locales. Después de lanzar como solitario dos álbumes en portugués, se muda a Nueva York donde forma un grupo con el nombre de "Maggie's Dream". Por la energía del grupo y su sonido, se ganaron un puesto en giras con Fishbone, The Black Crowes y Faith No More.
Tras mudarse a Los Ángeles, Draco Rosa consiguió el papel principal en la película Salsa de 1988, interpretando un bailarín de origen puertorriqueño que decide mejorar su suerte en la vida, mediante la participación en un concurso de salsa. Durante el rodaje de la película conoció a Ángela Alvarado, quien más tarde se convertiría en su esposa.
Cantante solista y productor[editar]
Su debut como solista se produce con “Frío”, de 1993, grabado en Estados Unidos para el sello Epic Records, bajo la producción del estadounidense Ronnie Foster. En este álbum presentó sus composiciones con elementos de varios géneros musicales, que se enmarcan en una mezcla de voces, sonidos y líricas. Entre los temas destacan: “Y qué me importa”, “Casi una diosa”, “Almas diferentes”, “Frío” y “Tu tren se va”.
En 1995 produce en compañía de K. C. Porter el álbum “A medio vivir” de Ricky Martin. Con este álbum Martin alcanzó su definitiva internacionalización. Draco Rosa compone cinco de los temas de este álbum, entre ellos el éxito “María”. Como dato curioso, en los créditos de este disco, Draco Rosa aparece con el seudónimo Ian Blake.
En 1996 edita su segundo álbum como solista para el sello Sony Music, denominado “Vagabundo”; grabado en Inglaterra y producido por Phil Manzanera. Este trabajo incluyó letras llenas de poesía escritas por José Manuel Navarro influenciadas por los llamados poetas malditos: Rimbaud, Baudelaire y William Blake, pero de gran calidad artística por lo novedoso del sonido. El disco es además, una especie de crónica de su etapa de adicción a las drogas, que caracterizó sus años de búsqueda musical y personal en Nueva York.
Este álbum, fue incluido por la revista Spin, en 1997, como uno de los 10 mejores álbumes de Rock en español de todos los tiempos. El video de la canción “Madre Tierra” ganó el premio como Mejor Video de Rock en los Premios de la Música Latina 1997.
Dos años más tarde produce junto a Desmond Child y K. C. Porter uno de los discos más exitosos del Pop latino, se trata de: "Vuelve" (1998), del cantante Ricky Martin, donde Draco Rosa compone temas tan exitosos como: “La copa de la vida”, “La bomba”, “Lola, Lola” y las baladas: “Perdido sin ti” y “Casi un bolero”; participando además en los arreglos y coros.
Ese mismo año edita un tercer disco como solista compuesto por las canciones de su primer álbum traducidas al inglés: "Songbirds & Roosters".
Entre 1998 y 1999, escribió y grabó el muy celebrado primer álbum de Ricky Martin en inglés, que incluye el ya mítico single: "Livin' la vida loca". El álbum debutó en el # 1 en las listas de Billboard, y se remontó a las nubes, hasta alcanzar la cifra de 20 millones de discos vendidos en todo el mundo. En 1999 produce para Ednita Nazario el álbum “Corazón”.
En el año 2000 participó en el álbum de Ricky Martin: “Sound Loaded”, Rosa produjo cuatro canciones, incluyendo el sencillo "She Bangs". Igualmente participó en el álbum de Julio Iglesias: “Noche de cuatro lunas” produciendo tres canciones.
En 2002 es invitado para dar un concierto patrocinado por una entidad bancaria de Puerto Rico junto a Rubén Blades y Juan Luis Guerra que fue grabado en CD y DVD, denominado “Encuentro”, donde cada cantante interpretó sus éxitos. Ese mismo año relanza su carrera editando el álbum recopilatorio “Libertad del alma”.
Después de dos años de experimentación y sesiones, Draco lanzó el álbum "Mad Love" (2004), donde interpreta la mayoría de los temas en inglés. De este trabajo se editan dos vídeos "Dancing in the Rain" y "Lie Without a Lover", ambos dirigidos por su esposa Ángela Alvarado Rosa. El video "Más y más" (una de las dos pistas en español en el álbum), también dirigido por Ángela Alvarado Rosa, ganó el Premio Grammy Latino al Mejor Video de ese año.
Luego de otra recopilación, “Como me acuerdo”, de 2004, y el álbum en vivo “Al natural”, de 2005, Sony libera de su contrato al cantante. Para ese entonces Draco acusaba bajas ventas y las giras en vivo resultaron ser poco exitosas. El artista declaró que su música se prestaba a espacios cerrados y con un público que pudiera escucharlo en íntimo.
Su próximo álbum de estudio se produce en forma independiente: “El teatro del absurdo” (2007). Este álbum mantiene el carácter oscuro e introspectivo del cantante y un sonido experimental cuya producción parece no estar acabada por completo. Este trabajo obtuvo críticas negativas y significó el replanteamiento de la carrera del cantante.
"Amor Vincit Omnia" de 2009 (El amor lo vence todo) es el sexto álbum de estudio de Robi Draco Rosa, donde el cantante se aparta de su estilo desarrollado en álbumes anteriores para retomar sus raíces latinas y emprender ritmos más tropicales y folklóricos. Este trabajo consta de nueve canciones en castellano, compuestas en colaboración con Luis Gómez Escolar, en las que el artista se acerca a los sonidos íntimos del bolero, el son y la trova. Suenan ritmos de la salsa vieja y pinceladas de los 50 y 60, en la onda de la música que escuchaba su padre.
En marzo de 2013 lanzó su disco "Vida"; se trata de un álbum de duetos donde Robi Draco interpreta sus canciones en compañía de figuras como: Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Shakira, Maná, Calle 13 y Juanes, entre otros. El primer sencillo fue el tema "Más y más", interpretado a dúo con Ricky Martin. El segundo sencillo del álbum fue el tema "Esto es vida" a dueto con Juan Luis Guerra, mientras que el tercer sencillo fue "Blanca mujer", hecho a dueto con Shakira. Draco Rosa explicó que el videoclip de este tema es uno de los más importantes en su carrera, por la importancia que tiene la canción para él.
El 13 de octubre de 2016, es introducido al Latin Songwriters Hall of Fame, La Musa Awards... este reconocimiento fue entregado por Lenny Kravitz, mediante un emotivo discurso.
Sobreviviente de cáncer[editar]
En abril de 2011 se le diagnosticó un cáncer cerca del hígado.2 Se sometió a un tratamiento alternativo en Houston (Texas) y luego en Santa Monica (California), diferente al tratamiento tradicional.
1966:
Nace J.
J. Abrams, cineasta estadounidense.
Jeffrey Jacob Abrams (27
de junio de 1966, Nueva
York),
más conocido como J. J. Abrams, es un director, productor, escritor, actor y compositor de cine y televisión estadounidense. En virtud de su productora, Bad Robot,
que fundó con Bryan Burk en 2001,
Abrams fue el creador y productor ejecutivo de
la serie Alias de la ABC y
es cocreador, junto con Damon
Lindelof y Jeffrey
Lieber, y productor ejecutivo de
"LOST", Perdidos.
Es propietario de la
productora de cine Bad Robot Productions, es famoso por ser el
director de las tres últimas películas de Star Trek y
el Episodio VII de Star Wars.
Cecily von Ziegesar (27 de junio de 1970) es una novelista estadounidense.
Vida y educación[editar]
Nacida en una familia de expatriados judíos húngaros en Manhattan, Cecily asistió y se graduó en la escuela privada para chicas del Upper East Side Nightingale-Bamford. Después se matriculó en la Universidad de Colby y pasó un año en Budapest trabajando en una estación de radio local. Pronto volvió a su país natal para estudiar Escritura creativa en la Universidad de Arizona.
Gossip Girl[editar]
En Nueva York trabajó empaquetando libros para Alloy Entertainment, lugar donde se inspiró para crear Gossip girl. Estos libros, presentan a un grupo de jóvenes de Upper East Side, en realidad están inspirados en su juventud. El éxito fue tal que se convirtió en un best sellers y el spin-off no tardó en llegar: en 2005 se publicó The It girl. La historia se adoptó en una conocida serie de televisión.
Familia y Matrimonio[editar]
Está casada con Omi, una estrella del cine inglés. En un primer momento se fueron a vivir a Londres y un año más tarde se casaron. Desde 1998 reside, junto a su familia en el barrio de Brooklyn (Nueva York). Tiene dos hijos: Agnes y Óscar.
1972:
1975:
Nace Tobey
Maguire, actor estadounidense.
Tobias Vincent «Tobey»
Maguire (Santa Mónica, California, 27
de junio de 1975) es un actor y productor estadounidense, conocido por
interpretar a Peter Parker en la primera trilogía
de la serie de películas de Spider-Man.
Por sus actuaciones, ha sido nominado de varios galardones, entre ellos
al Premio Globo de Oro una
vez y a los Premios del Sindicato de
Actores en dos ocasiones.
Comenzó su carrera
interpretativa apareciendo en series de televisión y telefilmes, realizando
papeles menores. En 1997 tuvo una actuación de reparto en el largometraje
dirigido por Ang Lee La tormenta de hielo,
compartiendo reparto con Elijah
Wood y Kevin Kline, entre otros. Ya en la
década de 2000, trabajó en películas más aclamadas, entre las cuales se
incluyen Wonder Boys (2000), las tres películas basadas en
el cómic Spider-Man y en la candidata
al Premio Óscar a la mejor película, Seabiscuit (2003).
Concluida la trilogía de Spider-Man, fue aclamado por la crítica debido a
su interpretación en Brothers (2009), donde actuó junto a Jake
Gyllenhaal y Natalie
Portman. Por su actuación, Maguire recibió una nominación
al Premio Globo de Oro como mejor actor dramático. En
2013 protagonizó la película El gran Gatsby junto
a Leonardo DiCaprio.
En cuanto a su vida privada,
se casó con la diseñadora de joyas Jennifer Meyer, con quien tuvo dos hijos
antes de que se divorciaran en 2016. Es vegano, y
en 2002 la organización Personas por el Trato
Ético de los Animales le nombró «vegetariano más sexy del
mundo». Además, Maguire es un aficionado al póker.
1976:
Nace Leigh Nash,
cantante estadounidense, de la banda Sixpence None the Richer.
Leigh Bingham Nash (nacida el 27 de junio de 1976) es una cantante-compositora estadounidense. Es
la vocalista de la banda de rock cristiano Sixpence None the Richer1 y es también miembro
de Fauxliage y
Movement Nashville. Su álbum debut en solitario, Blue on Blue, se lanzó el 15 de agosto de 2006. Actualmente es también profesora de técnica vocal en
"Brett Manning Studios".
Índice
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Majida Margarita Issa Belloto (San Andrés, 27 de junio de 1981) es una actriz y cantante colombiana.1 Estudió actuación en la Escuela Nacional de Arte Teatral. Es reconocida por su papel de Yesica Beltrán alías "La Diabla" en las tres temporadas de la exitosa serie Sin senos sí hay paraíso, secuela de la también exitosa serie Sin senos no hay paraiso.2
De toda una familia dedicada a la actuación Majida es hermana de Jordana Issa, nieta de Teresa Gutiérrez, sobrina de Miguel Varoni y María Margarita Giraldo.3
Alanna Masterson (Long Island, 27 de junio de 1988) es una actriz estadounidense, conocida por interpretar a Abby en la serie First Day y por su papel de Tara Chambler en la serie The Walking Dead.1
Vida personal[editar]
Masterson nació en Long Island, Nueva York. Su padre es australiano de ascendencia libanesa. Tiene tres hermanos: Danny Masterson, Christopher Masterson y Jordan Masterson. Will Masterson no está biológicamente relacionado con Alanna, pero como toda la familia y nuevos matrimonios están cerca de ella es considerado como un hermano.2 En julio de 2015, anuncio a través de instagram3 que estaba embarazada de su primer hijo junto a su pareja, el fotógrafo Brick Stowell. Su primera hija, Marlowe Stowell Masterson nació el 4 de noviembre de 2015.
Carrera[editar]
Comenzó en 2006, actuando en un episodio de Malcolm in the Middle (serie coprotagonizada por su hermano Christopher Masterson), interpretando a Heidi. Más tarde, en 2010 obtuvo un papel en la serie First Day interpretando a Abby durante 7 episodios.
En 2013, se unió al elenco recurrente en la cuarta temporada de la exitosa serie The Walking Dead junto a Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Danai Gurira, Melissa McBride, Scott Wilson, David Morrissey, Emily Kinney, Chad L. Coleman, Sonequa Martin-Green y Lawrence Gilliard Jr, interpretando a Tara Chambler, una joven que intenta sobrevivir al apocalipsis en un apartamento con su familia.45 En abril de 2014, fue anunciado que Masterson sería promovida al elenco principal en la quinta temporada, junto a Michael Cudlitz, Josh McDermitt, Christian Serratos y Seth Gilliam.6 A partir del episodio Not Tomorrow Yet, Masterson dejó de aparecer en la serie, el motivo fue que la actriz pidió su licencia, debido a su avanzado estado de embarazo. En julio de 2016, fue revelado en el tráiler de la séptima temporada que ella regresaría al show. En marzo de 2019 Masterson hizo su aparición final en la novena temporada del programa en el episodio "The Calm Before".
En 2014, fue invitada en un episodio de la serie Men at Work, protagonizada por su hermano Danny Masterson.
En 2016, Alanna tuvo un rol recurrente en la cuarta temporada de Mistresses, interpretando a Lydia.
Matthew David Lewis (Yorkshire del Oeste; 27 de junio de 19892) es un actor británico. Es conocido principalmente por su papel de Neville Longbottom en la saga de películas de Harry Potter.
Primeros años[editar]
Lewis nació en la ciudad de Leeds, Yorkshire del Oeste, Inglaterra, Reino Unido y se crio en su localidad de Horsforth. Es hijo de Lynda Needham Lewis y Adrian Lewis. Tiene dos hermanos: Chris Lewis y el actor Anthony Lewis. Asistió a la St. Mary's Catholic High School, Menston.
Carrera[editar]
Lewis comenzó su carrera a la edad de cinco años con varios papeles para la televisión. Las audiciones abiertas que se realizaron en su ciudad seis años más tarde lo convertirían en Neville Longbottom de la saga de mayor éxito de la historia, Harry Potter basada en la serie de libros escrita por J. K. Rowling. Su papel como Neville le ha granjeado una gran cantidad de fanes en todo el mundo.
Lewis también trabajó en televisión como Jamie Bradley en la conocida serie de Kay Mellor para la BBC One The Syndicate, papel por el que recibió una nominación a los Premios de la Crítica Televisiva en la categoría de "mejor actor". Poco después interpretó a Dodd en la película Wasteland, junto con Iwan Rheon, Timothy Spall, Vanessa Kirby y Luke Treadaway.
En 2012 debutó en el Teatro Duchess del distrito West End con la aclamada obra de Jonathan Lewis, Our Boys, en donde compartió cartel con los actores Laurence Fox y Luke Treadaway.
Dos años después se unió al casting de la galardonada serie Bluestone 42, de la BBC Three: una comedia dramática sobre un destacamento británico de eliminación de bombas en Afganistán en el que Lewis interpretaba al experto en munición, Gordon House; el actor volvió a la tercera temporada de la serie en marzo de 2015. En la actualidad, le podemos ver en su papel de Sargento Drum Drummond en Ripper Street, un drama policíaco producido por la BBC One y Amazon Video. También interpretó a Sean Balmforth en la serie ganadora de un Premio BAFTA, Happy Valley, de Sally Wainwright. En 2016, interpretó a Patrick en la película Yo antes de ti junto a Emilia Clarke y Sam Claflin.
Vida privada[editar]
Se casó con Angela Jones el 28 de mayo de 2018.3
Lewis es vicepresidente de la obra de caridad Leeds Rugby Foundation.
Lewis ha descrito que el 11 es su número de la suerte, hasta tiene un tatuaje en el brazo derecho de ese número. Desde 2015 vive en la ciudad de Londres.
1996:
Muere Albert R. Broccoli,
productor estadounidense de cine (nacido en 1909).
Albert Romolo Broccoli OIB (nacido
el 5 de abril de 1909 en Astoria
Queens y fallecido el 27
de junio de 1996 en Beverly
Hills), más conocido como "Cubby" Broccoli, fue
un productor de cine cuya
contribución más conocida es la producción de una importante serie de
películas: la saga de James
Bond.
Fue ganador de un Premio
Oscar como Productor cinematográfico el
cual produjo más de 40 películas habitualmente en el Reino
Unido y para los Estudios
Pinewood. Fue cofundador de Danjaq, LLC y Eon
Productions.
1996:
Nace Lauren Jauregui, cantante estadounidense.
Lauren Michelle Jauregui Morgado (Miami, Florida; 27 de junio de 1996) es una cantante y compositora estadounidense. Es conocida por ser parte del grupo femenino Fifth Harmony.
Biografía y carrera musical
1996-2012: primeros años y The X Factor
Jauregui nació el 27 de junio de 1996 en Miami, Florida, bajo el nombre de Lauren Michelle Jauregui Morgado. Sus padres, Michael Jauregui y Clara Morgado (ambos de Cuba), emigraron a Estados Unidos antes de su nacimiento. Es la hermana mayor de Christopher y Taylor Jauregui. Ella es una cubana-estadounidense de segunda generación. Su lengua nativa es el Inglés y también habla Español. Jauregui ganó una beca por lo que asistió a la Escuela de Carrollton Sagrado Corazón desde el séptimo grado.1
A los 16 años, Jauregui audicionó para la segunda temporada del programa de televisión The X Factor en Greensboro, Carolina del Norte con la canción «If I Ain't Got You» se le dieron cuatro "sí" y se le permitió pasar al bootcamp. Jauregui cantó «E.T.» durante la primera ronda del bootcamp, su nerviosismo impidió un buen desempeño. En la segunda ronda del bootcamp, se enfrentó al grupo Sister C con la canción «These Arms Of Mine», siendo eliminada. Jauregui fue llamada nuevamente al escenario junto con Dinah Jane, Ally Brooke, Camila Cabello y Normani Kordei para formar el grupo femenino que más adelante se conocería como Fifth Harmony, clasificándose así para la categoría "Grupos". Durante la etapa de las Casas de los Jueces, las chicas cantaron «Impossible» de Shontelle y fueron seleccionadas para las galas en directo, siendo apadrinadas por Simon Cowell. El grupo firmó un acuerdo conjunto con Syco Music, propiedad de Simon Cowell, y Epic Records, sello discográfico de L.A. Reid, después de terminar en tercer lugar en el show.23
2013-2016: Fifth Harmony y Back to me
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El 22 de octubre de 2013, lanzaron el debut de su EP Better Together.4 En la primera semana alcanzó el puesto número seis en la lista estadounidense Billboard 200, su primer sencillo «Miss Movin' On»,5 entró en la lista de Billboard Hot 100 y fue certificado oro en los Estados Unidos. Al año siguiente, el video ganó como the artist to watch en los MTV Video Music Awards. El grupo lanzó su primer álbum de estudio titulado Reflection en febrero de 2015 debutando en el número cinco en el Billboard 200 y número uno en Billboard Digital Albums. El álbum fue certificado oro en Estados Unidos por RIAA y doble platino en Brasil.6 El álbum incluyó los sencillos «Boss», «Sledgehammer» y «Worth It». Todos certificados platino por RIAA en los Estados Unidos, «Worth It» logró la certificación de triple platino en los Estados Unidos y alcanzó el top 10 en trece países. El 27 de mayo de 2016 el grupo lanzó su segundo álbum titulado 7/27, que debutó en el puesto cuatro de la lista Billboard 200, el mismo fue certificado oro en Estados Unidos por RIAA, oro en Polonia y en Brasil recibió certificación platino. El sencillo principal, titulado «Work from Home», se convirtió en el primer top 10 del grupo en el Billboard Hot 100 y el primer top cinco de un grupo de chicas en una década.
El 8 de diciembre de 2016, se lanzó a la venta su primera colaboración titulada «Back To Me» junto con el dúo Marian Hill.7
2017-Presente: Proyectos solista
En 2017, Jauregui fue votada por el público como celebridad del año en los Premios British LGBT.8 El 26 de mayo de 2017 se lanzó a la venta su segunda colaboración «Strangers» a dúo con la cantante Halsey, incluida en el álbum Hopeless Fountain Kingdom.91011 El 9 de junio, Lauren fue invitada por la cantante a interpretar el tema por primera vez en vivo en el Today Show.1213 Al día siguiente fue nuevamente invitada a interpretarlo durante el iHeartSummer 2017 organizado por iHeartRadio.14 El 21 de octubre de 2017, interpretaron nuevamente «Strangers» en el BB&T Center en Sunrise, Florida15 y el 3 de noviembre en The Forum en Los Ángeles,16 como parte de la gira "Hopeless Fountain Kingdom World Tour".17
El 27 de octubre de 2017 salió a la venta el álbum Beach House 3, el cual incluyó la colaboración «In Your Phone» del rapero Ty Dolla Sign junto a Jauregui.18 El tema, sin ser sencillo logró el puesto veintitrés del Billboard R&B/Hip-Hop Digital Song Sales19 y el puesto veintiuno del Billboard Rap Digital Song Sales.20 El 17 de noviembre de 2017 se lanza a la venta el tema «All Night» en colaboración con Steve Aoki.212223 El tema debutó en puesto tres de la lista Dance/Electronic Digital Song Sales,24 en el número nueve del Hot Dance/Electronic Songs y el puesto número treinta y seis de la lista Digital Song Sales de Billboard.2526 En Francia, el sencillo ingresó en el puesto 197 del SNEP.27 El 8 de enero de 2018 se estrenó el video musical del sencillo.2829
El 9 de marzo de 2018 se lanza a la venta el EP All Night (Remixes), el mismo incluía tres remixes realizados por Alan Walker, Aoki y el DJ sueco Garmiani.30 El 23 de marzo se unió a Aoki en su presentación en el Ultra Music Festival interpretando «All Night» en Miami.3132 El 26 de marzo se anunció que abriría la fase por Latinoamérica del "Hopeless Fountain Kingdom World Tour" de la cantante Halsey.33 Durante marzo y abril se unió en numerosas ocasiones al "Don't Judge Me Tour" del rapero Ty Dolla Sign interpretando su dueto «In Your Phone».34 El 14 de abril de 2018 se presenta en el Festival Coachella interpretando «Back To Me» junto a Marian Hill.35
En mayo de 2018, Jauregui declaró que se encontraba trabajando en su álbum debut.36 Previamente había declarado en su entrevista para la portada de la revista Playboy que quería "mantener sus opciones abiertas" en lo que respecta al género musical de su futura música a lanzar, y que tiene fuertes influencias de música electrónica, pop, rock, alt-rock y música latina.37 Jauregui se convirtió en el acto de apertura del Hopeless Fountain Kingdom World Tour durante las fechas de América Latina.38 Jauregui presentó tres canciones nuevas «Toy», «Inside» y «Expectations» proveniente de su álbum debut.39 Durante una entrevista con Access Jauregui mencionó que el álbum tiene mayor influencia de música alternativa, R&B de los años 90 y sonidos dance.40 También a comentado que todos los temas han sido compuestos por ella.41
Activismo
Jauregui ha hecho pública sus posturas políticas y ha participado activamente en las protestas.42 En 2016 escribió varias cartas sobre las Elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016, criticando abiertamente a Donald Trump y sus políticas, incluida la "prohibición musulmana", calificándola de "irrespetuosa con la humanidad".4344
Jauregui escribió una carta abierta a los miembros del Partido Republicano, que fue publicada por la revista Billboard el 18 de noviembre de 2016, declarando que ella es bisexual y llamó a los seguidores de Trump: "sus acciones han llevado a la destrucción de todo el progreso que hemos hecho socialmente como nación, con una sola mano".45 La cantante también se ha auto-proclamado feminista.46
El 12 de marzo de 2017, Jauregui participó junto a Amani Al-Khatahtbeh de la discusión titulada "Las personas no son ilegales: la importancia de la inmigración y el asilo" organizada por Teen Vogue y Urban Outfitters, que buscó concienciar sobre dicho tema y donde se discutió sobre las elecciones de los Estados Unidos, la inmigración, el racismo y los derechos humanos.474849
En agosto de 2017, la cantante siguió utilizando su voz activamente y realizó una entrevista para la revista norteamericana Complex donde aseguró que se negaba a quedarse en silencio sobre problemas que le interesan, incluyendo las relaciones raciales, haciendo hincapié en las declaraciones del presidente Trump sobre la marcha de supremacistas blancos en Charlottesville, Virginia,5051 la prohibición de personas transgénero en las fuerzas militares y el ataque a los derechos de la mujer.52
El 30 de marzo de 2018 formó parte del "CAST on Tour" organizado por la cantante Demi Lovato junto con la Fundación CAST, cuyo propósito es crear conciencia sobre las enfermedades mentales.5354
Discografía
Chandler Riggs (Atlanta, Georgia; 27 de junio de 1999) es un actor estadounidense, conocido por su papel de Carl Grimes en la serie de AMC The Walking Dead (2010–2018).
Primeros años[editar]
Riggs nació en Atlanta, Georgia, hijo de Gina Ann-Riggs y William Riggs,345 tiene un hermano menor, Graysonina. Estudió baile durante varios años con el finalista de So You Think You Can Dance, Zack Everhart.6
Carrera[editar]
Riggs interpretó a un Munchkin en su debut en el teatro musical, en la producción El mago de Oz de la compañía Fox Theater en Atlanta. En 2009, cuando tenía nueve años de edad, actuó en la película Get Low, interpretando a Tom.
A los 10 años, obtuvo su papel más importante hasta la fecha: Carl Grimes en la serie televisiva The Walking Dead, transmitida por la cadena AMC. En la serie, Grimes, su familia y sus amigos luchan por sobrevivir en un mundo apocalíptico repleto de zombis. La serie ha sido un éxito de audiencia y ha roto varios récords de número de espectadores. Riggs había trabajado anteriormente con la productora ejecutiva del programa Gale Anne Hurd, en The Wronged Man.
En 2012 y 2013, fue nominado para el Young Artist Award en la categoría mejor actor protagonista joven por su papel en la serie, y en 2015 ganó el premio Saturn, por el mismo rol.
Riggs apareció en la película de suspenso sobrenatural Mercy de Blumhouse Productions en 2014 y en la película de terror Voltage Pictures, Keep Watching en 2017. 67 En 2017, Riggs lanzó su primera canción "Hold Up" bajo su nombre artístico "Eclips" en diciembre de ese año.8 Ese mismo mes, fue elegido para la película de suspenso y crimen Inherit the Viper.9 Interpretó el papel de Cooper en la película, que se estrenó en 2019.1011 También protagonizó la película de suspenso de ciencia ficción Alone en 2019. En enero de 2019, Riggs fue elegido como PJ para una trama de varios episodios en la serie dramática de primer año de ABC A Million Little Things.12 Riggs revelo que su personaje regresera a la segunda temporada.13
2001:
Muere Jack
Lemmon, actor y director estadounidense (nacido en 1925).
John Uhler Lemmon III (Newton, Massachusetts, 8 de
febrero de 1925 - Los
Ángeles, California, 27
de junio de 2001),
conocido como Jack Lemmon, fue un actor estadounidense.
Ganó dos Premios Óscar de
ocho nominaciones: el primero en 1955,
por la película Escala
en Hawaii como mejor actor de reparto; y el segundo, en 1974,
por Salvad al tigre como
mejor actor.
Biografía[editar]
Años 1950[editar]
Empezó interpretando a personajes secundarios en películas como el musical cómico-dramático Marino al agua (1953), La rubia fenómeno (1954), Pfhht! (1954), Mi hermana Elena (1955), Fuego escondido (1957) o Cowboy (1958). Por su trabajo en Escala en Hawaii (1955) gana su primer premio Óscar, en este caso al mejor actor secundario.
En Operación Gran baile (1957) obtuvo su primer papel coprotagonista y en Me enamoré de una bruja (1958) compartió cartel con Kim Novak y James Stewart. Pero, fue con Con faldas y a lo loco (1959) cuando empezó su éxito y también su primera película con el que sería su director fetiche: Billy Wilder. En ella se travestía de cantante junto con Tony Curtis para esconderse de unos pandilleros que querían asesinarles. Una vez en sus nuevas identidades conocen a una ingenua cantante, interpretada por Marilyn Monroe, y el personaje de Curtis se enamora de ella.
Años 1960[editar]
Supuso su gran momento, en cuanto a popularidad y a reconocimiento por parte de la crítica. El apartamento (1960), junto a Shirley MacLaine y Fred MacMurray, puso de relieve la maestría de este actor para dominar los matices de un personaje tan sencillo, pero rico en matices. La película ganó varios Oscar y Jack Lemmon ya era conocido por todos.
Su siguiente película importante fue Días de vino y rosas (1962), dirigida por Blake Edwards. Un melodrama sobre el alcoholismo que protagoniza junto a Lee Remick y Charles Bickford. Después interpretó al protagonista de la comedia La misteriosa dama de negro (1962), nuevamente con el director Richard Quine y Kim Novak. En 1963, tres años después repite papel protagonista junto a Shirley MacLaine en Irma la dulce.
Pero, su carrera cambió en 1966. Lemmon y Walter Matthau llevaron al cine En bandeja de plata (1966), y todo cambió. La película fue un éxito rotundo y se convirtieron en una pareja de cine inseparable. Billy Wilder volvió a dirigirles en Primera plana (1974) y Aquí un amigo (1981).
Años 1970 y 1980[editar]
Por su actuación en Salvad al tigre (1973) ganó su único premio Óscar como mejor actor principal; en realidad este galardón hay que considerarlo tardío o de consolación porque Lemmon había tenido papeles muy superiores en la década anterior.
En esta época inició su madurez interpretativa como actor, con incursiones en un cine más comprometido y dramático que antaño. A modo de ejemplos: El prisionero de la segunda avenida (1975) y El síndrome de China (1979).
Volvió a estar nominado al Oscar por su papel en Desaparecido (1982), basado en la historia real del periodista estadounidense Charles Horman. También actuó en la obra de teatro Long Day's Journey into Night (1986) y de televisión El asesinato de Mary Phagan (1988).
Años 1990[editar]
En su última etapa redujo su actividad, aunque participó en filmes de prestigio, como JFK (1991) de Oliver Stone, Éxito a cualquier precio (Glengarry Glen Ross) de James Foley, Short Cuts (1993) de Robert Altman y Hamlet de Kenneth Branagh.
En 1996 le fue otorgado el Oso de oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en agradecimiento a toda su carrera.
En 1998, durante la ceremonia de los Globo de Oro, el actor Ving Rhames resultó vencedor frente a su gran ídolo, Jack Lemmon, y decidió entregarle su premio como reconocimiento a su gran carrera. Acto seguido, todos los asistentes a la gala se pusieron en pie para aplaudir tan noble gesto.
Muerte[editar]
Murió el 27 de junio de 2001, en Los Ángeles, tras haber luchado en privado durante dos años con un cáncer de vejiga metastásico (que algunas fuentes citan erróneamente como colorrectal, aunque efectivamente se extendió a este órgano).2 Está inhumado en el Westwood Village Memorial Park en Westwood, muy cerca de las tumbas de sus amigos Walter Matthau (que murió un año casi exacto antes) y Billy Wilder.3
Su epitafio simplemente reza: «JACK LEMMON in, es decir, «JACK LEMMON en»; como si de los créditos de una película se tratase.4
John Alec Entwistle (Chiswick,1 Londres, Inglaterra, 9 de octubre de 1944-Las Vegas, Nevada, Estados Unidos, 27 de junio de 2002) fue un músico, compositor y productor británico, más conocido por su trabajo como bajista del grupo británico de Rock The Who. Fue el único miembro del grupo en tener una formación musical formal, y su sonido característico influyó a otros bajistas de Rock.2 Entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de The Who en 1990.
Entwistle logró hacer que el bajo pasara de ser mero acompañante rítmico a ser un elemento con vida propia, capaz de aportar un sonido diferencial en una canción, su técnica ha influido a una cantidad de bajistas como Geddy Lee de Rush, Steve Harris de Iron Maiden, Michael Anthony de Van Halen y Adam Clayton de U2.
En 2011, Entwistle fue seleccionado como el mejor bajista de todos los tiempos en una encuesta elaborada por lectores de la revista Rolling Stone.3 En el mismo sentido, The Biography Channel denominó a Entwistle el mejor bajista y comentó que hizo por el bajo lo mismo que Jimi Hendrix por la guitarra.4 John tenía un ritmo de acompañamiento muy similar al de Steve Harris de Iron Maiden y al de John Paul Jones de Led Zeppelin[cita requerida].
Biografía[editar]
Infancia y raíces musicales[editar]
John Alec Entwistle nació el 9 de octubre de 1944 en Chiswick, un suburbio de Londres, hijo de Herbert y Queenie Maud.5 El matrimonio de sus padres se deterioró poco después de su nacimiento, y creció con sus abuelos en South Acton.6 El divorcio era poco común en la sociedad inglesa de la década de 1940, lo cual contribuyó a que Entwistle fuera reservado y sociabilizase poco.7
Su carrera musical comenzó con siete años, cuando comenzó a tomar lecciones de piano. Dado que no disfrutó de la experiencia, y después de entrar en la Acton County Grammar School con once años, cambió a la trompeta.7 y poco después al corno francés cuando se unió al Middlesex School's Symphony Orchestra.6 En su segundo año de escuela conoció a Pete Townshend, y juntos formaron The Confederates, una banda de jazz tradicional. El grupo solo tocó una vez, antes de decidir que el Rock and Roll era más atractivo.8 Entwistle, en particular, tenía dificultad en escuchar su trompeta dentro del grupo, por lo que decidió pasar a tocar la guitarra. Sin embargo, acabó por coger el bajo como instrumento principal.9 Fabricó su propio instrumento en casa, y al poco tiempo atrajo la atención de Roger Daltrey, que había estado en Acton County pero había abandonado la escuela para trabajar. Daltrey era consciente de la reputación de Entwistle y le pidió que se uniera como bajista a su banda, The Detours.10
Con The Who[editar]
Después de unirse a The Detours, Entwistle desempeñó un papel importante en introducir a Pete Townshend en el grupo. Finalmente, Daltrey despidió a todos los miembros de su banda, a excepción de Entwistle, Townshend y el batería, Doug Sandom, aunque en el caso de Sandom fue solo porque aún no había encontrado un batería con suficiente talento para reemplazarlo. Tras la entrada de Keith Moon en el grupo, Daltrey cedió el papel de guitarrista a Townshend y se convirtió en el líder y vocalista. El grupo sufrió varios cambios en su nombre, y temporalmente tocó como The High Numbers, antes de llamarse The Who.11
Entwistle tuvo dos apodos durante su carrera como músico. Fue apodado «The Ox» debido a su fuerte constitución física y a la aparente capacidad de «comer, beber o hacer algo más que el resto». También fue apodado «Thunderfingers». Bill Wyman, bajista de The Rolling Stones, lo describió como «el hombre más tranquilo en privado, pero también el hombre más ruidoso en el escenario».
El sentido del humor irónico y a veces negro de Entwistle contrastó con el trabajo más introspectivo de Townshend dentro de The Who. A pesar de que contribuyó con composiciones propias a todos los discos del grupo, con la excepción de Quadrophenia, se vio frustrado por tener que renunciar a cantar las canciones en favor de Daltrey. Según Entwistle: «Tenía un par de canciones por disco, pero mi problema era que quería cantar las canciones y no dejárselas a Roger». Su actitud motivó en parte que Entwistle fuera el primer miembro de The Who en emprender una carrera en solitario paralela a la del grupo, con el lanzamiento de Smash Your Head Against the Wall en 1971, poco después de la publicación de Who's Next.
Fue también el único miembro del grupo con una formación musical formal. Además de tocar el bajo, contribuyó tocando instrumentos como la trompa, la trompeta y el arpa de boca, entre otros. También dobló varias pistas de instrumentos de viento para crear la sección de metales en canciones como «5.15», y arregló secciones de vientos para tocar en directo con el grupo.
Sus influencias incluyen a Duane Eddy y Gene Vincent, y a bajistas de soul y R&B como James Jamerson (otro bajista pionero), al igual que sus lecciones de corno francés, piano y trompeta. Entwistle suele aparecer en los primeros puestos de las listas de "Mejores bajistas" de diversas revistas especializadas; en el año 2000, los lectores de la revista Guitar lo declararon "Bassist of the Millennium" ("Bajista del Milenio").
2008:
Muere Michael
Turner, ilustrador estadounidense (nacido en 1971).
Michael Layne
Turner (21 de abril de 1971 - 27 de junio de 2008) era un dibujante de comics y
presidente de la compañía Aspen MLT.
2010:
Muere Rafael Ferro García, compositor, director musical y arreglista
español.
Para el gran público era un
perfecto desconocido, pero Rafael Ferro García (Madrid, 1943) gozaba de gran
respeto entre los profesionales de la música melódica como compositor, director
musical y arreglista de Julio Iglesias. Era miembro de la Sociedad General de
Autores (SGAE) desde 1960 y tenía registradas más de 300 canciones; entre
ellas, El baúl de los recuerdos (Karina), Me olvidé de
vivir (Julio Iglesias) o Volverás, de Mocedades. Falleció el 27
de junio en su casa de Villajoyosa (Alicante), por un fallo cardiaco, a los 67
años.
Era un arreglista elegante,
discreto y eficaz, de los que colocaba siempre la voz del artista en primer
plano. "Sabía hacer las cosas sencillas y comerciales, con adornos
efectivos que no llamaran en exceso la atención", le glosaba ayer el cantante,
compositor y amigo Juan Erasmo Mochi, con quien compuso docenas de obras en los
años sesenta. Los dos "abandonaban mujeres e hijos" y se encerraban
dos o tres semanas en un chalet que Ferro poseía en Alpedrete, en la sierra
madrileña. Cada vez que acababan una canción, lo celebraban con un partidillo
de tenis. "Yo era muy popular gracias al programa Escala en
Hi-Fi, así que toda la chiquillería del pueblo iba a los partidos y hacía
de recogepelotas", rememoraba Mochi.
A principios de los setenta,
cuando Julio Iglesias fichó por la discográfica CBS, Ferro se convirtió por
contrato en su director musical, de giras y grabaciones. Poco después se
incorporó a ese equipo Ramón Arcusa, del Dúo Dinámico. Ferro fijó la residencia
en Miami -allí nacieron sus dos hijas, fruto de su matrimonio con Helga, de
origen danés- y se mantuvo como fiel aliado de Iglesias hasta su fallecimiento.
De hecho, fue en un reciente concierto de Julio en Dallas cuando sufrió un
primer amago de infarto. Padecía hipertensión congénita y vio oportuno viajar
unos días a Alicante para descansar, pero le sorprendió la muerte.
Mochi le recuerda como un
hombre vitalista, "vacilón y capaz de reírse de todo". Su carácter
extrovertido le costó un serio disgusto a mediados de los ochenta cuando, en un
control rutinario de extranjería en el aeropuerto de Miami, empezó a hacer comentarios
jocosos sobre la policía sin sospechar que el agente entendía el castellano. Lo
devolvieron a España con un sello de "persona non grata" en el
pasaporte. "Julio tuvo que interceder ante su amigo Ronald Reagan,
entonces presidente de EE UU, para que le concedieran la residencia a Rafael y
eliminasen la indicación del pasaporte", relataba su amigo.
Ferro y Mochi habían
reeditado hace poco su vieja sociedad musical. Quedaron una tarde en Madrid
para comprobar si aún quedaba química creativa entre ellos y en pocas horas
remataron tres nuevas piezas. La más prometedora tiene un título que hoy suena
premonitorio: Maldita la hora. "No nos dio tiempo a pensar en
qué intérprete sería el más indicado para ponerle voz", se lamentaba
Mochi, "pero espero encontrar a alguien que la convierta en el mejor
homenaje a Rafael tras su desaparición".
Corey Allen (29 de junio de 1934 – 27 de junio de 2010) fue un director y actor cinematográfico y televisivo de nacionalidad estadounidense. Empezó su carrera como actor, aunque finalmente se hizo director televisivo. Es quizás más conocido por interpretar a Buzz Gunderson en la película de Nicholas Ray Rebelde sin causa (1955),1 siendo Allen el último superviviente del reparto del film.
Biografía[editar]
Su verdadero nombre era Alan Cohen, y nació en Cleveland, Ohio. Tras mudarse su familia a California, estudió en la Universidad de California en Los Ángeles, donde se inició en la actuación, consiguiendo el título de Bachelor of Arts en 1954.2
Allen consiguió la notoriedad interpretando al líder de una banda, Buzz Gunderson, en el film de Nicholas Ray de 1955 Rebelde sin causa, protagonizado por James Dean. En la película, durante una escena de lucha con cuchillos, Allen y Dean, seguidores de la técnica de actuación de El Método, usaron armas reales, resultando Dean herido por Allen.234
Antes de esa interpretación, Allen había hecho algunos papeles menores en el cine, pudiendo ser visto en The Chapman Report, Darby's Rangers, Juvenile Jungle, Party Girl y Sweet Bird of Youth, además de en las series televisivas Bonanza, Dr. Kildare y Perry Mason.3
En el área de Los Ángeles se involucró en diferentes proyectos teatrales, creando la compañía itinerante Freeway Circuit Inc. en 1959 y Actors Theater en 1965. También se dedicó a la enseñanza teatral, colaborando con The Actors Workshop.3
Allen se dedicó a la dirección a partir de la década de 1960, trabajando en producciones televisivas como Hawaii Five-O, Hill Street Blues, Ironside, Mannix, Murder, She Wrote, La mujer policía, The Rockford Files, Star Trek: la nueva generación y The Streets of San Francisco.2 En 1984 ganó un Premio Emmy por la dirección de un episodio de Hill Street Blues.5
Corey Allen falleció a causa de complicaciones de una enfermedad de Parkinson en 2010 en Hollywood, California, dos días antes de cumplir los 76 años. Fue enterrado en el Cementerio Hillside Memorial Park en Culver City, California.2
2015:
Muere Chris Squire, bajista y vocalista británico.
Christopher Russell Edward Squire (Kingsbury, 4 de marzo de 1948-Phoenix, 27 de junio de 2015),12345 más conocido
como Chris Squire, fue el bajista y vocalista de
coros del grupo de rock progresivo británico Yes, y fue el único miembro
del grupo que apareció en todos los álbumes editados por el grupo (miembro
fundador con Jon
Anderson,
quien aparece en todos menos en tres).
Índice
[ocultar]
§ 1.2.4XYZ
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Chris Squire nació en Kingsbury,
un suburbio al noroeste de Londres, Inglaterra, y recibió sus primeras
instrucciones musicales en un coro de iglesia cuando era pequeño. En 1964 fue
expulsado de la escuela por tener el pelo largo y nunca más volvió a ella.
Las primeras influencias de Squire fueron diversas, abarcando
desde la música coral y de la iglesia hasta el sonido de Merseybeat de principios de los 60.
Carrera musical[editar]
Syn y Mabel Greer's Toyshop[editar]
Los primeros grupos musicales de Squire fueron Syn,
y posteriormente Mabel Greer's Toyshop, que le servirían para
introducirlo junto con la colaboración de Peter Banks y Jon Anderson en los inicios
de Yes.
Carrera con Yes[editar]
La carrera de Squire se concentró principalmente en Yes. Squire
es, de hecho, el único miembro que se mantuvo en la formación de Yes desde su
fundación en 1969. Como Squire, junto con Alan White y Trevor Rabin consiguieron el
nombre de "Yes", los integrantes de ABWH (integrados por Anderson, Bruford, Wakeman y Howe) no pudieron grabar bajo ese nombre.
Fish out of water[editar]
En 1975, Squire editó su primer y único trabajo solista
fue Fish Out
of Water, una grabación del estilo de Relayer de Yes, donde participan Bill Bruford en batería y Patrick Moraz en teclados.
XYZ[editar]
Posterior a la edición del disco Drama con Yes, Squire
formó la banda XYZ, junto al
baterista Alan White, proveniente de Yes y al guitarrista Jimmy Page, proveniente de Led Zeppelin. La agrupación se disolvió sin alcanzar
a editar ningún material discográfico, sin embargo, parte del repertorio de la
banda fue utilizado más tarde, en posteriores trabajos discográficos de Yes.
90125[editar]
Squire fue el responsable de traer al guitarrista Trevor Rabin en el proyecto de
banda "Cinema", quién más tarde sería integrante de Yes durante la
década de los 80. El primer disco de esta nueva formación de Yes fue el
álbum 90125. Más adelante le
sucederían otros trabajos, tales como Big Generator en 1987 o Talk en 1994.
Conspiracy[editar]
Squire se reunió con el guitarrista de Yes Billy Sherwood en un proyecto
paralelo llamado Conspiracy. El álbum debut de esta banda contuvo
la base de varias canciones que aparecieron en álbumes recientes de Yes. La
última grabación de Squire es The Unknown de Conspiracy,
reeditada en 2003.
Muerte[editar]
Chris Squire falleció el 27 de junio de 2015, a los 67 años, en
la ciudad de Phoenix, Arizona,4 como consecuencia de
una leucemia eritroide.23 El deceso se produjo a
tan sólo un mes de la revelación de su enfermedad. La noticia fue confirmada en
la página oficial en Facebook de Yes:34
"Es con el más sentido pésame y una tristeza insoportable
que debemos informarles del fallecimiento de nuestro querido amigo y
co-fundador de Yes, Chris Squire. Chris falleció de manera apacible ayer por la
noche en Phoenix, Arizona."5
Además, en su cuenta de Twitter, el tecladista Geoff Downes declaró:
"Totalmente devastado, más allá de las palabras, por tener
que informar la triste noticia sobre la muerte de mi querido amigo, compañero
de banda e inspiración, Chris Squire."23
2016:
Muere Bud
Spencer, actor italiano (nacido en 1929).
Carlo Pedersoli, más
conocido como Bud Spencer (Nápoles, 31
de octubre de 1929 - Roma, 27
de junio del 2016),1 fue
un actor, guionista, productor cinematográfico, cantante y compositor italiano.
Fue también campeón italiano de natación y
participó en tres Juegos Olímpicos. Es
más conocido por sus colaboraciones en películas del género spaghetti
western, en las que formó dúo con Terence
Hill, también actor italiano.
2016:
Muere Alvin
Toffler, escritor y futurista estadounidense (n. 1928).
Alvin Toffler (Nueva
York, 3 de
octubre de 1928-Los
Ángeles, 27
de junio de 20161 )
fue un escritor y futurista estadounidense,
doctorado en Letras, Leyes y Ciencia, conocido por sus discusiones acerca de la
revolución digital, la revolución de las comunicaciones y la singularidad tecnológica.
Sus primeros trabajos están enfocados a la tecnología y
su impacto (a través de efectos como la sobrecarga informativa).
Más tarde se centró en examinar la reacción de la sociedad y
los cambios que ésta sufre. Sus últimos trabajos han abordado el estudio del
poder creciente del armamento militar
del siglo XXI, las armas y la
proliferación de la tecnología y
el capitalismo. Entre sus publicaciones
más famosas destacan La revolución de la riqueza, El cambio de poder, El shock del futuro y La
tercera ola. Estaba casado con Heidi Toffler, también
escritora y futurista, con quien residió en Bel
Air, Los
Ángeles.
2017:
Muere Valentín Pimstein,
productor chileno de telenovelas mexicanas (n.1925).
Valentín Pimstein Weiner (Santiago de Chile, 9 de agosto de 1925-Ibídem, 27 de junio de 2017)2 fue un productor chileno de telenovelas
mexicanas; pionero del género de la novela rosa para la cadena
mexicana Telesistema Mexicano,
en la actualidad Televisa, fueron él y Ernesto Alonso los primeros
productores de telenovelas mexicanas.
Índice
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Datos biográficos[editar]
Nació en una familia ruso-judía,3 propietaria de
una vidriería en el Barrio Brasil, en Santiago de Chile. Su afición por las
historias románticas y melodramáticasnació
bajo el alero de su madre, una asidua consumidora de radionovelas y cine mexicano y se desarrolló de
forma paralela con su interés por el teatro.
Tras cumplir la mayoría de edad, decidió salir de su país natal
en busca de aventuras. Así llegó a México, donde se convirtió en
asistente de dirección de un estudio cinematográfico de día y auxiliar de un club nocturno. Allí, conoció a Emilio Azcárraga Milmo, en ese momento propietario de Telesistema Mexicano.
Gracias a sus conexiones con el cine, logró llegar a trabajar en
esa empresa, donde creó y produjo las primeras telenovelas mexicanas a comienzos
de la década de
1960.
Entre otras, produjo El amor tiene cara de mujer, Mundo de juguete, Pobre Clara, Barata de primavera, La venganza, Rina, Doménica Montero y Vivianamarcó
la década de
1970.
Con su telenovela Los ricos también lloran, comenzó la internacionalización de las
telenovelas mexicanas.
En la década de 1980, lanzó a las
actrices Lucía Méndez, Verónica Castro, Angélica Aragón, Edith González y Victoria Ruffo, quienes fueron
protagonistas de telenovelas como Colorina, Soledad, El hogar que yo robé (Angélica María, quien para esas fechas ya llevaba muchos éxitos en su
carrera), Vanessa, Chispita, Bianca Vidal, Amalia Batista, La fiera, Vivir un poco, Monte Calvario, Rosa salvaje y Carrusel.
Comenzó la década de 1990 produciendo
telenovelas como Simplemente María, La pícara soñadora y María Mercedes. En 1994 asumió el cargo de vicepresidente de telenovelas
en Televisa, desde donde supervisó
el trabajo de un grupo de productores jóvenes, que hoy en día ocupan altos
cargos en la empresa y entre los que se encontraban: Juan Osorio Ortiz, Pedro Damián, Angelli Nesma Medina, José Alberto Castro, su propia hija Verónica Pimstein, Lucero Suárez, Martha Patricia López de Zatarain, Salvador Mejía Alejandre, Nicandro Díaz González e Ignacio Sada Madero. Paralelamente, ocupó el cargo de consejero en la presidencia
del consorcio televisivo.
Desde estas plataformas, intentó llevar a prestigiosos escritores chilenos a los guiones de teleseries, como José Donoso, Antonio Skármeta y Sergio Vodanovic. Sin embargo, sus
planes quedaron truncos con su renuncia a Televisa en 1997, tras
verse obligado a dejar sus altos cargos ejecutivos en la empresa, a lo que
siguió la muerte de Emilio Azcárraga Milmo y la consiguiente llegada de una
nueva administración a Televisa, con la que él no logró
entenderse.
Desde ese momento, y hasta la fecha de su muerte, alternó
residencia entre Chile, Estados Unidos y España. Falleció en Santiago de Chile el 27 de junio de 2017.
Vida familiar[editar]
Conoció a Victoria Ratinoff en 1964 y se casó con ella ese mismo año.3 Tuvieron tres hijos:
Víctor, Verónica y Viviana.4
Relevancia de su trabajo[editar]
Pimstein fue conocido como El padre de la novela rosa,
porque la mayoría de sus historias trataban de amor, pero el rasgo más
característico fue que en sus historias podía pasar cualquier cosa, por más
inverosímil que pareciera.5
La periodista Tere Vale lo homenajeó con el libro Valentin Pimstein: Una vida de telenovela (2016),
editado por Miguel Ángel Porrúa, donde se muestra el alma romántica de México a través de sus
telenovelas. Pimstein marcó un antes y un después, al transformar este género
en un reflejo de pasiones de varias generaciones de televidentes. Su
personalidad abrumadora, su talento y su tenacidad llevaron la telenovela rosa
a traspasar fronteras y a convertirse en una verdadera embajadora de la cultura popular mexicana.67
2020:
Muere Linda Cristal, actriz argentino-estadounidense.
Linda Cristal (nacida Marta Victoria Moya Peggo Bourgés; Rosario, Santa Fe;78 23 de febrero de 1931-Beverly Hills, California; 27 de junio de 2020)91011 fue una actriz argentino-estadounidense. Apareció en varias películas western durante la década de 1950, antes de ganar un Globo de Oro por su actuación en la película de comedia de 1958 Vacaciones sin novia.
De 1967 a 1971, Cristal interpretó a la bella y sensual Victoria Cannon en la serie de NBC El Gran Chaparral. Por su actuación ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de serie de televisión - drama en 1970, y recibió dos nominaciones a los premios Emmy.
Primeros años[editar]
Los sucesos de la infancia y adolescencia de esta actriz que nació en 1931 con el nombre de Marta Victoria Moya sólo se conocen por su boca y son contradictorios, tanto de su autobiografía (fragmento12) como de las entrevistas.
Su padre, Antonio Moya, era un editor de revistas italiano, y su madre era francesa, de apellido Bourgés.135Todavía no iba a la escuela (que en Argentina en esa época empezaba a los seis años) cuando sus padres huyeron con ella a Montevideo (Uruguay).14Siendo una niña inició estudios de actuación y piano.15En 1947 ―cuando tenía 13 años― los tres tuvieron un gravísimo accidente de tránsito, y ella fue la única sobreviviente.516En su momento se consideró que el accidente había sido un pacto de suicidio, aunque la actriz ha declarado que su madre era diabética y posiblemente sufrió un desmayo debido a la caída de la glucosa en la sangre.14
Lo anterior se contradice con una lista de pasajeros de un vapor que partió el 3 de junio de 1947 de Montevideo a Buenos Aires, donde dice: "Antonio Moya, 51 años, español; Rosario P. de Moya, 46 años, española; Marta V. Moya, 16 años".11
En 1950 se casó con el actor Tito Gómez. Viajaron a México, pero dos semanas después de llegar se separaron y Linda Cristal hizo anular el matrimonio.15
Carrera[editar]
Desde los 16 años de edad hizo pequeños papeles en películas mexicanas.16En la época en que filmó la película de terror La bestia magnífica (1953) su productor Raúl de Anda le inventó el seudónimo Linda Cristal.17«Linda, que significa ‘hermosa’, y Cristal, porque su piel es tan perfecta como el cristal».18
Debutó en Hollywood a mediados de los años cincuenta.16Al principio no hablaba una palabra de inglés. Con sus padres había aprendido a hablar perfectamente el español, el italiano y el francés.5Su primer papel en inglés fue en la película del oeste Comanche (1956), dirigida por George Sherman y protagonizada por Dana Andrews, donde representó a Margarita.
En marzo de 1958 conoció al petrolero e industrial Robert W. Bob Champion, cuando ambos viajaron desde California a La Habana, invitados por Conrad Hilton a la inauguración de su hotel en la capital cubana (la apertura fue el 19 de marzo de 1958).19La actriz Ann Miller los presentó cuando el avión ya estaba descendiendo. Fue un amor a primera vista. Champion era medio hermano del bailarín y actor Gower Champion, aunque ya no estaban en contacto. Champion vivía regularmente en Caracas (Venezuela).20El 24 de abril de 1958, Linda Cristal se casó en secreto con Bob Champion en Pomona (California). Un juez de paz llevó a cabo la ceremonia. Ella tenía 23 años, él 34.
El 6 de mayo de 1958, Linda Cristal anunció en Hollywood su «compromiso» con Champion, y dice que todavía no habían fijado una fecha definitiva para la boda, pero que no sería antes de julio. Cuando Cristal terminó su siguiente película, The Hell Bent Kid, recién entonces tuvieron una verdadera luna de miel, en Acapulco (México). La piedra de su anillo de compromiso era un diamante amarillo de 10,5 quilates (con un diámetro de 14 mm).20A finales de mayo de 1958 el columnista Earl Wilson informó que ella y Champion en realidad se habían casado en Colton (California) el 24 de abril.20
En marzo de 1959, ella y Champion se separaron después de 11 meses. Ella adujo que las causas de la ruptura eran su carrera en Hollywood y el trabajo de él en Venezuela, que los mantenía separados.20En abril de 1959, Cristal asistió al estreno de la película El diario de Ana Frank con el director Hugo Fregonese, el exesposo de Faith Domergue.20En octubre de 1959, los amigos de Cristal predijeron que tan pronto como Cristal se divorciara de Champion definitivamente ella se casaría con el músico Buddy Bregman, que casi se había casado con Anna Maria Alberghetti.20El 9 de diciembre de 1959 se divorciaron en Santa Mónica (California) después de menos de un año de matrimonio. Ella denunció «crueldad mental», y él no la refutó.20
Tuvo romances con John Saxon, Cary Grant, Rock Hudson21 y Adam West ―el protagonista de la serie televisiva Batman―, con quien en enero de 1968 viajó a Uruguay al Festival de Cine de Punta del Este.22 En ese año Linda y Adam visitaron el programa televisivo "Sábados Circulares", por Canal 13 de Buenos Aires, siendo entrevistados por su conductor Nicolás "Pipo" Mancera. En ningún momento la nota referida al Festival de Mar del Plata de 1960 nombran ni a Linda Cristal ni a Adam West.23A fines de 1960 se casó con Yale Wexler. A fines de 1961 se retiró del mundo del espectáculo durante un tiempo para criar a sus dos hijos.
Salió de su retiro cuando se convirtió en el último miembro del reparto que se añadió a la serie de NBC The High Chaparral (1967-1971). David Dortort había audicionado actrices durante tres semanas, buscando una mujer con buena apariencia y una personalidad ardiente que pudiera dar vida a la aristocrática «Victoria Montoya». Casi había perdido la esperanza de encontrar algún día a la actriz adecuada cuando Cristal se enteró. Su agente pensó que el papel ya había sido elegido, pero ella le pidió que lo comprobara y él descubrió que todavía estaba abierto.24
En 1978 escribió una historia semiautobiográfica acerca del abuso infantil.6
En 1985 volvió a Argentina para participar en la telenovela Rossé.25
Ganó tres premios Golden Globe Awards por El Gran Chaparral, siendo la primera en recibir e inaugurar el premio "Best TV Actress" – Drama en 1969 y fue nominada dos veces al Emmy.6
Filmografía[editar]
- 1952: Cuando levanta la niebla (sin acreditar).
- 1953: Fruto de tentación, como Julia (sin acreditar).
- 1953: El lunar de la familia, como Rosita.
- 1953: La bestia magnífica (lucha libre) (sin acreditar).
- 1953: Genio y figura, como Rosita.
- 1954: Con el diablo en el cuerpo.
- 1955: El siete leguas, como Blanca.
- 1955: La venganza del Diablo (sin acreditar).
- 1956: Comanche, como Margarita (acreditada como Miss Linda Cristal).
- 1956: Enemigos, como Chabela.
- 1957: El diablo desaparece.
- 1958: The Last of the Fast Guns, como María O’Reilly.
- 1958: The Fiend Who Walked the West, como Ellen Hardy.
- 1958: The Perfect Furlough (Vacaciones sin novia), de Blake Edwards; como Sandra Roca, the Argentine Bombshell.
- 1959: Rawhide (serie de televisión), como Louise; episodio «Incident of a burst of evil».
- 1959: Siete pecados, como Irene.
- 1959: Cry Tough, como Sarita.
- 1959: Le legioni di Cleopatra (Las legiones de Cleopatra), de Vittorio Cottafavi; como Cleopatra alias Berenice.
- 1960: El Álamo, como Flaca; este papel fue pedido por el protagonista, John Wayne.
- 1960: La donna dei faraoni (La mujer de los faraones), como Akis.
- 1961: The Tab Hunter Show (serie de televisión; episodio «Holiday in Spain»), como la Gitana (una matadora).
- 1961: Two Rode Together (Misión de dos valientes), como Elena de la Madriaga; coprotagonizó con James Stewart.
- 1963: Alcoa Premiere (serie de televisión; episodio «The hat of sergeant Martin»), como Teresa.
- 1963: General Hospital (serie de televisión), como Dimitra Antonelli.
- 1963: Le verdi bandiere di Allah, como Olivia.
- 1964: Viaje al fondo del mar (serie de televisión; episodio «The city beneath the sea»), como Melina.
- 1966: T.H.E. Cat (serie de televisión; episodio «Moment of Truth»), como Serafina.
- 1967: Iron Horse (serie de televisión; episodio «The passenger»), como Ángela Terán.
- 1968: Panic in the city, como Dr. Paula Stevens.
- 1967-1971 El Gran Chaparral (serie de televisión; 97 episodios), como Victoria Cannon.
- 1971: Cade's County (serie de televisión; episodio «A gun for Billy), como Celsa.
- 1971: Bonanza (serie de televisión; episodio «Warbonnet»), como Teresa.
- 1972: Call holme (película de televisión), como Phadera Hayes.
- 1972: Search (serie de televisión; episodio «Flight to nowhere»), como Antonia Bravo.
- 1974: El chofer (telenovela mexicana), como Julia; con el actor mexicano Jorge Rivero.
- 1974: Mr. Majestyk, como Nancy Chávez, con Charles Bronson.
- 1974: Police Story (serie de televisión; episodio «Across the line»), como Estrella Rodríguez.
- 1975: The Dead Don’t Die (película de televisión), como Vera LaValle.
- 1977: Love and the Midnight Auto Supply, como Annie.
- 1979: Barnaby Jones (serie de televisión; episodio «Homecoming for a dead man»), como Patricia Simmons.
- 1980: Condominium (película de televisión), como Carlotta Churchbridge.
- 1981: El crucero del amor (serie de televisión; episodio «The duel/Two for Julie/Aunt Hilly»), como Evita Monteverde.
- 1981: La isla de la fantasía (serie de televisión; episodio «Paquito's birthday»), como Consuelo López.
- 1985: Rossé (Telenovela argentina), como Victoria Wilson (Rossé); con Daniel Guerrero, Luis Dávila y Gustavo Bermúdez.
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