El 7 de junio es el 158.º (centésimo quincuagésimo octavo) día del año en el calendario gregoriano y el 159.º en los años bisiestos. Quedan 207 días para finalizar el año.
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2015:
Muere Christopher Lee, actor
británico (n. 1922).
Christopher Frank Carandini Lee (Londres, 27 de
mayo de 1922 - Ib., 7 de junio de 2015)12 fue un actor y músico inglés. Su gran
afición al deporte, así como su altura (medía 1,96 metros), le dieron un físico
muy reconocible. Interpretó sobre todo a villanos y participó en unas 250
producciones desde el año 1948. Estuvo encasillado varios años en películas de
terror al interpretar al Conde Drácula. Continuó activo hasta el final
de su vida, a pesar de la avanzada edad que alcanzó, e incluso durante su
última década su carrera recibió un renovado impulso con papeles en éxitos de taquilla, como el de Saruman en las películas de El Señor de los Anillos y El hobbit o
el de Conde Dooku en
las de Star Wars.
También
colaboró con proyectos musicales con bandas como Rhapsody of Fire y Manowar, 34 además de haber iniciado una nueva
carrera como músico con su propia banda de heavy/power metal sinfónico Christopher
Lee Charlemagne en 2010. Ese año, recibió el premio Spirit
of Metal en los Globo de Oro.5 En 2001 fue nombrado comendador
de la Orden del Imperio Británico.
2010:
Muere Ómar Rayo,
pintor, grabador y escultor colombiano (n. 1928).
Ómar Rayo Reyes (Roldanillo, Valle del Cauca, 20 de enero de 1928 - Palmira, 7 de junio de 2010)
fue un reconocido y famoso pintor colombiano. Inició su carrera artística
como caricaturista dibujando
e ilustrando para los periódicos y revistas de Cali y Bogotá. Desde 1948 expuso
varias veces sus obras en varias ciudades de Colombia. En 1954 comenzó
a viajar por América Latina para
estudiar. Vivió en México de 1959 a 1960 y
se radicó en Nueva York por
aproximadamente diez años. En 1970 obtuvo el primer puesto del Salón
Nacional de Artistas de Colombia.
En 1981
estableció el Museo Rayo de Dibujo y Grabado Latinoamericano en su natal Roldanillo. Fue diseñado por el arquitecto
austriaco Leopoldo Goout. Se
exponen dos mil cuadros y grabados de la producción de Rayo, además de
quinientos de diferentes artistas latinoamericanos que hacen parte de su
colección personal. Funcionan allí diferentes módulos como el de las
exposiciones permanentes, las itinerantes, una biblioteca y el taller de artes
gráficas.
La obra de
Rayo está dedicada a la figura geométrica sin ser abstracto. Su estilo
original, con imágenes claras, pinta objetos concretos. Es un arte
geométrico-óptico, que aprovecha los cuadrados, los rectángulos y las líneas en
zig zag y se expresa con el blanco, el negro y el rojo. Demuestra que el arte
geométrico pertenece tanto al pasado ancestral como al futuro incierto.
Utilizando el rastro de los ancestros indígenas, descubre nuevas maneras de
ejecutar y presentar los intrincados laberintos visuales y geométricos.1
Realizó más
de 200 exposiciones en Japón, Hungría, Polonia, Alemania, Noruega, Francia, España, Italia, Estados Unidos, Colombia, Costa Rica, Puerto Rico, México, Venezuela, Ecuador, Perú, Chile, Brasil, China.1
El 20 de
enero de 2012, con motivo del aniversario de su nacimiento Google realizó un homenaje al artista
colombiano.
2010:
Stuart Cable (Aberdare, Gales, Reino Unido 19 de mayo de 1970 – Aberdare, Gales, Reino Unido, 7 de junio de 20101) fue un músico británico.
Biografía[editar]
Fue el baterista y miembro fundador de la banda galesa Stereophonics desde 1992 hasta 2003.
Se crio en las estrechas calles del pueblo de Cwmaman cerca de Aberdare. Era dueño de un piso en la Bahía de Cardiff, y parte del año vivía en Aberdare.
Muerte[editar]
El 7 de junio de 2010 fue encontrado muerto en su casa de Llwydcoed, Gales, según el forense. Los tres últimos días del batería fueron una sesión continua de bebida.
Finalmente se quedó dormido en el suelo de su casa, adonde fue llevado por su novia y un amigo. La autopsia reveló que el aparato respiratorio de Cable contenía grandes cantidades de alimentos, a causa del vómito que le produjo la intoxicación etílica.2
2004:
Muere
Eugene Raskin o Gene Raskin (5 de septiembre de 1909 en Bronx, Nueva York – 7 de junio de 2004 en Manhattan, Nueva York ), [ 1 ] fue un músico y dramaturgo estadounidense, autor de la letra de la versión inglesa de la canción rusa « Those Were the Days » y también de tres libros sobre arquitectura y profesor adjunto en la Universidad de Columbia (1936–1976). [ 2 ] [ 3 ]
Primeros años de vida
[ editar ]Raskin nació en el Bronx en 1909. Estudió en la Universidad de Columbia y finalmente se convirtió en profesor adjunto de arquitectura en su alma mater entre 1936 y 1976. [ 4 ]
Escribió dos obras de teatro: en 1949, One's a Crowd , una comedia sobre un científico atómico que desarrolla cuatro personalidades después de que sus experimentos salen terriblemente mal; en 1951, una obra romántica titulada Amata ; y más tarde, The Old Friend . También escribió varias piezas cortas, entre ellas I'm on the Other Phone , Quartet for Two y First Guitar (una obra autobiográfica sobre la adquisición de Gene de su primera guitarra), todas las cuales fueron presentadas por el dramaturgo Steven Packard en su serie temática de 1994-1995 Plays by Playwrights en el colectivo teatral Polaris North en la ciudad de Nueva York.
En 1954, Raskin publicó Architecturally Speaking ; Sequel to Cities llegó en 1971 y Architecture and People en 1974. También escribió una novela, Stranger in my Arms . A principios de la década de 1960, Raskin y su esposa Francesca tocaron música folk en Greenwich Village en Nueva York . Lanzaron un álbum que incluía "Those Were The Days", que inicialmente fue retomado por los Limeliters . [ 4 ]
Éxito profesional
[ editar ]Para "Those Were the Days", Raskin había encontrado una melodía rusa del compositor Boris Fomin , que Raskin había escuchado durante su infancia y para la cual escribió la letra en inglés, para luego poner ilegalmente derechos de autor tanto sobre la melodía como sobre la letra.
Él y su esposa Francesca fueron baladistas internacionales durante años y grabaron varios álbumes para Elektra Records . Tocaban en el Blue Angel de Londres [ dudoso – discutir ] todos los años y siempre cerraban su espectáculo con "Those Were the Days". Paul McCartney frecuentaba el club cuando actuaban y, cuando los Beatles formaron el sello Apple , consiguió los derechos de "Those Were the Days" para un disco de la cantante Mary Hopkin . La canción fue posteriormente lanzada en muchas versiones por varios artistas, en más de veinte idiomas. [ cita requerida ]
En el apogeo del éxito de la canción, una compañía de Nueva York hizo un anuncio publicitario utilizando la versión de Raskin de la melodía con una nueva letra, "Rokeach Ga-filte-fish, Rokeach Ga-filte-fish", diciendo que la melodía era una antigua melodía popular rusa y que era de dominio público. Raskin demandó y ganó su caso y un acuerdo, con el argumento de que su versión de la melodía, que había alterado ligeramente de su forma de dominio público para que se ajustara a su letra, estaba lo suficientemente alterada como para ser elegible para los derechos de autor. [ cita requerida ]
En una ocasión, Raskin abrió un correo que contenía un cheque por 26.000 dólares, que eran las regalías solo por los vehículos mecánicos estadounidenses de ese mes. Raskin compró una casa en Pollença , Mallorca , un Porsche Spyder y un velero, y vivió muy bien gracias a sus regalías durante el resto de su vida. [ cita requerida ]
También recibió regalías por su novela Stranger in my Arms , su obra de teatro The Old Friend y sus varios libros sobre arquitectura, que todavía se utilizan en varias universidades alrededor del mundo.
1999:
Muere Paco Stanley, conductor mexicano de televisión;
asesinado (n. 1942).
Francisco Jorge Stanley Albaitero (3 de julio de 1942; Ciudad de México –
† 7 de junio de 1999; Ciudad de México),
(56 años) más conocido como Paco Stanley, fue un humorista, actor y conductor
mexicano.
Índice
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Estudios[editar]
Cursó estudios en licenciatura en Derecho, egresando de la Universidad
Nacional Autónoma de México[cita requerida],
asimismo obtuvo el grado de Maestro en Letras también por la misma casa de
estudios[cita requerida].
Además cursó estudios de Psicología, Mercadotecnia y Publicidad[cita requerida].
Actor y conductor de la televisión mexicana. Participó
directamente en la vida política del país ya que fue miembro del Partido
Revolucionario Institucional (PRI), donde fue candidato a la
primera Asamblea Ciudadana por el III distrito[cita requerida].
Se inició en la radio en la XEX participando en
varios noticiarios, así como en el programa "Capitanes Infantiles del
Aire" en el que interpretaba a varios personajes y en el cual participaba
su sobrina Rocío García Stanley, ya en Televisa participó en el programa
"Sonrisas y Sorpresas" el cual estuvo al aire entre 1988 y 1991.
En la televisión fue contratado por Televisa para el Canal 4 en
el programa “Nuestra Gente”. Después de participar por varios años en programas
tales como “Alegrías de Mediodía”, "Divertidísimo", "La Mujer
Ahora" y "El Club Del Hogar" al lado de Francisco Fuentes
"Madaleno" supliendo al fallecido locutor Daniel Pérez Arcaráz ,
en 1985 fue anfitrión del programa "La carabina de
Ambrosio", en 1988 presentador de la
sección de espectáculos del canal de noticias ECO,
en 1991 le ofrecieron la conducción de
“¡Ándale!” junto con Arlette Garibay y Benito Castro el cual fue bien recibido
por el público y alcanzó altos niveles de audiencia. Posteriormente en 1993 condujo
"Llévatelo" con Gabriela Ruffo y en 1995 "¡Pácatelas!"
donde compartió créditos con Mario Bezáres y Benito Castro.
También incursionó en el teatro, en el que por un período
aproximado de 15 años interpretó el papel estelar en la obra "Don Juan Tenorio" versión cómica. Paco
Stanley también fue famoso por sus sentidas declamaciones poéticas, habiendo
grabado tres discos de larga duración LP.
En 1998 formó parte de las filas de TV Azteca en la conducción del programa
“Una Tras Otra” el 15 de diciembre de 1998, donde fue acompañado por segunda
ocasión con sus compañeros de Televisa Mario Bezáres, además de Jorge (El Güero
Gil ) y en Mayo con su programa nocturno "Si hay...y bien...".
También tuvo en Radio Trece el programa “Un Poco de Paco en Radio 13” de corte
cómico y sátira política; los cuales fueron retirados del aire en junio de 1999
debido a su asesinato.
Asesinato[editar]
La mañana del lunes 7 de junio de 1999 fue
asesinado en la Ciudad de México afuera
de un restaurante llamado "El Charco de las Ranas", poco después de
haber terminado la transmisión de su edición matutina de "Una tras
otra". Stanley se encontraba desayunando en el restaurante con sus
compañeros Mario Bezares, Jorge Gil y algunos de sus escoltas. Según testigos,
Bezares había recibido una llamada telefónica la cual contestó alejándose de Stanley
y Gil. Después de esto se dirigió al baño alegando que los alimentos que
consumió estaban en mal estado y le habían hecho daño. Stanley y el resto se
retiraron y esperaban a Bezares afuera del restaurante. En ese momento fueron
sorprendidos por unos atacantes que descargaron una metralleta con más de 20
disparos hacia su camioneta y se dieron a la fuga, causándole la muerte
instantánea a Stanley e hiriendo a su compañero Jorge Gil. En el lugar de los
hechos también fue asesinado un hombre de 30 años de nombre Juan Manuel de
Jesús Núñez, un agente de seguros que casualmente pasaba por las cercanías con
su esposa que resultó gravemente herida; también sufrió heridas graves un
acomodador de autos del lugar. Los 3 proyectiles que ocasionaron a Stanley su fallecimiento,
entraron y salieron de su cuerpo; el cuarto fue extraído de su cráneo por
investigadores.
A raíz de su asesinato se plantearon diversas hipótesis de las
cuales la que más cobró fuerza fue que tenía nexos con el narcotráfico ya que
el día de su asesinato se encontró en su ropa una bolsa que se identificó como
cocaína según afirmaciones de la Procuraduría General de Justicia del Distrito Federal (PGJDF)
las cuales posteriormente fueron desmentidas por familiares. Este
acontecimiento destacó una oleada de críticas de los medios contra el entonces
Jefe de Gobierno del Distrito Federal: Cuauhtémoc
Cárdenas Solórzano así como el procurador Samuel
del Villar por el desenfrenado crecimiento de la inseguridad en
la que se vive en la ciudad. Sin embargo, parecía claro que este atentado fue
perpetrado por el crimen organizado.
A las pocas semanas del asesinato se incriminó como autores
intelectuales del asesinato a dos de los colaboradores en el programa del
actor: Mario Bezares y la edecán Paola Durante. La teoría de que
Stanley consumía o vendía drogas y la sospecha de Bezares como uno de los
responsables del asesinato se fortalecieron aún más cuando en una emisión en
vivo, mientras Bezares bailaba se tiró al piso, en ese movimiento se le cayó
una bolsa trasparente con un polvo blanco la cual se supuso era cocaína,
Bezares se la entregó discreta y nerviosamente a Stanley quien no comentó nada
y sonrió nervioso; el programa era transmitido en un horario familiar y no
contenía temas de adultos como para pensar que fuera broma y más bien un
descuido de Bezares.
Ese 7 de junio TV Azteca y Televisa tuvieron largas horas de
transmisión (en especial TV Azteca) mostrando el lugar del asesinato, haciendo
entrevistas, vigilando al ministerio público y sobre todo criticando al
gobierno del Distrito Federal por la poca acción ante la delincuencia que se
vivía en la ciudad y no haber actuado a tiempo. "Alguien tiene que
renunciar" decía Jacobo Zabludovsky en
el noticiero del programa Hoy de Televisa, "La responsabilidad es de
Cuauhtémoc Cárdenas..." afirmaba enojado Jorge Garralda en su programa A
quien corresponda de Tv Azteca. Ese día con un enorme nivel de audiencia
alcanzado en muy poco tiempo, nació un nuevo estílo periodístico en el que la
televisión mexicana se convirtió en un arma en contra del estado, Televisa por
un lado y TV Azteca vigilando desde un helicóptero al Ministerio Público en sus
instalaciones.1
La Procuraduría General de Justicia (PGJDF)
basó sus acusaciones en las declaraciones hechas por el entonces cocinero del
narcotraficante Luis Ignacio Amezcua (presunto líder del cártel de Colima),
Luis Valencia; quien aseguró que Amezcua se reunió con Mario Bezares y Paola
Durante para planear el asesinato de Paco Stanley debido a deudas con las
mafias de drogas. Durante las investigaciones también fue detenido Erasmo Pérez
Garnica alias "El Cholo" cuyo físico coincidió con muchas de las
caracterizaciones del retrato hablado del asesino de Stanley según testigos.
Valencia señaló que escuchó a Amezcua ordenarle a "El Cholo" (el
autor material) que asesinara al actor "dado que le debía mucho
dinero" y que Paola Durante actuó como enlace entre ellos. Además, mencionó
que Bezares se retrasó de manera intencional en el baño del restaurante para
dar tiempo a que los asesinos cumplieran con su misión.
El proceso se vino abajo después de que Valencia, que se
encontraba en la cárcel por otros delitos, se retractara y denunciara que la
PGJDF lo sometió a torturas para inculpar a los detenidos. Todos los acusados
en el caso fueron declarados inocentes por falta de pruebas después de estar
presos por más de un año.
A la fecha el caso sigue sin resolverse, aunque en últimas
investigaciones se capturó a un presunto sospechoso que afirma ser el auténtico
sicario del Sr. Stanley. Las averiguaciones no han sido del todo claras pues no
se ha podido confirmar con certeza si efectivamente él fuese el sicario
encargado de dicho atentado.2
1998:
Muere Thomas Narcejac, escritor francés , autor de novelas de detectives .
Pierre Ayraud , nacido Thomas Narcejac , nacido en Rochefort-sur-Mer el y murió en Niza el , es un escritor francés , autor de novelas de detectives .
Biografía [ editar | cambiar código ]
Criado en Saintes , a menudo fue a pescar durante su juventud, en un lugar llamado "Narcejac", que recordaría elegir su seudónimo.
Realizó estudios universitarios en Burdeos , Poitiers y París, lo que le permitió obtener una licenciatura en literatura y filosofía . Luego tuvo la intención de enseñar y ocupó sucesivamente puestos en Vannes , Troyes , Aurillac . Desde 1945, fue profesor de letras clásicas en Nantes hasta su jubilación en 1968 .
Desde el período de posguerra , publicó cuentos que eran todos pastiches de autores de literatura de detectives. Estos textos se reunirán en Confidences dans ma nuit ( 1946 ), Nouvelles confidences dans ma nuit ( 1947 ) y Faux et Usage de faux ( 1952 ). Narcejac también publicó sus primeras novelas de detectives, incluyendo The Midnight Assassin ( 1945 ). Faut que ca saigne ( 1948 ) es su primera novela escrita en colaboración con Serge Arcouëtquien luego usa el seudónimo Terry Stewart. Luego, los dos autores dan una serie de novelas de acción, la serie Slim bajo el seudónimo común de John-Silver Lee .
Con La mort est du voyage ( 1948 ), escrita sola, ganó el premio de novela de aventuras . Durante una cena, Albert Pigasse , director de la Librairie des Champs-Élysées , promueve el encuentro entre Narcejac y Pierre Boileau . Es el comienzo de la asociación literaria de estos dos autores que firmarán cuarenta años de novelas de detectives bajo la firma Boileau-Narcejac . Ciertas novelas de detectives de este dúo han dado lugar a adaptaciones cinematográficas de Henri-Georges Clouzot y Alfred Hitchcock. Al margen de esta colaboración, Narcejac escribió solo algunas novelas marítimas: Una sola silla ( 1954 ) y Le Grand Métier ( 1955 )
Narcejac, teórico literario, también ha publicado, solo o en colaboración con Pierre Boileau , varios ensayos sorprendentes dedicados a la historia de detectives.
Thomas Narcejac tiene dos hijas: Annette y Jacqueline.
http://www.eurochannel.com/es/%C2%BFQuienes-eran-Boileau-Narcejac.html
Willie Maxwell II (Paterson, Nueva Jersey, 7 de junio de 1991), más conocido como Fetty Wap,1es un rapero y cantante estadounidense,2 que saltó a la fama en 2015 con su sencillo debut «Trap Queen»,3 que se convirtió en un éxito en Estados Unidos al situarse en la posición 2 del Billboard Hot 100.4 Posteriormente, publicó los sencillos «679» y «My Way» que también entraron a las primeras diez posiciones de dicha lista de popularidad estadounidense.4
En septiembre de 2015, lanzó su álbum debut y epónimo, que tuvo éxito en los Estados Unidos al entrar en el puesto número 1 del Billboard 200,4 y en reconocimiento a sus ventas en referido país la RIAA lo certificó platino, que equivale a un millón de ejemplares comercializados.
Amethyst Amelia Kelly (Sídney, Australia, 7 de junio de 1990), más conocida por su nombre artístico Iggy Azalea, es una rapera, compositora y modelo australiana.1 Aunque nacida en Sídney, Azalea fue criada en Mullumbimby, Nueva Gales del Sur, ubicado al norte de la ciudad. Durante su estadía en Australia, vivió en una casa hecha con ladrillos de barro y debido a que sufría de acoso escolar, Azalea dejó la secundaria a los catorce años para trabajar junto a su madre.2 Antes de cumplir 16, viajó a Estados Unidos en busca de oportunidades para su carrera como cantante de hip hop, y allí fue descubierta por el rapero estadounidense T.I..1 Su nombre artístico es una mezcla del nombre de su perra mascota de la infancia, Iggy, y la calle principal del barrio donde creció, Azalea Street.3
Azalea alcanzó la fama en 2014 con el lanzamiento de su primer álbum de estudio titulado The New Classic, el cual alcanzó la tercera posición del Billboard 200 y fue certificado con disco de platino.4 El álbum incluyó el éxito «Fancy», colaboración con la cantante británica Charli XCX que logró la primera posición en los principales conteos de Canadá, los Estados Unidos y Nueva Zelanda.4 Asimismo, también cuenta con los temas «Work», con el que ingresó a las listas de los Estados Unidos y el Reino Unido, así como «Black Widow», colaboración con la cantante británica Rita Ora, que llegó a los diez primeros en diversos países de América y Europa.45 Tras múltiples problemas personales, múltiples sencillos con poco recibimiento comercial y dos renuncias de sellos discográficos entre 2016 y 2018, Azalea publicó su segundo álbum de estudio In My Defense en 2019, y este alcanzó la posición 50 del Billboard 200.4
Entre sus reconocimientos, Azalea ha sido ganadora en los American Music Awards y los Teen Choice Awards en dos ocasiones.67 Igualmente, ha recibido múltiples nominaciones a los Premios Grammy, MTV Video Music Awards y MTV Europe Music Awards.89 También ha sido reconocida por medios de su país e internacionales como una de las australianas más influyentes.1011
1982:
Muere Ramón
Carrasquilla, cantante colombiano, integrante del Dueto de Antaño.
Cantante nacido en Sopetrán,
Antioquia, el 12 de noviembre de 1912.
En el Conservatorio Nacional de Bogotá estudió canto y más tarde se desempeñó
como corista en la iglesia de “La Candelaria” en Medellín. Fue además de
maestro de escuela y jefe político de su pueblo. Formó con Camilo García el
“Dueto de Antaño”, uno de los más consagrados duetos en la historia musical
colombiana.
Ramón murió en Medellín en 1982.
Ramón murió en Medellín en 1982.
Dueto colombiano de serenata y música
andina.
Compuesto por los cantantes
y guitarristas Camilo Arturo García Bustamante y Ramón
Carrasquilla. Durante varios decenios permanecieron juntos, simbolizando la
clásica serenata que por muchos años se acostumbró en Medellín.
Conformado en marzo de 1941
por Camilo García, nacido en Amalfi, Antioquia el 6 de mayo de 1910 y por Ramón
Carrasquilla, nacido en Sopetrán, Antioquia el 12 de noviembre de 1912. Camilo
y Ramón se destacaron por ser músicos, maestros y por trabajar en la política,
además, ambos eran genios de la música que sobresalieron como cantantes,
guitarristas y Camilo como compositor. Fueron ganadores de los cuatro máximos
galardones que otorga el país a un músico, que fueron: La Estrella de
Antioquia, El Hacha de oro, La orden de la Orquídea y la Cruz de Boyacá.
Cuando el Dueto de Antaño
celebró sus 40 años de vida artística, el 18 de marzo de 1981 en el teatro
Pablo Tabón Uribe, fueron recibidos por una prolongadísima ovación a la que
ellos respondieron levantando sus guitarras, o Ramón las manos porque no
interpretaba ningún instrumento. Fue tan larga la ovación que cansados tuvieron
que bajar sus manos para volver a levantarlas.
1980:
Muere Henry
Miller, escritor estadounidense (n. 1891).
Henry Valentine Miller (n. Nueva York, 26 de diciembre de 1891 -
m. Los Ángeles, California, 7 de junio de 1980)
fue un novelistaestadounidense.2 Su obra se compone de novelas
semiautobiográficas, en las que el tono crudo, sensual y sin tapujos suscitó
una serie de controversias en el seno de un Estados Unidos puritano que Miller quiso estigmatizar
denunciando la hipocresía moral de la sociedad norteamericana, criticando de
paso el devenir de la existencia humana, desnudando su cinismo y múltiples
contradicciones. Censurado por su estilo y contenido provocativo y rebelde en
relación a la creación literaria de su época, sus obras influyeron notablemente
en la llamada Generación Beat.
Índice
[ocultar]
·
2Obras
Biografía[editar]
De Nueva York a París[editar]
La juventud de Miller fue errática. Alternaba diversos trabajos
con breves períodos de estudios en el City College de
Nueva York. En 1928 se casa con June
Mansfield (nombre artístico de Juliette Edith Smerdt) tras
divorciarse de su primera esposa, Beatrice
Sylvas, con la que tuvo una hija.
En 1930, durante la Gran Depresión, se marcha a Francia, donde
vivirá el estallido de la Segunda Guerra
Mundial. En esta época, Miller decide consagrarse totalmente a la
literatura. Sus primeros años de bohemio en París fueron miserables: tuvo que luchar
contra el frío y el hambre; se alimentaba con las comidas que le ofrecían y
dormía, cada noche, bajo un puente distinto. La suerte se presentará en la
persona de Richard Osborn, un abogado americano que le ofrece una habitación en
su apartamento. Cada mañana, Osborn deja encima de la mesa de la cocina un
billete de 10 francos para que Miller lo gaste a su conveniencia. Miller conoce
a la también escritora Anaïs Nin (de la que fue amante), al
fotógrafo Brassaï y al
escritor Alfred
Perlès(con quien comparte casa), y empiezan sus tanteos con el surrealismo.
En el otoño de 1931, Miller obtiene su
primer empleo como corrector de estilo en la oficina parisina del
periódico Chicago Tribune,
gracias a su amigo Alfred Perlès, ocasión que aprovecha para publicar varios
artículos que firmará con el nombre de «Perlés», dado que sólo los miembros del
equipo editorial podían editar sus escritos. Instalado en la Villa Seurat, un callejón en el que conviven
varios artistas, Miller escribe aquel año Trópico de
Cáncer, que será publicado en 1934 gracias
al apoyo de su amiga y amante Anaïs Nin.3
Estamos ahora en el otoño de mi segundo año en París. Me
enviaron aquí por una razón que todavía no he podido desentrañar.
No tengo dinero, ni recursos, ni esperanzas. Soy el hombre más feliz del mundo. Hace un año, hace seis meses, creía que era un artista. Ya no lo pienso, lo soy. Todo lo que era literatura se ha desprendido de mí. Ya no hay más libros que escribir, gracias a Dios.
No tengo dinero, ni recursos, ni esperanzas. Soy el hombre más feliz del mundo. Hace un año, hace seis meses, creía que era un artista. Ya no lo pienso, lo soy. Todo lo que era literatura se ha desprendido de mí. Ya no hay más libros que escribir, gracias a Dios.
Henry Miller, Trópico de Cáncer4
Esta novela le supone, en EE.UU, un proceso por obscenidad, según las leyes vigentes en esa
época dictadas contra la pornografía. La obra, censurada en su país
hasta el año 1961,3 sólo puede ingresar clandestinamente
bajo la portada de Jane Eyre, el
clásico de Charlotte Brontë.
En sus siguientes trabajos, Miller prosigue su batalla personal
contra el puritanismo intentando liberar, desde un punto de vista moral, social
y legal, los tabúes sexuales existentes en la literatura americana. Continúa
escribiendo novelas, todas censuradas en los Estados Unidos por obscenas.
Publica Primavera negra(1936)
y Trópico de
Capricornio (1939), que consiguen su difusión en EE.UU. pese
a tener que ser vendidos subrepticiamente, lo cual contribuye a forjar su
reputación de escritor underground. Se le ha
considerado, incluso, un postmoderno.[cita requerida]
Karl-Heinz Urban (Wellington; 7 de junio de 1972) es un actor neozelandés, famoso por papeles cinematográficos como el de Éomer en la trilogía de El Señor de los Anillos, Pathfinder, el doctor Leonard McCoy en Star Trek o el juez Dredd en la película británica Dredd 3D (2012), así como otros papeles televisivos como el de Julio César en la serie Xena: la princesa guerrera y el de Billy Butcher en la serie de superhéroes de Amazon The Boys.
Biografía[editar]
Infancia y juventud[editar]
Es hijo de alemanes y habla el idioma con fluidez. Su padre quería que siguiera con su profesión (fabricante de cuero), pero no fue así, aunque Karl ha sido casi siempre muy activo: trabajó en la granja de sus tíos varios años haciendo actividades muy variadas, desde cuidar el ganado hasta esquilar las ovejas o dar de comer a los cerdos y cargar con ellos; pero también aprendió a montar perfectamente a caballo, lo que le sería muy útil en el futuro.
En su época escolar, a los 11 y 12 años, escribía parodias sobre Frank Spencer y las presentaba utilizando una boina y un abrigo en los entretenimientos de las asambleas escolares. Su primera aparición televisiva se produjo en un show cuando Karl tenía 8 años, aunque sólo decía una frase. Creciendo en Wellington, Karl le tomó gusto a la interpretación. Interpretando a Han Solo mientras jugaba con sus vecinos a juegos de Star Wars, se recuerda pensando: «Wow, esto es exactamente lo que quiero hacer».
Karl formó parte del taller teatral de la Universidad de Victoria, y después fue alumno de la Meisner Technique una de las más prestigiosas escuelas de interpretación en Nueva Zelanda. En los años siguientes se dedicó a interpretar varios papeles en los teatros de la zona de Wellington. Después volvió a la universidad, pero fue cuando se propuso dedicarse definitivamente a los escenarios.
Vida personal[editar]
En 2004 se casó con una compatriota llamada Natalie Wihongi (su maquilladora en The Privateers), madre de sus dos hijos Hunter (nacido en noviembre de 2000) e Indiana (Indy, nacido en enero de 2006).1 Juega a menudo al golf, y le gusta el montañismo, montar a caballo, el surf, la pesca y ser el jardinero de su propio jardín. Su música favorita es la de los Pixies, Nick Cave, Carole King y Red Hot Chili Peppers. Tiene un bull terrier negro llamado «Ire», por Uprising, el álbum de Bob Marley. Es muy amigo de Viggo Mortensen, a quien conoció en el rodaje de las películas de El Señor de los Anillos, y de Renée O'Connor, actriz que interpretaba a Gabrielle en Xena: la princesa guerrera. Karl asegura que día tras día se levanta con buen humor gracias a Peter Jackson por haberle dado el papel de Éomer, el jinete de Rohan. Entre 2014 y 2019 estuvo en pareja con Katee Sackhoff (actriz, actriz de voz),
Carrera[editar]
Inicios[editar]
Antes de sus apariciones televisivas, intervino en algunos papeles teatrales en su ciudad. Su primera aparición en televisión fue en un episodio de la serie neozelandesa Shark in the Park, en la que interpretó a un curioso yonqui heroinómano en este drama policíaco. Intervino en un episodio, en 1990. Lucy Lawless (Xena) formaba parte del reparto. En 1992 apareció en la serie dramática Homeward Bound, interpretando a Tim Johnstone. El mismo año consiguió su primer papel cinematográfico, Chunuk Bair, un drama bélico ambientado en 1915, donde interpretaba a uno de los soldados neozelandeses que tomaron una colina turca durante la Primera Guerra Mundial.
Carrera en Nueva Zelanda[editar]
Tras graduarse le ofrecieron un papel en la serie dramática Shortland Street en 1992, pero no se incorporó a su elenco hasta el año siguiente. Durante la temporada 93/94 interpretó en ella al paramédico Jamie Forrest del hospital de Auckland. Con esa serie Urban tomó popularidad en su país, pues fue televisada repetidamente en los años posteriores. Compartió reparto en ella con Martin Henderson y Marton Csokas.
Urban se encontró muy a gusto en Auckland durante el rodaje de Shortland Steet, así que dejó la capital por Auckland. Allí se desarrolla la mayor parte de la industria cienematográfica y televisiva del país, y por ello comenzaron a llegarle más ofertas para participar en televisión. En 1993 trabajó en la miniserie Colmillo Blanco e interpretó su último papel en el teatro. En 1995 interpretó a James Westwood en una serie infantil sobre caballos titulada Riding High, donde pudo aplicar sus conocimientos de equitación.
Poco después le ofrecieron el papel secundario de Mael en Xena: la princesa guerrera, que interpretó en 1996. Era la primera vez que Urban intervenía en una serie emitida en todo el mundo. Participó en cinco temporadas (de 1996 a 2001) e interpretó, además de a Mael, a otros tres personajes: Kor, César y Cupido. En esta serie, Karl Urban volvió a actuar junto a Marton Csokas y Lucy Lawless. El tremendo éxito que obtuvo le hizo aparecer en la serie Hercules: The Legendary Journeys, de la que Xena: la princesa guerrera es un spin-off, durante las temporadas 96/97 y 97/98, también como Cupido y César. La serie estaba dirigida por Michael Hurst que dirigiría a la vez a Urban en Amazon High, y protagonizada por Kevin Sorbo.
Con la serie Amazon High (1997) Urban hizo su primera incursión en los Estados Unidos. En ella interpretó a Kor, uno de los personajes principales, trabajando junto a Selma Blair. Su último trabajo en una serie de televisión fue para The Privateers (2000), interpretando al capitán Aran Dravyk, el protagonista de esta serie de ciencia ficción.
Ya en la pantalla grande, la carrera de Karl Urban empezó en 1998 con Heaven, un thriller en el que interpretó a un barrendero de un club de alterne. El mismo año interpretó también a un camarógrafo en la comedia Via Satellite. En 2000 fue nominado por primera vez a los New Zealand Film Award (NZFA) por The Irrefutable Truth About Demons. Ese año también fue nominado a los NZFA por El precio de la leche, papel que le recordó a su juventud en la granja de sus tíos. Está comedia independiente neozelandesa, dirigida por Harry Sinclair le abrió las puertas de Hollywood, ya que Peter Jackson se fijó en él.
Carrera en Hollywood[editar]
Ya en Hollywood, su siguiente trabajo fue en 2002 con la película de terror Ghost Ship (Barco fantasma), en la que interpretó a un marino de una tripulación encabezada por el actor Gabriel Byrne, enviada a investigar un barco fantasma. Fue entonces cuando Peter Jackson se decidió a darle el papel del valiente Éomer, guerrero de Rohan. Karl Urban cobró un bonus de 400.000 $ por su excelente trabajo en las películas de El Señor de los Anillos: en 2002 en Las dos torres y en 2003 en El retorno del Rey. Con este papel consiguió la fama necesaria para consolidarse en los Estados Unidos. En esta aventura fantástica compartió reparto con actores que potenciaron su carrera gracias a Peter Jackson, como Viggo Mortensen u Orlando Bloom.
En 2004 fue el necrófero Lord Vaako en The Chronicles of Riddick de David Twohy, junto a Vin Diesel, Thandie Newton y Judy Dench. El mismo año protagonizó las escenas de mayor acción en el thriller The Bourne Supremacy de Paul Greengrass: interpretó al encargado del juego sucio de una mafia rusa. Él mismo afirmó que fue emocionante ser el enemigo de Jason Bourne (Matt Damon). En 2005 protagonizó, junto a Dwayne Johnson (The Rock), Doom, la película basada en el videojuego de id Software dirigida por Andrzej Bartkowiak. En ella interpretó a «Reaper», el protagonista.
Un año más tarde volvió a su país para protagonizar Out of the Blue, una película sobre la masacre de Aramoana, una de las mayores tragedias de la historia de Nueva Zelanda, en la que interpretó a Nick Harvey. En 2007 protagonizó Pathfinder, un remake de la película de 1987 con el mismo título, sobre la llegada de los vikingos a la América precolombina, en la que interpretó a «Fantasma» (un vikingo convertido en indio). En 2008 protagonizó junto a Val Kilmer y Steve Zahn, la miniserie bélica Comanche Moon, remake de Lonesome Dove.
2009 y años siguientes[editar]
En 2009 fue el doctor Leonard Bones McCoy en Star Trek, la superproducción de J. J. Abrams. En 2010 ha interpretado a Earl Pike, un traficante de armas, en Black Water Transit. Esta película está basada en la famosa novela de su mismo nombre y se está ultimando su estreno. También formó parte del reparto del remake de And Soon the Darkness, estrenada a finales de 2010.
Tuvo papeles importantes en 2011. Fue coprotagonista en Red, con Bruce Willis y Morgan Freeman, e interpretó a Black Hat, el enemigo de Priest. Volvió a interpretar a Leonard McCoy en Star Trek: en la oscuridad. Actualmente interpreta al policía John Kennex en la serie de televisión Almost Human.
En 2017 pasó a formar parte del Universo Cinematográfico de Marvel al interpretar a Skurge en Thor: Ragnarok.
Desde 2019 se encuentra trabajando en la serie televisiva de The Boys la cual es una adaptación del cómic del mismo nombre creado por Garth Ennis y Darick Robertson, Urban interpreta a Butcher, un hombre que busca exponer a los héroes y demostrar que no son tan buenos como aparentan, y actúa junto a Jack Quaid, Anthony Starr, Karen Fukuhara y Tomer Capon.
Edward Morgan Forster, OM, CH (Londres, Inglaterra; 1 de enero de 1879-Coventry, Inglaterra; 7 de junio de 1970) fue un novelista, ensayista y libretista británico. Sus obras abordan las diferencias de clase y la hipocresía de la sociedad general.
Biografía[editar]
Hijo de Edward Morgan Llewelyn Forster y de Alice Clara Whichelo (conocida como «Lily»), iba a ser llamado Henry, pero le pusieron Edward por error. Durante su infancia vivió en Rooksnest, una casa de Hertfordshire, cerca de Stevenage. Su padre, arquitecto, murió un año y medio después de su nacimiento.
Estudió primeramente en el Colegio Tonbridge en Kent y más tarde ingresó en el King's College de la Universidad de Cambridge, donde estudió literatura clásica e historia. Allí formó parte del grupo Los Apóstoles,1 muchos de cuyos integrantes llegaron a formar parte del Círculo de Bloomsbury. Gracias a haber pertenecido al grupo Los Apóstoles, también conocido como Cambridge Conversazione Society, conoció a personajes como John Maynard Keynes y Lytton Strachey.
Vivió una temporada en Italia y tras su regreso a Inglaterra, se entregó exclusivamente a la escritura. Entabló una amistad con el profesor universitario y humanista G. L. Dickinson, y con él visitó, en 1914, Egipto, Alemania y la India. Al acabar sus estudios universitarios, viajó por Europa con su madre y vivió con ella en Weybridge y Abinger Hammer en Surrey hasta que falleció, en 1945. Sus varios viajes a países europeos como Austria, Grecia o Italia le inspiraron en diversas obras suyas. Su primera novela, Donde los ángeles no se aventuran fue publicada cuando contaba con 26 años, en el año 1905.
Mientras trabajaba para la Cruz Roja en Egipto en los años 1916-17, conoció en Ramleh a un joven egipcio de 17 años, llamado Mohamed el-Adl. En este país llegó a conocer al poeta griego Constantino Cavafis. Después de una segunda estancia en la India se publicó una de las obras más célebres del autor inglés, Pasaje a la India, en la que analiza el conflicto entre las culturas occidentales e indias.
Después de la Primera Guerra Mundial (1914-18), dirigió durante un tiempo el periódico laborista Daily Herald. Participó en las protestas contra la censura de una novela lésbica titulada El pozo de la soledad, de Radclyffe Hall.2
Durante los años 1930-40 se hizo muy famoso gracias a sus intervenciones en la radio BBC y, además de ello, fue nombrado presidente de British Humanist Association. A principios de estos años, Forster tuvo una feliz relación con un policía llamado Bob Buckingham.3El escritor integró a Buckingham y a su mujer, May, en su círculo de amistades, en el que se encontraban el director del The Listener J. R. Ackerley, el compositor Benjamin Britten, el poeta Siegfried Sassoon y el novelista Forrest Reid, entre otros.
Forster hizo un tercer viaje a la India y varios a América, y durante sus últimos años siguió escribiendo en revistas y periódicos.
Medalla del Order of Merit expuesta en el Royal Society, Londres
Le nombraron miembro honorario del King's College de la Universidad de Cambridge,4 donde vivió de 1946 hasta su muerte, en 1970, en casa de los Buckingham, tal y como fue su deseo.
En vida, Forster recibió varios premios, entre ellos el Femina, el Premio James Tait Black Memorial de ficción, The Order of the Merit e incluso le fue concedido The Order of Companions of Honour por la reina Isabel II del Reino Unido. Además, estuvo nominado hasta en 13 ocasiones al premio Nobel de Literatura.5
1960:
Nace Bill Prady, guionista y productor de
televisión estadounidense.
William
"Bill" Scott Prady (N. 7 de junio de 1960)
es un guionista y productor de
televisión que ha trabajado para sitcomsestadounidenses
y espectáculos de variedades, incluyendo Married With Children, Dream
On, Star Trek: Voyager, Dharma & Greg, y Gilmore Girls.
Comenzó su carrera de escritura para Muppets, de Jim Henson. Escribió para las atracciones
temáticas de Disney Jim Henson's Muppet*Vision 3D y Honey, I Shrunk the Audience. Es productor
ejecutivo y co-creador, junto con Chuck Lorre del sitcom de CBS The Big Bang Theory. En 2003,
fue candidato a la gobernatura de California.1
Se graduó de la Cranbrook
School en Bloomfield Hills, Mihigan.2 En 1991, Prady fue nominado a
un premio Emmy por haber co-escrito el
homenaje póstumo a Jim Henson titulado The Muppets Celebrate Jim
Henson.3
Prady es responsable de la adición de elementos nerd de
la serie televisiva The Big Bang Theory.
Nace Claudia Puyó, cantante argentina.
Claudia Puyó (Buenos Aires, Argentina, 7 de junio de 1959) es una cantante argentina de blues. Es una de las figuras femeninas más reconocidas del rock argentino. Ha grabado coros y participó en giras de Ollie Halsall, Alejandro Medina, Lito Vitale, Claudio Gabis y Fito Páez, en donde cantó en El amor después del amor.12
Biografía[editar]
Primeros años[editar]
Claudia Puyó nació el 7 de junio de 1959 en la Ciudad de Buenos Aires. A los cinco años su padre le hacía escuchar música clásica y le pedía distinguir los diferentes compositores. A esa edad ya era capaz de cantar el Oratorio de Navidad de Johann Sebastian Bach.3
Comienzos de su carrera[editar]
A los quince años de edad, forma el grupo Ana Gris, con Aníbal Forcada y Claudio Tripputi. A mediados de los años 1970 se integró a otros grupos como Trigémino, con Jorge Minissale, Marco Pusineri, Juan «Pollo» Raffo y Eduardo Rodevielo. En los 1980, viajó a Brasil con Tripputi recorriendo el ambiente underground y grabó el doblaje al castellano de Vida y Muerte Severina, un cortometraje de Chico Buarque. De regreso a Buenos Aires, decidió explotar aún más su voz, realizando coros para Pedro y Pablo, Alejandro Lerner, Suéter, Miguel Cantilo y Punch.45
Editó su primer álbum en 1985, Del Oeste con canciones de varios autores y cuatro piezas de su autoría. Pese a llegar a ser muy difundida su canción «Creo que tengo que decirte algo», el álbum duró dos semanas en venta puesto que la distribuidora quebró.6
Participó en el Festival B.A. Rock, además de aparecer en el LP doble de aquel concierto y de participar en las ediciones de 1983, 1984 y 1986 del festival La Falda.4
1958:
Nace Prince (Prince Rogers Nelson), cantautor estadounidense
(f. 2016)
Prince Rogers Nelson (n. Minneapolis, Minnesota; 7 de junio de 1958 -
m. Chanhassen,
Minnesota; 21 de abril de 2016)
fue un cantante, compositor, bailarín, actor, filántropo y multiinstrumentista estadounidense. Era un músico innovador,
conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario
y aspecto, y por su amplio registro vocal. Su música integró un sin número de
géneros, entre los que se destacan: el funk,
el R&B,
el new wave, el soul,
el blues, el rock e incluso el jazz.
En vida vendió más de 100 millones de discos en el mundo, siendo uno de los
artistas más exitosos de la historia.1 Ganó siete premios Grammy, un American Music Award,
un Globo de Oro y
un premio Óscar por la
película Purple Rain.2345
Ingresó en 2004 en el Salón de
la Fama del Rock and Roll tan pronto cumplió los
requisitos de elegibilidad y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla
27 en su lista de los «100 artistas más influyentes de la era del rock
& roll».67
Prince nació en Minneapolis y desarrolló gran interés por
la música desde muy joven.8 Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros. Records a
los 18 años y lanzó su primer álbum, For You,
en 1978.[5] Su siguiente álbum, Prince de 1979, logró la
certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980, Controversy de
1981 y 1999 de
1982 aumentaron su éxito de forma progresiva. Durante esta época, sus letras
contenían mensajes sexuales explícitos y combinaba géneros como el funk,
el dance y el rock.9 En 1984 lanzó junto con su banda, en
ese entonces llamada The Revolution,
el álbum Purple Rain,
banda sonora de la película del mismo nombre y de la cual fue protagonista.
Dicha producción se convirtió en la más exitosa de su carrera, ubicándose en
los primeros lugares en las listas durante meses y vendiendo más de 20 millones
de copias, convirtiéndose en uno de los
discos más vendidos de la historia.101112 Más tarde, lanzaría Around the World
in a Day en 1985 y Parade en
1986. En 1987 y ya como solista, lanzó Sign o' the Times,
un álbum doble considerado por la crítica como uno de los más grandes de la
música contemporánea.13
Lanzaría tres álbumes más hasta formar una nueva banda: The New Power
Generation en 1991.14 A partir de 1993 y debido a graves
conflictos con Warner Bros. sobre la autoría y posesión de sus canciones,
Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para evitar cualquier
vínculo con su compañía discográfica. Durante este periodo también fue apodado
como «El artista antes conocido como Prince», —a menudo abreviado como TAFKAP
por sus siglas en inglés (The Artist Formerly Known as Prince)—, o
simplemente como «El artista».15 Bajo su nuevo nombre lanzó cinco
álbumes más hasta firmar un nuevo contrato con la compañía Arista Records en 1998. Recuperó su
nombre en 2000 y en 2004 lanzó el álbum Musicology,
el cual le devolvió popularidad.
Si bien, gran parte de su éxito tuvo lugar durante la década de
los ochenta, Prince fue siempre catalogado como uno de los artistas más
relevantes de la música moderna.16 Se le considera el fundador del
llamado «sonido Minneapolis»,
un híbrido musical surgido de la mezcla del uso de sintetizadores y del rock,
el pop y el funk, propios de la región.17 Solo en los Estados Unidos, vendió alrededor de 39.5
millones de álbumes y algunas de sus canciones como: «1999»,
«Little
Red Corvette», «When Doves Cry», «Let's Go Crazy», «Purple Rain»
y «Kiss»
ganaron popularidad a nivel mundial.1819 Una de sus composiciones, «Nothing Compares 2 U»,
fue regrabada por la cantante Sinéad O'Connor en
1990 y disfrutó de un inmenso éxito en el mundo. La Enciclopedia
Británica lo destaca como una de las más notables estrellas
del rock junto con Michael Jackson y Madonna.20
Prince falleció el 21 de abril de 2016 debido a una sobredosis
accidental de fentanilo en su
casa en Paisley Park; tenía 57 años.21
1957:
Nace Juan
Luis Guerra, cantautor dominicano.
Juan Luis Guerra Seijas (Santo Domingo, 7 de junio de 1957)
es un cantante, compositor, arreglista, músicoy productor dominicano que
ha vendido más de 30 millones de discos,1y ha ganado numerosos premios,
incluyendo 18 Grammy Latinos,
dos Grammy norteamericanos
y dos Premios Latin Billboard. En 2007 fue el máximo galardonado con 6 Grammy
Latinos. Guerra ganó 3 Grammy
Latinos en 2010, incluyendo Álbum del Año. En 2012 ganó un Grammy
Latino como Productor del Año. También fue el máximo
galardonado en los Grammy Latinos
en 2015 con 3 gramófonos.2 La carrera comercial de Guerra y su
banda comenzó con los álbumes Mudanza y acarreo y Mientras más
lo pienso... tú. La banda fue nominada para asistir
al Festival OTI de
la Canción y representar a la República Dominicana.
Su siguiente álbum Ojalá que llueva café (1989),
les trajo el reconocimiento internacional. En este álbum mezcla el merengue con
melodías suaves y pistas de fondo súperrápidas, convirtiéndose inmediatamente
en éxito en muchos países de América Latina, con la canción del mismo
nombre como primer sencillo. Posteriormente, se filmó el video de la canción y
Juan Luis Guerra y su banda 440 comenzaron a viajar. La canción fue revivida en
1996 y 2008 con las versiones de la banda mexicana Café Tacuba y la cantante española Rosario Flores.
El 11 de diciembre de 1990, lanzó al mercado su siguiente
álbum, Bachata rosa,
que se convirtió en un gran éxito y le otorgó a Guerra su primer Grammy. El
álbum, que había vendido más de cinco millones de copias en ese momento,
permitió que Guerra se mantuviera firme en su gira por América Latina, Estados
Unidos y Europa. Este álbum contiene canciones de amor memorables como
«Burbujas de amor», «Bachata rosa», «Rosalía», «Como abeja al panal», «A pedir
su mano», «Carta de amor», y «Estrellitas y duendes».
En 1992 lanzó su álbum más comprometido socialmente, Areíto (que es una palabra taína), y su primer éxito, «El costo de la
vida» (número uno en el Hot Latin Tracks, siendo Guerra el primer artista de
música tropical en lograr esta hazaña), cuyo video tiene un claro mensaje anticapitalista. Otras canciones incluidas en
este álbum protestan contra las malas condiciones en muchos países de América
Latina, hablan de la celebración del «descubrimiento» de América, y la doble moral de los países del primer
mundo.
En el álbum Fogaraté (1994), Guerra se desligó de
las canciones de protesta. Este álbum está centrado especialmente en los
géneros musicales más rurales y menos conocidos dentro de la música dominicana,
como por ejemplo el perico ripiao.
Su disco Ni es lo mismo
ni es igual (1998) cosechó gran éxito de crítica, ganando
tres premios Grammy Latinos en el año 2000 a la mejor interpretación de
merengue, mejor canción tropical y mejor arreglo. Sus éxitos incluyen «Mi PC»,
«Palomita blanca» y «El Niágara en bicicleta».
Juan Luis Guerra es uno de los artistas latinos más reconocidos
internacionalmente en las últimas décadas. Su estilo de mezclar merengue y bolero, y la fusión de afro-pop/jazz le ha
ganado un considerable éxito en toda América Latina. Guerra generalmente es
asociado con la música popular dominicana llamada bachata, y aunque esta asociación es en parte
cierta, Guerra realmente utiliza los conceptos básicos del ritmo bachata pero
con un toque de bolero más melódico.3 No se limita a sí mismo a un estilo
de música, sino que incorpora diversos ritmos musicales que incluye el
merengue, bolero, bachata, balada, salsa, rock and roll, e incluso gospel. La
canción «Ojalá que llueva café» es una de sus piezas más aclamadas. Guerra
también realizó un remix de la canción «La llave de mi corazón» con Taboo de los Black Eyed Peas como claro ejemplo de su
fusión de géneros musicales.
Joey Scarbury, cantante estadounidense más conocido por el que sería su hit single "Believe it or not", de 1981, que fue tema de la sintonía de la serie televisiva El Gran Héroe Americano.1
Joey Scarbury (nacido el 7 de junio de 1955) es un cantante estadounidense más conocido por el que sería su hit single "Believe it or not", de 1981, que fue tema de la sintonía de la serie televisiva El Gran Héroe Americano.1
Infancia e inicio de su carrera musical[editar]
Scarbury nació en Ontario (California) y se crio en Thousand Oaks. Su madre alentó constantemente sus aspiraciones de cantante. A los 14 años, tras ser descubierto por el padre de Jimmy Webb, que escribía canciones, firmó un contrato para grabar con el sello Dunhill Records. Su primer single "She never smiles anymore" fue un fracaso, lo cual pronto lo dejó sin discográfica.
Años 1970[editar]
Siguió profesionalmente en la música durante toda la década de los 70, primero como telonero de artistas como la cantante de country Loretta Lynn y sacando ocasionalmente sus propias grabaciones. Aunque en 1971 alcanzó un éxito menor en las listas con la canción "Mixed up guy", no tuvo un verdadero éxito durante toda la década.
Los años 80 y «El gran héroe americano»[editar]
A finales de los años 70 empezaría a trabajar para el productor y compositor Mike Post. A Post lo contrataron junto a Stephen Geyer para que escribiese la sintonía de una nueva serie de televisión llamada «El gran héroe americano», sobre un profesor convencional de high school (~secundaria) que se hace con un traje de superhéroe, queriendo la suerte que la grabara Scarbury.
Tras grabar la versión completa de la canción, titulada «Believe it or not», se editó para acortarla a un minuto de duración y poder incluirla en las emisiones de la serie. El éxito de la misma y lo pegadizo de su sintonía movieron a Elektra Records a lanzar el single que alcanzaría el número 2 de la lista Billboard Hot 100 en 1981. A toda prisa se produjo un álbum con un título parecido, America's Greatest Hero, y se vendió bien.
Sin embargo Scarbury no fue capaz de mantener el éxito y, tras quedar en el número 49 con el single posterior «When she dances», volvió a quedar fuera de las listas. Volvió a trabajar con Post otra vez a mediados de los 80 para grabar «Back to back» para la serie de televisión Hardcastle and McCormick y, junto a Desirée Goyette, grabó «Flashbeagle» para el especial de Peanuts It's Flashbeagle, Charlie Brown. También interpretó el tema de apertura de la serie Jennifer Slept Here pero no volvió a sacar ningún otro single en los 80.
Los años 1990 y su carrera como autor[editar]
En 1990 Scarbury volvió a conocer el éxito como autor. En esta ocasión, su canción «No matter how high», que había escrito en colaboración, fue grabada por The Oak Ridge Boys y fue un número uno de la música country. Even Stevens era su coautor, el cual había tenido éxito anteriormente coescribiendo canciones para el cantante de country Eddie Rabbitt así como con el tema interpretado por Kenny Rogers «Love will turn you around» de la película Six Pack. En 1993 Scarbury se unió a Jennifer Warnes para grabar la sintonía de una sitcom efímera llamada Almost Home.
Discografía[editar]
Scarbury ha sacado varios singles desde 1969 en el sello Dunhill, continuando con otros singles con las discográficas Reena, Playboy, Bell, Columbia, RCA, Big Tree, Lionel y Elektra.
- Álbumes
- America's Greatest Hero
- Lanzamiento: 1981
1952:
Nace Orhan Pamuk, escritor turco, premio nobel de literatura
en 2006.
Ferit Orhan Pamuk (Estambul, 7 de junio de 1952)
es un escritor turco, Premio
Nobel de Literatura 2006.
Índice
[ocultar]
·
2Obras
Biografía[editar]
Nació en el seno de una familia acomodada (su padre era ingeniero), residente en el occidentalizado
barrio de Nişantaşı de
Estambul, similar a los que describe en algunas de sus novelas. Cursó la
secundaria en el norteamericano Robert College de su ciudad natal y después
comenzó a estudiar arquitectura, pero
tres años más tarde abandona la carrera para dedicarse a la literatura a tiempo
completo. En 1977 se graduó en el Instituto de periodismo de la Universidad de Estambul,
aunque nunca ejerció la profesión. Entre 1985 y 1988residió
en Nueva York y trabajó como profesor
visitante en la Universidad de
Columbia mientras su esposa, la historiadora Aylin Türegün,
estudiaba allí mismo. Posteriormente regresó a Estambul. Pamuk es musulmán cultural.
El matrimonio con Türegün se extendió desde 1982 hasta 2001; en 1991 nació su
hija, Rüya.
Sobre su vocación ha dicho: "Me acuerdo perfectamente del
momento en que quise ser escritor. Fue una tarde de marzo o abril, en la
primavera de 1973. Agarré un papel y un bolígrafo y me puse a escribir. Así
fue. Recuerdo haber leído El extranjero, de Camus, y a pesar de que no influyó en mi
escritura pensé que me iba a ayudar a ser escritor".1 Y sobre el momento en que abandonó
arquitectura: "Yo tendría 23 años y le dije a mi familia y a mis amigos
que no iba a ser el arquitecto o pintor que todos ellos querían, sino un
novelista. Todos me dijeron que no lo hiciera, que yo no tenía ni idea de la
vida. Creo que pensaban que iba a escribir una sola novela. Pero les dije que
existían Borges y Kafka, y que ellos tampoco tenían ni idea de la vida... Las
novelas, me parece, son una forma inédita de ver la vida. Solo ahora, después
de todo este tiempo, confieso que cuando mi familia me dijo que yo no sabía
nada de la vida, tenían razón. En ese momento no sabía nada".1
Aunque su carrera como escritor se inició a finales de los años
70, y su primera novela se publicó en 1982,
su obra comenzó a tener repercusión internacional con la novela El
astrólogo y el sultán (Beyaz Kale, 1985), alabada por el
estadounidense John Updike, y
alcanzó su consagración definitiva con Me llamo Rojo (Benim Adım Kırmızı, 1998),
una novela que combina la narración de misterio, la historia de amor y la
reflexión filosófica, ambientada en el Estambul del siglo XVI, bajo el reinado del sultán Murad III.
Pamuk fue llevado a juicio en diciembre de 2004 por
«insultar y debilitar la identidad turca» (artículo 301 del código penal), en una entrevista a un periódico suizo en
la que pronunció la siguiente frase: «En Turquía mataron a un millón de
armenios y a 30 000 kurdos. Nadie habla de ello y a mí me odian
por hacerlo». La primera sentencia le impuso
una condena condicional de seis meses, durante los cuales debía abstenerse de
cometer delitos para poder mantener su libertad. Se reafirmó en sus palabras en
octubre de 2005.2 En enero de 2006 un
tribunal abandonó el proceso judicial.3
La posición cívica de Pamuk ante los derechos humanos, particularmente
ante los problemas armenio y kurdo en Turquía, lo han convertido en un
personaje que genera polémica en su patria, y mientras allí unos lo admiran
otros lo consideran un traidor. El gobierno turco se ha negado a admitir
que cometió un genocidio
contra los armenios en 1915. La campaña de odio desatada en su
contra en Turquía después de aquella entrevista lo obligó a abandonar el país
por un tiempo. Ya antes, en 1995, estuvo entre el grupo de escritores juzgados
por sus ensayos en los que criticaban al gobierno por su política con los
kurdos.
Tras el asesinato del periodista turco-armenio Hrant Dink, ocurrido en enero de 2007, y las
amenazas de muerte que recibió, Pamuk abandonó nuevamente su patria. Algunos
medios turcos, como el diario Aksam, le acusaron de haber utilizado
el asesinato de Dink como un pretexto para ir a Estados Unidos a ganar dinero dando
conferencias en la Universidad de
Columbia. Las acusaciones fueron negadas por Fatih Altayli,
director del diario Sabah, calificándolas de
"chisme". Pamuk regresó a su ciudad natal en abril de ese mismo año
para escribir su siguiente novela, Masumiyet Muzesi(Museo de la
inocencia).4
En una entrevista concedida al semanario alemán Der Spiegel,5 al inicio de una gira de lecturas de
su obra por Alemania, menciona que
tras la muerte de Dink, muchos intelectuales cayeron en una depresión profunda
y que para él personalmente fue un choque terrible. Por eso prefirió
distanciarse de los hechos, concurriendo a las cátedras en la Universidad de
Columbia de Nueva York. La cancelación repentina de
lecturas de su obra en Alemania en febrero de 2007 se debió a que, por lo
reciente de los hechos, se le iba a estar cuestionando constantemente; además,
las amenazas de muerte les otorgaría una relevancia que él no pensaba darles.
Aseguró que aquella cancelación no se debió a que dudara de la eficacia de los
cuerpos policiacos alemanes para prevenir los posibles ataques de grupos
islamistas residentes en Alemania.
Sus estancias académicas en Estados Unidos han sido siempre
productivas. Allí concluyó su más reciente novela (El museo de la inocencia)
y en 1990 El
libro negro, su primer éxito internacional. Por otro lado,
aunque han existido amenazas de muerte de turcos fundamentalistas, Pamuk
considera que nada ni nadie lo obligará al exilio.
El 12 de octubre de 2006 Pamuk ganó el Premio Nobel de
Literatura como un escritor que, «en búsqueda del alma
melancólica de su ciudad natal, ha encontrado nuevos símbolos para reflejar el
choque y la interconexión de las culturas», según dice el veredicto de la Academia Sueca.6 Es el primer turco que recibe este
galardón. Sus obras han sido traducidas a más de 40 idiomas.
El 28 de abril de 2012 abre sus puertas en Estambul el Museo de la Inocencia basado
en su novela homónima (El museo de la inocencia, Mondadori, 2009) en el
barrio de Cihangir, en Beyoglu.7
Obras
Novelas[editar]
·
1982 - Cevdet Bey ve Oğulları (Cevdet
Bey e hijos, Mondadori, 2013). La novela, con el título de Karanlık
ve Işık (Oscuridad y luz), había compartido el premio de la
editorial Milliyet 3 años antes con el escritor Mehmet Eroğlu
·
1983 - Sessiz Ev (La
casa del silencio, Metáfora Ediciones, 2001)
·
1985 - Beyaz Kale (El astrólogo y el sultán,
Edhasa, 1994; El castillo Blanco,
Mondadori, 2007)
·
1990 - Kara
Kitap (El libro negro, Alfaguara, 2001)8
·
1995 - Yeni Hayat (La
vida nueva, Alfaguara, 2002)
·
1998 - Benim Adım Kırmızı (Me llamo Rojo, Alfaguara, 2003)
·
2008 - Masumiyet Müzesi (El
museo de la inocencia, Mondadori, 2009)
·
2014 - Kafamda Bir Tuhaflık (Una
sensación extraña, Literatura Random House, 2015)
Memorias[editar]
·
2005 - İstanbul: Hatıralar ve
Şehir (Estambul. Ciudad y recuerdos, Mondadori, 2006)
Ensayos[editar]
·
1999 - Öteki Renkler (Otros
colores, Mondadori, 2008)
·
2007 - Babamın Bavulu (La
maleta de mi padre, Mondadori, 2007)
·
2010 - The Naive and Sentimental
Novelist (El novelista ingenuo y el sentimental, Mondadori,
2011; primero fue publicado por Harvard Press en 2010 y al año siguiente en
turco Saf ve Düşünceli Romancı)
1952:
Nace Liam Neeson,
actor norirlandés.
William John Neeson34 OBE (Ballymena, Antrim, Irlanda del Norte, 7 de junio de 1952),
es un actor norirlandés. En 1976 comenzó a actuar en
el Teatro lírico de
Belfast, donde estuvo dos años. Su primer papel reseñable en el cine
fue la película Excalibur de
1981. En esa década también participó en filmes como The Bounty (1984), junto a Mel Gibson y Anthony Hopkins, La misión (1986), con Robert De Niro y Jeremy Irons o el wéstern Con su propia ley (1989),
protagonizado por Patrick Swayze.
La fama mundial le llegó con su interpretación de Oskar Schindler en la aclamada
película La lista de Schindler(1993),
dirigida por Steven Spielberg,
un papel por el que fue nominado a los premios Óscar. Desde entonces, Liam Neeson ha
interpretado papeles protagonistas en numerosos filmes como Rob Roy (1995), Michael Collins(1996),
la adaptación de la novela Los
Miserables en 1998, Star
Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999), el drama
biográfico Kinsey (2004)
y Batman Begins (2005).
En 2008 la carrera del actor recibió un nuevo impulso que lo convirtió en un
héroe del cine de acción gracias
al estreno del filme francés Taken,
primera entrega de una trilogía. En los últimos años, Neeson ha protagonizado
otras películas de acción como El equipo A (2010), Furia
de titanes (2010), Unknown (2011), The Grey (2012), The Dark Knight Rises (2012), Non-Stop(2014), Run All Night (2015) y El pasajero (2018)
Liam Neeson ha sido nominado a numerosos premios, como el premio Óscar a mejor actor, el BAFTA a mejor actor protagonista o
el Globo
de Oro a mejor actor de drama. La revista Empire lo incluyó en sus listas
de Los 100 actores más atractivos de la historia y Las
100 mayores estrellas de cine de todos los tiempos.5
Jordi Soler i Galí, conocido artísticamente como Toti Soler (Vilasar de Dalt, Barcelona; 7 de junio de 1949) es un guitarrista y cantante español, intérprete y compositor, una de las más relevantes figuras de la música contemporánea en Cataluña, ligado a la Nova Cançó. Tuvo una formación clásica con influencias del blues, el jazz y el flamenco.
Biografía artística[editar]
Nació en 1949 en la ciudad de Vilasar de Dalt, población situada en la comarca barcelonesa del Maresme, hijo del médico (y músico aficionado) Jordi Soler Bachs. Realizó sus estudios como músico en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona y posteriormente en el "Spanish Guitar Center" de Londres en 1969. A principios de los años 1970, viajó a Morón de la Frontera, Sevilla, para estudiar guitarra flamenca con Diego del Gastor.
Con la formación Pic-nic tuvo un éxito importante en 1967, cantado por Jeanette. Posteriormente formó el grupo Om, con el teclista Jordi Sabatés, el baterista Peter Hodkingson, el contrabajista Manuel Elías y otros, que introdujo un sonido progresivo, que luego derivó hacia el jazz-fusión. Om participó en la grabación del disco Dioptría de Pau Riba, considerado una obra maestra del rock en Cataluña y en España. Posteriormente, abandona la guitarra eléctrica por la acústica e inicia una carrera en solitario, que ha producido excelentes grabaciones. En 1973, inicia una colaboración con el cantante Ovidi Montllor que, con el tiempo, llegaría a ser una de las relaciones artísticas más enriquecedoras del panorama de la canción catalana. Durante veinticinco años grabaron discos, hicieron recitales, incluido un mítico concierto en el Teatro Olympia de París, y elaboraron diversos espectáculos sobre la obra de poetas como Joan Salvat-Papasseit, Vicent Andrés Estellés o Josep Maria de Sagarra.
Al margen de la carrera musical al lado de Ovidi Montllor, la discografía de Toti Soler tiene más de 25 discos, y es una muestra de la diversidad de su obra, desde los inicios en solitario o con los grupos Pic-nic, Brenner's Folk i Els Xerracs y posteriormente con Om hasta las últimas interpretaciones basadas en la tradición popular catalana, pasando por las colaboraciones con otros intérpretes como Léo Ferré, Taj Mahal (músico), Jordi Sabatés, Cinta Massip, Ester Formosa, Francesc Pi de la Serra, Pascal Comelade, Maria del Mar Bonet y Pau Riba. Es sin duda alguna el máximo exponente de la guitarra en Cataluña. En 1986, Televisión Española emitió una actuación suya en trío de jazz, con contrabajo y batería con escobillas: de lo más logrado que se haya oído en cuanto a la mezcla del jazz y el flamenco. Ese mismo verano, se proyectó una actuación suya con el mismo formato en un local de Madrid, pero a última hora, ya con algunos instrumentos en el escenario, se canceló misteriosamente.
En el 2005, recibió el Premio Nacional de Música de Cataluña, otorgado por la Generalidad de Cataluña, por sus discos "L'arxiver de Tortosa", "Racconto" y "Guitarra i cançons", y en 2006 fue galardonado con la Creu de Sant Jordi.
En el 2007 y el 2008, participa con su música en directo en la versión teatral del poema 'Coral romput' de Vicent Andrés Estellés con dirección de Joan Ollé y en diferentes teatros catalanes. De este poema ya había grabado con Ovidi un doble LP de título 'Ovidi Montllor diu Coral romput', disco que sería reeditado en CD en 2007.
También en 2008 y con su CD 'Vida més alta' (K Industria Cultural), nombre de una poesía de Joan Vinyoli, uno de sus poetas preferidos, se cierra el ciclo de las tres vidas: 'Vita nuova', 'Vida secreta' y 'Vida més alta'. El disco se ha elaborado durante los ocho años que Toti Soler lleva viviendo en el Bajo Ampurdán.
A lo largo de sus 45 años como profesional, Toti Soler ha actuado en algunas de las salas más prestigiosas de países como Suiza, Francia, Italia, Alemania, Polonia, Suecia, Brasil y Estados Unidos, entre muchos otros. En 2011 se edita su disco 'Raó de viure'.
https://www.youtube.com/watch?v=kh_n9qpuSc4
1948:
Nace Nydia Caro,
cantante puertorriqueña de origen estadounidense.
Nydia Caro (Nueva York, 7 de junio de 1948)
es una cantante, compositora, presentadora de TV y actriz puertorriqueña.
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Biografía[editar]
Nydia inició su carrera artística a temprana edad. Luego de
regresar de secundaria, se matriculó en la Escuela de Artes Escénicas de Nueva
York, tomando clases de canto, danza y actuación.
En 1973, obtuvo el tercer lugar en el Festival de Benidorm con
la canción «Vete ya», de Julio Iglesias. Al año siguiente, participó
como artista invitada al Festival de Viña del Mar. Allí conoció al
presentador de televisión chileno César Antonio Santis,
con quien se le vinculó sentimentalmente.1 Luego se convirtió en la primera
puertorriqueña en ganar el Festival OTI de la Canción,
interpretando el tema «Hoy canto por cantar».
En 1988 personifica a Yaritza Gallardo en la miniserie
puertorriqueña Color de piel, original de Vicky Hernández, junto a
los actores mexicanos Rogelio Guerra, María Rubio y Socorro Avelar.
Gracias a su popularidad en Chile,
participó en la telenovela Bellas y audaces y grabó un exitoso
disco en el mismo país titulado Todos
los fuegos, del que desprendió el tema que daba título al álbum y el sencillo «Soledad». En el 2008, su nexo con Chile
continuó, esta vez en la telenovela Don amor, lo que la llevó nuevamente como
invitada especial al XLIX Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar por
parte de Canal 13 (canal
organizador del evento). En el 2011, participó como jurado
invitado en las audiciones del programa Factor X Chile, de TVN.
Goza de popularidad en España e Iberoamérica. Cuenta con una amplia e
interesante discografía que muestra una evolución envidiable desde cualquier
punto de vista, destacando sus álbumes Amores luminosos, en el que
interpreta poesía mística de Santa Teresa y San Juan de la Cruz y Bienvenidos,
una producción en la que canta temas infantiles con música clásica, según
escribió el periodista español Daniel Llorens Vidal en las páginas de la
revista Efe-Eme.
1944:
Nace Miguel
Ríos, músico de rock español.
Miguel Ríos Campaña (Granada, 7 de junio de 1944),
conocido simplemente como Miguel Ríos, es un cantante y compositor
retirado1de rock español, uno de los pioneros de este género en
su país.
En activo desde los años 1960, cuando fue conocido como Mike
Ríos, el Rey del Twist, alcanzó su mayor éxito en 1970,
cuando el "Himno a la alegría" vendió millones de discos en todo el
mundo. Su álbum más vendido ha sido Rock and Ríos, un doble directo editado
en 1982. Cinco años más tarde presentó en Televisión Españolael
programa ¡Qué noche la
de aquel año!, un repaso por la historia de la música rock en
castellano. Desde entonces ha colaborado con infinidad de artistas de España
y Latinoamérica y
ha participado en diversas giras con algunos de ellos, como Sabina, Víctor Manuel, Ana Belén o Serrat. A lo
largo de estos años su estilo ha variado desde el rock and roll más primigenio al sinfónico o, en los últimos años,
el jazz con big band o el blues.
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o 2.1EP
Biografía[editar]
Los primeros años[editar]
Miguel Ríos nació en el barrio Cartuja de Granada (Andalucía), el menor de los siete hijos de una
familia de clase baja. Su familia provenía del municipio granadino de Chauchina. Nada más acabar los estudios, en
los Salesianos, tuvo que ponerse a trabajar. Su
primera ocupación, a los quince años, fue como dependiente en un bar y
posteriormente trabajó como empleado en la sección de discos de unos grandes
almacenes, donde entraría en contacto con el rock and roll, lo que hizo nacer en él el
deseo de convertirse en cantante.
Acompañado de un grupo de amigos, se presentó al concurso Cenicienta
60 de Radio Granada, interpretando «You Are My Destiny», de Paul Anka, y ganó. Con el permiso materno, ya
que su padre había muerto unos meses antes, se trasladó a Madrid en 1960,
cuando sólo contaba 16 años, de la mano de un cazatalentos. Tras una primera
etapa de apuros económicos, el 2 de enero de 1962 grabó
con la compañía Polygram sus cuatro
primeras canciones para un EP, trabajo por el que cobró
3000 pesetas.
Por entonces se decía que el rock and roll había muerto y que lo
que triunfaría sería el twist, por lo que, deseoso de grabar a toda
costa, accedió a ser bautizado comercialmente como Mike Ríos, el Rey del Twist,
nombre que dio título a esa primera grabación y con el que se haría popular
durante la primera mitad de los años 60. Así pues, en este primer trabajo se
incluyó «El twist», versión en español del original de Hank Ballard y «Twist de Saint-Tropez»,
pero también «Pera madura», un rock del italiano Pino
Donaggio, lo que puede ser considerado el nacimiento del rock en
España. Durante ese año graba tres EP más: «Mike Ríos» (que incluye el «Twist
del reloj»), «Mike Ríos Locomoción» (con «La locomoción», versión del «The
Loco-Motion» de Carole King y Gerry
Golfin) y «Mike Ríos con Los Relámpagos. ¡Explosivo!» (con «Popotitos»,
versión del «Bonny Moronie» de Larry Williams)
En 1963 comienza a participar en las Matinales del Price,
galas de música juvenil celebradas los sábados por la mañana en el Circo Price, y publica un nuevo EP con Los
Relámpagos y otros dos ya sin el grupo. En el primero de ellos se incluye «El
ritmo de la lluvia», versión del «Rhythm of the Rain» del grupo The Cascades. En esta época participa en un
concurso presentado por Joaquín Soler Serrano.
En 1964 graba sus dos últimos trabajos como
Mike Ríos. En el primero de ellos, acompañado por el grupo Los Sonor, se incluye «Oh, mi señor» («O mio
signore» de Mogol, Vianello y Mapel). Para la grabación del tercer trabajo de
ese año recupera por fin su nombre auténtico. En este disco se incluye el tema
«Serenata bajo el sol», escrito por Waldo de los Ríos y
para el que vuelven a acompañarle Los Relámpagos. El tema se incluiría al año
siguiente en su primera incursión en el cine, Dos chicas locas,
locas. Durante ese 1965 graba
otros dos EP, en el segundo de los cuales se incluye «Melodía encadenada»,
versión del «Unchained Melody»
de Alex North, y «Ayer», versión del «Yesterday» de The Beatles.
En 1966 abandona la discográfica Philips y firma contrato con la
española Sonoplay, con la que en ese año grabará varios
temas originales en los que comienza a colaborar a la hora de escribir las
letras. Estos temas se recogerán en cuatro sencillos y en su último EP, que incluye
cuatro temas de la película Hamelín, en la que participa. Al año
siguiente Philips publica un sencillo que incluye la ya publicada «¡Oh, mi
señor!» y «Tema para Rocío», de Herrero y Armenteros, de nuevo con Los Sonor.
El gran éxito: el Himno a la alegría[editar]
En 1968 Miguel ficha por Hispavox y su primer sencillo con la
nueva discográfica es un gran éxito, con dos temas que se convierten en
clásicos de su carrera: El río, de Fernando Arbex, y Vuelvo a Granada,
un homenaje a su ciudad natal escrito por el propio Miguel. En los siguientes
sencillos repite éxito con temas como Contra el cristal, El
cartel y Mira hacia ti.
En 1969 graba el que sería el mayor éxito de
toda su carrera, el Himno a la alegría, una adaptación del último
movimiento de la novena sinfonía de Beethoven, arreglada y dirigida por el argentino Waldo de los Ríos,
destacado por sus versiones pop de grandes obras de
la música clásica.
Surgido en plena era del rock sinfónico y grabado por Miguel en inglés con el
título A Song of Joy, alcanzó fama mundial en 1970,
vendiendo siete millones de copias en todo el mundo2 y llegando a n.º 1 en Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia y Reino Unido, además de tener gran éxito en
otros países como Japón, Suecia, Austria, Holanda, Canadá...2
Respecto al éxito obtenido, el propio Miguel Ríos declararía: «Supuso
el que tomara conciencia de que podía cantar, escribir textos, utilizar la
imaginación y construir algo sólido como un disco». Así pues, ese mismo año
de 1969 publica Mira hacia ti,
su primer (Long PlayLP) "disco largo", en el que se
incluyen los éxitos de sus sencillos con Hispavox más otros temas nuevos.
Con su carrera ya plenamente consolidada, en 1970 publica Despierta y
en 1971 Unidos, trabajos que se mueven en el
ámbito del rock sinfónico. En 1972 ofrece una gira de
conciertos que, con el nombre de Conciertos de rock y amor, suponen
el despegue en el país de la infraestructura necesaria para este tipo de
eventos. Fruto de la gira es el disco Miguel Ríos en directo: Conciertos de Rock y amor,
uno de los primeros discos en directo grabados en España y en el que vuelve a
las raíces del rock and roll con temas clásicos que hizo famosos Elvis Presley como Hound Dog o el Rock de la cárcel (Jailhouse Rock), pero en el que también
interpreta por ejemplo Cantares de Joan Manuel Serrat.
Ese mismo año de 1972 es detenido por fumar marihuana y, tras pasar veintisiete días
en la cárcel de Carabanchel,
es puesto en libertad sin cargos.
En 1974 comienza su etapa más comprometida
con el LP Memorias de un
ser humano, al que siguen en 1976 La huerta atómica,
con reivindicaciones ecologistas, y,
en 1977, Al-Andalus,
que se anticipa a la futura fusión entre el rock y el flamenco.
1940:
Nace Tom Jones, cantante británico.
Sir Thomas John Woodward, OBE,1 más conocido por su nombre
artístico Tom Jones (Treforest, Glamorganshire, 7 de junio de 1940),
es un cantante británico. Ha
vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.2 Fue nombrado Oficial de la
Orden del Imperio Británico. También es conocido como El
Tigre de Gales.3
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Biografía[editar]
Hijo del minero Thomas Woodward y de Freda Jones, Jones
descubrió su pasión durante la infancia. Solía cantar en fiestas familiares,
matrimonios y participaba del coro de la escuela. Padeció de tuberculosis y estuvo en reposo casi un
año; fue un tiempo muy crítico en el cual él trataba de superarse a sí mismo
así como de escuchar música y dibujar. A los 17 años se casó con Linda
Trenchard, de cuya unión nació su hijo Mark. Jones salió de la escuela con
malas calificaciones y durante ese periodo debió trabajar como vendedor puerta
a puerta y trabajador en la construcción.
Inicios en los años 1960[editar]
Jones se hizo conocido en la década de 1960 por su gran voz,
extravagante estilo y por su sensualidad, elementos que han sido claves en su
imagen como artista.
Su carrera se inició en 1963 cuando
era vocalista del grupo Tommy Scott & The Senators, una banda
beat local de aquel entonces que ganó reputación principalmente en Gales del
Sur, pese a que no tuvo un gran éxito. Ese mismo año su grupo intentó conseguir
éxito de la mano del productor Joe Meek quien trató de convencer a varias
compañías discográficas de su potencial artístico sin mucho éxito. El grupo
siguió tocando en clubes nocturnos hasta que un día Gordon Mills vio en Tom
Jones un gran potencial y lo llevó a Londres donde comenzó a gestar su
carrera. Gordon Mills se convirtió en su mánager y decidido a lograr la
consolidación del joven artista lo rebautizó bajo el nombre artístico de Tom
Jones en honor al personaje literario.
El estilo de Tom Jones, apodado El Tigre de Gales,
cautivaba a muchos por su voz cálida y al mismo tiempo muy caudalosa, algo muy
poco frecuente en un cantante popular. Su primer sencillo fue grabado para la
casa discográfica Decca en 1964 con la canción
"Fiebre intermitente" ("Chills And Fever"); no tuvo mucho
interés, pero el éxito llegó en 1965 con
la canción "It's Not Unusual". Ese mismo año, grabó la canción para
la película de James Bond titulada Thunderball. El reconocimiento llegó con
el premio Grammy por Mejor artista nuevo.
En 1966, su popularidad empezó a consolidarse a través de una propuesta madura,
transformándose en un gran crooner con canciones como
"Green Green Grass of Home", "What's New Pussycat",
"Help Yourself" y especialmente "Delilah".
1935:
Nace Roberto
Cantoral, cantautor mexicano (f. 2010).
Roberto Cantoral García (Ciudad Madero, 7 de junio de 1935 – Toluca, 7 de agosto de 2010)1 fue un cantantey compositor mexicano. Fue presidente de la Sociedad
de Autores y Compositores de México (SACM), desde 1982. Sus
canciones "El reloj", "El
triste", "Al final","Noche no te
vayas", "Regalame esta noche", "La
barca", "Quiero huir de mí" y "El
preso número nueve" son algunas de las más populares de su
repertorio. Fue el padre de la actriz mexicana Itatí Cantoral y del compositor y
productor mexicano José
Cantoral. Ha sido interpretado por una gran cantidad de cantantes en
todo el mundo.2
Índice
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Primeros años[editar]
Desde muy joven dio muestras de su inspiración y facilidad para
la música y la composición.
Él y su hermano, Antonio
Cantoral, formaron el dueto Hermanos
Cantoral en el año 1950.
Los Tres Caballeros[editar]
Posteriormente formó el trío Los
Tres Caballeros, con el que hizo toda una época en la canción
romántica de México; además, realizó importantes giras en diversos países,
como Estados Unidos, Japón y Argentina, entre muchos otros.
Principales composiciones[editar]
Se convirtió en solista en 1960.
Su obra incluye canciones de gran fama y prestigio mundial, tales como "El reloj", "La
barca", "El preso número nueve", "Al
final", "El triste", "Noche
no te vayas", "Regálame
esta noche", "Yo lo comprendo", "Chamaca", "Quijote", "Soy
lo prohibido", "Qué mal amada estás", "Me
estás gustando", "Un poquito de pecado", "Quiero
huir de mí", "El crucifijo de piedra", "Yo
no voy a la guerra" y muchas otras que han dado la vuelta al
mundo.
Sociedad de Autores y Compositores de México[editar]
El compositor Manolo Marroquín,
miembro del Consejo Directivo de la SACM, calificó a Cantoral como "el más
grande dirigente que ha tenido nuestra sociedad", y agregó que "fue
el que llevó a la cúspide internacional a la SACM, y sobre todo hay que
agradecerle elevar la calidad de vida de los compositores".3
Altruismo y reconocimientos[editar]
Cantoral cedió los derechos de su composición Pobre
Navidad a instituciones de atención a la infancia del
mundo, por lo que recibió reconocimientos de dignatarios y primeras damas, entre ellas Yvonne de Gaulle (Francia) y Lady Bird Johnson (Estados Unidos).
Su canción "Plegaria de paz" se
trasmitió durante tres años consecutivos en el Vaticano.
En Bulgaria ganó, en
el Festival
de Festivales, el premio Orfeo
Negro, con su canción "El triste". Además,
participó en los principales festivales de la canción a nivel mundial, entre
los que se encuentran el de Río de Janeiro, el de Tokio y
el de Atenas. En todos ellos sus canciones se
colocaron entre los primeros sitios.
En 1982 fue electo presidente de la Sociedad
de Autores y Compositores de México (SACM), y en 2003 fue
nombrado, por sexta ocasión, presidente del Comité Iberoamericano de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y
Compositores (CISAC).
Fue invitado a los principales programas de espectáculos de
televisoras y radiodifusoras de varios naciones, como el programa de Arthur
Garfield, en Estados Unidos, el de Alice
Bontorno, en Italia, y en el de Gran
Parada, en España, entre otros. Sus
presentaciones personales superaron las 1.500 en 120 países, durante 15 años de
labor artística.[cita requerida]
Por su gran obra musical se le entregaron importantes
reconocimientos, algunos de los cuales recibió de manos de presidentes de
diversos países.
Hasta agosto de 2010, es la única persona no gubernamental que
ha tenido uso de la palabra en un Congreso de la Organización Mundial de
la Propiedad Intelectual (OMPI),
en donde fue ovacionado por su ponencia en defensa de la propiedad intelectual en 1993.
Fue reconocido por su talento y su defensa a la propiedad intelectual por
la Sociedad
de Autores y Compositores de México dando su nombre al Centro
Cultural de la SACM ubicado en el sur de la Ciudad de México.4
Fallecimiento[editar]
Falleció el sábado 7 de agosto de 2010,
en su hogar de Toluca.
1928:
Nace James Ivory, cineasta
estadounidense.
James Francis Ivory, más conocido como James Ivory (Berkeley, California, Estados Unidos, 7 de junio de 1928), es un director de cine estadounidense.
Carrera[editar]
Es principalmente conocido por varios filmes de época que rodó en las décadas de 1980 y 1990, y que recibieron excelentes críticas y varios premios.
Inicios[editar]
Dio sus primeros pasos en la década de 1950 rodando varios cortometrajes. En 1959 conoció al productor de origen indio Ismail Merchant, con quien entabló una relación sentimental. La pareja fundó dos años después la compañía Merchant Ivory Productions, mediante la cual Ivory rodó sus filmes. El vínculo afectivo y profesional Ivory-Merchant perduró hasta el fallecimiento del segundo en 2005.
Primeros filmes relevantes[editar]
El primer filme de James Ivory que alcanzó cierta resonancia popular fue The Wild Party (1975), con James Coco, Raquel Welch y Perry King.
No exento
de escenas escabrosas, se basaba en el poema narrativo del mismo título,
de Joseph Moncure March (1926),
si bien se inspiró también en un caso real: la muerte de una joven actriz que
se imputó como asesinato a la estrella de cine mudo Fatty Arbuckle.
En 1980 Ivory rodó Jane Austen in Manhattan, último
trabajo en el cine de la veterana Anne Baxter y debut de la joven Sean Young, luego famosa por Blade Runner. En 1981 le siguió Quartet,
protagonizado por Maggie Smith y
la musa del cine francés Isabelle Adjani, quien ganó por su trabajo el
premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes.
Especializado en producciones de época muy cuidadas
estéticamente, en 1984 Ivory dirigió una adaptación de la novela Las
bostonianas de Henry James, con un
elenco que incluía a Vanessa Redgrave (nominada al Óscar por
su papel), Christopher Reeve (Superman)
y Jessica Tandy.
Apogeo: años 1980-1990[editar]
Desde mediados de los años 1980 James Ivory vivió un decenio de
éxitos casi ininterrumpidos.
Su película Una habitación
con vistas (1985) contó con un reparto de lujo (Maggie Smith, Denholm Elliott, Helena Bonham Carter y Judi Dench, entre otros) y fue nominada a
8 Óscares, ganando
finalmente 3, e igualmente ganó un Globo de Oro y 2 premios BAFTA.
En 1987, Maurice (uno
de los primeros grandes papeles de Hugh Grant) fue nominada a un Óscar y ganó 3
premios del Festival de
Cine de Venecia.
En 1990 James Ivory reunió a dos leyendas del cine, Paul Newman y su esposa Joanne Woodward, en Esperando a Mr.
Bridge; ella sería nominada al Óscar y a un Globo de Oro por su trabajo.
En 1992, la película Regreso a Howards End (con Anthony Hopkins, Vanessa Redgrave y Emma Thompson) supuso otro gran éxito para
Ivory: fue nominada a 10 Óscares, ganando finalmente 3 de ellos, igualmente
ganó 1 Globo de Oro (mejor actriz) y 2 premios BAFTA (mejor
actriz y mejor película).
En 1993, Lo que
queda del día reunió nuevamente a Anthony Hopkins y Emma
Thompson; fue nominada a otros 8 Óscares, no ganando finalmente ninguno, pero
Ivory ganó el premio BAFTA a mejor director.
Menor repercusión[editar]
Los posteriores proyectos de James Ivory tuvieron menos éxito,
al menos en taquilla, a pesar de sus prestigiosos repartos: Jefferson
en París en 1995 (con Nick Nolte, Greta Scacchi, Jean-Pierre Aumont, Gwyneth Paltrow y una joven Thandie Newton), Sobrevivir a Picasso en
1996 (con Anthony Hopkins, Natascha McElhone, Julianne Moore y Joan Plowright)...
En 2000 Ivory adaptó otra novela de Henry James, La copa
dorada, con un rutilante elenco: Kate Beckinsale, James Fox, Anjelica Huston, Nick Nolte, Uma Thurman. Recibió críticas favorables, pero
la recaudación no cubrió los 15 millones de dólares que costó.
En 2003, el filme El divorcio reunió a varias
estrellas jóvenes (Kate Hudson, Naomi Watts) y a otras ya veteranas,
como Glenn Close, Stockard Channing y la legendaria Leslie Caron; pero fue pobremente recibido en
taquilla y críticas. El último proyecto de Ivory y Merchant fue La
condesa rusa (2005), protagonizado por Ralph Fiennes y Natasha Richardson;
obtuvo una recaudación discreta pero recibió buenas críticas.
Nace Dean Martin, actor y cantante estadounidense (f. 1995).
Dean Martin (Steubenville, Ohio, 7 de junio de 1917 - Beverly Hills, California, 25 de diciembre de 1995) fue un cómico, actor y cantante estadounidense, también fue miembro del "Rat Pack", conformado por los célebres artistas Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Joey Bishop y Peter Lawford. De este grupo se decía que tenía estrechas relaciones con la mafia e incluso actuaba regularmente en Las Vegas, Nevada donde se les podía ver con mucha frecuencia.
De 1965 a 1973 tuvo su propio programa de variedades en la NBC, y cuando la popularidad del mismo empezó declinó forzando su cancelación, NBC realizó el programa The Dean Martin Celebrity Roast, el cual tuvo una gran popularidad hasta que terminó en 1984. En este programa un grupo de grandes personalidades de Hollywood, del deporte profesional de los Estados Unidos e incluso de la política nacional se reunían en un salón del hotel MGM Grand en Las Vegas, Nevada para hacer crítica cómica, satírica y mordaz del personaje de la semana.
Biografía[editar]
Su verdadero nombre era Dino Paul Crocetti. Nació en Steubenville (Ohio), hijo de inmigrantes italianos. Su madre, Angela Crocetti (Barra; apellido de soltera), era ama de casa y su padre, Gaetano Crocetti, era barbero. Su padre era de Montesilvano, Pescara, Abruzzo, y su madre tenía ancestros napolitanos y sicilianos. Martin era el menor de dos hermanos. Martin habló italiano hasta empezar la escuela. Asistió a la Grant Elementary School en Steubenville, y de adolescente tocaba la batería como pasatiempo. Era objeto de burla debido a su inglés entrecortado y finalmente abandonó la Steubenville High School en el décimo grado.
Empezó a trabajar en distintas actividades, como peón, ayudante en una gasolinera, croupier y tuvo un período en que probó como boxeador. En el cuadrilátero no le fue mal, luchando bajo el seudónimo de Kid Crocetti.
https://www.youtube.com/watch?v=z-2_OstpR5c
1900:
Alfredo Le Pera Sorrentino (São Paulo, Brasil, junio de 1900 (existen controversias sobre el día) - Medellín, Colombia, 24 de junio de 1935) fue un letrista, escritor y periodista argentino autor de la letra de los más conocidos tangos cantados por Carlos Gardel. Respecto a su nombre real y fecha de nacimiento, existe también la versión de su hermano, el Dr. José Le Pera, quien afirmó que se llamaba Alfredo Alfonso de Paula Le Pera y que había nacido el 6 de junio. Dicha información no concuerda con el acta de nacimiento,1 en la que consta "Alfredo" como único nombre, nacido el 7 de junio a las 22:30.
Cuando Carlos Gardel hubo de viajar a Francia contratado por la filmográfica Paramount sita en Joinville, se vio necesitado de reunir un núcleo de colaboradores, con la desventaja de que ya no se encontraban en París el experimentado Manuel Romero ni los artistas argentinos agrupados en la compañía de revistas del porteño Teatro Sarmiento. Gardel acudió a su amigo Edmundo Guibourg, quien le sugirió el nombre del letrista Alfredo Le Pera.
Biografía[editar]
Los padres, italianos, viajaban desde Europa a la Argentina pero debieron quedarse un par de meses en Brasil ya que su madre estaba por dar a luz. Fue entonces cuando nació Alfredo, y dos meses después continuaron su viaje a Buenos Aires.
El día de su nacimiento y su nombre son datos controvertidos: Para Rubén Pesce (quien escribió una biografía del poeta) su nacimiento se produjo el 6 de junio de 1900, mientras que para Tito Livio Foppa, fue el 4 de junio. El hermano José Le Pera, lo daba nacido el 6 de junio de 1900 y para Orlando del Greco, ocurrió el 8 de junio de 1900, fecha que también es la que consta escrita en su bóveda. Aparentemente el acta de nacimiento da como fecha de natalicio la del 7 de junio a las 22. 30 horas y que su único nombre fue Alfredo. Su hermano José afirmaba que el nombre completo era el de Alfredo Alfonso de Paula Le Pera, y otros autores lo dieron como Alfredo Le Pera Sorrentino.2
Vivió en el barrio de San Cristóbal y cursó el bachillerato en el Colegio Nacional Bernardino Rivadavia, situado en la avenida San Juan № 1545, del barrio de Constitución, Buenos Aires. Allí tuvo como profesor al crítico teatral Vicente Martínez Cuitiño, quien influyó en su vocación como poeta. También estudió piano, lo que le permitiría tener nociones básicas del pentagrama. Impulsado por su familia, comenzó estudios de Medicina, los cuales abandona en cuarto año al prevalecer su afición al periodismo.
Más adelante escribió alguna pieza teatral, así como algunas letras para tango. Antes de asociarse a Carlos Gardel obtiene cierto éxito con su primer tango "El Carillón de la Merced", que estrenó Tania en el Teatro Victoria, tema inspirado en una visita a la iglesia de Nuestra Señora de la Merced, en Santiago de Chile.34 Enrique Santos Discépolo pondría música al poema.
Escritor y poeta[editar]
En 1920 se inicia en la crítica de espectáculos para los periódicos El Plata, El Mundo, Última Hora, La Acción y El Telégrafo. Comienza también por entonces a escribir teatro, siendo su primera obra la revista La Sorpresa del Año (1927), escrita en colaboración con el empresario Humberto Cairo. Le siguieron luego Los modernos mandamientos, en coautoría con Alberto Ballestero y D. Gainza; Gran circo político, con Julio Filiberti Escobar; Melodía de arrabal, ¡Qué quieren los brasileños!, Piernas locas, Rojas bocas, La vida se va en canciones, Está abierta la heladera, Ya están secando con Broadway y La plata de Bebé Torres, en colaboración con Pablo Suero y Manuel Sofovich y con la actuación de Pepe Arias; Ópera en jazz, Piernas de seda y Un directo al corazón, realizadas en equipo con Antonio de Bassi, Antonio Botta y Carlos E. Osorio. Desde su posición como jefe de la sección “Teatros” de El Telégrafo entabló muy buenas relaciones con importantes hombres del espectáculo, como Augusto Álvarez, empresario del Teatro Porteño y luego del Broadway.
Por motivos profesionales realizó varios viajes a París. Al volver a Buenos Aires comenzó a trabajar en la traducción y confección de sub-títulos para películas silentes, realizando dicha tarea junto con Leopoldo Torres Ríos, quien más tarde sería relevante director del cine argentino (y padre del también eximio director Leopoldo Torre Nilsson).
Su oficio de traductor de películas lo lleva de nuevo a París a fines de 1931, donde ingresa en la United Artists como traductor castellano de intertítulos para cine mudo. En ese tiempo conoció a distintas figuras de la cinematografía y redactó notas para Noticias Gráficas, en las que reflejó el impacto que le produjeran los destacados directores René Clair y Alfred Hitchcock.
Para Carlos Gardel escribió un buen número de letras de tango, entre las cuales puede mencionarse "Mi Buenos Aires querido", "Por una cabeza", "El día que me quieras", Cuesta abajo, "Soledad", "Volver" y "Sus ojos se cerraron". Asimismo, sería el guionista de las películas de Gardel, tanto en Francia como en Estados Unidos.
Fallecimiento[editar]
Artículo principal: Accidente aéreo de Medellín del 24 de junio de 1935
El 24 de junio de 1935 se hallaba en Medellín, Colombia, integrando la comitiva de Carlos Gardel, junto a los guitarristas José María Aguilar (el Indio Aguilar), Ángel Domingo Riverol y Guillermo Barbieri. Carlos Gardel y el propio Le Pera, fallecieron al chocar dos aeroplanos a punto de despegar, sobre la pista del aeropuerto Las Playas, luego llamado Enrique Olaya Herrera de dicha ciudad. Aguilar sobrevivió, aunque con graves secuelas que le impidieron seguir ejecutando su instrumento.34
1909:
Nace Jessica Tandy, actriz británica (f. 1994).
Jessie Tandy (Hackney, Londres, 7 de
junio de 1909 - Easton, Connecticut, 11 de septiembre de 1994) fue una actriz de teatro, cine y televisión británica, ganadora del premio
Óscar a la
mejor actriz en 1989 por Paseando a Miss Daisy.
Además fue ella quien encarnó por primera vez, en 1948, el papel de Blanche
DuBois en el drama de teatro Un
tranvía llamado Deseo, por el cual ganó un premio
Tony.
1882:
Nace Alberto
Villalón, Guitarrista y compositor mexicano.
Alberto Villalón Morales (7 de junio 1882- 16 de julio 1955). Guitarrista y
compositor, considerado uno de los grandes de la trova cubana. Fundador del
Sexteto Nacional.
Contenido
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Síntesis biográfica
Nacio en Santiago de Cuba el 7 de junio de 1882,
fue el sexto hijo de Carmen Morales y Luis Villalón. La holgada situación
económica de su familia favoreció su formación como músico. A diferencia de la
mayoría de los cantadores y tocadores de su época, Villalón tocaba el piano y
podía leer música.
Su hermana América lo inició de niño en estudios de solfeo y teoría. Estudió guitarra con José (Pepe) Sánchez, luego conocido como “padre del bolero”, pues su obra Tristezas, editada en 1885, fue la primera pieza impresa del género.
Villalón alcanzó gran dominio de la guitarra, y notoriedad, desde muy joven, en el ámbito musical de Santiago de Cuba, por sus originales acompañamientos. Era reconocido su bordoneo en los bajos, completamente distinto al de otros trovadores.
Su hermana América lo inició de niño en estudios de solfeo y teoría. Estudió guitarra con José (Pepe) Sánchez, luego conocido como “padre del bolero”, pues su obra Tristezas, editada en 1885, fue la primera pieza impresa del género.
Villalón alcanzó gran dominio de la guitarra, y notoriedad, desde muy joven, en el ámbito musical de Santiago de Cuba, por sus originales acompañamientos. Era reconocido su bordoneo en los bajos, completamente distinto al de otros trovadores.
Trayectoria profesional
En el año 1900 pasó a residir en La Habana, donde
en 1905 compuso La ausencia, que de inmediato integró el
repertorio de los dúos y tríos más famosos de la época. Para la escena teatral
escribió la música de la revista El triunfo del bolero, estrenada en el teatro
Tívoli en 1906, en la cual se incluyó Cuando el ocaso, una de sus obras más
conocidas. Críticos y estudiosos han considerado que fue Villalón quien dio a
conocer en La Habana el “bolero oriental”. Algunas de sus obras fueron
estrenadas con éxito en el Teatro Alhambra, famoso coliseo en el cual se
desarrollaron géneros de la música cubana como la clave,
la rumba, la guaracha y
la canción. Compuso importantes canciones como:
·
La palma
·
Boda negra
·
Los muertos de esta tumba no están muertos
·
Me da miedo quererte
·
A Martí
·
Yo reiré cuando tú llores.
Si bien discretamente, Villalón formó parte de la bohemia
habanera que desde inicios del siglo XX cantaba y
tocaba en cafés de la ciudad, entre ellos el concurrido Vista Alegre, en un
céntrico sitio de la capital cubana, frente al malecón. Allí alternó con muchos cantores y guitarristas
(más tarde llamados trovadores) y mostró sus composiciones ante un público
ávido de escuchar nuevos boleros, guarachas y canciones.
Según el testimonio del musicógrafo Ezequiel Rodríguez, quien lo conoció, Villalón, justamente considerado trovador, no siguió sin embargo en su modo de vida “el esquema tradicional que identificaba su profesión con una bohemia trashumante”, pues era de presencia distinguida y vida ordenada.
Según el testimonio del musicógrafo Ezequiel Rodríguez, quien lo conoció, Villalón, justamente considerado trovador, no siguió sin embargo en su modo de vida “el esquema tradicional que identificaba su profesión con una bohemia trashumante”, pues era de presencia distinguida y vida ordenada.
Grabaciones
Al parecer realizó sus primeras grabaciones en 1919,
para la firma Columbia según consta en la Discografía de la Música Cubana de
Cristóbal Díaz Ayala, con obras de Jorge Anckermann y Manuel Mauri, sin que se
mencionen otros participantes en aquellos discos, hoy prácticamente imposibles
de encontrar. Es posible que los intérpretes fueran los del Cuarteto Villalón,
fundado en 1908 e integrado por Adolfo Colombo,
tenor; Claudio García, barítono; Emilio Reinoso, ejecutante de mandolina, y
Alberto Villalón, guitarrista y director.
En 1911, en Camden (New Jersey, Estados Unidos) actuó para los tenores Enrico Caruso y Antonio
Scoetti. En 1923 fundó el Trío Villalón –con Juan de
la Cruz, tenor, y Bienvenido León, barítono–, que ofreció conciertos de
canciones cubanas en el teatro Payret de La Habana, con la guitarra de Villalón.
Ese mismo año el trío realizó una serie de grabaciones para la firma Brunswick,
con Pedro Martínez en sustitución del barítono Bienvenido León. A pesar de que
en 1923Villalón era muy conocido como compositor, ninguna de
las veinticinco piezas grabadas por su trío para la firma Brunswick fue de su
autoría; en cambio, aparecen en ese grupo varias de Sindo Garay, y muchas del
cantante Juan de la Cruz. Por esa época otros intérpretes y en particular Floro
Zorrilla habían llevado al disco numerosas composiciones de Villalón como
Ofelia, Querer y que no te quieran, Volverás, Estás en el ten contén, Me voy
para España, Como me matas, mueras y Los muertos de
esa tumba no están muertos, todas registradas fonográficamente para la RCA
Victor en el año 1920, con Villalón en la guitarra. También
grabaron piezas suyas en esa década los tenores Mariano Meléndez y Adolfo
Colombo, a quien Villalón comenzó a acompañar a la guitarra en cilindros Edison
en 1906, y en discos desde 1907.
Sus creaciones contaron con frecuencia con letras de poetas,
periodistas y escritores de cierto relieve en su época, entre ellos Pedro Mata,
Julio Florez, Francisco Vélez Alvarado y Félix Soloni. Villalón compuso, por
otra parte, en homenaje a figuras de la historia cubana y a próceres de la
guerra de independencia como José Martí, Máximo Gómez y Antonio Maceo, obras que ganaron renombre:
Maceo (1900),
La palma, Bolero a Martí (1901) y La palma herida (1905);
también a políticos que gozaron de su simpatía, como los presidentes Tomás Estrada Palma y
José Miguel Gómez.
En 1927, Villalón estuvo entre los fundadores del Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Tomó parte como guitarrista en las primeras grabaciones que el grupo realizó en Estados Unidos para la firma Columbia en el mismo año, cuando llevó al disco tres sones suyos: Cubaneo, ¿Dónde vas con el rabo? y Cayó en la loma.
En las siguientes sesiones de grabación del Sexteto Nacional (en 1928, y en 1929 en Madrid, como septeto, con la adición de la trompeta de Lázaro Herrera) Villalón ya no participaba.
Radamés Giro, en su Diccionario Enciclopédico de la Música en Cuba, comenta sobre Villalón que, además de instrumentista y compositor original, fue un notable guitarrista acompañante, que dominaba la guitarra clásica (fue profesor del instrumento), no sólo en cuanto a la técnica, sino en la conjugación de los acordes, de los cuales hacía inversiones que lograban una armonía bella e interesante, como ocurre en su canción Ya estamos lejos.
Alberto Villalón compuso Los mambises, su primera canción, a los catorce años de edad. Escribió cientos de boleros, guajiras, rumbas, criollas, guarachas y canciones, la mayor parte de los cuales fueron grabados en cilindro o disco a lo largo de su vida.
Ya reiré cuando tú llores, una clave de su autoría con texto de Pedro Mata, ha conocido versiones de destacados intérpretes como Miguelito Valdés, Barbarito Diez y las Hermanas Martí.
También con letra de Pedro Mata compuso Me da miedo quererte, incluida en una serie de composiciones suyas de ambiente macabro, entre las cuales se destaca la canción Los muertos de esa tumba no están muertos, el bolero Yo debiera matarte y su obra más difundida, el capricho-bolero Boda negra, con letra atribuida a Julio Flórez, aunque investigaciones recientes han demostrado que los tétricos versos fueron escritos por el sacerdote venezolano Carlos Borges.
En 1927, Villalón estuvo entre los fundadores del Sexteto Nacional de Ignacio Piñeiro. Tomó parte como guitarrista en las primeras grabaciones que el grupo realizó en Estados Unidos para la firma Columbia en el mismo año, cuando llevó al disco tres sones suyos: Cubaneo, ¿Dónde vas con el rabo? y Cayó en la loma.
En las siguientes sesiones de grabación del Sexteto Nacional (en 1928, y en 1929 en Madrid, como septeto, con la adición de la trompeta de Lázaro Herrera) Villalón ya no participaba.
Radamés Giro, en su Diccionario Enciclopédico de la Música en Cuba, comenta sobre Villalón que, además de instrumentista y compositor original, fue un notable guitarrista acompañante, que dominaba la guitarra clásica (fue profesor del instrumento), no sólo en cuanto a la técnica, sino en la conjugación de los acordes, de los cuales hacía inversiones que lograban una armonía bella e interesante, como ocurre en su canción Ya estamos lejos.
Alberto Villalón compuso Los mambises, su primera canción, a los catorce años de edad. Escribió cientos de boleros, guajiras, rumbas, criollas, guarachas y canciones, la mayor parte de los cuales fueron grabados en cilindro o disco a lo largo de su vida.
Ya reiré cuando tú llores, una clave de su autoría con texto de Pedro Mata, ha conocido versiones de destacados intérpretes como Miguelito Valdés, Barbarito Diez y las Hermanas Martí.
También con letra de Pedro Mata compuso Me da miedo quererte, incluida en una serie de composiciones suyas de ambiente macabro, entre las cuales se destaca la canción Los muertos de esa tumba no están muertos, el bolero Yo debiera matarte y su obra más difundida, el capricho-bolero Boda negra, con letra atribuida a Julio Flórez, aunque investigaciones recientes han demostrado que los tétricos versos fueron escritos por el sacerdote venezolano Carlos Borges.
Muerte
Falleció en La Habana el 16 de julio de 1955.
Condecoraciones
En 1951 le fue otorgada la Medalla
Conmemorativa del Primer Centenario de la Bandera Cubana, por su destacado
trabajo como trovador y por su obra musical.
Intérpretes de su música
Entre los más destacados intérpretes de su música se cuentan las
Hermanas Martí Amelia y Berta, quienes dedicaron en 1974 un
disco de larga duración (Areíto-Egrem) a sus creaciones.
Fuentes
·
Compilación de autores. Cualquier flor...De la trova Tradicional
Cubana._ La Habana: Casa Editora Abril, 2006.
Nace Mackintosh, arquitecto, diseñador y acuarelista escocés,
Charles Rennie Mackintosh (7 de junio de 1868 – 10 de diciembre de 1928) fue un arquitecto, diseñador y acuarelista escocés, que tuvo una importancia fundamental en el movimiento Arts and Crafts y que además fue el máximo exponente del Art Nouveau en Escocia. Fue el padre de Elizabeth Nicol Rennie que también siguió sus pasos.
Protomodernista (antecedente del modernismo). Trata de reformar rompiendo con lo anterior. Saltó a la fama después de exponer sus muebles en la Secesión de Viena en 1900 y formó parte del grupo The Four (Los cuatro) de la Escuela de Glasgow, creado en 1897, siendo su principal figura junto a su mujer Margaret Macdonald, la hermana de esta, Frances Macdonald y el marido de esta última, Herbert MacNair.
Tomó elementos del Arts and Crafts, y fue muy bien aceptado por la oposición al Art Nouveau belga (fue un héroe para la Secesión).
Fue uno de los arquitectos más destacados de los personajes vinculados al Art Nouveau (incluyendo a Victor Horta), pero después de 1913 no recibió más encargos y murió en la miseria en 1928 (miseria que también está relacionada con su afición a la bebida).
1848:
Nace Paul Gauguín, pintor francés (f. 1903).
Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848-Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903)
fue un pintor posimpresionista reconocido después de su
fallecimiento. El uso experimental del color y su estilo sintetista,
fueron elementos claves para su distinción respecto al impresionismo. Su trabajo fue gran influencia
para los vanguardistas franceses
y muchos otros artistas modernos como Pablo Picasso y Henri Matisse. El arte de Gauguin se volvió
popular después de su muerte, parcialmente debido a los esfuerzos del
comerciante de arte Ambroise Vollard, quien organizó exhibiciones
de su obra casi al término de su carrera y póstumas en París.12 Muchas de sus obras se encontraban en
la posesión del coleccionista ruso Sergei Shchukin3 así como en otras colecciones
importantes.
Gauguin fue una figura importante del simbolismo, participando
como pintor, escritor y escultor de grabados y cerámica. Su experimentación audaz
con el color fue lo que colocó los cimientos para el estilo sintetista
del arte moderno,
mientras que su expresión del significado inherente de los temas en sus
pinturas, bajo la influencia del cloisonismo, fue lo que allanó la llegada
del primitivismo y
el regreso al estilo pastoral (captura de la naturaleza, paisajes). Su trabajo
también fue una gran influencia para el uso de técnicas como el grabado en madera y la xilografía en la realización de obras de
arte.45 Su obra ayudó a la evolución de la
pintura, referente al expresionismo alemán y
el fovismo (movimiento que se desarrolla
entre 1898 y 1908).
Fue Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e
inspirador de los Nabis.
Desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa),
volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para su época por su
rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista
predominante en su tiempo en la cultura occidental. Su obra está considerada entre
las más importantes de los pintores franceses del siglo XIX, contribuyendo decisivamente al arte
moderno del siglo XX.
Van Gogh habló acerca de sus pinturas de
Martinica, diciendo:
¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el
falo. Cuadros que son, al mismo tiempo, arte y pecado [...] Esta es pintura que
sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo.
Muere Vigilio, papa italiano (n. 500).
Vigilio (en latín: Vigilius; Roma, c. 500-Siracusa, 7 de junio de 555) fue el papa n.º 59 de la Iglesia católica, de 537 a 555.1
Perteneciente a una noble familia romana, es nombrado diácono en el 531 y acompañó al papa Agapito I a Constantinopla en el año 536, lo que le permitió entablar amistad con Teodora, la esposa del emperador bizantino Justiniano I y una seguidora de la doctrina monofisita.
Elección[editar]
Tras la muerte de Agapito I el 22 de abril de 536, Teodora intentó que el sucesor de este fuera su protegido Vigilio, al que envió a Roma para que, con el apoyo del general Belisario, quien tomó la ciudad, fuese elegido papa.
Pero en Roma, el rey ostrogodo Teodato se adelantó a los planes bizantinos haciendo elegir papa, el 20 de junio de 536, a Silverio, hijo del papa Hormisdas, por lo que Belisario depuso al pontífice y tras desterrarlo le hizo abdicar el 11 de noviembre de 537 (después falleció el 2 de diciembre de 537).2 Vigilio, a pesar de haber sido excomulgado por su predecesor a causa de estas maniobras por el poder, ya había sido investido como papa el 29 de marzo de 537.3
El Segundo Concilio de Constantinopla[editar]
Artículo principal: Segundo Concilio de Constantinopla
Como era de esperar el concilio tras la celebración de ocho sesiones decretó, el 2 de junio de 553, la ratificación de la condena de "Los Tres Capítulos" mediante la promulgación de 14 cánones similares a los 13 que constituían la "Homología" publicada por Justiniano en 551. Y ello a pesar de que Vigilio había enviado al Justiniano con anterioridad, el 14 de mayo el documento conocido como "Primer Constitutum" en el que con el apoyo de otros dieciséis obispos condenaba sesenta proposiciones de Teodoro de Mopsuestia, pero donde no condenaba las de Teodoreto de Ciro y las de Ibas de Edesa.
El emperador ordenó el destierro del papa si este no aceptaba íntegramente las decisiones conciliares por lo que, para poder regresar a Roma, tuvo que emitir, el 23 de febrero de 554, un segundo documento conocido como "Segundo Constitutum" en el que se plegaba totalmente a los deseos de Justiniano y del concilio.
Cuando Vigilio regresaba a Roma, falleció el 7 de junio de 555 en Siracusa (Sicilia).
Los continuos cambios de postura de Vigilio respecto al monofisismo supusieron la total pérdida de credibilidad del pontífice por lo que a su muerte no fue enterrado en San Pedro.
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