El 3 de junio es el 154.º (centésimo quincuagésimo cuarto) día del año en el calendario gregoriano y el 155.º en los años bisiestos. Quedan 211 días para finalizar el año.
Podcast 2020
Santoral de la Iglesia Católica:
San Carlos Luanga y
Santos
mártires de Uganda:
os encomendamos a los jóvenes de nuestro tiempo
para que sepan defender valientemente su pureza contra todos los corruptores,
y para que nunca jamás se dejen robar por nadie su fe católica.
Uganda es un país del Africa.
Los padres Blancos del Cardenal Lavigerie empezaron a misionar ese país y
pronto hubo muchos negros convertidos al catolicismo y esta religión les
transformó muy notablemente su modo de pensar y obrar.
Y sucedió que el jefe de
esa nación, llamado Muanga, tenía el vicio de la homosexualidad. Y cuando el
jefe del personal de mensajeros del palacio José Makasa, se convirtió al
catolicismo le hizo saber al jefe que la Biblia condena y prohibe totalmente la
homosexualidad y que la llama una "aberración", o sea algo
abominable, que va contra la Ley Divina y que es totalmente impropio de la
persona humana. Y que el Libro Sagrado dice que "la homosexualidad es un
pecado merecedor de la muerte" (Levítico 18) y "algo que va contra la
naturaleza (Rom. 1,26) y que los que lo cometen no poseerán el Reino de Dios (1
Cor. 6,10). Esto indignó tanto al reyezuelo, que ordenó asesinar a José Makasa
el 15 de noviembre de 1885, y así este llegó a ser el primero de los 26
mártires de Uganda. (Ahora se llama San José Makasa). Otra de las causas del
asesinato de José fue haber reprendido al rey por el asesinato del dos
misioneros.
Al saber esta terrible
noticia, los demás católicos que trabajaban en el palacio real como mensajeros
o empleados, en vez de acobardarse, se animaron más fuertemente a preferir
morir antes que ofender a Dios.
La segunda víctima fue un
pequeño mensajero llamado Denis. El jefe Muanga quiso irrespetar a un jovencito
llamado Muafa, pero este le dijo que su cuerpo era un templo del Espíritu
Santo, y que él se haría respetar costara lo que costara. Averiguó el rey quién
le había enseñado al niño estas doctrinas y le dijeron que era otro de los
mensajeros, Denis, ¡y le dio muerte! Así este jovencito llegó a ser el segundo
mártir San Denis. (Antes de darle muerte, el rey le preguntó: "¿eres
cristiano?" y el niño respondió: "Sí, soy cristiano y lo seré hasta
la muerte").
Mientras tanto allá en un
salón del palacio, el nuevo jefe de los mensajeros, Carlos Luanga (que había
reemplazado a San José Makasa) reunía a todos los jóvenes y les recordaba lo
que enseña San Pablo en la S. Biblia, que "los que cometen el pecado de
homosexualidad tendrán un castigo inevitable por su extravío" (Rom. 1,18)
y les recordaba que "homosexualidad es la tendencia a cometer acciones
impuras con personas del propio sexo", y que eso no es amor de caridad que
busca el bien de la otra persona, sino que es un "amor de concupiscencia"
por el afecto que se siente hacia personas bien parecidas del propio sexo, y
que lo que busca es satisfacer sus propios apetitos e inclinaciones anormales
hacia las cualidades físicas del otro. Y les narraba cómo las ciudades de
Sodoma y Gomorra fueron destruidas por una lluvia de fuego por cometer ese
pecado, y cómo la Biblia anuncia tremendos castigos para los que lo cometen.
Carlos terminaba sus charlas recordando aquellas palabras de Jesús: "Al
que se declare a mí favor aquí, yo me declararé a su favor en el cielo".
Con estas instrucciones de
Carlos Luanga, ya todos los jovencitos mensajeros y empleados del palacio real
de Uganda quedaron resueltos a perder su vida antes que renunciar a las
creencias católicas o perder la pureza de su alma con un pecado de homosexualidad.
Y ahora iba a llegar el desenlace fatal y sangriento.
El reyezuelo tenía como primer
ministro al terrible brujo Katikiro, el cual estaba disgustadísimo porque los
que se volvían cristianos católicos, ya no se dejaban engañar por sus
brujerías. Y entonces se propuso convencer al rey de que debía hacer morir a
todos los que se declararon cristianos.
El cruel Muanga reunió a todos
sus mensajeros y empleados y les dijo: "De hoy en adelante queda
totalmente prohibido ser cristiano, aquí en mi reino. Los que dejen de rezar al
Dios se los cristianos, y dejen de practicar esa religión, quedarán libres. Los
que quieran seguir siendo cristianos irán a la cárcel y a la muerte".
Y luego les dio una orden
mortal: - Los que quieran seguir siendo cristianos darán un paso hacia
adelante".
Inmediatamente Carlos Luanga,
jefe de todos los empleados y mensajeros del palacio, dio el paso hacia
adelante. Lo siguió el más pequeño de los mensajeros, que se llamaba Kisito. Y
enseguida 22 jóvenes más dieron el paso decisivo. Inmediatamente entre golpes y
humillaciones fueron llevados todos a prisión.
El Padre misionero no había
alcanzado a bautiza a algunos de ellos, y entonces estos jóvenes valientes
viendo que su muerte estaba ya muy próxima pidieron a Carlos que los bautizara.
Y allí en la oscuridad de la prisión Carlos Luanga bautizó a los que aún no
estaban bautizados, y se prepararon todos para su paso a la eternidad feliz,
que ya estaba muy cerca.
El reyezuelo los volvió a
reunir y les preguntó: "¿Siguen decididos a seguir siendo
cristianos?". Y ellos respondieron a coro: "Cristianos hasta la
muerte". Entonces por orden del cruel ministro Katikiro fueron llevados
prisioneros a 60 kilómetros de distancia por el camino, y allí mismo fueron
asesinados por los guardias.
Después de haberlos tenido
siete días en prisión en esas lejanías, en medio de los más atroces
sufrimientos, mientras reunían la leña para el holocaustos el 3 de junio del
año 1886, día de la Ascensión, los envolvieron en esteras de juntos muy secos,
y haciendo un inmenso montón de leña seca los colocaron allí y les prendieron
fuego. Entre las llamas salían sus voces aclamando a Cristo y cantando a Dios,
hasta el último aliento de su vida.
Por el camino se llevaron los
verdugos a dos mártires más, ya mayores de edad. El uno por haber convertido y
bautizado a unos niños (San Matías Kurumba) y el otro por haber logrado que su
esposa se hiciera cristiana (San Andrés Kawa). Ellos se unieron a los otros
mártires (de los cuales 17 eran jóvenes mensajeros) y en total murieron en
aquel año 26 mártires católicos por defender su fe y su castidad.
El cruel Katikiro fue fusilado
y echado a los perros unos años después en una revolución. El reyezuelo Muanga
fue derrotado por sus enemigos y desterrado a terminar sus años en una isla
solitaria. Y los 26 mártires de Uganda, con Carlos Luanga a la cabeza, fueron
declarados santos por el Papa Pablo VI, y ahora en Uganda hay un millón de
católicos: "La sangre de los mártires, produce nuevos cristianos".
La Asamblea
General de las Naciones Unidas decide proclamar el 3 de junio Día Mundial de la Bicicleta.
Índice
[ocultar]
Día
Mundial de la Bicicleta, 3 de junio[editar]
El 16 de abril de 2018 la Asamblea
General de las Naciones Unidas en la Resolución 72/272 decide proclamar
el 3 de junio Día Mundial de la Bicicleta.1
¿Por qué moverse en bicicleta?
Este 3 de junio celebramos, por primera vez en las Naciones Unidas, el Día Mundial de la Bicicleta.
Este 3 de junio celebramos, por primera vez en las Naciones Unidas, el Día Mundial de la Bicicleta.
·
La bicleta es un medio de transporte sostenible, sencillo, asequible,
fiable, limpio y ecológico que contribuye a la gestión ambiental y beneficia la
salud
·
La bici puede servir como instrumento para el desarrollo, no solo como
medio de transporte, sino también al facilitar el acceso a la educación, la
atención de la salud y el deporte.
·
La relación entre la bicicleta y su usuario fomenta la creatividad y la
participación social; asimismo, permite al ciclista conocer de primera mano el
entorno local.
·
Es un símbolo del transporte sostenible y transmite un mensaje positivo
para fomentar el consumo y la producción sostenibles; además, repercute beneficiosamente
en el clima.
El Día Mundial de la
bicicleta:
·
Anima a los Estados Miembros a que presten una atención especial a la
bicicleta en las estrategias de desarrollo intersectoriales y a que incluyan en
las políticas y los programas de desarrollo internacionales, regionales,
nacionales y subnacionales.
·
Invita a los Estados Miembros a mejorar la seguridad vial y a integrarla en
la planificación y el diseño de infraestructuras sostenibles de movilidad y
transporte, en particular mediante la adopción de políticas y medidas dirigidas
a proteger y promover activamente la seguridad peatonal y la movilidad en
bicicleta, con el fin de obtener resultados más amplios en materia de salud, en
particular la prevención de lesiones y enfermedades no transmisibles.
·
Les anima a adoptar las mejores prácticas y los medios para promover la
bicicleta entre la sociedad. A este respecto, ve con buenos ojos las
iniciativas para organizar marchas de bicicletas, tanto nacional como
localmente.
·
Alienta, además, a los interesados a promover el uso de la bicicleta como
medio para fomentar el desarrollo sostenible, reforzar la educación de los
niños y los jóvenes, incluida la educación física, promover la salud, prevenir
las enfermedades, fomentar la tolerancia, el entendimiento y el respeto y
facilitar la inclusión social y la cultura de paz.
William Russell nombre de pila, William Russell Enoch,1(Sunderland, Condado de Durham, 19 de noviembre de 1924 - 3 de junio de 2024)2 fue un actor británico, conocido principalmente por su trabajo televisivo.
Doctor Who
[editar]Su gran debut fue como protagonista en The Adventures of Sir Lancelot para la ITV en 1956, que al estar destinada a la venta a la emisora estadounidense NBC se convirtió en la primera serie del Reino Unido filmada en color. En 1963 fue elegido en Doctor Who para interpretar a uno de los acompañantes, el profesor de ciencias Ian Chesterton, apareciendo en la mayor parte de los episodios de las dos primeras temporadas del programa.
Fue uno de los cuatro miembros originales del reparto de Doctor Who, junto a William Hartnell como el Doctor, Jacqueline Hill como Barbara Wright y Carole Ann Ford como Susan Foreman, después trabajaría con Maureen O'Brien como Vicki. Su primer trabajo en la serie fue en el episodio piloto no emitido, que después sería vuelto a rodar y emitido como An Unearthly Child. Finalmente se marchó junto a Hill en la penúltima historia de la segunda temporada, The Chase.
Siguió asociado con Doctor Who, aportando su voz como narrador de varias ediciones en audiolibro de los episodios perdidos de los sesenta. Apareció también en historias producidas directamente en audio por Big Finish Productions, en adaptaciones a CD de novelizaciones de la serie publicadas originalmente por Target Books.
A finales de los noventa, volvió al papel de Ian para el lanzamiento en VHS de la historia The Crusade, de la cual están perdidos el segundo y el cuarto episodio. Grabó varias escenas interpretando al personaje que ayudaban a rellenar los huecos entre los episodios existentes.
También participó en publicaciones en DVD de la serie, en varios comentarios de audio y entrevistas desde 2002. En febrero de 2012, apareció en la convención Gallifrey One en Los Ángeles, su segunda convención en los Estados Unidos tras otra en Chicago en 1993.
Cine
[editar]Russell ha aparecido en el cine británico desde los años cincuenta, en producciones como They Who Dare (1954), One Good Turn (1955), The Man Who Never Was (1956), y The Great Escape (1963). Después tuvo papeles menores en Superman (1978) y Death Watch (1979) con Harvey Keitel y Harry Dean Stanton.
Televisión
[editar]Apareció en muchos dramáticos y series de televisión, incluyendo Disraeli, Testament of Youth y el papel de Ted Sullivan, el breve segundo marido de Rita Sullivan en Coronation Street. También tuvo un pequeño papel en un episodio de La víbora negra, haciendo un reemplazo de emergencia de Wilfrid Brambell, que se había impacientado por retrasos en su escena y se fue del plató sin rodarla. Otros papeles incluyen a Lanscombe en un episodio de la serie de 2005 Agatha Christie's Poirot titulado After the Funeral.
Teatro
[editar]Hizo varios papeles teatrales con la Royal Shakespeare Company, el Royal National Theatre y en la sesión de apertura del Globe Theatre. En los ochenta, mientras era miembro de la Actor's Touring Company, usó el nombre artístico Russell Enoch, y al abandonar la compañía recuperó el nombre de William Russell.
Familia
[editar]Alfred Enoch, el hijo de Russell de su matrimonio con la doctora brasileña Balbina Gutiérrez, interpretó a Dean Thomas en la saga cinematográfica de Harry Potter.
Muhammad Ali (Louisville, Kentucky; 17 de enero de 1942-Scottsdale, Arizona; 3 de junio de 20161), nacido Cassius Marcellus Clay, Jr. y conocido al principio de su carrera como Cassius Clay,2 fue un boxeador estadounidense, considerado uno de los mejores de todos los tiempos. Fue una figura social de enorme influencia en su generación, en la política y en las luchas sociales o humanitarias a favor de los afroamericanos y del islam.
En su etapa amateur como Cassius Clay logró la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Roma 1960 en la categoría de 75-81 kg y, como profesional, ganó el título de campeón indiscutido de la categoría de los pesos pesados en 1964 a la edad de veintidós años. Finalmente, se convirtió en el único boxeador en conquistar en tres ocasiones el campeonato lineal (1964, 1974 y 1978) e indiscutido (1964, 1967 y 1974) de peso pesado; y en el primero en conquistar cuatro veces un título mundial de peso pesado (el de la Asociación Mundial de Boxeo en 1964, 1967, 1974 y 1978).
Se caracterizó por su estilo de boxeo alejado de la técnica tradicional, aunque era un conocedor del deporte y de sus contrincantes.3 Fue dirigido la mayor parte de su carrera por el entrenador Angelo Dundee, y sostuvo memorables combates contra los más renombrados pugilistas de su tiempo, como Archie Moore, Henry Cooper, Sonny Liston, Floyd Patterson, Ernie Terrell, Joe Frazier, George Foreman y Ken Norton. Seis de sus peleas han sido consideradas como las mejores del año por la revista The Ring. Vertía tanto opiniones claramente irreverentes sobre sus oponentes, como acertados pronósticos de sus contiendas.
Fuera del cuadrilátero, Muhammad Ali se erigió como una figura con influencia social desde los años 1960 cuando se opuso a su reclutamiento por parte de las fuerzas armadas de su país durante la guerra de Vietnam. Se declaró objetor de conciencia, pese al rechazo de los defensores del nacionalismo estadounidense.4 Formó parte de la organización religiosa de la Nación del Islam y, aunque se ganó detractores por su conducta independiente de los estereotipos sobre los afroamericanos, a partir de los años 1970 consiguió el respeto como figura deportiva de renombre mundial, en especial tras su pelea contra George Foreman.5En el ocaso de su carrera, empezó a dar muestras de desgaste físico; después de su retiro padeció la enfermedad de Parkinson.
Entre numerosos reconocimientos recibió la Medalla Presidencial de la Libertad; el ingreso al Salón Internacional de la Fama del Boxeo; el título de «Rey del Boxeo» por parte del Consejo Mundial de Boxeo; y «Deportista del Siglo XX» por Sports Illustrated y la BBC, entre otros.
2011:
Muere James Arness,
actor estadounidense (n. 1923).
James King Arness (26 de mayo de 1923 - 3 de junio de 2011)
fue un actor estadounidense. Conocido por interpretar a
Marshal Matt Dillon en la serie de televisión Gunsmoke durante veinte años. Fue hermano
del también actor, Peter Graves.
Índice
[ocultar]
·
6Enlaces
Biografía[editar]
Su nombre real es
James Aurness, nació en Mineápolis, Minnesota, Estados Unidos. Su padre era de ascendencia noruega y su madre de ascendencia alemana.1
Su primera película
fue en 1947, The Farmer's Daughter,
seguida de Man From Texas de 1947, Horizons
West y Big Jim McLainde 1952.
Su primer éxito cinematográfico fue en la película del oeste Hondo (1954)
acompañando a John Wayne, y
apareció en dos clásicos de la ciencia ficción cinematográfica: The Thing from
Another World (1951), donde interpretaba a
la cosa llegada del espacio, y Them! (1953).
En televisión actuó
como invitado en dos episodios de El Llanero Solitario,
interpretando al comisario Bud Titus. Protagonizó la miniserie: La
conquista del Oeste (1976–1977),
como Zebulon "Zeb" Macahan, y los westerns para la televisión: The
Alamo: 13 Days to Glory (1987) como Jim Bowie, y el
remake de Río Rojo (Red
River) (1988).
La
Ley del Revólver[editar]
En 1955 es
elegido para interpretar a Matt Dillon en la serie La Ley del Revólver (Gunsmoke), en un primer momento los
productores de la cadena televisiva CBS pensaron en contratar a John Wayne, pero la idea finalmente no
prosperó. La serie se emitió por primera vez en el año 1955,
y acompañaban a James Arness, Dennis Weaver como el ayudante Chester
Goode, Milburn Stone como
el Doctor y Amanda Blake como
Kitty. Por la serie pasaron como invitados grandes actores de la talla de John
Wayne, presentando el primer capítulo, Bruce Dern, Bette Davis, Warren Oates, Chuck Connors, Charles Bronson, John Carradine, David Carradine, George Kennedy, William Shatner, Leslie Nielsen, Adam West, y muchos más. En la serie
trabajó Burt Reynolds,
como Quint Asper, el Herrero del pueblo. La serie se emitió entre 1955 y 1975,
en 1987 se filmó Gunsmoke: Return to
Dodge, seguida de Gunsmoke II: The Last Apache, (1990), Gunsmoke
III: To The Last Man (1992), Gunsmoke IV:
The Long Ride y Gunsmoke V: One Man's Justice, de 1993,
las dos últimas secuelas de la serie.
2011:
Muere Esther
Forero, cantante colombiana (n. 1919).
Esther Forero Celis (Barranquilla, 10 de diciembre de 1919 – Barranquilla, 3 de junio de 2011) más conocida
como Esthercita Forero o "La Novia de Barranquilla", fue una cantante y compositora colombiana.12
Índice
[ocultar]
·
1Inicios
·
6Muerte
Inicios[editar]
Empezó a cantar desde
los cuatro años de edad en las tertulias familiares y teatros de su ciudad
natal, Barranquilla. A los catorce años debutó en la emisora "La Voz de
Barranquilla", cuatro años más tarde realizó giras por todo el territorio
colombiano. En Bogotá hizo
actuaciones en la Media Torta, teatros y emisoras radiales.
Éxito
internacional[editar]
En 1942 realizó su
primera gira al exterior; estuvo en Panamá, donde actuó con éxito en Radio
Estrella de Panamá, con acompañamiento del pianista y compositor Avelino
Muñoz. En 1945 fue a Venezuela donde dio a conocer por primera
vez la música costeña. Luego se dirigió a Santo
Domingo, República Dominicana,
país en el que escribe su primera canción "Santo Domingo" la cual
llegó a convertirse en el segundo himno de República Dominicana.
Hacia 1950 grabó con el compositor puertorriqueño Rafael Hernández discos de
gran suceso en Puerto Rico, lo cual
contribuyó a que la música colombiana se abriera paso entre las otras
expresiones populares del Caribe.3
En Cuba actuó
con la orquesta de Pancho Portuondo, en 1952 siguió a Nueva York, en donde son ampliamente conocidas
sus canciones y empieza a grabar con el conocido pianista y compositor René
Touzett. Esther Forero fue un icono del folclor colombiano y especialmente del
carnaval de Barranquilla, del que fundó el desfile nocturno La Guacherna en
1974.4
Regreso
a Colombia[editar]
Esther Forero regresa
a Colombia en 1959, después de diez años de estar divulgando nuestra música en
el exterior. Desde entonces, estuvo grabando su música con orquestas como la de
Pacho Galán, Nuncira Machado, Aníbal Velásquez, Clímaco Sarmiento, entre otras,
con cantantes de la categoría de Gabriel Romero, Joe Arroyo y Alfredo
Gutiérrez.
Por iniciativa de
Esthercita, en 1974 se rescató una tradición perdida, la de realizar desfiles
nocturnos alegrados con cumbiambas y tamboras, y fue así como se realizó la
primera guacherna.
En 1975 grabó en
Barranquilla el disco "Érase una vez en La Arenosa", bajo la batuta
del maestro Pedro "Pete" Vicentini y
acompañada por el cantante Alcibíades "Alci" Acosta. Este disco narra
la historia de Barranquilla en canciones, y ha sido hondamente apreciado por
todos los barranquilleros.
Reconocimientos[editar]
A lo largo de su vida
recibió homenajes por parte de las colonias latinoamericanas. Recibió
innumerables homenajes, medallas, pergaminos, placas y trofeos, en
reconocimiento a la magna labor que ha desarrollado a lo largo de su existencia
como embajadora de la música colombiana ante el mundo, en consecuencia, la
Sociedad de Autores y Compositores de Colombia la condecoró con la "Orden
de Santa Cecilia".
En 1998 el Ministerio
de Cultura de Colombia le otorgó el título Emérito 1998 "Por su
indiscutible aporte a la música colombiana ante el mundo, por su dedicada labor
y por haber sido vocera de los más positivos valores de nuestra cultura del
mundo". Recientemente la Honorable Cámara de Representantes le concedió la
Orden "Policarpa Salavarrieta", con el grado de Comendador.
Canciones[editar]
Esthercita Forero le
ha cantado a su tierra de manera entrañable y nostálgica. Sus canciones hacen
parte del imaginario colectivo barranquillero y han calado profundamente en la
identidad de sus habitantes, que las reconocen y veneran como himnos populares.
Autora de conocidos temas de honda aceptación popular como "Mi vieja
Barranquilla" (1974), "Luna barranquillera" (1963), "La
Guacherna" (1976), "Volvió Juanita" (1978), "Palito 'e
matarratón" (1964), "Tambores de Carnaval" (1978), "Nadie
ha de saber" (2002), "El hombre del palo", entre otros.
Muerte[editar]
Falleció el viernes 3
de junio de 2011 a los 91 años de edad en la Clínica La Asunción de
Barranquilla, tras complicaciones de varios órganos. Llegó con una luxación de
hombro a la clínica el miércoles 11 de mayo de 2011 producto de una isquemia cerebral.56
Rue McClanahan (Healdton, Oklahoma, 21 de febrero de 1934-Nueva York, is an fue una actriz estadounidense.
Biografía[editar]
De ascendencia irlandesa e india nativa americana, creció en Ardmore, Oklahoma; se graduó en el Ardmore High School en 1952. En la Universidad de Tulsa, cursó estudios de alemán y de teatro. Comenzó a actuar sobre los escenarios en Nueva York en 1957, pero su popularidad se vio acrecentada al interpretar el papel de Caroline Johnson en la serie de televisión Another World entre julio de 1970 y septiembre de 1971. Posteriormente participó en Mama's Family dando vida a la Fran Crowley. Seguidamente, en la serie Maude, (1972-1978), dio vida al personaje de Vivian Harmon, la mejor amiga de la protagonista, interpretada por Beatrice Arthur.
Sin embargo, el papel que le dio relevancia mundial fue el de la casquivana Blanche Devereaux en la popularísima serie Las chicas de oro, que interpretó entre 1985 y 1992 y que le valió un Premio Emmy, además de otras tres nominaciones.
Entre 1992 y 1993, participó, junto a Betty White y Estelle Getty en The Golden Palace, un spin-off fallido de Las chicas de oro.
En 1995 participó, junto a Connie Sellecca en la película A Holiday To Remember, en la que interpretó a Ms. Leona, la tía del protagonista, Clay Traynor, interpretado por Randy Travis.
En 1997 se publicó su autobiografía, My First Five Husbands.
El 3 de junio de 2010 murió cerca de la una de la madrugada a causa de un derrame cerebral masivo, según consignó su mánager, Barbara Lawrence. Según explicó la representante de la actriz en la revista People, McClanahan había sufrido una apoplejía menor derivada de las complicaciones de una cirugía de bypass, dos semanas antes de su muerte. she is now 89 years old alive and well
2009:
Muere David
Carradine, actor estadounidense (n. 1936).
John Arthur Carradine (Hollywood, California; 8 de diciembre de 1936-Bangkok, 3 de junio de 2009),
conocido en el mundo del cine como David
Carradine, fue un actor estadounidense, célebre principalmente por su
trabajo en la serie de televisiónKung fu y
más recientemente en la película Kill Bill.23
Índice
[ocultar]
Biografía[editar]
David Carradine era hijo del actor John Carradine y medio hermano de Keith Carradine y Robert Carradine. Comenzó su carrera
cinematográfica en el año 1964 en el western
Taggart
Carrera artística[editar]
Carradine logró brillar en su carrera como actor, aunque quedó
encasillado por su personaje en la serie televisiva Kung fu (entre
1972 y 1975), interpretando al monje shaolín chino-estadounidense Kwai Chang Caine. Este
personaje iba a ser interpretado originalmente por Bruce Lee, pero al final el papel se adjudicó
a Carradine porque Lee tenía rasgos demasiado asiáticos.
De hecho, las posteriores interpretaciones de Carradine con
frecuencia estuvieron ligadas a las artes marciales, como El
círculo de hierro (de Richard
Moore, 1978) y Lone Wolf McQuade (de Steve
Carver, 1983). Curiosamente,
Carradine apenas tenía conocimientos sobre artes marciales con anterioridad a
su actuación en la serie Kung fu, pero desarrolló un gran interés
por ellas a raíz de ésta, llegando a convertirse en un ávido practicante e
incluso a escribir un libro sobre el tema.
Carradine también alternó personajes esquemáticos en películas
inspiradas por los dibujos animados, como Death Race 2000(de Paul Bartel, 1975),
con las interpretaciones más complejas, en las que ha brillado:
·
Boxcar
Bertha (de Martin Scorsese, en 1972),
·
Esta tierra es mi
tierra (de Hal Ashby, en 1976),
·
El huevo de la
serpiente (de Ingmar Bergman, en 1977),
·
Forajidos
de leyenda (de Walter Hill, en 1980),
·
Río abajo (de José Luis Borau,
en 1984), etc.
A principios de los años noventa dirigió, protagonizó y
produjo una secuela de
la serie de televisión Kung fu original (Kung fu: la
leyenda continúa).
De entre sus últimas interpretaciones en la gran pantalla cabe
destacar su papel de Bill en la película de Quentin Tarantino Kill Bill, actuando junto a Uma Thurman.
Además fue parte de una serie televisiva «de fantasmas», en la
que actores famosos ingresaban a distintos lugares donde se encontraban con
espíritus, y Carradine, era parte guía y persona de experiencia para ello
llamado Celebrity Paranormal Projecten el canal VH1.
También actuó en la segunda temporada de Tiempo Final,
serie transmitida por el canal Fox.
En 2009 se estrenó la película Big Stan («El gran Stan» en España, y
«A prueba de hombres» en Hispanoamérica), en la que Carradine hace el papel del
cruel maestro de artes marciales del protagonista, recordando su etapa en la
serie Kung fu.
Muerte[editar]
El 4 de junio de 2009,
Carradine fue hallado muerto en una habitación del hotel Park Nai Lert en Bangkok (Tailandia). Aunque los medios locales
inicialmente informaron que Carradine se había suicidado ahorcándose en la habitación de
su hotel,4 más tarde su agente afirmó que la
muerte del actor se habría producido por causas naturales. Informaciones
posteriores indican que la muerte no fue por causas naturales ni tampoco un
suicidio, sino una muerte accidental por asfixia autoinfligida o con el fin de
aumentar su estimulación sexual durante
una masturbación (asfixia autoerótica).5
La policía tailandesa no ha confirmado ninguna de estas
versiones ni ha dado información oficial alguna, y la familia del actor
solicitó formalmente al FBI que ayude a
esclarecer las circunstancias de la muerte.6 Las autoridades de Tailandia
accedieron a que el FBI observara su investigación, sin intervenir en ella.
Días más tarde, el periódico tailandés Thai Rath publicó una foto del
cadáver de Carradine en el lugar donde fue encontrado, causando la indignación
de los familiares del actor, quienes amenazaron con tomar acciones legales
contra esa publicación.7
Días después, el abogado de la familia Carradine, Mark Geragos,
dio una entrevista a Larry King, donde
planteó una nueva hipótesis sobre el fallecimiento del actor. Según Geragos, Carradine
fue asesinado por los seguidores de una sociedad secreta relacionada con
las artes marciales porque
éste estaba a punto de revelar sus actividades clandestinas.8 Sin embargo, la teoría del juego
erótico fallido cobró fuerza cuando un diario tailandés aseguró que Carradine
fue encontrado usando una peluca de mujer y
un portaligas, y que en la habitación del hotel
se hallaron fotografías eróticas y lencería roja.9
El 11 de junio y tras realizarle una segunda autopsia (la
primera la hicieron las autoridades tailandesas), el médico forense contratado
por la familia de Carradine, Michael Baden, confirmó que el actor no se había
suicidado.10 Pero la falta de información por
parte de la policía tailandesa le impidió llegar a una conclusión sobre la
causa de muerte.11
Carradine, que tenía 72 años, estaba en el país asiático
grabando su nueva película, Stretch,
dirigida por el francés Charles
de Meaux.12
Su funeral se llevó a cabo el sábado 13 de junio en un
cementerio de Los Ángeles.13 A él acudieron cerca de 400
personas, entre ellos, los actores Tom Selleck, Jane Seymour, Daryl Hannah y Lucy Liu. La ceremonia fue custodiada por
guardias de seguridad, quienes se aseguraron de que solo los invitados
asistieran.
2007:
Muere
Santiago José Stevenson Ortiz (17 de octubre de 1928 – 3 de junio de 2007), conocido como El Trovador Evangélico, fue un cantante y compositor panameño, ordenado Reverendo por la Iglesia Cuadrangular de Panamá.1
Biografía[editar]
Se unió en matrimonio con la señorita Eusebia Moreno en el año 1952 y tuvo 4 hijos y 6 nietos.
Inició sus estudios musicales de guitarra y trompeta en el conservatorio nacional de Panamá. Comenzó su ministerio musical a la edad de 17 años y una radiodifusora comercial lo bautizó con el sobrenombre "El Trovador Evangélico". Viajó por toda América y Europa, donde fue conocido como "El Trovador de las Américas".
Estudió inglés en la Universidad de Panamá y ejerció más tarde como profesor de escuela. También trabajó como Director de programación y locutor en una emisora cristiana en la ciudad de Panamá. Fue presentador de un programa radial para niños llamado "Júbilo Infantil" y "Tesoros musicales". Fue director del coro unido Eben-ezer durante 13 años y profesor del Instituto Bíblico de la Iglesia de Dios durante 4 años.
Pionero de la música cristiana a nivel iberoamericano. En el año 1999, se le regaló un homenaje sorpresa, por sus 52 años de ministerio musical, al cual concurrieron muchas de sus amistades y artistas cristianos de Panamá.
En 2022, su canción «Mas allá del sol»,2 interpretada junto a Manuel Bonilla, apareció en los episodios Asylum y Gods and Monsters de la serie de Marvel, Moon Knight.3
Distinción Honorífica[editar]
La Asociación y Academia Musical de la Grabación Cristiana desde la perspectiva Latina, Premios AMCL, le honró en 2002 con el Premio Especial Personaje del Año destacando su ardua trayectoria musical y su aporte a la Música Cristiana Latina. En el momento de conocerse su muerte esta misma Academia le otorgó en la Edición del 2007 de esta prestigiosa premiación, un Premio Honorífico Póstumo por toda su labor durante más de 40 años al servicio de Dios, con este vino también un Reconocimiento a la memoria de Santiago Stevenson, reconocido como un adorador entregado y apasionado por Dios.
2001:
Muere Anthony
Quinn, actor mexicano-estadounidense (n. 1915).
Antonio Rodolfo Quinn
Oaxaca (Chihuahua, 21 de abril de 1915 - Boston, 3 de junio de 2001),
mejor conocido como Anthony Quinn, fue un actor,
director y productor mexicano-estadounidense de cine,
además de ser escultor y pintor. Recibió múltiples galardones, entre
ellos dos Óscar.
Índice
[ocultar]
Primeros
años[editar]
Nació el 21 de abril
de 1915 en Chihuahua, México, Con el nombre de Antonio
Rodolfo Quinn Oaxaca. Según el actor, sus padres fueron Francisco Quinn, de
origen irlandés, y Manuela Oaxaca, mexicana descendiente de aztecas. Su padre
había participado en la Revolución mexicana y
allí conoció a la soldadera que sería su madre.
Tenía un hermano que
no pudo seguir junto a él porque se cambió el apellido a Miranda.
A muy temprana edad,
su familia se trasladó a Texas y seguidamente
a Los Ángeles, California; viviendo su primera infancia en
Boyle Heights y en Echo Park en
medio de la más absoluta pobreza. Su madre estuvo mucho tiempo tras los pasos
de su marido, participante de las huestes de Pancho Villa, y con una gran abnegación y
sacrificio realizó labores de lavandera para mantener a su retoño Antonio en
haciendas de Ciudad Juárez y El Paso, Texas.
Por fin, en 1919,
marido y mujer se reunieron y se trasladaron como inmigrantes a California.
Antonio, ya cumplidos los cinco años, comenzó a trabajar como recolector de
frutas y jornalero.
En 1920, los Quinn se
trasladaron a Los Ángeles para tentar mejor suerte; su padre hacía grandes
esfuerzos para mantener a su familia sin poder despegar de la pobreza. Antonio
realizó labores de limpiabotas y vendedor callejero de periódicos.
Estudió en
establecimientos educativos de su barrio, sin llegar a terminar sus estudios,
por el fallecimiento de su padre en 1926, lo que lo obligó a buscar trabajos
informales para ayudar a su familia. La pérdida de su padre lo marcó
profundamente, pues le admiraba por su tesón.
Acicateado por la
pobreza y con un espíritu de superación desbordante, trabajó haciendo diversos
oficios tales como peón de hacienda, friegaplatos o mensajero de correo. Para
esa época era un mozalbete inteligente, rudo, belicoso y rudimentario en sus
modales, pero ya se había propuesto surgir al precio que fuese necesario.
Fallecimiento[editar]
Falleció acompañado de su última esposa e hijos en un hospital
de Boston en 2001, a los 86 años, como consecuencia de una grave neumonía
contraída después de haber sido sometido a quimioterapia debido a un cáncer de esófago.
Una parte de sus cenizas fueron arrojadas en el Cañón del Cobre en Chihuahua y el resto de sus cenizas yacen
en su finca en California.1
1995
Have you ever really loved a
woman?, fue el cuarto nº 1 en Billboard de Bryan Adams, y aparece también
recogido en el álbum 18 ‘til I die (1996), un disco que se convirtió en el
primer trabajo de estudio del canadiense desde Waking up the neighbours (1991).
Durante esos cinco años,
había ido ganando popularidad gracias a su colaboración en diversas bandas
sonoras como la de Los tres mosqueteros, para la que compuso la canción All for
love, junto a Rod Stewart y Sting.
1977:
Muere Roberto Rossellini,
cineasta italiano (n. 1906).
Roberto Rossellini (Roma, Italia, 8 de mayo de 1906 - Roma, Italia, 3 de junio de 1977)
fue un cineasta italiano.
Rossellini es uno de los directores más importantes del neorrealismo italiano,
al que contribuyó con películas como Roma, ciudad abierta.
Índice
[ocultar]
o 2.1Cine
Biografía[editar]
Comienzos[editar]
Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre construyó el
primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas), garantizando a
Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a frecuentar el
cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto trabajó como técnico
de sonido en películas, y por algún tiempo pudo trabajar en
varios campos relacionados con la creación de películas, ganando competencia en
cada uno.
En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à
l'aprés-midi d'un faune, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en
el rodaje de Luciano Serra pilota, una de las películas italianas
de la primera mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco
De Santis en Uomini sul Fondo. Su primer
largometraje, La Nave Bianca (1941) es la primera de la
llamada "Trilogía fascista", junto
con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce (1943).
A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini y Aldo Fabrizi.
Sebastián Teysera Curbelo (Montevideo, Uruguay, 3 de junio de 1973) es un cantante y compositor uruguayo. Es conocido por ser líder de la banda de rock uruguaya La Vela Puerca. Además, ha oficiado como productor en algunas bandas de su país.1
Biografía[editar]
Sebastián (Enano) Teysera, nació el 3 de junio de 1973 en Montevideo. Tiene 6 hermanos, solo mantiene relación con una hermana mayor y uno menor, Martín, quién ha incursionado en la música. Su padre, Carlos, abogado, le enseñó a tocar la guitarra. Estudió primaria y secundaria, hasta cuarto año, en el colegio Saint Catherine, luego en el Instituto Americano. Realizó un curso de hostelería en Uruguay, tras lo cual trabajó en un hotel de Chile, como recepcionista. A su regreso, comenzaría su periplo en el mundo de la música.
De adolescente jugó al fútbol en Adic, la liga interliceal en Uruguay. A la vez, entrenaba en las categorías inferiores de Miramar Misiones, equipo de fútbol de Montevideo. Eso ocurrió durante un breve tiempo. Antes de La Vela Puerca,tocó la guitarra en una banda llamada Tranvía 35 y en la conocida banda La Tabaré ex Tabare River Rock Band
La Vela Puerca[editar]
En la tarde, del 24 de diciembre de 1995, fundó La Vela Puerca junto a sus amigos. El primer toque de la banda fue al costado del bar El Tigre en el barrio de Pocitos, Montevideo. En los comienzos, Teysera, tocaba la batería y era el vocalista. Posteriormente, se dedicaría a ser cantante; la batería pasó a manos de Lucas de Azevedo, relevado en el 2004, por Pepe Canedo, ex Peyote Asesino. Con su banda ha editado siete álbumes de estudio y tres DVD.
Teysera, se reconoce admirador de: Extremoduro, Bob Dylan, Alfredo Zitarrosa, La Polla Records, The Clash, The Ramones, The Jam, entre otros, además de haberse inspirado de joven en bandas como Mano Negra y La Abuela Coca.
Reside en Playa Hermosa, Piriápolis, departamento de Maldonado.23 Es aficionado a coleccionar vinilos.
Tonmi Kristian Lillman (Kouvola, 3 de junio de 1973, 13 de febrero de 2012)1 fue un músico finlandés de la banda Lordi que oficialmente cambió su nombre de Tommi a Tonmi en 2004.
Carrera[editar]
El padre de Lillman era un músico, y como resultado creció rodeado de una gran variedad de instrumentos. Tonmi recibió su primera batería a los 9 años, y comenzó a actuar en vivo a los 14. Aparte de la batería y del bajo, sus principales instrumentos, también tocó el piano y la guitarra. Antes de su muerte, estuvo implicado en las bandas Kylähullut, Vanguard y 3rror. A partir de dichas bandas, se convirtió más conocidamente como el baterista de Sinergy, To/Die/For y de Lordi,2 banda en la que falleció.
En su carrera profesional Lillman también ha enseñado grabación digital y la batería en el Kouvola Musiikkiopisto (Conservatorio de Kouvola). Ha tocado en numerosas bandas folk y en orquestas de música pop, así como el manejo de la batería en el Dimebag Beyond Forever 2009 una gira junto a Rainer ”Raikku” Tuomikanto.
En Lordi, sustituyó al exbatería Sampsa Astala (Kita), el 26 de octubre.3 Tras ello tocó en el "Europe For Breakfast Tour" con la banda.
Muerte[editar]
En la página oficial de Lordi, se puede leer el mensaje de la banda hacia Otus:
"Our dear friend and bandmate, 'Otus' Tonmi Lillman, has sadly passed away [at the age of 38]. He will be greatly missed and we send our condolences to his family and friends. Otus, we thank You from the bottom of our hearts for the short time we got to know you and spend with you together. Rest in peace, friend."
("Nuestro querido amigo y compañero de banda, 'Otus' Tonmi Lillman, lamentablemente ha fallecido a la edad de 38. Se le echará mucho de menos y enviamos nuestras condolencias a su familia y amigos. Otus, te damos las gracias desde el fondo de nuestros corazones por haberte conocido y haber gastado este poco tiempo contigo juntos. Descansa en paz, amigo.")1
Nace Jamie O'Neal (nacida el 3 de junio de 1966) es una cantante y compositora australiana de música country.
En 2000, O'Neal lanzó su primer álbum de estudio, Shiver . El álbum incluía los singles consecutivos número uno " There Is No Arizona " y " When I Think About Angels ". Se lanzaron otros dos singles: la canción principal, que alcanzó el número 21 en las listas de países, y "Frantic", que alcanzó el número 41 en 2002. Desde entonces, lanzó su segundo álbum de estudio, Brave , en 2005. Su El tercer álbum de estudio, Eternal , fue lanzado el 27 de mayo de 2014.
https://www.youtube.com/watch?v=1_uMQTw7v2g&list=PLUeqKhbD1IoSHUECAte7tQ0_xTFBRReUK
https://www.youtube.com/watch?v=jgfyxOAYmyA
1964:
Muere Frans
Eemil Sillanpää, escritor finlandés, premio nobel de literatura en 1939 (n.
1888).
Frans Eemil Sillanpää (Hämeenkyrö, 16 de septiembre de 1888-Helsinki, 3 de junio de 1964)
fue un escritor finlandés, ganador del Premio
Nobel de Literatura en 1939.
También es conocido en los países hispánicos como Francisco Emilo
Sillanpää.
Biografía[editar]
De origen campesino
humilde, sus padres consiguieron enviarle a Tampere y, luego, a la Universidad de
Helsinki a estudiar medicina, donde trabó amistad con el
pintor Eero Järnefelt, y
otros personajes importantes de la época como Jean Sibelius, Juhani Aho o Pekka
Halonen. En 1913 volvió a su villa
natal, dedicándose por completo a la escritura.
En 2013, Finlandia
emitió una moneda conmemorativa para celebrar el 125.º aniversario de su
nacimiento.
Obras[editar]
En sus primeros
relatos —La vida y el sol (1916) y Los hijos del hombre en
el cortejo de la vida (1917)— se manifiestan influencias de Knut Hamsun y Maurice Maeterlinck.
Los acontecimientos políticos ocurridos entre 1917 y 1918 le
inspiraron para escribir la novela Santa miseria (1919).
Sus escritos son exposiciones de la vida sencilla de gente corriente.
Otros títulos
destacables son:
·
A ras del suelo, 1924.
·
Muerte prematura, 1931.
·
Silja, 1931.
·
El destino del hombre, 1932.
·
Hombres en la noche estival, 1934.
·
Esplendor y miseria de la vida humana, 1945.
·
El hijo ha vivido su vida, 1953,
libro de memorias.
James Brian Mark Purefoy (Taunton, Inglaterra, Reino Unido, 3 de junio de 1964) es un actor británico.
Biografía[editar]
Abandonó sus estudios secundarios para buscarse la vida en diversos países europeos durante su adolescencia. A los dieciocho años encontró su vocación y decidió estudiar Interpretación.
Ha trabajado tanto en el teatro clásico como en la televisión y el cine. Como miembro de la Royal Shakespeare Company, ha trabajado en más de veinticuatro obras que van desde Macbeth hasta Les enfants du paradis.
Entre sus numerosos papeles destacan La feria de las vanidades o Resident Evil, entre muchas otras, y en la serie de drama para la televisión Roma, en la que da vida a uno de los personajes históricos más conocidos: el general Marco Antonio.
En un principio fue el encargado de interpretar a V en V for Vendetta, pero abandonó el proyecto seis semanas después de iniciar la grabación, frustrado por el hecho de utilizar la máscara durante toda la película y no poder mostrar su rostro.1 Fue sustituido por Hugo Weaving.
Tuvo un hijo, Joseph, con la actriz británica Holly Aird.
1963:
Muere Juan XXIII (Ángelo
Giuseppe Roncalli), papa italiano entre 1958 y 1963 (n. 1881).
Juan XXIII (latín: Ioannes PP.
XXIII), de nombre secular Angelo Giuseppe Roncalli (Sotto il Monte, Bérgamo, Lombardía, Italia, 25 de noviembre de 1881-Ciudad del Vaticano, 3 de junio de 1963),
fue el papa número 261 de la Iglesia católica y
soberano de la Ciudad del Vaticano entre 1958 y 1963.
En su dilatada labor apostólica, ocupó varios cargos de
relevancia en la Iglesia católica en el período de preguerra. Como obispo
titular de Areopoli y,
más tarde, de Mesembria, desempeñó el
cargo de visitador apostólico en Bulgaria desde 1925,
luego como delegado apostólico en
la misma Bulgaria desde 1931. Fue designado arzobispo
titular de Mesembria y delegado apostólico en Turquía y Grecia el 30 de noviembre de 1934,
cargo que desempeñó durante la mayor parte de la segunda guerra
mundial. A fines de 1944 fue designado nuncio apostólico en Francia, donde permaneció hasta 1953.
Creado cardenal presbítero de S.
Prisca en el consistorio de
ese año, fue patriarca de Venecia hasta
su elección como sumo pontífice en el cónclave de octubre de
1958. Su pontificado, relativamente breve, fue sin embargo sumamente
intenso.
Sus encíclicas Mater et Magistra ('Madre y Maestra',
1961) y Pacem in Terris ('Paz
en la Tierra', 1963), esta última escrita en plena guerra fría luego de la llamada «crisis de
los misiles» de octubre de 1962,
se convirtieron en documentos señeros que marcaron el papel de la Iglesia
católica en el mundo actual. Pero el punto culminante de su trabajo apostólico
fue, sin dudas, su iniciativa personal, apenas tres meses después de su
elección como pontífice, de convocar el Concilio Vaticano II,
que imprimiría una orientación pastoral renovada en la Iglesia católica
del siglo XX. Con todo, al momento de su muerte
acaecida el 3 de junio de 1963, apenas había transcurrido la primera de las
etapas conciliares —que finalmente alcanzarían el número de cuatro—, sin
haberse promulgado ningún documento y sería Pablo VI quien enfatizaría los propósitos
básicos del concilio y lo guiaría a través de las tres etapas conciliares
siguientes hasta su final.Nota 1
Caracterizado por un notable sentido del humor,Nota 2 en Italia se recuerda a Juan XXIII con el
cariñoso apelativo de Il Papa Buono («el papa bueno»). Fue
beatificado por el papa Juan Pablo II durante el «Gran Jubileo» del año 2000.
El 5 de julio de 2013el
papa Francisco firmó
el decreto que autorizó la canonización de Juan XXIII, que se
efectuó conjuntamente con la de Juan Pablo II el día 27 de abril de 2014,
según lo anunciado en el consistorio realizado el 30 de septiembre de 2013.1 A dicha ceremonia, también asistió
el papa emérito, Benedicto XVI.2 Junto a Juan Pablo II es el papa más reciente en
ser venerado como santo.
1953:
Loalwa Braz Vieira1 conocida simplemente como Loalwa
Braz (Río de Janeiro, 3 de junio de 1953-Saquarema, 19 de enero de 2017)23 fue una cantante originaria de Brasil nacionalizada francesa. Saltó a la fama como principal
vocalista y líder del desaparecido grupo de lambada Kaoma.
Índice
[ocultar]
Biografía[editar]
Nacida en Río de Janeiro, proveniente de una familia de
músicos afrobrasileños. Su padre era el director de la Orquesta Popular y su
madre pianista clásica. Loalwa fue así influenciada por la buena música,
tocando piano clásico desde los cuatro años, comenzando su carrera de cantante
a los trece años y creciendo muy cerca de los ritmos legendarios del Brasil.
Sus dones naturales
fueron fortalecidos por su trabajo. Loalwa ganó rápidamente varios premios, y
debutó en el club nocturno más prestigioso de Río de Janeiro.
Su ingenio le
garantizó el reconocimiento de los mayores exponentes de la Música Popular
Brasileña como Gilberto Gil, Tim Maia, Alcione, Maria Bethânia, Emilio Santiago, Gal Costa, Caetano Veloso, etc.; quienes eran sus
compañeros de escenario y grabación, desde 1975 hasta 1985, fecha en la cual
decidió vivir en París, después de su éxito en el Palais des Sports, con el
show “Brésil en Fête”.
Loalwa se presentó en
los principales escenarios del espectáculo: Paradis Latin, Méridien (París),
Olympia (88 y 92), TLP Dejazet, New Morning, Zenith, Madison Square Garden, London Palladium, Waldorf Astoria etc.
Con la música de la
Lambada conquistó al planeta a fines de los 80 y principios de los 90, con más de 25 millones de discos vendidos
en todo el mundo y 80 discos de oro y platino. La Lambada fue un éxito
incomparable, que atrajo definitivamente un nuevo aspecto a la música latina
internacional.
Loalwa formó parte de
las 20 voces más escuchadas en todo el mundo cuando la Lambada fue un fenómeno
a nivel mundial. Loalwa compuso y cantó tres canciones para la industria
cinematográfica francesa: dos canciones en la película “Le Roi Desperados” -
producido por el estudio de televisión francés Canal+ e interpretada por la
célebre Orquesta
Filarmónica de Londres, y otra para la banda sonora de la película
“Dis-moi oui” dirigida por Alexandre
Arcady y con música de Phillipe
Sarde.
Varias canciones
marcaron su carrera:
·
Llorando se fue (Lambada).
·
Tago Mago.
·
Bailando Lambada.
·
Mélodie d`Amour.
·
A la Medianoche.
·
La adaptación en portugués de la canción “Another Star” (Otro Lugar),
de Stevie Wonder,
hecha por Loalwa demostró su versatilidad, y suscitó el interés de los grandes
nombres de la música mundial por sus composiciones y adaptaciones.
En año 2003 lanzó el
Álbum Recomeçar (Recomenzar), un disco que era un mosaico de
canciones de su autoría, en asociación con compositores y arreglistas de
culturas musicales diversas. Recomeçar da un clima romántico a
los ritmos calientes, con la participación especial de:
·
Carlinhos Brown (Brasil)
·
Lincoln Olivetti (Brasil)
·
Gilson Peranzetta (Brasil)
·
Jacky Arconte (Caribe)
·
Benjamin Constant (Francia)
·
Fabien Nataf (Francia)
Loalwa fue miembro de
la Academia Francesa de Artes, Ciencias y Letras; por la cual fue condecorada
con la medalla de plata (Prix Thorlet 2003).
Otro disco editado en
el año 2006 con grandes colaboraciones musicales mezclaba el romanticismo y la
explosión de ritmos que caracterizaban la personalidad de la artista. Un nuevo
título que enriqueció la carrera de la cantante, nombrada embajadora por la
Asociación Francophone para la promoción de l'Esprit Sportif (AFPES) a través
del mundo.
En 2011 le siguió el
álbum “ENSOLARADO” (soleado) con la participación de artistas de África, Caribe y América Latina. Loalwa quería orientar sus
canciones al portugués, español, inglés y francés.
Asesinato[editar]
Fue encontrada muerta
el 19 de enero de 2017, en un auto quemado en una zona al norte de Río de Janeiro muy cerca de su domicilio,
según confirmó a la agencia DPA la Policía Civil.
Según el comandante del Cuerpo de Bomberos Leonardo Couri, ellos recibieron una
llamada en la madrugada por un incendio en un domicilio, que sería el de la
artista. Cuando se trasladaron para combatir las llamas del vehículo, en el
distrito de Bacaxá,
ocurrió el macabro hallazgo en el asiento trasero. “Dentro del automóvil, el
equipo identificó que había un cuerpo carbonizado y comenzó a trabajar la
pericial. Todo fue muy rápido”, indicó Couri.4 La agencia de noticias G1 afirmó que
al menos dos hombres armados fueron vistos cerca de la casa de Braz Vieira y
que se escucharon gritos y pedidos de ayuda.
El 20 de enero se supo
que los detenidos fueron identificados como Wallace de Paula Vieira ,
de 23 años, Gabriel Ferreira dos Santos (21) y Lucas
Silva de Lima (18), según señaló la Policía Civil de Río de Janeiro a
la Agencia estatal de Brasil. La Policía apuntó
que los sospechosos llegaron la noche del miércoles al local Pousada
Azur, forzaron la puerta de entrada y allí dentro inmovilizaron a la
artista, propietaria del establecimiento. La investigación desgrana que Braz
luchó contra sus agresores hasta que cayó desmayada a causa de los golpes y los
cortes recibidos con arma blanca, momento en el que fue arrastrada hasta su
propio vehículo, al cual le prendieron fuego con su cuerpo en el interior en
una calle próxima.5
Daniel Wilde (nombre de nacimiento Danny Thomas ; nacido el 3 de junio de 1956) es un músico estadounidense. Es miembro fundador de The Rembrandts .
Wilde nació en Houlton, Maine , pero es conocido por el poderoso pop de California a través de sus discos publicados en los años 80 y 90. En la década de 1980 consiguió dos éxitos menores de radio rock con "Isn't It Enough" y "Time Runs Wild".
El sencillo "Time Runs Wild" apareció en la banda sonora de la película Dream a Little Dream .
Wilde fue el miembro fundador de la banda de power-pop The Quick . Wilde luego formó Great Buildings en 1981 y lanzó un álbum. Después de la desaparición de la banda, Wilde siguió una carrera en solitario. Su primer lanzamiento en solitario en 1986, The Boyfriend , obtuvo dos singles pop: "Isn't It Enough" y "Body To Body". Wilde lanzó Any Man's Hunger en 1988. Presentaba temas como "Time Runs Wild" y "Wouldn't be the First Time", y alcanzó el número 176 en las listas de álbumes de Estados Unidos, su único álbum en solitario en los Estados Unidos. . Wilde apareció en programas de entrevistas y un par de sus videos musicales se transmitieron en vivo en MTV. Sus videos musicales se pueden ver en YouTube. Wilde también apareció en el programa de radio Westwood One e interpretó varias pistas para la promoción del álbum Any Man's Hunger . El álbum en vivo de 8 pistas está en circulación como bootleg y se puede descargar en línea. Wilde lo siguió con el lanzamiento del álbum homónimo Danny Wilde en 1989. El único sencillo del álbum "The Stuff That Dreams Are Made Of" ganó la radio, pero Geffen hizo poco para apoyar el álbum y dejó caer a Wilde dos semanas después del éxito del álbum. historias.
Sin embargo, en la década de 1990 Wilde encontró un gran éxito comercial, formando The Rembrandts con Phil Solem . Los dos grandes éxitos del dúo fueron " Just the Way It Is, Baby " y " I'll Be There There for You ", el tema de Friends .
En 2000, Wilde cantó la voz principal en la versión del guitarrista canadiense de jazz flamenco Jesse Cook del éxito de Crowded House " Fall at Your Feet ", del álbum de Cook Free Fall .
Wilde escribió e interpretó el tema musical silbante para la serie de televisión china en línea Planet Homebuddies , que se basa en la configuración de Amigos con China continental.
The Rembrandts es una banda estadounidense de pop-rock formada por Phil Solem y Danny Wilde en 1989. Ellos habían trabajado juntos anteriormente como miembros de Great Buildings en 1981. El dúo es mayormente conocido por su canción "I'll Be There for You", que fue usada como canción principal de la serie Friends.1
Miembros[editar]
- Phil Solem (1 de julio de 1956, Duluth, Minnesota, EEUU)
- Danny Wilde (3 de junio de 1956, Maine, EE. UU.)
William Norris "Billy" Powell, (Corpus Christi, Texas; 3 de junio de 1952-Orange Park, Florida; 28 de enero de 2009) fue un músico estadounidense, teclista del grupo Lynyrd Skynyrd desde 1970 hasta su muerte en 2009.
Biografía[editar]
Nacido en Corpus Christi, Texas, Powell se crio en una familia militar (su padre estaba en la Armada de los Estados Unidos) y pasó varios años de su infancia viviendo en Italia, donde estaba su padre. Después de que su padre muriese de cáncer en 1960, se trasladó con su familia a los Estados Unidos y se instaló en Jacksonville, Florida. Su madre lo enroló en la Sanford Naval Academy en Sanford, Florida. Si bien en Sanford, el interés de Billy por la música comenzó a crecer y entonces empezó a tomar lecciones de piano con una maestra local llamada Madeleine Brown.
Carrera musical[editar]
Powell regresó a Jacksonville donde ingresó al Bishop Kenny High School. Estando ahí conoció a Leon Wilkeson, futuro bajista de Lynyrd Skynyrd. Los dos se convirtieron en buenos amigos. Cuando se graduó en 1970, ingresó brevemente en un colegio comunitario, especializándose en Teoría de la Música. En esa época, encontró trabajo como organizador de la gira de Lynyrd Skynyrd.
Powell siguió siendo el organizador de las giras de Skynyrd hasta 1972, cuando la banda fue contratada para tocar en el baile de la escuela Bolles. Después de configurar los equipos de la banda, Powell se sentó en el piano en una esquina de la habitación y comenzó a tocar su propia versión de "Free Bird". El cantante Ronnie Van Zant quedó impresionado, e invitó a Powell a unirse oficialmente a Lynyrd Skynyrd como su nuevo teclista.
En 1973, Lynyrd Skynyrd firmó con MCA Records y expuso a nivel nacional el lanzamiento de su primer álbum, (pronounced 'lĕh-'nérd 'skin-'nérd). La popularidad de la banda se disparó en 1974 con el siguiente álbum, Second Helping, que incluía su sencillo más exitoso, "Sweet Home Alabama". La banda gozaría de gran popularidad durante los próximos tres años, que culminó en 1977 tras el lanzamiento de Street Survivors, lo que muchos consideraban su mayor esfuerzo hasta la fecha. Sin embargo, tres días después del lanzamiento de Street Survivors, el avión donde viajaba la banda se estrelló en un bosque cerca de McComb, Misisipi. El accidente costó la vida del cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines, su hermana la vocalista de respaldo Cassie Gaines, el gerente de caminos Dean Kilpatrick, y ambos pilotos. El resto de la banda sufrió lesiones que van desde leves a graves. Powell sufrió graves laceraciones faciales, así como la casi completa pérdida de su nariz, pero salió relativamente ileso. Fue el primero en ser dado de alta en el hospital, y el único miembro capaz de asistir a los funerales de sus compañeros fallecidos. Durante el tiempo entre el accidente de avión y la reunión de los miembros de Lynyrd Sknyrd en 1987, Powell se unió brevemente a una banda de rock cristiano llamada Visión. Su forma de tocar el teclado a menudo se destacaba en los conciertos de Vision. Powell también habló durante los conciertos de su recién encontrada fe en Jesucristo.
Powell se volvió a reunir con los miembros de Lynyrd Skynyrd en 1987 para una gira tributo, y se mantuvo con la banda hasta su muerte. El guitarrista Gary Rossington era el único miembro original de la línea clásica que continua grabando y presentándose con la banda reunida hasta el día de su muerte.
En 2007 tocó el piano en la canción de Kid Rock llamada '«All Summer Long».
Muerte[editar]
El 28 de enero de 2009 fue hallado muerto en su casa. Poco antes había avisado al servicio de emergencias al notar los primeros síntomas de un ataque cardíaco.
June Deniece Chandler, (3 de junio de 1950 en Gary, Indiana) más conocida por su nombre artístico Deniece "Niecy" Williams es una cantautora y productora estadounidense ganadora de 4 Premios Grammy. Williams, cuya música está influida por el soul y el funk, es conocida por sus éxitos como "Free", "Let's Hear It for the Boy", "It's Gonna Take a Miracle", y por sus muchos duetos con Johnny Mathis.
Biografía[editar]
Williams asistió a la Universidad Morgan State en Baltimore, Maryland, para intentar convertirse en enfermera y anestesista, pero lo dejó tras un año y medio. Al mismo tiempo, actuaba en el club Casino Royal. Durante esos años Williams también trabajó en una compañía telefónica y como asistente administrativa en el Chicago Mercy Hospital.1
En los años 1970, participaba como corista para Stevie Wonder. Dejó a Wonder en 1975 y, tras firmar con Columbia Records, se juntó con dos famosos productores: Maurice White y Charles Stepney. Su álbum debut This Is Niecy fue lanzado en 1976. El sencillo "Free" llegó al número 25 del Billboard Hot 100 y al número 1 del British Singles Chart. En 1978 consiguió el número 1 del Billboard Hot 100 con la canción "Too Much, Too Little, Too Late", junto al cantante de pop Johnny Mathis. Williams también llegó a la cima de las listas de baile con su sencillo "I've Got the Next Dance". Mathis y Williams también grabaron la banda sonora de la serie Family Ties, "Without Us".
Williams firmó con la American Recording Company (ARC) a principios de los años 1980 donde lanzó el sencillo de R&B "Silly". Al año siguiente, volvió a la cima de la lista de R&B con su remake de "It's Gonna Take a Miracle" de The Royalettes.
Let's Hear It for the Boy[editar]
En 1984, Williams lanzó el disco Let's Hear It for the Boy. La canción homónima alcanzó el número 1 en la Billboard Hot 100 y apareció en la banda sonora de la película Footloose.2 Williams siguió lanzando álbumes durante los siguientes años, como Hot On The Trail (1986), Water Under The Bridge (1987), y As Good As It Gets (1988), el cual contiene su último top ten hasta la fecha, "I Can't Wait".
Gospel[editar]
Aunque Williams ha grabado al menos una canción inspiradora en cada álbum, fue en 1980 cuando se centró en la música gospel. Williams se juntó con sus amigos Phillip Bailey, Billy Davis y Marilyn McCoo para presentar un show de gospel en el club The Roxy, Londres. El show se llamaba "Jesus At the Roxy".
En 1983 Williams y Bailey grabaron "They Say", una canción lenta y atmosférica. Más tarde Williams grabó la canción con la artista cristiana Sandi Patti y ganaron un Grammy por ella.3 En 1984 Williams cantó una canción gospel en los Premios Grammy en lugar de su éxito "Let's Hear It For The Boy", debido a su odio por su discográfica. Cantó una versión acapella de su canción de 1977 "God is Amazing".
En 1986, lanzó su primer álbum gospel, So Glad I Know, el cual le valió dos Premios Grammy. De 1996 a 2004 presentó su propio programa en la radio BBC del Reino Unido, mostrando nueva música gospel e inspiradora. En 1999 grabó el álbum gospel This Is My Song que le valió otro Premio Grammy en la categoría Best Pop/Contemporary Gospel Album.
Proyectos actuales[editar]
En 2003, Williams apareció en la película de Navidad Christmas Child. En diciembre de 2005, Williams participó en el reality show de citas Elimidate, formando parte de la "Semana de Celebrities". Su último álbum hasta la fecha, titulado Love, Niecy Style, fue lanzado el 24 de abril de 2007 por Shanachie Records.1 Llegó a la posición 41 de la lista Billboard R&B/Hip Hop Albums.
En octubre de 2007 su canción "Grateful-The Redication", con Wanda Vaughn y Sherree Brown debutó en el número 40 de la lista Billboard Adult R&B Singles. El 27 de junio de 2010 Deniece Williams cantó su canción "Silly" en los BET Awards con Monica.4
1950:
Nace Melissa Marie Mathison, guionista estadounidense de cine y televisión.
Melissa Marie Mathison (3 de junio de 1950 - 4 de noviembre de 2015)1 fue una guionista estadounidense de cine y televisión.
Melissa Marie Mathison (3 de junio de 1950 - 4 de noviembre de 2015)1 fue una guionista estadounidense de cine y televisión.
Biografía[editar]
Carrera[editar]
Era conocida por escribir los guiones para las películas E.T., el extraterrestre (1982), de Steven Spielberg, por el que obtuvo una nominación al Premios Óscar, y Kundun, de Martin Scorsese, un filme sobre el Dalái Lama. Mathison volvió a colaborar con Spielberg décadas después, para el guion de la película The BFG (2016, conocida como El gran gigante bonachón en España y El gran gigante amistoso en Latinoamérica), basada en el cuento homónimo de Roald Dahl.
Vida personal[editar]
Se casó en 1983 con Harrison Ford, del que fue segunda esposa y con quien tuvo dos hijos, Malcolm y Georgia Mathison Ford.2 Después de divorciarse de Ford en 2004 contrajo matrimonio con Paul Short hasta su divorcio en 2010 .
Filmografía[editar]
| Película | Año | Notas |
|---|---|---|
| The BFG | 2016 | Dedicatoria |
| Kundun | 1997 | |
| La llave mágica | 1995 | |
| Son of the Morning Star | 1991 | |
| Twilight Zone: The Movie | 1983 | Segmento "Kick the Can" |
| The Escape Artist' | 1982 | |
| E.T., el extraterrestre | 1982 | |
| El corcel negro | 1979 |
1950:
Nace
Frederic Francois, cantante y compositor italiano de habla francesa,
radicado en Bélgica.
Francesco Barracato, conocido como Frédéric François (Lercara Friddi, Sicilia, 3 de junio de 1950), es un cantante y compositor italiano de habla francesa, radicado
en Bélgica.
Índice
[ocultar]
o 4.4CD
o 4.5DVD
Biografía[editar]
Orígenes y niñez[editar]
Frédéric François nació el 3 de junio de 1950 en Lercara Friddi, un pueblo de Sicilia, Italia, en el seno de una familia muy modesta.
Segundo hijo de Antonina, llamada Nina Salemi, y de Giuseppe Barracato, llamado
Peppino. Viven en Lercara donde su madre trabaja como costurera. Su padre,
minero, trabaja primero en la mina de azufre de Lercara y después en cuenca
minera de Lieja, donde emigra y consigue un contrato de
tres años .1
En 1951, Nina y sus dos hijos varones llegan a Tilleur 2 para reunirse con el padre, en un
convoy de la Cruz Roja. Francesco
Barracato crece en una familia de ocho hijos. Su padre, Peppino, toca la
guitarra y canta canciones napolitanas y arias de ópera para divertirse. Con
solo 10 años, Francesco canta por primera vez en público O Sole Mio en un café
lleno de sicilianos de Tilleur llamado “Le Passage à Niveau”.
Inicios musicales[editar]
En 1963 es guitarrista y vocalista semi profesional del grupo
Les Eperviers. En 1965 abandona el Instituto Técnico y se matricula en Conservatorio
de Música de Lieja donde estudia violín, dicción,
declamación y canto.
En
1966 se incorpora a otro grupo Les Tigres Sauvages y gana el Microsillon
d’Argent en el Festival de Châtelet (Bélgica) gracias al cual graba dos títulos:
Petite fille y Ne pleure pas bajo el seudónimo François Bara. Su padre compra
los 500 discos recién salidos y consigue venderlos para los jukeboxes. El
premio incluía también pasar en primera parte de tres artistas famosos: Johnny Hallyday, Pascal Danel y Michel Polnareff, su ídolo.
Un
año después, en 1969, conoce al productor belga Constant Defourny y firma su
primer contrato con una casa discográfica: Barclay-Belgique. En julio graba
Sylvie y edita su primer sencillo bajo el nombre de Frédéric François, en honor
al compositor Chopin cuyo verdadero nombre era
precisamente Frédéric François. Sus primeros pasos como solista los dará en las
salas de conciertos de la región de Lieja,
durante la gira de la orquesta The Best Group, interpretando cinco títulos
compuestos por él mismo, entre ellos Sylvie evidentemente.3 Su segundo sencillo, Les Orgues de
Saint Michel, no será un éxito. El tercero, Marian, incluía Comme tous les
amoureux, una canción especialmente compuesta para representar a Bélgica en el
Concurso Eurovisión de la
Canción de 1970, pero no fue seleccionada.
Susan Kay "Suzi" Quatro5 (Detroit, Míchigan; 3 de junio de 1950) es una cantautora, bajista y actriz estadounidense-británica, la primera mujer bajista que se convirtió en una estrella de rock importante, lo que rompió una barrera para que las mujeres participaran en el rock.67
En la década de 1970, Quatro tuvo una cadena de éxitos que tuvieron más éxito en Europa y Australia que en su tierra natal. Sin embargo, tras un papel recurrente como la bajista "Leather Tuscadero" en la popular serie estadounidense Happy Days en 1977 y su dúo «Stumblin' In» con Chris Norman, que alcanzó el número 4 en Estados Unidos en 1979, se hizo famosa para el gran público estadounidense.
Entre 1973 y 1980, Quatro recibió seis premios Bravo Otto. En 2010, fue votada para ser introducida en el Salón de la Fama del Rock de Míchigan. Ha vendido más de 50 millones de discos,8 y continúa tocando en vivo en todo el mundo. Su más reciente álbum se lanzó en 2011, y sigue presentando nuevos programas de radio.
https://www.youtube.com/watch?v=iGaF4tKUl0o
https://www.youtube.com/watch?v=SeI42SvFy7Y
https://www.youtube.com/watch?v=iGaF4tKUl0o
https://www.youtube.com/watch?v=SeI42SvFy7Y
1936:
Nace Larry
McMurtry, novelista y guionista estadounidense.
Larry McMurtry (Archer City, Texas; 3 de junio de 1936-Ib., 25 de marzo de 2021)1 fue un novelista, ensayista, y guionista de cine y de televisión estadounidense.
Trayectoria[editar]
McMurtry creció en un rancho en las afueras de Archer City, Texas, y estudió en la universidad North Texas State.2
Ya su primera novela, Horseman, pass by, de 1961, llamó la atención de la crítica; y gracias a ella tuvo una beca Guggenheim, en 1964.
Su novela La última película, de 1966, fue una narración de la vida aislada en un pueblo de Texas, con tres personajes masculinos como protagonistas. El libro fue adaptado a una película homónima, dirigida por Peter Bogdanovich y estrenada en 1971. Estuvo protagonizada por los actores Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Ellen Burstyn, Ben Johnson, Cloris Leachman y Cybill Shepherd. El guion fue escrito por McMurtry y Bogdanovich, y se apoyó directamente en la trama del autor: la historia se desarrolla entre un cine decrépito, un salor de billar, un café, y las aspiraciones amorosas de dos amigos por una misma mujer.3
Fue más conocido aún al ganar el premio Pulitzer por la novela Lonesome Dove, de 1985 que fue adaptada para la televisión. Igualmente otra obra suya, Terms of Endearment, fue llevada a la gran pantalla en 1983 con enorme éxito. La película, titulada La fuerza del cariño y dirigida por James L. Brooks, ganó cinco premios Óscar.
Escribió junto a Diana Ossana el guion de la película Brokeback Mountain (2005), del director Ang Lee. La obra fue una adaptación del cuento homónimo de la escritora Annie Proulx. McMurtry y Ossana ganaron un premio Óscar en la categoría de mejor guion adaptado.4
En 2015 recibió la Medalla Nacional de Humanidades de parte del presidente de Estados Unidos Barack Obama.4
1936:
Nace Anibal Velásquez, cantante, compositor y músico colombiano.
Aníbal Velásquez Hurtado, (Barranquilla, 3 de junio de 1936), es un cantante, compositor y músico colombiano, reconocido por su destreza en la
ejecución del acordeón y conocido por sus sobrenombres "El rey de la
guaracha", "El bárbaro del acordeón" y "Sensación"
Velásquez.123
Hizo parte de la agrupación Los Vallenatos del Magdalena con
Carlos y Roberto Román. Posteriormente creó su propio grupo con sus hermanos
Juan y José.123
Algunos de sus éxitos han sido: Mejor para ti, El
turco perro, Sal y agua, La brujita, El ají
picante, Un poquito de cariño, Alicia la flaca, Guaracha
en España, entre otros.123
1925:
Nace Tony Curtis,
actor estadounidense (f. 2010).
Bernard Schwartz, mejor conocido por su nombre artístico Tony Curtis (Nueva York, 3 de junio de 1925 - Las Vegas, 29 de septiembre de 2010),
fue un actor de cine estadounidense.
Índice
[ocultar]
·
3Premios
Biografía[editar]
Carrera artística[editar]
Era hijo de Emmanuel y Helen Schwartz, un matrimonio de judíos
húngaros del barrio del Bronx, donde nació. Durante
la segunda guerra
mundial sirvió en la U.S. Navy entre 1942 y 1945, en un submarino.
Célebre por su físico de galán y su acento típicamente neoyorquino, su nombre quedará ligado a su
interpretación en Con faldas y a lo
loco (1959) con Jack Lemmon y Marilyn Monroe, si bien cuenta con una extensa
carrera al haber actuado en más de cien películas desde el año 1949 hasta 2008.
Considerado en sus principios como un joven apuesto sin más, el
actor acabó demostrando su talento en films de la talla de Chantaje en Broadway (The
Sweet Smell of Success) con Burt Lancaster y en su papel de un
prófugo encadenado a Sidney Poitier en Fugitivos (The Defiant Ones) que le valió una
nominación a los Óscar.
Su historial incluye otros títulos tan recordados como Espartaco de Stanley Kubrick, Trapecio de Carol Reed, Los vikingos y El estrangulador
de Boston de Richard Fleischer, Operación Pacífico de Blake Edwards, El último magnate de Elia Kazan, El espejo roto de Guy Hamilton y La semilla del diablo de Roman Polanski (donde solo puso su voz).
Curtis también ha rodado para televisión, en especial con Roger Moore en la magnífica serie The Persuaders!, y en McCoy.
También prestó su voz al personaje invitado de «Stony Curtis» en Los Picapiedra.
Desde principios de los años 1980, Curtis tenía una segunda carrera
como pintor. Residió los últimos años de su vida en Las Vegas.
Curtis tiene su estrella en el paseo de la
fama de Hollywood en el Hollywood Boulevard y
fue nombrado Caballero de la Orden de
las Artes y las Letras (Chevalier des Arts et des Lettres) en 1995 en
Francia. Falleció el 29 de septiembre de 2010, a los 85 años, a causa de un
ataque al corazón, en su residencia de Las Vegas.1
1924:
Muere Franz Kafka (40),
escritor checo (n. 1883).
Franz Kafka (Praga, Imperio austrohúngaro, 3 de julio de 1883-Kierling, Austria, 3 de junio de 1924)
fue un escritor de origen judío nacido en Bohemia que escribió en alemán. Su obra está considerada una de las
más influyentes de la literatura universal56 y está llena de temas y arquetipos
sobre la alienación, la brutalidad física y psicológica, los conflictos entre
padres e hijos, personajes en aventuras terroríficas, laberintos de burocracia
y transformaciones místicas.
Fue autor de las novelas El proceso (Der Prozeß), El castillo (Das
Schloß) y El desaparecido (Amerika o Der
Verschollene), la novela corta La metamorfosis (Die Verwandlung) y
un gran número de relatos cortos.7 Además, dejó una abundante
correspondencia y escritos autobiográficos.8 Su peculiar estilo literario ha sido
comúnmente asociado con la filosofía artística del existencialismo —al que influyó— y
el expresionismo.
Estudiosos de Kafka discuten sobre cómo interpretar al autor, algunos hablan de
la posible influencia de alguna ideología política antiburocrática, de una
religiosidad mística o de una reivindicación de su minoría etnocultural,
mientras otros se fijan en el contenido psicológico de sus obras. Sus
relaciones personales también tuvieron gran impacto en su escritura,
particularmente su padre (Carta al padre), su prometida Felice Bauer (Cartas a Felice) y
su hermana (Cartas a Ottla).
Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Jorge Luis Borges y Gabriel García
Márquez se encuentran entre los escritores influidos por la
obra de Kafka. El término kafkiano se usa en el idioma español para describir situaciones
insólitas, por lo absurdas y angustiosas,9 como las que se encuentran en sus
libros y tiene sus equivalentes en otros idiomas. Solo unas pocas de sus obras
fueron publicadas durante su vida. La mayor parte, incluyendo trabajos
incompletos, fueron publicados por su amigo Max Brod, quien ignoró los deseos del autor de
que los manuscritos fueran destruidos.
1922:
Nace Alain Resnais, cineasta francés (f. 2014).
Formación y primeras obras[editar]
Fascinado por el cine desde pequeño —a los 14 años filmó su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des hautes études cinématographiques de París. Comenzó su carrera tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores, mientras se abocaba a la dirección de cortometrajes sobre temas artísticos y sociales. En 1950 su atrevido corto sobre la vida de Vincent van Gogh, que formaba parte de una serie de cortometrajes dedicados a temas de pintura, junto a Gauguin y Guernica. El uso de la narración en off, anticipaba los recursos que Resnais desarrollaría en sus siguientes obras, entre ellas la también premiada Les statues meurent aussi, correalizada con Chris Marker, un ensayo fílmico sobre la interpretación colonialista de las obras de arte.
Volvió a trabajar con Marker en 1955 en un estudio sobre el Holocausto (Nuit et brouillard, Noche y niebla) con texto de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentración durante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Claude Lanzmann en Shoah (1985), sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos. En su momento, pasó bastante desapercibido en los festivales en los se vio. También rodó un documental sobre la Biblioteca Nacional, Toute la mémoire du monde (1956). En 1958 rodó Le chant du Styrène, una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.
Primeros largometrajes[editar]
Antes de dirigir su primer largometraje, Resnais también había adquirido experiencia en el cine como montador para directores como Paul Paviot, Agnès Varda, François Reichenbach, François Truffaut, Jacques Doniol-Valcroze, William Klein y Nicole Védrés. La pareja de temas que habían ya motivado sus obras documentales —la guerra y la memoria— formaron también la base de su primer largometraje, Hiroshima mon amour (1959), sobre guion de Marguerite Duras. En esta obra, Resnais retoma el diseño no lineal de una obra de juventud, Ouvert pour cause d'inventaire; los hechos no se narran según el orden convencional de la cronología, sino que se evocan a través de los sucesivos recuerdos que dos sobrevivientes de la guerra van reviviendo gracias a un affaire sentimental. A la noción ya establecida de que la huella del pasado traumático es la que conforma el presente de los protagonistas, el montaje suma la sugerencia de que el pasado irrecuperable se modifica también por las experiencias posteriores, y asimila la fragilidad de la memoria a la de las víctimas del bombardeo de Hiroshima, cuya imagen se reitera a lo largo de la película. La técnica de montaje empleada para los flashbacks, usando breves planos que cortan el ritmo narrativo, se ha convertido en parte del repertorio estándar del lenguaje cinematográfico.
Alain Resnais no cesó de explorar los vínculos entre imagen y escritura, basando muchas de sus películas en la obra de grandes escritores, como Alain Robbe-Grillet o el español Jorge Semprún.
El premio de la crítica obtenido para Hiroshima, mon amour —empatada con Los 400 golpes, de Truffaut— marcó el comienzo de la época dorada de la Nouvelle Vague, que acapararía la escena internacional en los años siguientes junto al free cinema británico, que irrumpe también por entonces (Sábado noche, domingo mañana, El ingenuo salvaje, La soledad del corredor de fondo, El animador, Mirando hacia atrás con ira...). El impacto del film contagia al público, que se sentirá fascinado por la narrativa y estética de la historia, en apariencia sencilla y desnuda, de este joven director. Dos años más tarde, Resnais obtuvo un nuevo éxito con El año pasado en Marienbad (L'année derniére à Marienbad), para la que Alain Robbe-Grillet adaptó libérrimamente la nouvelle de ciencia ficción La invención de Morel del argentino Adolfo Bioy Casares. En la narrativa experimental de la película, los decorados, los nombres y la condición de los personajes cambian siguiendo las variaciones de la memoria de dos amantes —sensacional Delphine Seyrig— identificados sólo por sus iniciales; la ambigüedad permea los ambientes, cuyas funciones son imprecisas pese a la suntuosidad del mobiliario, y la identidad y la historia de sus protagonistas, que parecen no poder ponerse de acuerdo acerca de si se conocían de antemano o aún de qué año es éste. La obra granjeó un prestigio duradero para Resnais, y es hoy un film de culto entre los cinéfilos a la par que una de las obras maestras del cine francés de los 60, pero también suscitó críticas por lo críptico de la trama y el rigor, juzgado pretencioso, con que se resistió a las fórmulas convencionales de la narrativa fílmica.
1911:
Nace Paulette
Goddard, actriz estadounidense (f. 1990).
Paulette Goddard (Marion
Pauline Goddard Levy); Long Island, Nueva York, 3 de junio de 1910 - Ronco, Tesino, Suiza, 23 de abril de 1990)
fue una actriz estadounidense de cine mudo y sonoro.
Índice
[ocultar]
Biografía[editar]
Nació en Whitestone Landing, Queens, Long Island. Fue la única hija de Joseph Russell Levy, judío, y Alta Mae Goddard, quien
pertenecía a iglesia
episcopal y tenía ascendencia británica.1 Sus padres se divorciaron cuando ella
era muy pequeña, y fue criada por su madre. Su padre prácticamente desapareció
de su vida, y regresó a finales de la década de 1930, después de que ella se volvió
famosa. Al principio, su nueva relación con su padre parecía muy buena e iban
juntos a los estrenos en el cine, pero más adelante él la demandó legalmente
cuando leyó una entrevista en una revista donde afirmaba que él la abandonó en
su infancia. Nunca se reconciliarían. Al morir, él le dejó únicamente un dólar
en su testamento. Ella tuvo siempre una relación
cercana con su madre.
Charles Goddard, su
tío abuelo, ayudó a su sobrina nieta a encontrar empleo como modelo publicitaria, y luego, entre 1924
y 1928, como una de las Chicas
Ziegfeld en la compañía musical Ziegfeld Follies, de Florenz Ziegfeld. Asistió a la Preparatoria
Washington Irving de Manhattan al mismo
tiempo que Claire Trevor,
quien también sería actriz.
Tras casarse con un
millonario llamado Edgar James,
se trasladó a vivir a Hollywood. A principios
de los años 1930 participó
en papeles secundarios en obras como Las
calles de la ciudad (1931),
de Rouben Mamoulian,
con Gary Cooper y Sylvia Sidney, o en Torero
a la fuerza (The Kid from Spain, 1932),
de Leo McCarey, junto a Eddie Cantor.
En 1936 rodó,
junto a Charlie Chaplin, Tiempos modernos (Modern Times, 1936),
la última película en la que aparece Charlotcomo personaje. Tras el rodaje de la
película se casaron en una ceremonia secreta, por acuerdo de ambos. Cuatro años
después volvieron a rodar juntos en el film, El gran dictador (The Great
Dictator, 1940), película crítica contra el nazismo alemán y, por extensión, contra
todos los totalitarismos y dictaduras. Ambos títulos conforman dos de las
obras maestras del genial director. Ese mismo año se divorciaron.
Durante ese tiempo
actuó en otras películas importantes como Mujeres (The
Women, 1939), de George Cukor, junto a Norma Shearer, Joan Crawford, Rosalind Russell y Joan Fontaine, y en una comedia dirigida
por Elliott Nugent junto
al cómico Bob Hope, El gato y el canario (1939).
En la década de 1940 rodó la mayor parte de sus
películas, entre las cuales destaca el musical Al fin
solos (1940), dirigido por H.C. Potter y
protagonizado por Fred Astaire y Burgess Meredith (con este último
contrajo matrimonio poco después en la vida real, pese a rechazar a su
personaje en el film); El
castillo maldito, de David Butler (The Ghost Breakers, 1940),
de nuevo con Bob Hope; Si no amaneciera (1941),
de Mitchell Leisen,
junto a Charles Boyer y Olivia de Havilland,
en uno de los melodramas dorados de la década; Reap the Wild Wind (1942)
y Los inconquistables (1947),
ambas de Cecil B. DeMille,
la primera en compañía de John Wayne, Robert Preston y Susan Hayward, y la segunda junto a Gary Cooper; Sangre
en Filipinas (So Proundy We Hail, 1943),
de Mark Sandrich, por
la que fue nominada a un Óscar a la mejor actriz
de reparto y en la que trabajó al lado de Veronica Lake; La bribona (1945),
de Mitchell Leisen,
melodrama de factura clásica en el que realizó una de sus mejores
interpretaciones; Memorias
de una doncella (The Diary of a Chambermaid, 1946)
de Jean Renoir, que produjo junto a su marido de
ese momento, Burgess Meredith,
sobre la novela de Octave Mirbeau y
que sigue considerándose una de las joyas de Renoir en su etapa
norteamericana; Un marido ideal (1947),
de Alexander Korda,
unánimemente elogiada como la mejor versión de la obra teatral de Oscar Wilde del mismo título, y Una
mujer rebelde (1949), de Emilio Fernández,
junto al mexicano Pedro Armendáriz,
en una historia situada en plena revolución mexicana.
En los años '50 y '60
sorprendió por querer seguir en activo profesionalmente, en una época en que
las actrices se retiraban al cumplir los 40-50 años de edad. De esta época
datan sus apariciones en producciones televisivas varias y destaca su
participación en Los indiferentes, rodada en Italia en 1966
por Francesco Maselli,
en la que compartía cartel con Rod Steiger y Shelley Winters.
Paulette Goddard
falleció por "causas naturales", según el parte médico, en la localidad
suiza de Porto Ronco, donde vivía en la casa que había compartido con su último
marido, el escritor alemán Erich Maria Remarque.
1911:
Nace Ellen Corby, actriz estadounidense.
Ellen Hansen Corby (3 de junio de 1911 - 14 de abril de 1999)
fue una actriz estadounidense, que se hizo conocida por la serie Los Walton, donde compartió créditos
con Ralph Waite, Richard Thomas, Michael Learned, Will Geer, Patricia Neal, entre otros.
Índice
[ocultar]
Biografía[editar]
Ellen Hansen nació en
Racine, Wisconsin, de padres inmigrantes de Dinamarca. Se crio en Filadelfia. Desde pequeña tuvo interés en el
teatro, mientras que la escuela secundaria la llevó a Atlantic City en 1932,
donde trabajó brevemente como corista. Se mudó a Hollywood en ese mismo año y
consiguió un trabajo como chica script en RKO Studios y Hal Roach Studios,
donde trabajó a menudo en las comedias Our Gang, junto a su esposo, el
cineasta Francis
Corby. Mantuvo esa posición durante los próximos doce años, y tomó
clases de actuación en el lateral. El 14 de abril de 1997, Corby fallece en Los
Ángeles, California, a sus 87 años.
1899:
Muere Johann Strauss
(hijo), compositor austríaco (n. 1825).
Johann Strauss II (St.
Ulrich, Viena, Austria, 25 de
octubre de 1825 - Viena, 3 de
junio de 1899) fue un compositor austriaco conocido
especialmente por sus valses, como El Danubio azul. Hijo del compositor Johann
Strauss I y
hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard
Strauss, Johann II es
el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como «el rey del
vals» y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el
vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la
Corte Imperial de los Habsburgo. Sus obras gozan de mayor popularidad que las
de sus predecesores, como su padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).
1875:
Muere Georges Bizet,
compositor francés (n. 1838).
Alexandre-César-Léopold Bizet, conocido como Georges Bizet (París, 25 de octubre de 1838- Bougival, 3 de junio de 1875),
fue un compositor francés, principalmente de óperas. En una carrera cortada por su muerte
prematura, alcanzó escasos éxitos hasta su última obra, Carmen, que se convirtió en una de las
obras más populares e interpretadas de todo el repertorio operístico.
Bizet ganó varios premios a lo largo de su brillante carrera como
estudiante en el Conservatorio de
París, incluyendo el prestigioso Premio de Roma en 1857. Fue reconocido
como un pianista excepcional, aunque prefirió no
aprovechar su habilidad y en raras ocasiones tocó en público. Tras regresar a
París después de pasar casi tres años en Italia, se dio cuenta de que en los
principales teatros de ópera parisinos
se prefería interpretar el repertorio clásico más arraigado antes que las obras
de nuevos compositores. Sus composiciones orquestales y para teclado fueron
asimismo ignoradas en su gran mayoría, lo que estancó su carrera por lo que
tuvo que ganarse la vida principalmente mediante arreglos y transcripciones de
la música de otros. En su busca del ansiado éxito, comenzó varios proyectos
teatrales durante la década de 1860, muchos de los cuales abandonó. Ninguna de
las dos óperas que se llegaron a escenificar —Los pescadores de
perlas y La bella
muchacha de Perth— tuvieron éxito de inmediato.
Tras la guerra
franco-prusiana de 1870-71, en la que Bizet sirvió en la
Guardia Nacional, tuvo algo de éxito con su ópera de un acto Djamileh, aunque la suite orquestal L'Arlésienne derivada
de su música incidental de
la pieza teatral del mismo nombre de Alphonse Daudet tuvo un éxito
instantáneo. La producción de la última ópera de Bizet Carmen fue
retrasada debido al miedo de que sus temas de traición y asesinato pudieran
ofender a la audiencia. Tras su estreno el 3 de marzo de 1875, Bizet estaba
convencido de que la obra iba a ser un fracaso; murió de un ataque al corazón tres
meses más tarde, sin saber que resultaría un éxito espectacular y duradero.
El matrimonio de Bizet con Geneviève
Halévy fue feliz de manera intermitente y fruto del cual
tuvieron un hijo. Tras su muerte, sus composiciones, excepto Carmen,
estuvieron en general desatendidas. Regalaron o se perdieron los manuscritos y
las versiones publicadas de sus obras a menudo eran revisadas y adaptadas por
terceros. No creó escuela ni tuvo discípulos ni sucesores evidentes. Tras años
de abandono, sus obras se empezaron a interpretar de nuevo con más frecuencia
en el siglo XX. Críticos posteriores lo han proclamado como un compositor de
gran brillantez y originalidad cuya muerte prematura significó una gran pérdida
para la música teatral francesa.
0 comentarios:
Publicar un comentario