El 15 de febrero es
el 46.º (cuadragésimo sexto) día del año en
el calendario gregoriano. Quedan 319 días
para finalizar el año y 320 en los años
bisiestos.
Podcast 2019
según la Unión Internacional Contra el
Cáncer.23
El
15 de febrero se celebra el Día Internacional del Cáncer Infantil.
El Día Internacional del Cáncer Infantil tiene como objetivo sensibilizar y
concienciar sobre la importancia de los desafíos a los que se enfrentan los
niños y adolescentes y sus familias. Así como de la necesidad de que todos los
niños en cualquier lugar del mundo tengan acceso a un diagnóstico y tratamiento
preciso y a tiempo.
Índice
Historia[editar]
Esta declaración se llevó a cabo en Luxemburgo en el año 2001.
Fue creado por la Organización Internacional de Cáncer Infantil, CCI (antes
conocida como ICCCPO, Confederación Internacional de
Organizaciones de Padres de Niños con Cáncer), una red formada por 177
organizaciones nacionales de padres de niños con cáncer en 90 países en los 5
continentes.
Este día se celebró por primera vez en el año 2002 y desde
entonces ha generado el apoyo de redes globales e instituciones líderes
incluyendo: SIOP (Sociedad Internacional de Oncología Pediátrica), SIOPE
(Sociedad Europea de Oncología Pediátrica), UICC (Unión por el Control
Internacional del Cáncer), Hospital Infantil de Investigación St.Jude e IARC (Agencia Internacional para la
Investigación del Cáncer) entre otras.
El Día Internacional del Cáncer Infantil se basa en la creencia
de la CCI de que todo niño con cáncer merece la mejor atención médica y
psicológica, independientemente de su país de origen, raza, estatus económico o
clase social. Además, se apoya en la premisa de que la muerte de niños con
cáncer es evitable con un diagnóstico temprano, disponibilidad y acceso a
tratamientos y cuidados apropiados así como las medicinas esenciales
asequibles.1
Actualmente, el 15 de febrero todas estas organizaciones
realizan durante todo el mes de febrero, campañas para mejorar la atención y
las condiciones en sus países. A través de la ICCCPO, en colaboración con la
Sociedad Internacional de Oncología Pediátrica (SIOP), padres de todo el mundo
se unen bajo una misma causa: ayudar a los niños con cáncer a acceder al mejor
tratamiento posible con las mejores condiciones de soporte.2
En España, la Federación Española de Padres de Niños con Cáncer agrupa
a 16 asociaciones repartidas por España con el objetivo de trasladar la
problemática de los niños con cáncer y plantear soluciones.
A pesar del aumento de las tasas de supervivencia, hoy en día
siguen muriendo niños y adolescentes con cáncer tanto en los países desarrollados
como en vías de desarrollo. De hecho, en algunos países, las muertes por cáncer
infantil superan las muertes por todos los tipos de enfermedades de la
infancia.
1145:
Muere Lucio II,
papa italiano.
Lucio II (de nombre Gerardo Caccianemici dall Orso1) (Bolonia,2 (¿?)–Roma, 15 de febrero de 1145). Papa n.º
166 de la Iglesia católica de 1144 a 1145.Gerardo
Caccianemici fue consagrado papa el 12 de marzo de 1144.
Índice
·
2Papado
Antes del papado[editar]
Antes de su elección fue canónigo en Bolonia, hasta ser
nombrado cardenal de
la Santa Cruz de Jerusalén por Honorio II para quien ocupó en un primer
momento el cargo de tesorero y luego el de legado papal en Alemania, cargo que
también desempeñó bajo el pontificado de Inocencio II logrando que el rey Lotario III de Sajonia enviase dos expediciones a Italia en apoyo al papa en su
enfrentamiento con el antipapa Anacleto II.
Papado[editar]
El hecho más relevante de su corto pontificado fue el
enfrentamiento con el movimiento comunal encabezado por Arnaldo de Brescia que
pretendía que el poder civil de Roma pasara del papa al pueblo romano y entre
cuyas medidas se encuentra la recuperación del antiguo lema Senatus
Populusque Romanus (SPQR) tanto en los edificios
como en las monedas.
Temeroso de este recorte de sus poderes, Lucio II decide
disolver el Senado lo que provoca una revuelta popular encabezada por Giordano
Pierleone,3 hermano del antipapa Anacleto II, que
nombrándose patricio constituye
un nuevo Senado en el Capitolio.
Lucio II solicita, en vano, ayuda al emperador Conrado III por lo que decide enfrentarse
solo, con un pequeño ejército, contra el poder del Senado. En el asalto al
Capitolio fue alcanzado por una piedra que le provocaría la muerte el 15 de
febrero de 1145.
1564:
Nace Galileo
Galilei, matemático, físico, astrónomo, inventor e intelectual italiano (f.
1642).
Galileo Galilei (Pisa, Toscana; 15 de febrero de 15644-Arcetri, Toscana; 8 de enero de 1642)15 fue un astrónomo, filósofo, ingeniero,67 matemático y físico italiano, relacionado estrechamente con
la revolución científica.
Eminente hombre del Renacimiento, mostró
interés por casi todas las ciencias y artes (música, literatura, pintura). Sus
logros incluyen la mejora del telescopio, gran variedad de observaciones
astronómicas, la primera ley del movimiento y
un apoyo determinante a la «Revolución de
Copérnico». Ha sido considerado como el «padre de la astronomía
moderna», el «padre de la física moderna»8 y el «padre de la ciencia».
Su
trabajo experimental es considerado complementario a los escritos de Francis Baconen el establecimiento del moderno método científico y
su carrera científica es complementaria a la de Johannes Kepler. Su trabajo se considera una
ruptura de las teorías asentadas de la física aristotélica y su enfrentamiento con
la Inquisición romana
de la Iglesia católica se
presenta como un ejemplo de conflicto entre religión y ciencia en la sociedad occidental.9
La
revolución científica del Renacimiento tuvo su arranque en el heliocentrismo de
Copérnico y su culminación, un siglo después, en la mecánica de Newton. Su más
eximio representante, sin embargo, fue el científico italiano Galileo Galilei.
En el campo de la física, Galileo formuló las primeras leyes sobre el
movimiento; en el de la astronomía, confirmó la teoría copernicana con sus
observaciones telescópicas. Pero ninguna de estas valiosas aportaciones tendría
tan trascendentales consecuencias como la introducción de la metodología
experimental, logro que le ha valido la consideración de padre de la ciencia
moderna.
Por otra parte, el proceso inquisitorial a que fue sometido Galileo
por defender el heliocentrismo acabaría elevando su figura a la condición de
símbolo: en el craso error cometido por las autoridades eclesiásticas se ha
querido ver la ruptura definitiva entre ciencia y religión y, pese al desenlace
del proceso, el triunfo de la razón sobre el oscurantismo medieval. De forma
análoga, la célebre frase que se le atribuye tras la forzosa retractación (Eppur si muove, 'Y sin embargo, la
Tierra se mueve') se ha convertido en el emblema del poder incontenible de la
verdad frente a cualquier forma de dogmatismo establecido.
Galileo
Galilei nació en Pisa el 15 de febrero de 1564. Lo poco que, a través de
algunas cartas, se conoce de su madre, Giulia Ammannati di Pescia, no compone
de ella una figura demasiado halagüeña. Su padre, Vincenzo Galilei, era
florentino y procedía de una familia que tiempo atrás había sido ilustre;
músico de vocación, las dificultades económicas lo habían obligado a dedicarse
al comercio, profesión que lo llevó a instalarse en Pisa. Hombre de amplia cultura
humanista, fue un intérprete consumado y un compositor y teórico de la música;
sus obras sobre teoría musical gozaron de una cierta fama en la época.
De él hubo
de heredar Galileo no sólo el gusto por la música (tocaba el laúd), sino
también el carácter independiente y el espíritu combativo, y hasta puede que el
desprecio por la confianza ciega en la autoridad y el gusto por combinar la
teoría con la práctica. Galileo fue el primogénito de siete hermanos de los que
tres (Virginia, Michelangelo y Livia) acabarían contribuyendo, con el tiempo, a
incrementar sus problemas económicos. En 1574 la familia se trasladó a
Florencia, y Galileo fue enviado un tiempo al monasterio de Santa Maria di
Vallombrosa, como alumno o quizá como novicio.
Juventud académica
En 1581
Galileo ingresó en la Universidad de Pisa, donde se matriculó como estudiante
de medicina por voluntad de su padre. Cuatro años más tarde, sin embargo,
abandonó la universidad sin haber obtenido ningún título, aunque con un buen
conocimiento de Aristóteles. Entretanto, se había producido un hecho
determinante en su vida: su iniciación en las matemáticas (al margen de sus
estudios universitarios) y la consiguiente pérdida de interés por su carrera
como médico.
De vuelta en Florencia en 1585, Galileo pasó unos años dedicado
al estudio de las matemáticas, aunque interesado también por la filosofía y la
literatura, en la que mostraba sus preferencias por Ariosto frente a Tasso; de esa época data su primer trabajo sobre el
baricentro de los cuerpos (que luego recuperaría, en 1638, como apéndice de la
que habría de ser su obra científica principal) y la invención de una balanza
hidrostática para la determinación de pesos específicos, dos contribuciones
situadas en la línea de Arquímedes, a quien Galileo no dudaría en calificar de
«sobrehumano».
Tras dar
algunas clases particulares de matemáticas en Florencia y en Siena, trató de
obtener un empleo regular en las universidades de Bolonia, Padua y en la propia
Florencia. En 1589 consiguió por fin una plaza en el Estudio de Pisa, donde su
descontento por el paupérrimo sueldo percibido no pudo menos que ponerse de
manifiesto en un poema satírico contra la vestimenta académica. En Pisa compuso
Galileo un texto sobre el movimiento que mantuvo inédito, en el cual, dentro
aún del marco de la mecánica medieval, criticó las explicaciones aristotélicas
de la caída de los cuerpos y del movimiento de los proyectiles.
El método experimental
En continuidad con esa crítica, una cierta tradición
historiográfica ha forjado la anécdota (hoy generalmente considerada como
inverosímil) de Galileo refutando materialmente a Aristóteles mediante el
procedimiento de lanzar distintos pesos desde lo alto del Campanile de Pisa,
ante las miradas contrariadas de los peripatéticos. Casi dos mil años
antes, Aristóteles había afirmado que los cuerpos más
pesados caen más deprisa; según esta leyenda, Galileo habría demostrado la
falsedad de este concepto con el simple procedimiento de dejar caer
simultáneamente cuerpos de distinto peso desde lo alto de la torre y constatar
que todos llegaban al suelo al mismo tiempo.
De ser
cierto, podría fecharse en el episodio de la torre de Pisa el nacimiento de la
metodología científica moderna. Y es que, en tiempos de Galileo, la ciencia era
fundamentalmente especulativa. Las ideas y teorías de los grandes sabios de la
Antigüedad y de los padres de la Iglesia, así como cualquier concepto
mencionado en las Sagradas Escrituras, eran venerados como verdades indudables
e inmutables a las que podían añadirse poco más que glosas y comentarios, o
abstractas especulaciones que no alteraban su sustancia. Aristóteles, por
ejemplo, había distinguido entre movimientos naturales (las piedras caen al
suelo porque es su lugar natural, y el humo, por ser caliente, asciende hacia
el Sol) y violentos (como el de una flecha lanzada al cielo, que no es su lugar
natural); los estudiosos de los tiempos de Galileo se dedicaban a razonar en
torno a clasificaciones tan estériles como ésta, buscando un inútil
refinamiento conceptual.
En lugar
de ello, Galileo partía de la observación de los hechos, sometiéndolos a
condiciones controladas y mesurables en experimentos. Probablemente es falso
que dejase caer pesos desde la torre de Pisa; pero es del todo cierto que
construyó un plano inclinado de seis metros de largo (alisado para reducir la
fricción) y un reloj de agua con el que midió la velocidad de descenso de las
bolas. De la observación surgían hipótesis que habían de corroborarse en nuevos
experimentos y formularse matemáticamente como leyes universalmente válidas,
pues, según un célebre concepto suyo, «el Libro de la Naturaleza está escrito
en lenguaje matemático». Con este modo de proceder, hoy natural y en aquel
tiempo nuevo y escandaloso (por cuestionar ideas universalmente admitidas y la
autoridad de los sabios y doctores), Galileo inauguraba la revolución
metodológica que le ha valido el título de «padre de la ciencia moderna».
Los años fecundos en Padua (1592-1610)
La muerte
de su padre en 1591 significó para Galileo la obligación de responsabilizarse
de su familia y atender a la dote de su hermana Virginia. Comenzaron así una
serie de dificultades económicas que no harían más que agravarse en los años
siguientes; en 1601 hubo de proveer a la dote de su hermana Livia sin la
colaboración de su hermano Michelangelo, quien había marchado a Polonia con
dinero que Galileo le había prestado y que nunca le devolvió (más tarde,
Michelangelo se estableció en Alemania gracias de nuevo a la ayuda de su hermano,
y envió luego a vivir con él a toda su familia).
La
necesidad de dinero en esa época se vio aumentada por el nacimiento de los tres
hijos del propio Galileo: Virginia (1600), Livia (1601) y Vincenzo (1606),
habidos de su unión con Marina Gamba, que duró de 1599 a 1610 y con quien no
llegó a casarse. Todo ello hizo insuficiente la pequeña mejora conseguida por
Galileo en su remuneración al ser elegido, en 1592, para la cátedra de
matemáticas de la Universidad de Padua por las autoridades venecianas que la regentaban.
Hubo de recurrir a las clases particulares, a los anticipos e incluso a los
préstamos. Pese a todo, la estancia de Galileo en Padua, que se prolongó hasta
1610, constituyó el período más creativo, intenso y hasta feliz de su vida.
En Padua tuvo ocasión Galileo de ocuparse de cuestiones técnicas
como la arquitectura militar, la castrametación, la topografía y otros temas
afines de los que trató en sus clases particulares. De entonces datan también
diversas invenciones, como la de una máquina para elevar agua, un termoscopio y
un procedimiento mecánico de cálculo que expuso en su primera obra
impresa: Operaciones del compás
geométrico y militar (1606). Diseñado en un principio para
resolver un problema práctico de artillería, el instrumento no tardó en ser
perfeccionado por Galileo, que amplió su uso en la solución de muchos otros
problemas. La utilidad del dispositivo, en un momento en que no se habían
introducido todavía los logaritmos, le permitió obtener algunos ingresos
mediante su fabricación y comercialización.
En 1602 Galileo reemprendió sus estudios sobre el movimiento,
ocupándose del isocronismo del péndulo y del desplazamiento a lo largo de un
plano inclinado, con el objeto de establecer cuál era la ley de caída de los
graves. Fue entonces, y hasta 1609, cuando desarrolló las ideas que treinta
años más tarde constituirían el núcleo de sus Discursos y demostraciones matemáticas en torno a dos nuevas
ciencias (1638), obra que compendia su espléndida contribución
a la física.
Los descubrimientos astronómicos
En julio
de 1609, de visita en Venecia (para solicitar un aumento de sueldo), Galileo
tuvo noticia de un nuevo instrumento óptico que un holandés había presentado al
príncipe Mauricio de Nassau; se trataba del anteojo, cuya importancia práctica
captó Galileo inmediatamente, dedicando sus esfuerzos a mejorarlo hasta hacer
de él un verdadero telescopio. Aunque declaró haber conseguido perfeccionar el
aparato merced a consideraciones teóricas sobre los principios ópticos que eran
su fundamento, lo más probable es que lo hiciera mediante sucesivas tentativas
prácticas que, a lo sumo, se apoyaron en algunos razonamientos muy sumarios.
Sea como
fuere, su mérito innegable residió en que fue el primero que acertó en extraer
del instrumento un provecho científico decisivo. Entre diciembre de 1609 y
enero de 1610, Galileo realizó con su telescopio las primeras observaciones de
la Luna, interpretando lo que veía como prueba de la existencia en nuestro
satélite de montañas y cráteres que demostraban su comunidad de naturaleza con
la Tierra; las tesis aristotélicas tradicionales acerca de la perfección del
mundo celeste, que exigían la completa esfericidad de los astros, quedaban
puestas en entredicho.
El descubrimiento de cuatro satélites de Júpiter contradecía,
por su parte, el principio de que la Tierra tuviera que ser el centro de todos
los movimientos que se produjeran en el cielo. A finales de 1610, Galileo
observó que Venus presentaba fases semejantes a las lunares, hecho que
interpretó como una confirmación empírica al sistema heliocéntrico de Copérnico, ya que éste, y no el geocéntrico de Tolomeo, estaba en condiciones de proporcionar una
explicación para el fenómeno.
Ansioso de dar a conocer sus descubrimientos, Galileo redactó a
toda prisa un breve texto que se publicó en marzo de 1610 y que no tardó en
hacerle famoso en toda Europa: El mensajero sideral.
Su título original, Sidereus
Nuncius, significa 'el nuncio sideral' o 'el mensajero de los
astros', aunque también admite la traducción 'el mensaje sideral'. Éste último
es el sentido que Galileo, años más tarde, dijo haber tenido en mente cuando se
le criticó la arrogancia de atribuirse la condición de embajador celestial.
Elogios en italiano y en dialecto veneciano celebraron la obra. Tommaso Campanella escribía desde su cárcel de
Nápoles: «Después de tu Nuncio,
oh Galileo, debe renovarse toda la ciencia». Kepler, desconfiado al principio, comprendió después
todas las ventajas que se derivaban de usar un buen telescopio, y también se
entusiasmó ante las maravillosas novedades.
El libro
estaba dedicado al gran duque de Toscana Cosme II de Médicis y, en su honor,
los satélites de Júpiter recibían allí el nombre de «planetas Mediceos». Con
ello se aseguró Galileo su nombramiento como matemático y filósofo de la corte
toscana y la posibilidad de regresar a Florencia, por la que venía luchando
desde hacía ya varios años. El empleo incluía una cátedra honoraria en Pisa,
sin obligaciones docentes, con lo que se cumplía una esperanza largamente
abrigada y que le hizo preferir un monarca absoluto a una república como la
veneciana, ya que, como él mismo escribió, «es imposible obtener ningún pago de
una república, por espléndida y generosa que pueda ser, que no comporte alguna
obligación; ya que, para conseguir algo de lo público, hay que satisfacer al
público».
No
obstante, aceptar estas prebendas no era una decisión exenta de riesgos, pues
Galileo sabía bien que el poder de la Inquisición, escaso en la República de
Venecia, era notoriamente superior en su patria toscana. Ya en diversas cartas
había dejado constancia inequívoca de que su revisión de la estructura general
del firmamento lo habían llevado a las mismas conclusiones que a Copérnico y a
rechazar frontalmente el sistema de Tolomeo, o sea a preconizar el
heliocentrismo frente al geocentrismo vigente. Desgraciadamente, por esas
mismas fechas tales ideas interesaban igualmente a los inquisidores, pero éstos
abogaban por la solución contraria y comenzaban a hallar a Copérnico sospechoso
de herejía.
La batalla del copernicanismo
En
septiembre de 1610, Galileo se estableció en Florencia, donde, salvo breves
estancias en otras ciudades italianas, había de transcurrir la última etapa de
su vida. En 1611 un jesuita alemán, Christof Scheiner, publicó bajo seudónimo
un libro acerca de las manchas solares que había descubierto en sus
observaciones. Por las mismas fechas Galileo, que ya las había observado con
anterioridad, las hizo ver a diversos personajes durante su estancia en Roma,
con ocasión de un viaje que se calificó de triunfal y que sirvió, entre otras
cosas, para que Federico Cesi le hiciera miembro de la Accademia dei Lincei, que
el propio Cesi había fundado en 1603 y que fue la primera sociedad científica
de una importancia perdurable.
Bajo sus auspicios se publicó en 1613 la Historia y demostraciones sobre las manchas
solares y sus accidentes, donde Galileo salía al paso de la
interpretación de Scheiner, quien pretendía que las manchas eran un fenómeno
extrasolar («estrellas» próximas al Sol que se interponían entre éste y la
Tierra). El texto desencadenó una polémica acerca de la prioridad en el
descubrimiento que se prolongó durante años e hizo del jesuita uno de los más
encarnizados enemigos de Galileo, lo cual no dejaría de tener consecuencias en
el proceso que había de seguirle la Inquisición. Por lo demás, fue allí donde,
por primera y única vez, Galileo dio a la imprenta una prueba inequívoca de su
adhesión a la astronomía copernicana, que ya había comunicado en una carta a
Kepler en 1597.
Ante los ataques de sus adversarios académicos y las primeras
muestras de que sus opiniones podían tener consecuencias conflictivas con la
autoridad eclesiástica, la postura adoptada por Galileo fue la de defender (en
diversos escritos entre los que destaca la Carta a la señora Cristina de
Lorena, gran duquesa de Toscana, 1615) que, aun admitiendo que
no podía existir ninguna contradicción entre las Sagradas Escrituras y la
ciencia, era preciso establecer la absoluta independencia entre la fe católica
y los hechos científicos. Ahora bien, como hizo notar el cardenal Roberto Belarmino, no podía decirse que se dispusiera
de una prueba científica concluyente en favor del movimiento de la Tierra, el
cual, por otra parte, estaba en contradicción con las enseñanzas bíblicas; en
consecuencia, no cabía sino entender el sistema copernicano como hipotético.
Galileo ante la Inquisición
En 1616
Galileo fue reclamado por primera vez en Roma para responder a las acusaciones
esgrimidas contra él, batalla a la que se aprestó sin temor alguno, presumiendo
una resolución favorable de la Iglesia. El astrónomo fue en un primer momento
recibido con grandes muestras de respeto en la ciudad; pero, a medida que el
debate se desarrollaba, fue quedando claro que los inquisidores no darían su
brazo a torcer ni seguirían de buen grado las brillantes argumentaciones del
pisano. Muy al contrario, este episodio pareció convencerles definitivamente de
la urgencia de incluir la obra de Copérnico en el Índice de obras proscritas:
el 23 de febrero de 1616 el Santo Oficio condenó al sistema copernicano como
«falso y opuesto a las Sagradas Escrituras», y Galileo recibió la admonición de
no enseñar públicamente las teorías de Copérnico.
Consciente
de que no poseía la prueba que Belarmino reclamaba, por más que sus
descubrimientos astronómicos no le dejaran lugar a dudas sobre la verdad del
copernicanismo, Galileo se refugió durante unos años en Florencia en el cálculo
de unas tablas de los movimientos de los satélites de Júpiter, con el objeto de
establecer un nuevo método para el cálculo de las longitudes en alta mar,
método que trató en vano de vender al gobierno español y al holandés.
En 1618 se vio envuelto en una nueva polémica con otro jesuita,
Orazio Grassi, a propósito de la naturaleza de los cometas y la inalterabilidad
del cielo. Tal controversia dio como resultado un texto, El ensayador (1623),
rico en reflexiones acerca de la naturaleza de la ciencia y el método
científico, que contiene su famosa idea de que «el Libro de la Naturaleza está
escrito en lenguaje matemático». La obra, editada por la Accademia dei Lincei,
venía dedicada por ésta al nuevo papa Urbano VIII, es decir, al cardenal Maffeo Barberini,
cuya elección como pontífice llenó de júbilo al mundo culto en general, y en
particular a Galileo, a quien el cardenal había ya mostrado su afecto.
La nueva situación animó a Galileo a redactar la gran obra de
exposición de la cosmología copernicana que había ya anunciado muchos años
antes: el Diálogo sobre los dos máximos sistemas del mundo (1632);
en ella, los puntos de vista aristotélicos defendidos por Simplicio se
confrontaban con los de la nueva astronomía abogados por Salviati, en forma de
diálogo moderado por la bona
mens de Sagredo, que deseaba formarse un juicio exacto de los
términos precisos en los que se desenvolvía la controversia.
La obra fracasó en su intento de estar a la altura de las
exigencias expresadas por Belarmino, ya que aportaba, como prueba del
movimiento de la Tierra, una explicación falsa de las mareas, y aunque fingía
mediante el recurso al diálogo adoptar un punto de vista aparentemente neutral,
la inferioridad de Simplicio ante Salviati (y por tanto del sistema tolemaico
frente al copernicano) era tan manifiesta que el Santo Oficio no dudó en
abrirle un proceso a Galileo, pese a que éste había conseguido un imprimatur para publicar el
libro en 1632.
La sentencia definitiva
Interpretando la publicación del Diálogo como un acto de
desacato a la prohibición de divulgar el copernicanismo, sus inveterados
enemigos lo reclamaron de nuevo en Roma, ahora en términos menos diplomáticos,
para que respondiera de sus ideas ante el Santo Oficio en un proceso que se
inició el 12 de abril de 1633. El anciano y sabio Galileo, a sus casi setenta
años de edad, se vio sometido a un humillante y fatigoso interrogatorio que
duró veinte días, enfrentado inútilmente a unos inquisidores que de manera
cerril, ensañada y sin posible apelación calificaban su libro de «execrable y
más pernicioso para la Iglesia que los escritos de Lutero y Calvino».
Encontrado culpable pese a la renuncia de Galileo a defenderse y
a su retractación formal, fue obligado a pronunciar de rodillas la abjuración
de su doctrina y condenado a prisión perpetua. El Diálogo sobre los dos máximos sistemas del
mundo ingresó en el Índice de libros prohibidos y no salió de
él hasta 1728. Según una piadosa tradición, tan conocida como dudosa, el
orgullo y la terquedad del astrónomo lo llevaron, tras su vejatoria renuncia a
creer en lo que creía, a golpear enérgicamente con el pie en el suelo y a
proferir delante de sus perseguidores: «¡Y sin embargo se mueve!» (Eppur si muove, refiriéndose a la
Tierra). No obstante, muchos de sus correligionarios no le perdonaron la
cobardía de su abjuración, actitud que amargó los últimos años de su vida,
junto con el ostracismo al que se vio abocado de forma injusta.
La pena fue suavizada al permitírsele que la cumpliera en su
quinta de Arcetri, cercana al convento donde en 1616 y con el nombre de sor Maria
Celeste había ingresado su hija más querida, Virginia, que falleció en 1634. En
su retiro, donde a la aflicción moral se sumaron las del artritismo y la
ceguera, Galileo consiguió completar la última y más importante de sus
obras: Discursos y demostraciones
matemáticas en torno a dos nuevas ciencias, publicada en Leiden
por Luis Elzevir en 1638.
En ella, partiendo de la discusión sobre la estructura y la
resistencia de los materiales, Galileo sentó las bases físicas y matemáticas
para un análisis del movimiento que le permitió demostrar las leyes de caída de
los graves en el vacío y elaborar una teoría completa del disparo de
proyectiles. La obra estaba destinada a convertirse en la piedra angular de la
ciencia de la mecánica construida por los científicos de la siguiente
generación, cuyos esfuerzos culminarían en el establecimiento de las leyes de
la dinámica (leyes de Newton) por obra del genial fundador de la
física clásica, Isaac Newton. En la madrugada del 8 al 9 de enero de
1642, Galileo falleció en Arcetri confortado por dos de sus discípulos,
Vincenzo Viviani y Evangelista Torricelli, a los cuales se les había
permitido convivir con él los últimos años.
Casi trescientos años después, en 1939, el dramaturgo
alemán Bertold Brechtescribió una pieza teatral basada en la
vida del astrónomo pisano en la que se discurre sobre la interrelación de la
ciencia, la política y la revolución social. Aunque en ella Galileo termina
diciendo «Yo traicioné mi profesión», el célebre dramaturgo opina, cargado de
melancólica razón, que «desgraciada es la tierra que necesita héroes». En 1992,
exactamente tres siglos y medio después del fallecimiento de Galileo, la
comisión papal a la que Juan Pablo II había encargado la revisión del
proceso inquisitorial reconoció el error cometido por la Iglesia católica.
1748:
Nace Jeremy
Bentham, pensador y jurista británico (f. 1832).
Jeremy Bentham (Londres, 15 de febrerojul./ 26 de febrero de 1748greg. -
Londres, 6 de junio de 1832)
fue un filósofo, economista, pensador y escritor inglés, padre del utilitarismo.
Índice
Biografía[editar]
Jeremy Bentham nació en Londres, Gran Bretaña, en el seno de una
familia de juristas. Fue reconocido como niño prodigio por su padre al
encontrarlo en su escritorio leyendo varios volúmenes de la Historia de
Inglaterra. A los tres años leía tratados, tocaba el violín a los cinco, estudiaba latín y
francés. Hijo de una familia acomodada, estudió primero en Westminster School y
a los doce años ingresó en la Universidad de Oxford,
donde estudió Derecho, empezó a ejercer como abogado a los diecinueve años.
Pero enseguida se mostró crítico con la educación de su época y con la práctica
jurídica, dedicándose por completo a tareas intelectuales.1 Dotado de una fuerte personalidad, a
lo largo de su vida escribió largos manuscritos donde proponía ambiciosas ideas
de reformas sociales.
Desde 1814 convirtió su casa
en centro de intercambio intelectual y foco de un activo movimiento
utilitarista. Entre sus amigos y seguidores más cercanos se encontraba James Mill, el cual quiso hacer de su
hijo, John Stuart Mill,
el heredero de Bentham al frente del movimiento. Ambos fueron editores de
importantes obras de Bentham, quien tenía la costumbre de escribir mucho, pero
dejando la mayor parte de los textos inacabados para que los completaran sus
editores.1
Doctrina utilitarista[editar]
Sus trabajos iniciales atacando el sistema legal y judicial
inglés le llevaron a la formulación de la doctrina utilitarista, plasmada en su
obra principal: Introducción a los principios de moral y legislación (1789).
En ella preconizaba que «todo acto humano, norma o institución, deben
ser juzgados según la utilidad que tienen, esto es, según el placer o el
sufrimiento que producen en las personas». A partir de esa simplificación
de un criterio tan antiguo como el mundo, proponía formalizar el análisis de
las cuestiones políticas, sociales y económicas, sobre la base de medir la
utilidad de cada acción o decisión. Así se fundamentaría una nueva ética, basada en el goce de la vida y no en el
sacrificio ni el sufrimiento. El objetivo último de lograr «la mayor
felicidad para el mayor número» le acercó a corrientes políticas
progresistas y democráticas: la Francia republicana surgida de la
Revolución le honró con el título de «ciudadano honorario» (1792),
si bien Bentham discrepaba profundamente de Jean-Jacques Rousseau y
consideraba absurdo el planteamiento iusnaturalista subyacente a la Declaración de Derechos del Hombre y del Ciudadano de
1789".1 Negaba también la «religión natural»,
que construía el concepto de Dios por analogía con los soberanos de la tierra,
y defendía la «religión revelada». En la teoría del conocimiento, era nominalista.
Lo bueno es lo útil, y lo que aumenta el placer y disminuye el
dolor. “La naturaleza ha colocado a la humanidad bajo el gobierno de dos amos
soberanos: el dolor y el placer. Ellos solos han de señalar lo que debemos
hacer”. La ética se convierte, para Bentham, en una cuestión de cálculo de
consecuencias o consecuencialismo.
Habla de un cálculo felicítico,
intenta dar un criterio para ayudar a los demás en la búsqueda de lo útil, y
hace una clasificación de placeres y dolores. Los placeres son medibles, aunque
hay que considerar siete criterios:
·
Intensidad
·
Duración
·
Certeza
·
Proximidad
·
Fecundidad (situación agradable que genere más placer)
·
Pureza (ausencia de dolor)
·
Extensión, hay que entenderla como que hay motivos que impulsan
a considerar intereses ajenos porque eso puede caer en propio beneficio (que te
llamen simpático, benevolente, generoso...). [En la extensión cuando se trata
del Estado, sí que se habla de lo útil para la sociedad, el legislador debe
preocuparse de que con sus leyes den “la mayor felicidad al mayor número de
ciudadanos”. Debe buscar intereses generales].
El utilitarismo ejerció
su influencia sobre toda una generación de políticos británicos, representada
por Peel.1 Además Bentham influyó o intentó
influir sobre los gobernantes y líderes de las nuevas repúblicas
latinoamericanas. Del mismo modo dejó fortalecido y apropiado el concepto
de Deontología muy
utilizado en leyes y códigos del quehacer profesional que mira hacia el futuro.
También puede señalarse la incidencia que tendría, a la larga, sobre las
doctrinas subjetivas del valor que se impusieron en la teoría económica
occidental a partir de la «revolución
marginalista» (Walras, Pareto, etc.).1 Su principal obra fue "El
parlamento inglés"
El Panóptico[editar]
También dedicó su atención al tema de la reforma penitenciaria,
elaborando por encargo de Jorge III un
modelo de cárcel (el Panopticon) por el que
ambos entraron en conflicto.1 Bentham ideó una cárcel en la cual se
vigilara todo desde un punto, sin ser visto. Bastaría una mirada que vigile, y
cada uno, sintiéndola pesar sobre sí, terminaría por interiorizarla hasta el
punto de vigilarse a sí mismo. Bentham se dio cuenta de que "el panóptico" era una gran invención no sólo
útil para una cárcel, sino también para las fábricas. Si bien el modelo de
Bentham fue criticado (aunque él lo consideraba una genialidad), de alguna
forma todas las cárceles, escuelas y fábricas a partir de aquella época se
construyeron con el modelo panóptico de vigilancia.2 El modelo del Panopticon fue
analizado por Michel Foucault en Vigilar y castigar.
1811:
Nace Domingo Faustino Sarmiento, educador y
político argentino, presidente de la república (f. 1888).
Domingo Faustino Sarmiento (San Juan, Provincias
Unidas del Río de la Plata, 15 de febrero de 1811n. 1-Asunción, Paraguay, 11 de septiembre de 1888) fue
un político, escritor, docente, periodista, militar y estadista argentino; gobernador
de la provincia de San Juan entre 1862 y 1864, presidente
de la Nación Argentina entre 1868 y 1874, senador
nacional por su provincia entre 1874 y 1879 y ministro del Interior en 1879.
Considerado como uno de los grandes prosistas castellanos,2 es destacado tanto por su labor en
la educación pública como en su contribución
al progreso científico y cultural de su país.
Su padre,
José Clemente Quiroga Sarmiento y Funes, era un soldado veterano de las guerras
por la independencia de Argentina, y su madre, que había perdido muy joven a su
propio padre, tuvo incluso que vender su vestuario y enseres para poder
costearse una casa propia. Hijo pues de una familia humilde, aunque vinculada a
las casas más tradicionales y representativas de la ciudad, el pequeño Faustino
asistió desde los cinco años a la recién creada Escuela de la Patria, en la que
a lo largo de nueve años recibiría su única educación sistemática.
Su
formación se vería ampliamente complementada bajo la guía de los presbíteros
José de Oro y Juan Pascual Albarracín, con los que tenía parentesco, y por su
propio esfuerzo autodidacta. En 1826, con solamente quince años, Domingo
Faustino Sarmiento creó su primera escuela en San Luis, en San Francisco del
Monte de Oro. Tenía como alumnos a jóvenes de su misma edad e incluso mayores
que el maestro; a todos ellos les contagiaría su insaciable curiosidad, su afán
de aprender y su pasión por los libros.
Tras la
proclamación de la independencia en el Congreso de Tucumán (1816), las
Provincias Unidas del Río de la Plata (la actual Argentina) vivían por aquellos
años una etapa de violentos conflictos entre unitarios y federales que se
prolongaría durante décadas. Los unitarios propugnaban el establecimiento de un
gobierno centralizado en Buenos Aires; pero la opción federalista (constituir
un estado federal que dotase de máxima autonomía a cada territorio) tenía mucha
fuerza en las zonas rurales y era apoyada por los poderosos caudillos de las
distintas provincias.
En 1829, con dieciocho años, Sarmiento vio pasar por San Juan
una montonera encabezada por el caudillo Facundo Quiroga. Tal episodio
revestiría importancia decisiva en su configuración ideológica, política y
literaria: horrorizado por el violento despotismo de los caudillos federales, y
siguiendo sus ideales liberales e ilustrados, Domingo Faustino Sarmiento se
hizo unitario y se unió al ejército que luchaba contra Facundo Quiroga, a quien
retrataría años después en Facundo(1845)
como encarnación de la barbarie.
En Chile
Derrotadas las fuerzas unitarias en la batalla de Chacón,
Sarmiento se vio obligado a emigrar a Chile (1831), en donde trabajó como
maestro, minero y empleado de comercio. El asesinato de Facundo Quiroga (1835)
y la política del gobernador de San Juan, el general Nazario Benavídez,
posibilitaron en 1836 el regreso de Domingo Faustino Sarmiento a su provincia,
en la que fundó una sociedad literaria, un colegio de señoritas y, en 1839, el
periódico El Zonda.
Pero a finales de 1940, la línea ideológica antifederalista del
periódico le obligó a emigrar nuevamente a Chile, donde ejerció el periodismo y
cultivó la literatura. Fue redactor de El
Mercurio y El
Heraldo Nacional, colaboró en El Nacional y fundó El Progreso. Dentro del amplio
registro de temas que abarcó Sarmiento en su labor periodística destacan los de
crítica teatral y los costumbristas. Los signos de admiración, las preguntas
retóricas, la imprecación, la broma y la sátira eran las marcas estilísticas de
la pasión romántica que Sarmiento volcó en sus trabajos, realizados mayormente
en forma anónima, aunque varios de sus artículos aparecen firmados con el
seudónimo de "Pinganilla", nombre de un mono de circo famoso por
entonces en Chile.
En 1842 mantuvo diversas controversias sobre las características
de la lengua castellana en América. Imbuido de las ideas románticas, Sarmiento
sostuvo que el pueblo debe tener entera soberanía en materia de lengua, y que
los gramáticos eran "el partido retrógrado de la sociedad habladora".
En nombre de éstos respondió el venezolano Andrés Bello, respetado autor de una Gramática de la lengua
castellana (1847) que aún sigue siendo obra de consulta.
Bello sostuvo que la causa de degradación más importante del castellano era la
introducción de palabras extranjeras, sobre todo francesas, y que sólo un
cuerpo de sabios estaba autorizado para establecer las leyes del lenguaje
correcto, que no era tarea del pueblo ni de "románticos licenciosos".
La polémica, que se prolongó durante dos meses en diversos
artículos publicados en la prensa chilena, pasó a la historia como una versión
americana de las disputas intelectuales que en Europa habían sostenido clásicos
y románticos acerca de cuestiones de lengua y literatura. En 1843, Sarmiento
elevó un proyecto de reformas ortográficas, aprobado al año siguiente pese a
las acusaciones de "afrancesado" de que fue objeto. Ese mismo año,
Domingo Godoy inició una campaña en contra de la labor periodística y cultural
de Sarmiento, lo que movió a éste a escribir y publicar Mi defensa, obra de sesgo
autobiográfico.
Facundo o Civilización y Barbarie (1845)
En 1845 llegó a Chile un enviado del dictador argentino Juan Manuel de Rosas(1835-1852) para protestar por la
campaña antirrosista que estaban llevando a cabo en el país andino los
exiliados argentinos. Este hecho precipitó una rápida réplica literaria por
parte de Sarmiento: la publicación por entregas, en el periódico El Progreso,
de Facundo, que meses
más tarde el autor reunió en el volumen Civilización
y Barbarie. Vida de Juan Facundo Quiroga. Las ediciones modernas
tienden a titularlo Facundo
o Civilización y Barbarie o simplemente Facundo, conservando el título de
la primera publicación por entregas.
El libro es en su mayor parte una biografía novelada del
caudillo federalista Juan Facundo Quiroga, muerto diez años antes. Desde el
punto de vista de Sarmiento, Facundo Quiroga había prefigurado el mal que en el
presente encarnaba Juan Manuel de Rosas: si Quiroga es la barbarie espontánea,
producto de un medio adverso y unos hábitos primitivos, Rosas representa la
barbarie institucionalizada, fría y sistemática, y en este sentido la obra es
tanto un alegato contra el régimen de Rosas como una indagación en sus raíces.
La
convicción de la decisiva influencia del medio físico sobre el carácter y las
costumbres de sus habitantes, así como su vivaz descripción, se apoya en un
planteamiento poco sistemático (el libro no es en puridad ni una biografía, ni
un ensayo, ni una novela, sino una singular mezcla de esos tres géneros) y, sin
embargo, plenamente eficaz para la finalidad propagandística y política de la
obra. Después de cuatro capítulos dedicados al medio geográfico y social y a la
historia reciente del país, los capítulos V-XIII presentan la biografía
novelada de Facundo; los dos últimos contienen el examen del presente y la
mirada del autor al porvenir.
Según
Sarmiento, los desastres acaecidos en la nación desde la independencia son el resultado
del enfrentamiento entre la civilización (refugiada en las ciudades, centros de
orden, progreso, trabajo organizado y cultura) y la barbarie, producto de la
influencia del medio pampeano, en cuyos rudos habitantes (los gauchos) se
manifiestan los hábitos sociales primitivos y el desorden ciego de la
naturaleza. Para el autor, la esperanza transformadora de Argentina sólo puede
radicar en un programa de reconstrucción nacional, educativo, que salve el
abismo entre la sociedad civilizada y la que se ha forjado al margen de ella en
las provincias.
De ahí que Sarmiento definiera el libro como "la visión de
un país por un joven ansioso de actuar desde dentro como fuerza
transformadora". Pero las extraordinarias dotes de observación y la
magnificente fuerza de la prosa de Sarmiento hacen que Facundo supere ampliamente
las circunstancias de su gestación y de sus propósitos políticos para
convertirse en una de las obras más singulares e irreductibles de la literatura
argentina.
En 1845 su prestigio como pedagogo hizo que el entonces ministro
y futuro presidente de Chile, Manuel Montt, le encomendase la realización de estudios
sobre los sistemas educativos de Estados Unidos y Europa. Con tal fin viajó por
numerosos países europeos y por los Estados Unidos, y de regreso en Chile
publicó Educación popular (1848),
donde sostiene que la educación primaria y las bibliotecas públicas son el
remedio más eficaz para combatir el atraso y la ignorancia. Previamente,
también por encargo de Montt, había escrito un Método gradual de lectura con el que aprenderían
a leer varias generaciones de chilenos. En 1849 recogió las impresiones de
aquel periplo en el epistolario Viajes
en Europa, África y América, donde mostró su entusiasmo por la democracia del sistema norteamericano, que
consideró modélica. Esa misma idea inspiró en 1850 su obra Argirópolis, proyecto de una
capital de los Estados Confederados del Río de la Plata.
También de 1850 es Recuerdos
de provincia, una interesante autobiografía en la que Sarmiento
evoca recuerdos de su infancia y presenta retratos de diversos personajes que
tuvieron parte directa en la formación de la nación argentina; el relato
procede por cuadros rápidos, llenos de nervio y de vigor pintoresco. El autor
encuentra, al narrar sus juegos infantiles, la psicología fresca y encantadora
del niño; escribe páginas de temblorosa emoción al retratar a su madre; y con
afecto singular recuerda a su maestro, José de Oro. Por su fina ironía y su
franco realismo, los Recuerdos
de provincia son, junto con su Facundo, su libro más vivo.
La presidencia de Sarmiento
En 1850, previendo el levantamiento de Justo José de Urquiza, Sarmiento se embarcó hacia
Montevideo, desde donde pasó a Entre Ríos para ponerse al servicio del ejército
rebelde. Urquiza lo nombró teniente coronel y le encomendó la redacción del
boletín del ejército. Tras vencer a Rosas en la batalla de Caseros (3 de
febrero de 1852), Urquiza asumió la dirección provisional de la Confederación
Argentina, promulgó la Constitución de 1853 e inició su periodo presidencial
(1854-1860).
Disgustado con Urquiza por creerlo orientado hacia la dictadura,
Sarmiento se había expatriado voluntariamente poco después del triunfo en la
batalla de Caseros. Primero viajó a Río de Janeiro y luego a Chile, donde en
1852 publicó Campaña en el Ejército Grande,
libro que precipitó una violenta polémica con Juan Bautista Alberdi acerca de cómo debería
regirse el país tras la caída de Rosas, la cual fue origen de Las ciento y una (colección
de las cartas de Sarmiento) y de las Cartas
quillotanas (colección de las de Alberdi).
Con su regreso en 1855 a Buenos Aires se inició la etapa más
gloriosa en su destino de constructor de la nueva Argentina. Sarmiento se
convirtió en editor en jefe del periódico El Nacional y desempeñó sus primeros cargos
políticos como concejal (1856) y senador provincial (1857-1861). De hecho, a
partir de 1860, la vida de Sarmiento está signada sobre todo por su dedicación
a la política activa. Ese año fue designado ministro del gobierno presidido por
Santiago Derqui (1860-1861); en 1862 fue electo gobernador de San Juan, y en
1864 el presidente Bartolomé Mitre (1862-1868) lo nombró ministro
plenipotenciario en Estados Unidos.
Durante su permanencia en Estados Unidos, Domingo Faustino
Sarmiento fue elegido presidente de la República (1868-1874). El Journal des Débats de París,
al conocer la elección de Sarmiento, escribió: "el pueblo argentino se
honra a sí mismo eligiendo para presidente a un maestro de escuela,
prefiriéndolo a un general". Regresó a la patria el 30 de agosto de 1868 y
asumió el mando el 12 de octubre. Su gobierno fue uno de los más fecundos que
tuvo el país; durante el mismo se realizaron numerosos progresos y adelantos.
La estancia en los Estados Unidos le había aportado numerosas ideas nuevas
acerca de la política, la democracia y la estructura de la sociedad.
La
contribución más notable de su presidencia fue sin duda su obra educativa. No
sólo creó escuelas primarias, sino que auspició nuevos métodos de enseñanza y
contrató educadores europeos para instruir a los maestros; creó nuevos colegios
nacionales; inauguró la Escuela Normal de Paraná e hizo llegar de Estados
Unidos a maestras normales, que desarrollaron en el país una tarea proficua.
Para Sarmiento, la educación era la base de la democracia, y había que
conseguir la cultura del pueblo a cualquier precio. Entre 1868 y 1874, los
subsidios para la educación del gobierno central a las provincias se
cuadruplicaron. Se fundaron hasta ochocientas instituciones educativas, lo que
permitió acoger a cien mil nuevos alumnos.
Sarmiento
impulsó asimismo la modernización general del país, promoviendo las obras
públicas y las infraestructuras, especialmente las destinadas al transporte
(líneas férreas, navegación fluvial, tranvías urbanos) y a las comunicaciones
(telégrafos y correos). Sin embargo, no acabó siendo un presidente
excesivamente popular. El país se embarcó en la Guerra de la Triple Alianza (1868-1874)
contra Paraguay, y el gasto en obras e infraestructuras incrementó la inflación
y el déficit público.
El inicio
de la afluencia masiva de inmigrantes provenientes de Europa, por otra parte,
fue señalado como la causa del brote de fiebre amarilla que padeció Buenos
Aires y que estuvo a punto de causar una guerra civil. Cabe apuntar que todavía
entonces seguía abierta la rivalidad entre Buenos Aires y las provincias. En
1873, Sarmiento fue el blanco de un fallido intento de asesinato a cargo de dos
hermanos anarquistas italianos, que dispararon contra el coche en que viajaba.
Al parecer, fueron contratados por el caudillo federalista Ricardo López
Jordán.
A lo largo de la presidencia de su sucesor, Nicolás Avellaneda (1874-1880), Sarmiento fue
designado senador por la provincia de San Juan, director de Escuelas de la
provincia de Buenos Aires y ministro del Interior. Durante el mandato de Julio Argentino Roca (1880-1886) ejerció todavía
el cargo de superintendente general de Escuelas y promovió la aprobación del
decreto que establecía la educación gratuita (1882). En 1883 vio la luz una de
sus obras más discutidas: Conflicto
y armonías de las razas en América. Retirado posteriormente de la
política, en 1888 se trasladó a Paraguay, en cuya capital falleció. Sus Obras completas, reunidas en
cincuenta y tres volúmenes, se editaron entre 1884 y 1903.
1895:
Nace Tartarín Moreira,
Libardo
Parra Toro, conocido como Tartarín Moreira (Valparaíso, Antioquia, 1898 - Medellín, 1954), fue un músico y
poeta colombiano.
También acostumbraba utilizar el seudónimo de Dr. Barrabás. En su calidad
de periodista colaboró en los periódicos El Correo Liberal, El
Diario y El Heraldo de Antioquia.
Índice
Biografía[editar]
Libardo Parra nació en Valparaíso, Antioquia,
en 1898.
Adoptó el seudónimo de Tartarín, tomadolo de una novela que influyó en su
formación intelectual, Tartarín de Tarascón, de Alphonse
Daudet.1
Como letrista y compositor
musical, estuvo vinculado a un círculo musical del que hicieron parte, entre
otros, Pelón Santamarta.1
Falleció en Medellín en noviembre de 1954, a causa de
una tuberculosis.1
Obra[editar]
A muchos de sus propios temas
también les compuso la música, incluidos varios bambucos.
Algunas obras como Son de campanas y En la calle, que estaban
destinadas a ser interpretadas por Carlos
Gardel, terminaron siendo cantadas por Agustín Magaldi después de la muerte trágica de Gardel en Medellín.
Con el renombrado compositor
ecuatoriano Francisco Paredes Herrera compuso
el pasillo “Rosario de Besos”.
Se vinculó al círculo
literario conocido como Los Panidas, del que hicieron parte León
de Greiff, Ricardo Rendón, y Fernando González entre otros.
https://www.youtube.com/watch?v=I3KrBywnYhM
1901:
Nace Alfonso Garavito, compositor colombiano.
Distinguido miembro de esa
importante dinastía musical colombiana de los Garavito, fue durante más de
treinta años violinista de la Orquesta Sinfónica de Colombia, después de haber
participado como integrante de la orquesta de su hermano Milcíades.
.
Suyas son obras de grata
recordación dentro de la música andina y la tropical. Gran suceso musical fué
el porro “Me voy p’al salto”, con letra de Gabriel Viñas, cuyas dos primeras
versiones discográficas fueron la de la Orquesta de Eduardo Armani, y una
posterior pero que fué la que le dió la mayor difusión, la del cantante torero
Noel Petro.
.Pero su total consagración
como compositor la obtiene con su hermoso pasillo “El día de la fuga”, para
muchos musicólogos y folcoristas el más bello de los pasillos que se han hecho
en la historia de la música colombiana.
.Siempre ha habido polémica
sobre el autor de los versos de éste pasillo. En declaración personal del
propio Garavito a uno de nuestros folcloristas e investigadores musicales decía
que “me encontré esa letra por casualidad dentro de unos papeles viejos, sin
firma. Después traté por largo tiempo de identificar a su autor sin lograrlo”.
Queda entonces, mientras no se demuestre lo contrario, que los textos son de
autor anónimo, al menos, pero en ningún caso del propio Garavito, dada la anterior
información suministrada
.
Tomado de:
https://www.youtube.com/watch?v=CHMQ-KBS8zQ
1905:
Lewis (Lew) Wallace (Brookville, Indiana, 10 de abril de 1827-Crawfordsville, Indiana, 15 de febrero de 1905) fue un abogado, militar, político, diplomático y escritor estadounidense.
Obtuvo el rango de general luchando en el ejército de la Unión durante la Guerra de Secesión. Fue gobernador del Territorio de Nuevo México (1878-1881) y ministro plenipotenciario en el Imperio Otomano (1881-1885).
Pero su fama le vino mayormente por ser el autor de Ben-Hur: A Tale of the Christ(1880), un exitoso libro desde el mismo momento de su publicación. Las versiones cinematográficas de Fred Niblo (1925) y William Wyler (1959) tuvieron también un enorme éxito, ayudando a popularizar aún más la historia. En 2016, el director Timur Bekmambetov realizó una tercera adaptación de su novela para la gran pantalla.1
1905:
Nace Harold Arlen,
compositor estadounidense (f. 1986).
Hyman Arluck (Nueva York, Estados Unidos, 15 de febrero de 1905–ídem, 23
de abril de 1986), más conocido como Harold Arlen, fue un compositor estadounidense de música popular.
Índice
·
3Notas
Historia[editar]
Arlen, con más de 400 canciones, es uno de los compositores más
prolíficos de música popular del Siglo XX, llegando a ser conocidas en todo el
mundo varias de sus composiciones, siendo elegida una de ellas, la canción
de 1938 "Over the Rainbow", como la mejor del Siglo
XX por la Recording Industry Association of America.1 Arlen mantuvo una larga amistad con
el actor Ray Bolger, el cual
intervino en la película El Mago de Oz,
película que haría famosa la canción "Over the Rainbow".
Arlen nació en Búfalo (Nueva York),
falleciendo su hermano gemelo al día siguiente de nacer. En su infancia
aprendió a tocar el piano llegando a formar
una banda musical en
su adolescencia, consiguiendo cierto éxito en su ciudad como pianista y
cantante trasladándose a la ciudad de Nueva York en los primeros años de la
década de 1920; en esta ciudad
trabajó como acompañante de vodevil.2 Fue durante esta etapa en la cual
cambió su nombre por Harold Arlen. Interpretó y realizó grabaciones con la
orquesta 'Buffalodians', así como con las orquestas de Red Nichols, Henny Hendrickson y Arnold
Johnson.
En 1929 compuso su primera canción conocida,
"Get Happy" (con letra de Ted Koehler).
Durante los primeros años y la mitad de la década de 1930, Arlen y Koehler compusieron espectáculos
para el Cotton Club,
un club nocturno famoso de Harlem, musicales para Broadway y películas musicales para Hollywood; durante este periodo, Arlen
continuó realizando interpretaciones, con cierto éxito, para la orquesta
de Leo Reisman.
Arlen y Koehler
compusieron los siguientes éxitos musicales durante los primeros años y la
mitad de la década de 1930: "Between the Devil and the Deep Blue
Sea", "I Love A Parade", "I've Got
the World on a String", "I've Got A Right To Sing The
Blues", "It's Only a Paper Moon", "Let's
Fall in Love", "Ill Wind" y "Stormy
Weather".
A mediados de la década de 1930, Arlen contrajo matrimonio,
incrementando sus estancias en California y escribiendo películas
musicales; fue durante este periodo cuando comenzó a trabajar con el
letrista Yip Harburg. En
1938, ambos fueron contratados por Metro-Goldwyn-Mayer para
componer las canciones de la película El Mago de Oz; frúto de este
trabajo es la canción "Over the Rainbow" por la cual
ganaron el Óscar, en
1939, a la mejor canción original.
Durante este periodo,
y hasta finales de la década de 1950, Harold Arlen compondría, o contribuiría,
a la creación de varios musicales de Broadway, como Earl Carroll's
Vanities of 1930, You Said It, Earl Carroll's Vanities, Americana, George
White's Music Hall Varieties, Life Begins at 8:40, The
Show is On, 'Hooray For What!, Bloomer Girl, St.
Louis Woman, House of Flowers, Mr. Imperium, Jamaica,
y Saratoga.
En la década de 1940, Arlen trabajó con el letrista Johnny Mercer, continuando con la producción de éxitos musicales como "Blues
in the Night", "Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive", "That
Old Black Magic" y "Come Rain or Come Shine" y "My
Blue Heaven" (con Ralph Blane).
En 1951, su mujer Anya, fue internada en un
centro psiquiátrico durante
siete años tras sucesivas amenazas hacia su marido y hacia varias personas.
En 1954, Arlen fue hospitalizado debido a
una úlcera sangrante, recuperándose para
trabajar en el musical de Truman Capote "House of
Flowers". En 1970 falleció la mujer
de Arlen debido a un tumor cerebral,
ocasionando que el compositor dejara de lado sus aficiones y se distanciara
progresivamente de amigos y familiares, terminando por recluirse en su casa.
En 1986, Harold Arlen falleció a los 81 años de
edad en la ciudad de Nueva York, siendo enterrado en el 'Ferncliff Cemetery' en
Hartsdale, Nueva York, junto a su esposa.
1907:
Nace Cesar Romero,
actor estadounidense (f. 1994).
César Julio Romero, Jr. (Nueva York; 15 de febrero de 1907-Santa Mónica, California; 1 de enero de 1994)
fue un actor de cine y televisión estadounidense de origen cubano y de
larga trayectoria, considerado un ícono de Hollywood por su personalidad y trayectoria
profesional de 1933 a 1994.
Índice
Biografía[editar]
Nacido en Nueva York de padres cubanos, Romero estudió en los
colegios Collegiate y Riverdale. Al terminar sus estudios trabajó como
bailarín, aprovechando un talento innato que demostraría más adelante en su
carrera. Su primera aparición en Broadwayfue en 1927, en la obra Lady
Do, continuando luego en la obra teatral Strictly Dishonorable.
Su familia, que se dedicaba a la importación de azúcar, se arruinó en el Crack del 29 y se trasladó a California.
En 1933 consiguió su primer papel cinematográfico en Hollywood en el filme The Shadow
Laughs. Por su aspecto físico, apostura y talento en el baile, interpretaba
papeles de amante
latino (latin lover),
continuando el estereotipo cinematográfico de Rodolfo Valentino y Ramón Novarro. Aparecía como gánster italiano
o príncipe de la India, pero también demostró su vis dramática en varias otras
películas, destacándose en The Thin Man (1934), The
Devil Is a Woman (El Diablo era mujer,
1935) junto a Marlene Dietrich,
y en Wee Willie Winkie (1937) junto a Shirley Temple. Sus dotes de comediante y
bailarín aparecen en A La Habana me voy (Week-End in Havana)
y Springtime in the Rockies, junto a Carmen Miranda y Betty Grable.
De 1939 a 1941 protagonizó una serie de seis películas del
género western, de la saga El Cisco
Kid.
Durante la Segunda Guerra
Mundial, se alistó en el Servicio de Guardacostas
de los Estados Unidos en el Océano Pacífico.
En 1947 interpretó el papel de Hernán Cortés en
la superproducción El capitán de
Castilla, junto a Tyrone Power, considerado por los críticos
como su mejor actuación, lo que le dio un aura dramática por algunos años.
En la década de 1950 actuó al menos en una película cada año,
interpretando además el papel principal en la serie de televisión Passport
to Danger en 1954. En ese mismo año rodó el clásico de western Veracruz,
junto a estrellas como Gary Cooper y Burt Lancaster. También participó en esa
década en la comedia producida en México Mis secretarias privadas en
la que compartía interpretación con la actriz cubana Rosa Carmina, la mexicana
Lilia Prado y Roberto Cañedo.
En 1959 actúa en la serie de televisión de Walt Disney El
Zorro, concretamente en cuatro capítulos de la segunda temporada. En 1960 coprotagonizó
la célebre película Ocean's
Eleven junto a un brillante elenco: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop, Peter Lawford (cuñado de John F. Kennedy), Angie Dickinson, Juliet Prowse y Shirley MacLaine.
En 1965 su carrera en televisión destacaría en la serie El agente de CIPOL,
continuando al año siguiente en la serie Batman (1966-1968)
con Adam West, donde obtuvo mucha popularidad su
interpretación como Joker ("El
Guasón" o "El Arlequín"). Algunas veces su nombre figuraba en
los créditos como "Caesar Romero". Se dice que para este papel,
Romero hizo figurar en el contrato que bajo ningún concepto se afeitaría su
bigote, ya que consideraba que era su toque personal. Los productores de la
serie aceptaron la condición, a cambio de que permitiera a la maquilladora
disimularlo con maquillaje blanco, ya que "El Joker" no usa bigotes.
Siguió participando en películas y series de televisión hasta
1977. Reapareció en 1985 en dos filmes: Flesh and Bullets y el
disparatado western Lust in the Dust, junto a Tab Hunter y Divine. Su popularidad vivió un repunte en la
década de 1980, al participar en la teleserie Falcon Crest entre 1984 y 1988 como
actor fijo en la quinta y sexta temporada y como actor invitado en los primeros
episodios de la octava. Su último film fue Simple Justice (1990).
César Romero continuó haciendo apariciones en televisión y
participando en la vida social de Hollywood hasta sus últimos días, cuando
enfermó de bronquitis y neumonía, falleciendo el 1 de enero de 1994.
1910:
Nace Irena Sendler (el
Ángel del Gueto de Varsovia), enfermera y filántropa polaca
(f. 2008).
Irena Sendler o Sendlerowa (Otwock, Varsovia, 15 de febrero de 1910 - Varsovia, 12 de mayo de 2008),
conocida como «El Ángel del Gueto de Varsovia», fue una enfermera y
trabajadora social polaca católica, que durante la Segunda Guerra
Mundial ayudó y salvó a más de dos mil quinientos niños judíos prácticamente condenados a ser
víctimas del Holocausto, arriesgando
su propia vida. Fue candidata al Premio Nobel de la
Paz en 2007, aunque finalmente no
resultó elegida. Sin embargo, fue reconocida como Justa entre las
naciones y se le otorgó la más alta distinción civil de Polonia
al ser nombrada dama de
la Orden del Águila Blanca.
Índice
La madre de los niños del Holocausto[editar]
«La razón por la cual rescaté a los niños tiene su origen en mi
hogar, en mi infancia. Fui educada en la creencia de que una persona necesitada
debe ser ayudada de corazón, sin mirar su religión o su nacionalidad.»1
Irena Sendler, quien salvó a 2500 niños del Gueto de Varsovia.
Primeros años[editar]
Irena Sendler nació como Irena Krzyzanowska el 15 de febrero de 1910,
en Varsovia. Su padre, Stanisław Krzyżanowski,
era un médico reconocido. Desde su infancia, Irena sintió simpatía por los
judíos. Su padre falleció en 1917 a causa de un tifus contraído al tratar a
varios pacientes rechazados por sus colegas: muchos de esos pacientes eran
judíos. Tras su muerte, los líderes de la comunidad judía ofrecieron pagar los
estudios de Irena. En la Polonia de pre-guerra, Irena se opuso al sistema de
discriminación adoptado por algunas universidades, como resultado de lo cual
fue suspendida en la Universidad de
Varsovia durante tres años.2
Segunda Guerra Mundial[editar]
Cuando Alemania invadió el
país en 1939, Irena era enfermera en el Departamento
de Bienestar Social de Varsovia, el cual llevaba
los comedores comunitarios de la ciudad. Allí trabajó incansablemente para
aliviar el sufrimiento de miles de personas tanto judías como católicas.
Gracias a ella, estos comedores no sólo proporcionaban comida para huérfanos,
ancianos y pobres sino que además entregaban ropa, medicinas y dinero.
En 1940 los nazis crearon
un gueto en Varsovia,
e Irena, horrorizada por las condiciones en que se vivía allí, se unió al
Consejo para la Ayuda de Judíos, Zegota.
Ella misma lo cuenta:
Conseguí, para mí y mi compañera Irena Schultz, identificaciones
de la oficina sanitaria, una de cuyas tareas era la lucha contra las
enfermedades contagiosas. Más tarde tuve éxito en conseguir pases para otras
colaboradoras. Como los alemanes invasores tenían miedo de que se desatara una
epidemia de tifus, toleraban que los polacos controláramos
el recinto.1
Irena Sendler
Cuando Irena caminaba por las calles del gueto, llevaba un
brazalete con la estrella de David,
como signo de solidaridad y para no llamar la atención sobre sí misma. Pronto
se puso en contacto con familias a las que ofreció llevar a sus hijos fuera del
gueto. Pero no les podía dar garantías de éxito. Lo único seguro era que los
niños morirían si permanecían en él. Muchas madres y abuelas eran reticentes a
entregar a sus niños, algo absolutamente comprensible pero que resultó fatal
para ellos. Algunas veces, cuando Irena o sus chicas volvían a visitar a las
familias para intentar hacerles cambiar de opinión, se encontraban con que
todos habían sido llevados al tren que los conduciría a los campos de la
muerte.
A lo largo de un año y medio, hasta la evacuación del gueto en
el verano de 1942, consiguió rescatar a más de 2 500
niños por distintos caminos: comenzó a sacarlos en ambulancias como víctimas de
tifus, pero pronto se valió de todo tipo de subterfugios que sirvieran para
esconderlos: sacos, cestos de basura, cajas de herramientas, cargamentos de
mercancías, bolsas de patatas, ataúdes... en sus manos cualquier elemento se
transformaba en una vía de escape.
Entre los miles de niños y bebés rescatados, uno de los ejemplos
que pasó a la posteridad fue el de Elzbieta Ficowska. Ella tenía cinco meses
cuando una colaboradora de Sendler le suministró un narcótico y la colocó en
una caja de madera con agujeros para que entrara el aire. Fue sacada del gueto
junto con un cargamento de ladrillos, en un vagón traccionado por un caballo,
en julio de 1942. La madre de Elzbieta escondió una
cuchara de plata entre las ropas de su bebé. La cuchara llevaba grabado su
apodo, Elzunia, y la fecha de nacimiento: 5 de enero de 1942.
Elzbieta fue criada por la ayudante de Sendler, Stanislawa Bussoldowa, una
viuda católica. Ficowska dijo más tarde que la fallecida Bussoldowa fue su
"madre polaca", para distinguirla de su "madre judía".
Durante meses, la madre de Elzunia llamó por teléfono para escuchar los
balbuceos de su hija. Muertos sus padres en el gueto, la joven salvada Elzbieta
Ficowska fue años después conocida con el apodo de "la niña de la
cuchara de plata".3
Irena quería que un día pudieran recuperar sus verdaderos
nombres, su identidad, sus historias personales y sus familias. Entonces ideó
un archivo en el que registraba los nombres de los niños y sus nuevas
identidades.
Los nazis supieron de sus actividades. El 20 de octubre de 1943,
Irena Sendler fue detenida por la Gestapo y llevada a la infame prisión de Pawiak,
donde fue brutalmente torturada. En un colchón de paja encontró una estampa de
Jesús Misericordioso con la leyenda: “Jesús, en ti confío”, que
conservó consigo hasta el año 1979, momento en que se la
obsequió a Juan Pablo II.
Ella era la única que sabía los nombres y las direcciones de las
familias que albergaban a los niños judíos. Soportó la tortura y se negó a
traicionar a sus colaboradores o a cualquiera de los niños ocultos. Fue
sentenciada a muerte. Mientras esperaba la ejecución, un soldado alemán se la
llevó para un "interrogatorio adicional". Al salir, le gritó en
polaco "¡Corra!". Al día siguiente halló su propio nombre en la lista
de los polacos ejecutados.
En 1944, durante el alzamiento de
Varsovia, colocó sus listas en dos frascos de vidrio y los enterró
en el jardín de su vecina para asegurarse de que llegarían a las manos
indicadas si ella moría. Al finalizar la guerra, Irena misma los desenterró y
le entregó las notas al doctor Adolfo Berman, el primer presidente del Comité de salvamento de los judíos supervivientes.
Lamentablemente la mayor parte de las familias de los niños había muerto en
los campos de
concentración nazis. En un principio los chicos que no tenían
una familia adoptiva fueron cuidados en diferentes orfanatos y poco a poco se
los envió a Palestina.
Bajo el régimen comunista[editar]
Michal Glowinski, a quien Sendler ocultó en un convento tras
abandonar el gueto con sus padres en enero de 1943,45 declaró que el régimen comunista hizo
de la historia judía un tema vedado.4 A eso se sumó que Sendler fue
integrante del Partido Socialista, lo cual le ocasionó problemas con los
comunistas.3 Según Glowinski, los interrogatorios
y el hostigamiento de la policía secreta a Sendler provocaron el nacimiento
prematuro de su hijo Andrzej, quien murió dos semanas después. Asimismo, su
hija Janina y Adam enfrentaron obstáculos para recibir educación.3
Reconocimientos[editar]
Los niños sólo conocían a Irena por su nombre clave "Jolanta".
Pero años más tarde, cuando su foto salió en un periódico luego de ser premiada
por sus acciones humanitarias durante la guerra, un hombre la llamó por
teléfono y le dijo: "Recuerdo su cara, usted es quien me sacó del
Gueto." Y así comenzó a recibir muchas llamadas y
reconocimientos.
En 1965 la institución Yad Vashem de Jerusalén le otorgó el título de Justa entre las
naciones y se la nombró ciudadana honoraria de Israel.6
En noviembre de 2003 el
presidente de la República, Aleksander
Kwasniewski, le otorgó la más alta distinción civil de Polonia
cuando la nombró dama de
la Orden del Águila Blanca (Order Orła Białego). Irena
fue acompañada por sus familiares y por Elzbieta Ficowska, "la niña de
la cuchara de plata".1
Pero Irena Sendler nunca pensó que recibiría homenaje alguno por
sacar subrepticiamente a los 2 500 niños judíos del gueto de Varsovia, ni
por soportar las torturas de los nazis o pasar décadas hostigada por el régimen
comunista que siguió a la guerra. Según ella lo expresó, "esos actos fueron
la justificación de mi existencia en la tierra, y no un título para recibir la
gloria". En referencia a las visitas incesantes que recibía, expresó:
"Estoy muy cansada; esto es demasiado para mí".3
En el año 2007 el gobierno
de Polonia la presentó como candidata para
el premio Nobel de la
Paz. Esta iniciativa fue del Presidente Lech Kaczynski y contó con el apoyo
oficial del Estado de Israel —a
través de su primer ministro, Ehud Ólmert— y de la Organización de Supervivientes del Holocausto residentes
en Israel. Las autoridades de Oświęcim (Auschwitz en alemán) expresaron su apoyo a esta
candidatura, ya que consideraron que Irena Sendler fue uno de los últimos
héroes vivos de su generación, y que demostró una fuerza, una convicción y un
valor extraordinarios frente a un mal de una naturaleza extraordinaria.
Finalmente el galardón fue concedido a Al Gore.
Irena Sendler falleció en Varsovia (Polonia), el 12 de mayo de 2008,
a los 98 años de edad.
Irena Sendler en el arte[editar]
La vida de esta heroína fue llevada a la pequeña pantalla por
la CBS en The
Courageous Heart of Irena Sendler,7 donde fue interpretada por la
ganadora de un Oscar Anna Paquin. Por su
trabajo en esta miniserie, la protagonista fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de miniserie o telefilme
2009.8
1916:
Nace Mary
Jane Croft, actriz estadounidense (f. 1999).
Mary
Jane Croft (15 de
febrero de 1916 – 24 de agosto de 1999) fue una actriz estadounidense, conocida
principalmente por sus papeles de Betty Ramsey en I Love Lucy, Mary Jane Lewis en The Lucy
Show y Here's Lucy,
y Clara Randolph en The Adventures of Ozzie and Harriet.
1926:
Nace Rubén Fuentes, violinista
clásico y compositor mexicano.
Rubén Fuentes Gassón (Ciudad Guzmán, Jalisco; 15 de febrero de 1926-5 de febrero de 2022),1 conocido como Rubén Fuentes, fue un violinista clásico, arreglista, productor discográfico y compositor mexicano, recordado por sus contribuciones a la música de mariachi. Sus aportes a los géneros del bolero ranchero, el bolero moruno y las canciones románticas, tanto rancheras como boleros, además de la creación del mariachi sinfónico, fueron un significativo aporte a la internacionalización de la música mexicana en el mundo. Pertenece además a la llamada Época de Oro del Cine mexicano.
Rubén Fuentes es el creador e interprete de docenas de canciones famosas y conocidas internacionalmente, como "La culebra", "Las alazanas", "Como si nada", "La Bikina",2 "Qué bonita es mi tierra",3 "Flor sin retoño", "Ni princesa ni esclava", "Sabes una cosa", "Cien años" y "Camino real de Colima", muchas compuestas conjuntamente con Silvestre Vargas. Fue el productor de cabecera de Pedro Infante, Miguel Aceves Mejía y Marco Antonio Muñiz. También bajo su batuta surgieron importantes trabajos musicales de Flor Silvestre, Amalia Mendoza, Lola Beltrán, Lucha Villa, Estela Núñez, Lucero, Vikki Carr y Linda Ronstadt, entre otras estrellas. Fuentes fue, asimismo, el arreglista de la mayoría de las canciones del cantante y compositor mexicano José Alfredo Jiménez.[cita requerida]
En 1944, se unió al Mariachi Vargas de Tecalitlán como violinista y más tarde como arreglista. En 1955, terminó de tocar activamente con el grupo, pero mantuvo su posición de productor, arreglista y director musical hasta su muerte, constituyendo un referente como influencia tanto para el Mariachi Vargas como para la música de mariachi en general.[cita requerida]
Sus canciones han sido ejecutadas por numerosos intérpretes, como Miguel Aceves Mejía, Jorge Negrete, Pedro Infante, Flor Silvestre, Lola Beltrán, Marco Antonio Muñiz, Javier Solis, Julio Iglesias, Estela Núñez, Amalia Mendoza, Sonia la Única, María de Lourdes, Mauro Calderón, Rocío Dúrcal, Fernando de la Mora, Guadalupe Pineda, Cristian Castro, Luis Miguel, Alejandra Orozco "la Guadalajareña", Los Tres Huastecos y Hatsune Miku (cantante virtual), entre otros. Fue asimismo el creador de gran número de temas musicales para producciones cinematográficas.[cita requerida]
https://www.youtube.com/watch?v=NCvJwzDQTBM
1927:
Nace Harvey
Korman, actor estadounidense (f. 2008).
Harvey
Korman (15 de
febrero de 1927 – 29 de mayo de 2008) fue un actor cómico cinematográfico y
televisivo estadounidense, cuya carrera se inició en 1960. Su gran oportunidad
llegó como intérprete de The
Danny Kaye Show, aunque es sobre todo recordado por sus
actuaciones en los números de la serie humorística televisiva The
Carol Burnett Show, así como en varias películas de Mel
Brooks, entre
ellas Blazing Saddles,
en la que encarnaba a Hedley Lamarr.
1927:
Nace Carlo Maria Martini, jesuita italiano, Cardenal
de la Iglesia Católica (f. 2012).
Carlo Maria Martini S. I. (Orbassano, Turín, 15 de febrero de 1927 - Gallarate, Lombardía, 31 de agosto de 2012)
fue un jesuita,
profesor de teología, arzobispo de Milán, cardenal de
la Iglesia católica.
En la corriente de los cambios del post-Concilio,
siguió la línea marcada por la Compañía de Jesús en sus últimas décadas y fue
papable tras el fallecimiento de Juan Pablo II.
Índice
·
5
o 5.1Obras
Biografía[editar]
Nació en el suburbio turinés en el seno de una familia
burguesa, hijo de padre ingeniero.
Ingresó en la Compañía de Jesús (jesuitas)
el 25 de septiembre de 1944,
a los 17 años de edad. Hizo el noviciado en Cuneo;
estudió en la Facultad de Filosofía Aloisianum, Gallarate, Milán; en la
Facultad Teológica de Chieri, en Turín; en la Pontificia
Universidad Gregoriana de Roma (en 1958 recibió
el doctorado en teología fundamental con la tesis: "Il problema storico
della Risurrezione negli studi recenti"); y en el Pontificio
Instituto Bíblico, Roma, donde obtuvo otro doctorado con una tesis
sobre "El problema de la recensionalidad del códice B a la luz del
papiro Bodmer XIV".
Martini fue ordenado sacerdote en 1952 y
comenzó una carrera fulgurante, tanto en el ámbito académico como en el
eclesiástico. Martini era experto en la crítica textual del Nuevo Testamento y había estudiado los
papiros y códices que contienen el texto griego de los Evangelios. Martini
obtuvo varios doctorados y dominaba seis idiomas modernos, además del latín,
del griego y del hebreo clásicos.
Actividad académica[editar]
Tuvo una importante actividad académica e investigadora, publicó
numerosos libros y artículos (basta recordar que él fue el único miembro
católico del comité ecuménico que preparó la edición griega del Nuevo
Testamento). Sus libros sobre los ejercicios espirituales son muy apreciados
por la originalidad del enfoque, que combina la lealtad tradicional al modelo
ignaciano con una nueva luz sobre las Escrituras. Entre ellos se
encuentran Ejercicios ignacianos, a la luz de San Juan, El
viaje espiritual de los Doce en el Evangelio de San Marcos, Ejercicios
ignacianos, a la luz de San Mateo, Los ejercicios espirituales a la
luz de San Lucas y La vida de Moisés, la vida de Jesús,
existencia pascual. En total escribió más de 50 libros, muchos de ellos
best-sellers, como el que escribió con el semiólogo Umberto Eco.12
Cargos eclesiales[editar]
En 1978, Pablo VI lo invitó a predicar el retiro
anual en la Ciudad del Vaticano,
donde uno de sus predecesores en este importante ministerio fue el cardenal
Karol Wojtyła. En 1979, el papa Juan Pablo II lo designó arzobispo
de Milán y lo consagró personalmente
en 1980. En esa diócesis permaneció más de veinte
años. En noviembre de 2000 se
le nombró Académico de Honor de la Academia
Pontificia de las Ciencias.
Participó en numerosas asambleas del Sínodo de los Obispos. Fue
ponente en la VI Asamblea General de 1983 sobre
el tema "Reconciliación y penitencia en la misión de la Iglesia". Fue
miembro de la Secretaría del Sínodo de los Obispos para muchos mandatos
diferentes.
Últimos años[editar]
En 2002, fijó su residencia en Jerusalén, siendo el único cardenal que vivía
en esta ciudad, a la que definía como «la ciudad más cargada de memoria
religiosa de todo el mundo, la ciudad donde murió Jesús para la salvación del
mundo y donde se venera su sepulcro vacío y se hace memoria de su
resurrección». El 15 de febrero de 2007 cumplió
80 años, con lo cual sobrepasó la edad límite de 80 años para participar en un
cónclave papal. Regresa a Italia en 2008,
concretamente al Aloisianum casa de estudios de los jesuítas en Gallarate, cerca de Milán, por el agravamiento de la enfermedad de
Parkinson que padecía desde años atrás. En junio del
mismo año, declaró en una entrevista que conocía a varias parejas homosexuales, "algunos de ellos hombres
muy sociales" y añadió: "jamás se me ocurriría condenarlos".
Falleció el 31 de agosto de 2012 a
los 85 años de edad.
Sus pensamientos[editar]
Criticó el documento Dominus Iesus, como algo
"teológicamente bastante denso, lleno de citas y difícil de
entender".3
En abril de 2006, en respuesta a una pregunta muy concreta del
experto en bioética Ignazio Marino, director del centro de trasplantes del
Hospital Universitario Thomas Jefferson en Filadelfia, Martini opinó que en
algunos casos, el uso de preservativos podría ser admisible declarando,
"El uso de los preservativos pueden, en determinadas situaciones, ser un
mal menor ".4 Hizo hincapié en el caso particular
de las parejas casadas donde uno tiene el VIH o el sida.5 Pero rápidamente señaló que una cosa
es el principio del mal menor en tales casos, y otra muy distinta promover
estas cosas en público, por lo que no corresponde a las autoridades de la
Iglesia apoyar el uso público, pues se corre el riesgo de promover una actitud
irresponsable. La Iglesia apoya otros medios moralmente sostenibles, como la
abstinencia. En otra ocasión, el cardenal también dijo que "creo que la
enseñanza de la Iglesia no se ha expresado muy bien... Estoy seguro de que se
puede encontrar una mejor fórmula de las cosas, de modo que el problema se
entienda mejor y sea más acorde a la realidad"6
También pidió una mayor colegialidad en el gobierno de la
Iglesia. Instó a continuar con la reflexión sobre la estructura y el ejercicio
de la autoridad eclesiástica. Mostró un deseo de mayor investigación teológica
sobre las cuestiones relativas a la sexualidad humana y el papel de la mujer en
la Iglesia. Asimismo expresó su apoyo a la ordenación de mujeres diáconos.[cita requerida]
1931:
Nace Claire
Bloom, actriz británica.
Claire Bloom (Patricia Claire Blume; 15 de febrero de 1931, Finchley, Londres) es una actriz inglesa de teatro, cine
y televisión.
Índice
·
1Carrera
·
4Teatro
Carrera[editar]
Estudio en la Guildhall
School of Music and Drama y debutó en radio en la BBC.
En teatro se inició en 1946, junto a Richard Burton, John Gielgud y Pamela
Brown.
En 1948 se consagró como Ofelia en Hamlet, la primera de las muchas obras
de William Shakespeare en
las que aparecería.
Su papel favorito fue Blanche en Un
tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y
en Los inocentes.
Charlie Chaplin la
eligió en 1952 para Candilejas, que le dio fama internacional.
Ha participado en varios filmes de cine (como Poderosa Afrodita de Woody Allen) y televisión (como Shadowlands y The Bill) y prosigue una intensa carrera
en teatro.
1937:
Nace Manuel de la Calva, músico español, integrante
del Dúo Dinámico.
Manuel de la Calva Diego (Barcelona, 15 de febrero de 1937)
es un cantante y compositor español, conocido por ser integrante del Dúo Dinámico.
Biografía[editar]
A la temprana edad de 20 años comienza a trabajar como mecánico
tornero en la empresa Elizalde S.A. y allí
conoce a quien sería su pareja artística durante al menos cincuenta años, Ramón Arcusa. En la fiesta de Navidad de 1958
de la empresa, ambos cantaron juntos los temas Blanca Navidad (White
Christmas) y Gondolier. Sería el inicio de su prolongada
colaboración musical como Dúo Dinámico.
Ambos se convirtieron en los primeros ídolos de la música pop y
pioneros del conocido como fenómeno de las fans en España y rodarían cuatro películas.
Es además co-autor de La, la, la, el tema con el que
España ganó el Festival de la canción de Eurovisión en 1968.
Su faceta de compositor se completa, de nuevo junto a Arcusa, con algunos de
los más famosos temas interpretados por Julio Iglesias como Soy un
truhán, soy un señor y Me olvidé de vivir.
En 2006 intervino en el concurso de TVE ¡Mira quién baila!.
https://www.youtube.com/watch?v=uS6E-KKh4CE
https://www.youtube.com/watch?v=p2AnF7mhmJg
¿???
Nace Irene Pintor, compositora mexicana.
(Irene Ruth Pintor González)
Nació un 15 de febrero en
Ciudad Juárez, Chih., hija de don Modesto Pintor Martínez y doña Guadalupe
González Alvarado. A los 13 años se trasladó con su familia a la ciudad de
Chihuahua, en donde radicaron dos años y posteriormente en la ciudad de México.
A los ocho años de edad
descubrió sus aptitudes para la música y la composición, y cuando cumplió 10
años su madre le compró un acordeón y una pequeña marimba. Comenzó así a tomar
clases de piano, al tiempo que se dio cuenta de que podía tocar la armónica. También
estudió Comercio y la carrera de Psicología Infantil.
A los 19 años compuso su
primera canción, que tituló Locura.
Posteriormente creó Una noche no, tema que le dio vuelta al mundo cantada por intérpretes como Imelda Miller, Alberto Vázquez, Lupita D´Alessio, Antonio Aguilar, María de Lourdes, Marco Antonio Muñiz, entre otros y que le brindó la especial satisfacción de que también la haya grabado el compositor Cuco Sánchez.
Posteriormente creó Una noche no, tema que le dio vuelta al mundo cantada por intérpretes como Imelda Miller, Alberto Vázquez, Lupita D´Alessio, Antonio Aguilar, María de Lourdes, Marco Antonio Muñiz, entre otros y que le brindó la especial satisfacción de que también la haya grabado el compositor Cuco Sánchez.
Otro éxito internacional de
Irene Pintor lo obtuvo con su canción Sólo Espero que Llegue la Noche, en la
voz de Marco Antonio Muñiz.
Basurita con Chayito Valdez,
Canta la que sea, con Alberto Vázquez, La Matraca, con Mike Laure, Mi
golondrina, con Chavela Vargas, No soy ave de paso, con Lola Beltrán, Yo te
lloro, con Imelda Miller, son sólo algunos títulos más de los éxitos surgidos
de la inspiración de Irene Pintor.
Irene ha recibido numerosos
premios y reconocimientos a lo largo de su carrera artística, como el Trofeo
Greever Internacional, por el primer lugar en ventas de Una noche no; homenajes
en varios estados de la república, como Chihuahua, San Luis Potosí, Veracruz; y
en Delegaciones Políticas del Distrito Federal, como Cuauhtémoc, Benito Juárez
y Coyoacán. También de la Secretaría de Educación Pública, en reconocimiento a su
trayectoria como compositora.
El Estado de Chihuahua develó
una placa en la casa que la vio nacer en Cd. Juárez, Chih., en las calles de 16
de Septiembre y Ocampo Norte, y las autoridades le rindieron un homenaje en el
Auditorio Benito Juárez de la ciudad, con la asistencia del compositor Tomás
Méndez, quien le hizo entrega de un reconocimiento de la Sociedad de Autores y
Compositores de Música (SACM).
Entre sus logros está haber
presentado un espectáculo de música norteña de México, en 1964, en centros de
espectáculos como La Fuente, La Taberna del Greco, El Capri, y en palenques de
varias ciudades, lo que le brindó la satisfacción de generar una fuente de
trabajo para muchas personas.
También presentó sus Cantos y
Corridos, dedicados a personajes como
Mario Moreno Cantinflas, la Enfermera, Frida Kahlo, María Lavalle Urbina, Consuelito Velázquez, Martha Andrade de del Rosal, María Félix, Emilio El Indio Fernández, Guillermo González Camarena y varios más.
Mario Moreno Cantinflas, la Enfermera, Frida Kahlo, María Lavalle Urbina, Consuelito Velázquez, Martha Andrade de del Rosal, María Félix, Emilio El Indio Fernández, Guillermo González Camarena y varios más.
Poseedora de carácter firme,
sociable y personalidad extrovertida; amante de las relaciones humanas, Irene
Pintor disfruta los bailes, los viajes, el cine y la televisión. Le encanta la
música en general, pero tiene una particular predilección por la balada, la
música ranchera y los boleros.
Orgullosa de pertenecer a la
Sociedad de Autores y Compositores de México desde el 3 de abril de 1967, Irene
Pintor expresa su deseo de dejar constancia de que su carrera, después de Dios,
fue respaldada por la inquebrantable fe de quien desde niña la impulsara a
continuar: su madre.
En octubre de 2010, Irene
Pintor fue galardonada por la SACM, con el reconocimiento Trayectoria 25 y más…
La maestra Irene Pintor
falleció el 15 de marzo de 2014.
Es la voz de Angélica María no de Yolanda del Río.
1945:
Nace John
Helliwell, músico británico, de la banda Supertramp.
John Anthony Helliwell (Todmorden, Yorkshire, Inglaterra, 15 de febrero de 1945)
es un músico británico, conocido principalmente por sus
trabajos como saxofonista (aunque también como teclista y clarinetista) y con
el grupo de rock progresivo Supertramp.
Biografía[editar]
A la edad de nueve años, comenzó a cantar en el coro de
una iglesia y
a aprender a tocar el piano. A los trece años,
tras escuchar discos de jazz moderno, cambió el
piano por el clarinete. Dos años
después, a los quince, comenzaría a tocar el saxofón.
Durante los años sesenta, John Helliwell tocaría en un buen
número de bandas locales, desde The Dicemen hasta Jugs O’Henry. En 1965, tras
la disolución de Jugs O'Henry, Helliwell se anunciaría en la revista Melody
Maker para ser contratado por un nuevo grupo. Poco después, se uniría
a The
Alan Bown Set, grupo en el que pasaría seis años. Tras la ruptura
del grupo en 1971, John Helliwell seguiría al bajista de The Alan Bown Set, Dougie Thomson, para trabajar en diversos
clubes nocturnos como saxofonista.
En 1973, tras una llamada de Dougie Thomson, se uniría a Supertramp, donde llegaría a imprimir una
marca personal en los álbumes del grupo por su estilo de tocar el saxofón.
Entre los instrumentos utilizados por Helliwell en el grupo destacan los
saxofones barítono, tenor, alto y soprano, todos
ellos de The Selmer Company. Asimismo, contribuiría a la grabación de los
álbumes en los teclados y sintetizadores, y serviría como maestro de ceremonias
para presentar las canciones del grupo al público durante los conciertos.
Tras la publicación del álbum Crime of the Century,
Helliwell, al igual que el resto de la formación, se mudó a California. Durante la separación del grupo,
Helliwell aprovecharía para matricularse en la Royal Northern College of Music
de Mánchester, Inglaterra, a donde retornaría con su mujer y
sus hijos.
En la actualidad, combina su trabajo como saxofonista de Supertramp con su propio grupo, John
Helliwell's Crème Anglaise, formado en abril de 2004 y en el que participan
Mark Hart, Geth Griffith, Arthur Lea y Ben Bryant.
1949:
Nace Francisco Maturana, entrenador y futbolista
colombiano.
Francisco Maturana García ODB (Quibdó, Chocó, 15 de febrero de 1949)
es un odontólogo, exfutbolista y director técnico de fútbol colombiano.
Con una larga trayectoria como técnico dentro y fuera de
Colombia, cuenta entre sus logros el primer título de la Copa
Libertadores de América con el club colombiano Atlético Nacional y
la Copa América con
su selección
nacional.23En la actualidad hace parte del Comité
Técnico de la FIFA.4
Su hermano César Maturana también fue director
técnico y exfutbolista.
Índice
·
6Anexos
Biografía[editar]
Francisco Maturana nació en Quibdó el 15 de febrero de 1949,
pero desde temprana edad su familia se trasladó a vivir a Medellín. Es odontólogo de profesión, egresado de
la Universidad de
Antioquia.5
Trayectoria como jugador[editar]
Como futbolista en los años 1970 y 1980 fue defensor en
los clubes Atlético Nacional, Atlético Bucaramanga y Deportes Tolima, obteniendo el título de
campeón de Fútbol
Profesional Colombiano en 1973 y en 1976. Además como jugador
formó parte de la selección
de mayores de su país, en la cual sumó 6 partidos internacionales
en las eliminatorias al Mundial de
fútbol de 1982.6
Inicios como técnico[editar]
En 1986 debutó como técnico profesional de fútbol por motivación
de los uruguayos Juan Martín Mugica, Luis Cubilla y Aníbal Ruizdirigiendo al equipo Once Caldas de Manizales,7 con el cual logró clasificarse a la
ronda final del campeonato.8 Estuvo al mando del equipo conformado
entre otros por James Mina Camacho,
Alonso "Pocillo" López, `Ricardo
"Chicho" Pérez, Rubén Darío Hernández,
Janio Cabezas, Manuel Rincón, hermano de Freddy Rincón, Alexis García, Luis Alfonso Fajardo, Wilman Conde, Jaime Arango, Carlos Alberto Peláez. El equipo
de Maturana estaba conformado solo de jugadores colombianos,8 filosofía que condujo después al
Atlético Nacional.
1951:
Nace Jane Seymour, actriz británica.
Joyce Penelope Wilhelmina Falkenberg OBE (Hayes, 15 de febrero de 1951),
conocida artísticamente como Jane Seymour, es una actriz inglesa. Fue nombrada Oficial
de la Orden del Imperio Británico en el año 2000.1
Índice
Biografía[editar]
Jane Seymour es hija del matrimonio entre John Benjamin
Falkenberg, obstetra, y Mieke
Frankenberg, enfermera de origen holandés.2
Famosa por su belleza y por interpretar personajes románticos,
es conocida por su actuación como Solitaire en el film de James Bond Live and Let
Die (1973).3 Actuó en En algún lugar
del tiempo (1980) con Christopher Reeve. En 1987 protagonizó una
película española, El túnel, de Antonio Drove. Posteriormente se volcó en
trabajos para la televisión, como su papel de la doctora Michaela 'Mike' Quinn
en la serie La doctora Quinn (1993-97).
Seymour es una embajadora famosa de Childhelp , una organización
nacional sin fines de lucro dedicada a ayudar a las víctimas de abuso y
negligencia infantil. En 2007, patrocinó un concurso infantil de Almohada de
Arte como parte de la Colección Jane Seymour, y las ganancias se destinaron a
Childhelp.
En febrero de 2018, posó para Playboy por
tercera vez, convirtiéndose a la edad de 67 años en la mujer más mayor en ser
fotografiada para la revista.4 En la entrevista Playboy,
contó cómo dejó brevemente la actuación después de ser acosada sexualmente por
un productor de cine no identificado a principios de los años setenta.5
1954:
Nace Matt
Groening, historietista, productor de televisión y escritor estadounidense,
creador de los Simpson.
Matthew Abraham Groening (Portland, 15 de febrero de 1954)1 es un dibujante, productor de televisión y escritor estadounidense,
conocido principalmente por ser el creador de Los Simpson. Es también el creador
de Futurama y la serie de Netflix(Des)encanto , y es el autor de la
tira cómica semanal La vida en el
Infierno, que publicaba en el semanario de Licorice Pizza, una
tienda en la cual trabajaba. Hizo su primera venta como caricaturista
profesional a la revista Wet en 1978.2
La vida en el Infierno atrajo la atención de James L. Brooks. En 1985, este contactó con
Groening con el propósito de trabajar en un proyecto de animación para el programa de la
cadena FOX The Tracey Ullman
Show. Originalmente, Brooks quería que Groening adaptase a sus
personajes de La vida en el Infierno para el programa.
Temiendo perder sus derechos de autor, Groening decidió idear algo nuevo y creó
a una familia animada, los Simpson,3 nombrando a sus miembros como sus
propios padres y hermanas, mientras que Bart es un anagrama de brat, que
significa malcriado.45 Los cortos se convertirían en una
serie: Los Simpson, la cual desde entonces ha producido 574
episodios en 26 temporadas. En 1997, Groening se asoció
con David X. Cohen y
creó Futurama, una serie animada sobre la vida
en el año 3000, la cual se estrenó en 1999. Luego de cuatro años en el aire, el
programa fue cancelado por Fox en 2003, pero Comedy Central encargó 16 episodios
nuevos para realizar cuatro películas en DVD, las cuales fueron lanzadas a la
venta en 2008.67
Groening ha ganado doce Premios Primetime
Emmy, diez por Los Simpson y dos por Futurama,8 además de un premio British
Comedy en la categoría "Trabajo Destacado en Comedia"
en 2004.9 En 2002 ganó el premio
Reuben de la National
Cartoonist Society por su trabajo en La vida en el
Infierno.10
1959:
Nace Ali
Campbell, vocalista y guitarrista británico, de la banda UB40.
Alistair Ian Campbell (nacido el 15 de febrero de 1959, Birmingham, Midlands Occidental, Inglaterra) es un músico británico de reggae. Es hijo de Ian Campbell,
cantante folk muy famoso en Escocia. Estudió
en St. Luke's Junior School y Moseley Road School of
Art. Compró
sus primeros instrumentos musicales con el dinero (4.000 £) que ganó como pago
por participar en una pelea en una taberna, a los 17 años. En 1978 con un grupo
de ocho amigos desempleados, formó la
banda de reggae UB40, que tomó su nombre de un formulario para
parados. El grupo era interracial, y promocionó un estilo de reggae melódico,
de ritmo relajado, combinado con voz y saxo suaves.
Su primer LP, Signing Off,
que salió a la venta en septiembre de 1980,
fue todo un éxito. En 1985 Campbell hizo un
dúo con Chrissie Hynde de The Pretenders
Campbell canta, toca la guitarra y la batería.
Debutó en solitario en el verano 1995 con
el álbum Big
Love (Gran Amor) y su singles más conocidos son "That
at look in your eyes" y "Let Your Yeah Be Yeah". Con su hija
Kibibi, en diciembre de 1995, hizo una versión de Algo
estúpido, original de Frank Sinatra y su hija Nancy Sinatra. Su álbum Running
Free(Corriendo libre), reggae-soul-pop, salió en octubre
de 2007 y, como adelanto, había aparecido el
primer single titulado “Hold Me Tight“.
De su primer matrimonio con Bernadette Virtue, tiene cuatro
hijos: Ali Campbell Jr (1981), Max Campbell (1983), Kibibi Campbell (1988),
Indica Campbell (1993). Con Julie, su compañera actual, tiene dos niños; se
casaron en 2006.
Ali se separa de su agrupación UB40, para retomar su carrera
musical como solista nuevamente, después de estar unido a la banda por 30 años
consecutivos.
UB40 featuring Ali,
Astro and Mickey
En agosto de 2014, Campbell anunció que se había reunido con los
ex compañeros de la banda UB40 Astro y Mickey Virtue para grabar un nuevo
álbum, Silhouette. Aparecen bajo el nombre 'UB40 Facturanting Ali, Astro y
Mickey' después de una acción legal que les impide llamar a la banda UB40. Su
primer lanzamiento fue The Hits of UB40 Live en 2015. En 2016, su álbum
Unplugged alcanzó el número 17 en la lista de álbumes del Reino Unido. "A
Real Labor of Love" se lanzó en marzo de 2018, un álbum muy en la línea de
"Labor of Love" de UB40. Alcanzó el número dos en la lista de álbumes
del Reino Unido e ingresó en la lista de álbumes de reggae de Billboard en el
número uno.
1960:
Nace Mikey Craig (Culture Club), músico y DJ inglés de ascendencia jamaicana de la banda Culture Club.
Michael Emile " Mikey " Craig (nacido el 15 de febrero de 1960) es un músico y DJ inglés de ascendencia jamaicana , [1] más conocido como el bajista del grupo Culture Club. de los años 80 .
En 1988, lanzó un single, "I'm a Believer". Tras el fracaso del sencillo, Craig, con la ayuda de su hermano Greg, completó un álbum que fue archivado por Virgin Records .
Craig fue productor ejecutivo, a mediados de los años 90, para su propio sello de danza, SLAMM records, generando éxitos de danza de artistas como Mr. & Mrs. Smith y Mankey.
Craig continúa de gira con Culture Club y sus miembros originales, Boy George, Roy Hay y Jon Moss. Craig también ha actuado con Kid Creole y los Coconuts durante sus shows en el Reino Unido.
Vida personal [ editar ]
Craig fue a la escuela de San Clemente Danés en DuCane Road, Hammersmith. Craig tuvo dos hijos con Cleo Scott (hija del autor y activista político Erin Pizzey ), un hijo, Keita, nacido en 1977 y una hija Amber, nacida 18 meses después. Keita fue un esquizofrénico paranoico que se suicidó en la prisión de Wandsworth en 2000. [2] Craig terminó su relación con Scott poco después del ascenso de Culture Club en 1982. Ahora está casado con una mujer italiana llamada Lilli y tuvo con sus tres hijos: Milo Emile, Paco Gigi y Geo Luca. [ cita requerida ]
Ya como Culture Club, el
éxito les llegó tarde, cuando la formación comenzaba a hacer aguas. Su single
Do you really want to hurt me?, del álbum Kissing to be clever (1983) alcanzó
los puestos más altos de las listas en el Reino Unido. Karma Chameleon, fue su
canción más popular. La peculiar estética que les caracterizaba pasó de moda, y
finalmente la banda se separó en 1986.
1962:
Nace El Charrito Negro, cantante colombiano de música popular .
JOHAN GABRIEL GONZÁLEZ, “EL
CHARRITO NEGRO”, compositor y cantante nació en Ceilán, Valle del
Cauca, el 15 de febrero de 1962, es el menor de 3 hermanos de familia humilde y
trabajadora, su niñez transcurrió en las labores del campo y la asistencia a
los centros educativos de la pequeña población con el deseo de convertirse en
figura de la música comenzó a participar en diferentes eventos que se
realizaban en la región por aquellos tiempos operaba una emisora en caicedonia
valle que programo un concurso musical al cual fue invitado a participar
saliendo ganador con la canción inédita de este triunfo nació el nombre
artístico de EL CHARRITO NEGRO así llego a ser contratado por el
sello gardenia quienes al ver su talento lo invitaron de inmediato a grabar
su primer sencillo titulado maldito dinero con tan buen éxito que luego
grabaría 5 sencillos en la ciudad de Medellín para discos victoria esta casa
disquera vio futuro en el charrito negro y lo contrato para grabar su primer LP
titulado LLORANDO POR ELLAS en el cual incluye el tema el guerrillero
composición de Israel motato que fue el éxito musical del momento y que le dio
el reconocimiento a nivel nacional “EL CHARRITO NEGRO”, ha grabado veintidósproducciones
discográficas para diferentes Compañías Disqueras como son, Discos Victoria,
BMG, Warner Music, Discos Lag's y con su propio sello discográfico DISCOS
VICTOR a fusionado con artistas como : Luis Alberto Posada, Pipe
Bueno, Johnny Rivera, Heber Vargas , Nelson Gómez. Dora Libia, Arelys
Henao, Argemiro JaramilloEntre otros. También ha grabado música tropical con la
orquesta Matecaña, la Trópica y la Sonora Dinamita.Ha realizado 16 giras a
Europa 12 a los Estados Unidos, 6 a Venezuela 3 Aruba. 1 Canadá, Costa Rica,
Perú, Ecuador y Chile llevando a su público sus mensajes de amor y despecho.
A ganado innumerables premios
y reconocimientos a nivel nacional e internacional: entre los cuales se
destacan 2 discos de oro, 1 de platino. Premio Nuestra Tierra RCN con la mejor
canción Quererte fue un error, distinción Gran Orden Sayco Santa Cecilia por
sus 20 años de carrera artística, Premio nacional del despecho como mejor
artista de música popular y mejor álbum, Premios nacionales del despecho por varios
años consecutivos y la mejor canción popular. Entre otros.
Su nuevo trabajo musical
titulado TE QUIERO A MORIR. Ya ocupa los primeros lugares de sintonía a
nivel nacional como internacional.
1962:
Nace Juan Eduardo Jaramillo, presentador de
noticias colombiano.
Juan Eduardo Jaramillo Noguera (Buga, Valle del Cauca, 15 de febrero de 1962) es
un periodista, presentador de
noticias y catedrático colombiano,
mayormente conocido por ser la imagen principal del informativo Noticias RCN.
Índice
Biografía[editar]
Juan Eduardo Jaramillo nació en el municipio de Buga.
Es el mayor de cuatro hermanos, del matrimonio de Socorro Noguera y el médico
Darío Jaramillo. Sus estudios escolares los realizó en el Liceo Cervantes
de Bogotá, donde se destacó como buen estudiante.1 Estudió Comunicación social y Periodismo en la Universidad de la
Sabana, donde además se destacó como docente.2
Carrera profesional[editar]
Inició su carrera periodística, como editor del periódico El
Siglo, luego fungió como reportero político del Noticiero Nacional y
director y presentador del Noticiero 24 Horas.3 A Noticias RCN, llegó en 1998, año de
fundación del informativo.4 Era el presentador titular del
noticiero de la mañana y del mediodía junto a María Andrea Vernaza,5 luego con Adriana Vargas. Fue director de emisión de las
noticias de la mañana y presentó el programa 7 en 30.3 Luego de la salida de Claudia Gurisatti de Noticias RCN,
pasó a tomar su lugar en la emisión central de dicho informativo, junto a Vicky Dávila.6 Actualmente, dirige y presenta la
emisión central de Noticias RCN, junto a Maritza
Aristizábal y Andrea
Bernal.7
1963:
Muere Edgardo
Donato, violinista, director y compositor argentino (n. 1897).
Edgardo Donato (14 de abril de 1897, Buenos Aires, Argentina - 15 de febrero de 1963,
Buenos Aires) cuyo nombre completo era Edgardo Felipe Valerio Donato fue
un director de orquesta, compositor y violinista argentino considerado una importante
figura vinculado al Tango.
Como compositor se le recuerda especialmente como autor de la
música de los tangos A media luz que
es una de las tres obras del género más grabadas y difundidas en el mundo1 y Julián que es uno
de los pocos con cierto contenido humorístico.
Índice
·
10Notas
Primeros años[editar]
Era hijo del matrimonio formado por los inmigrantes italianos
Egilda Carfagna y Ernesto Donato, este último nacido en 1871 tocaba el mandolín
primero y el violoncelo más adelante y llegó a dirigir en Montevideo, Uruguay una orquesta de cámara. El
matrimonio tuvo nueve hijos, de los cuales tres fueron músicos. Ascanio
cellista y compositor, Osvaldo, pianista y compositor y Edgardo Felipe Valerio,
violinista.
Edgardo Donato nació en el barrio de San Cristóbal y
era muy pequeño cuando su familia se trasladó a vivir a Montevideo. Apenas
cursado el 5* grado de la escuela primaria debe dejarla para trabajar en un
taller de esculturas. Estudió música desde los ocho años, primero con su padre
y luego en el conservatorio Franz Liszt con el maestro Camilo Giucci.
Actividad como músico[editar]
A los 18 años decidió dedicarse por entero a la música y durante
cuatro años trabajó dedicado a la música lírica como violinista junto a su
padre, lo que dejó para laborar como violinista en el hotel Severi ingresar en
la orquesta que dirigía el bandoneonista argentino José Quevedo, que estaba de
paso por Montevideo con un conjunto en el actuaba como pianista Enrique Delfino. Poco después ingresó en la
orquesta de jazz del pianista Carlos Warren (primera orquesta de jazz
del Uruguay), con la que actuó en los cines Capitol y Trianón y en el Parque
Hotel. Simultáneamente se incorporaba los días jueves a la orquesta de Eduardo Arolas, que viajaba desde Buenos
Aires. En esa época traba relación con el violinista uruguayo Roberto
Zerrillo con el que más adelante configuraría un dúo
excepcional.
En 1922 compuso el tango Julián, dedicado al
baterista uruguayo Julián González y le pidió a José
Panizza, colaborador de la revista El fogón que le
pusiera letra, la que resultó modesta pero cargada de erotismo y con su dosis
de humor. Inicialmente no consiguió que se lo editaran ni que se lo compraran,
por lo que debió editarlo por su cuenta. Dos años después se lo ofreció a la
cantante Rosita Quiroga,
quien lo rechazó. El tango fue entonces a manos de la actriz, cantante y
bataclana Iris Marga quien
lo estrenó en la revista ¿Quién dijo miedo? que representaba
la compañía de Roberto Cayol en
el teatro Maipo de Buenos Aires y lo lanzó al éxito. Poco después fue grabado
por Rosita Quiroga, lo que aumentó su difusión. A todo esto Edgardo Donato
seguía actuando en las dos capitales del Plata y fue así que estuvo en la
inauguración del cabaret Tabarís de Buenos Aires y amenizando bailes en el club
Uruguayo, de Montevideo, con la orquesta de José
Domingo Pécora. También intervino como pianista en Radio Paradizábal
de Montevideo, como violinista en el conjunto de Adolfo Carabelli en el cine Ópera,
reemplazó a Julio De Caro en
sus actuaciones en Ciro's y trabajó en el cine Select Buen Orden en el conjunto
de Roque Citro. En esta misma época hay actuaciones de una agrupación formada
por los tres hermanos Donato más batería, saxo y bandoneón en el café Avenida,
donde su camino cruzó el del diplomático y autor teatral uruguayo Carlos César Lenzi.
A media luz[editar]
Donato seguía componiendo, y así en 1923 se suceden los
tangos Corazoncito de oro, Beba y Muchacho,
a todos los cuales puso letra Celedonio Flores. En 1925 Lenzi le entregó una
letra que, al decir de José Gobello es "más lupanaria que
erótica"2 Se trataba del tango A media
luz que sería uno de los más grabados mundialmente en la historia del
género, que fue estrenado en Montevideo, en la revista musical Su
majestad la revista, con la voz de la vedette chilena Lucy Clory,
que enseguida fue registrado por Firpo, Canaro y Gardel, iniciando la serie de grabaciones
realizadas por los más diversos artistas en el mundo.
Últimos años[editar]
En 1948 apareció en la exitosa película Pelota de trapo con
el cantor Oscar Fuentes. En 1950 actuó en el Tango Bar, en 1951 en el café
Marzotto y en 1955 reapareció por Radio El Mundo con el cantor Oscar
Peralta.
Cuando ya hacía tiempo que se había retirado de la actividad,
falleció el 15 de febrero de 1963 de un infarto agudo de miocardio.
1965:
Muere Nat
King Cole, cantante estadounidense (n. 1919).
Nathaniel Adams Coles (Montgomery (Alabama), Estados Unidos, 17 de marzo de 1919-Santa Mónica
(California), 15 de febrero de 1965),
más conocido como Nat "King" Cole, fue un pianista y
cantante estadounidense de jazz.
Índice
·
5Legado
Trayectoria[editar]
Infancia y Chicago[editar]
Su padre Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Bautista. Su familia se trasladó
a Chicago cuando Nat era todavía un niño.
Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina
Adams, era la encargada de tocar el órgano de
la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida.
Aprendió tanto jazzcomo música góspel, sin olvidar la música clásica.
La familia vivía en el barrio de Bronzeville,
famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz.
Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.
Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados
de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat
Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor,
Eddie, bajista,
se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936.
Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales
en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King"
(rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también
como pianista en una gira junto a Eubie Blake. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.
Los Ángeles y el King Cole
Trio[editar]
Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo
"King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se
casó con Nadine
Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde
formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al
piano, Oscar Moore a
la guitarra y Wesley
Prince al Bajo.
El trío actuó en Los Ángeles desde
finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.
A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante.
Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz at the
Philharmonic" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en
la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un
estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como James Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista
acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.
Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta
"Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado
diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen
cantante.
A principios de los años 40, el King Cole Trio firmó un contrato
con la discográfica Capitol Records con la que continuó durante el resto de su
carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el
edificio de la Capitol Records era conocido como "la casa que construyó
Nat".
Carrera como cantante[editar]
Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up
and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había
utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la
predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.
Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con
la canción «Mona Lisa». A partir de ese momento se inició
una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de
baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo
que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a
la música comercial.
Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener
un programa de radio propio
y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de
televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares
en los que se practicaba la segregación racial. En 1956,
mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque
por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían
secuestrarlo. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación, en
la que anunció que sería su última actuación en el sur.
Se casó por segunda vez con Maria
Ellington, con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su
hija Natalie Cole (1950-2015)
fue también cantante. Cole, fumador empedernido,
falleció de cáncer de pulmón en 1965.1
En julio de 2003 musicólogos
británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas
rítmicos de "Yesterday" y la canción "Answer Me" de Nat
King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido
influido por esa canción.2 Otros afirmaron que McCartney podría
haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de "Georgia On My Mind".3
Nat King Cole en español[editar]
En 1958, Nat "King" Cole extendió aún más su
popularidad mundial a los países hispanohablantes al grabar algunas de sus
interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la
discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma,
titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de
Armando Roméu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista
proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito, por haber interpretado
canciones mexicanas, que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales
países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en
ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó
por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el
famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto
por José Enrique
"Chelique" Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la
ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat "King" Cole aprendió frase por
frase este tema, ya que no sabía hablar español y carecía de habilidades para
aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en
español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra,
con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).
1966:
Muere Camilo Torres Restrepo, sacerdote católico y
guerrillero colombiano (n. 1929).
Jorge Camilo Torres Restrepo (Bogotá, 3 de febrero de 1929 - San Vicente de
Chucurí, Santander,
15 de febrero de 1966) fue un sacerdote católico colombiano, pionero de la Teología de la
Liberación, cofundador de la primera facultad de Sociologíade América Latina en la Universidad
Nacional de Colombia y miembro del grupo guerrillero Ejército
de Liberación Nacional (ELN).1 Durante su vida, promovió el diálogo
entre el marxismo y el cristianismo.2 Fue ordenado sacerdote hacia 1954
luego de estudiar ciencias eclesiásticas en la Arquidiócesis de
Bogotá.3
Índice
Biografía[editar]
Infancia y formación
académica[editar]
Nació el 3 de febrero de 1929 en Bogotá. Sus padres, el médico
pediatra Calixto Torres Umaña e Isabel Restrepo Gaviria provenían de acomodadas
familias de la burguesía liberal. Sus padres lo llevaron a Europa cuando apenas
tenía dos años.4 Regresó al país en 1934. Tres años
después, en 1937, la pareja se separó, quedando Camilo y su hermano Fernando al
lado de la madre. Expulsado, por sus críticas contra los profesores del
tradicional Colegio
Mayor de Nuestra Señora del Rosario, terminó su bachillerato en
el Liceo de Cervantes en
1946.
Ingresó a la Facultad de Derecho en la Universidad
Nacional de Colombia, pero sólo estudió allí el primer semestre,
influenciado por las ideas sociales de dos sacerdotes franceses dominicos a
quienes conoció por medio del padre de su novia. La idea de convertirse en
sacerdote comenzó a calar en Camilo y para tomar esta decisión se retiró a
meditarlo en los llanos orientales. Camilo ingresó al Seminario Conciliar de Bogotá
donde permaneció siete años, tiempo durante el cual comenzó a interesarse por
las realidades sociales.
Vida sacerdotal y académica
en la Universidad Nacional de Colombia[editar]
La pobreza y la injusticia social atrajeron su atención y, al
lado de su condiscípulo Gustavo Pérez, creó un círculo de estudios sociales que
funcionó aún después de que Torres fue ordenado sacerdote en 1954 a cargo de
Jonatan Gómez.
En 1955, con el propósito de especializarse, Torres viajó
a Bélgica, para estudiar unos años más en
la Universidad
Católica de Lovaina. Fundó con un grupo de estudiantes colombianos
de la universidad el ECISE (Equipo Colombiano de Investigación Socioeconómica)
y entró en contacto con la Democracia Cristiana, el movimiento sindical
cristiano y los grupos de resistencia argelina en París. Fundó las secciones de
Bogotá, París y Londres del ECISE.
En 1958, la universidad belga le otorgó el título de sociólogo.
Su tesis doctoral, Una aproximación estadística a la realidad
socioeconómica de Bogotá, obra pionera en sociología urbana de América
Latina, fue publicada en 1987 con el título de La proletarización de
Bogotá.
En 1959, cuando regresó a Colombia se sintió obligado a apoyar
activamente la causa por los pobres y la clase trabajadora. Ese año fue
nombrado capellán auxiliar de la Universidad
Nacional de Colombia, en Bogotá. Se vinculó al departamento de
Sociología de la facultad de Ciencias Económicas en calidad de profesor. Fue
miembro fundador y presidente del Movimiento Universitario de Promoción Comunal
(MUNIPROC). Realiza, junto con profesores y estudiantes, programas de acción
comunal en barrios populares de Bogotá.
En 1960, participó junto con Orlando Fals Borda, Carlos
Escalante, Eduardo Umaña Luna, María Cristina
Salazar, Darío Botero Uribe, Virginia
Gutiérrez de Pineda y Tomás Ducay,
entre otros, en la fundación de la primera facultad de Sociología de América
Latina (hoy departamento) de la Universidad
Nacional, en la cual ejerció la cátedra académica como profesor
además de capellán de la
institución.
En 1962 fue miembro del comité técnico de la reforma agraria
fundado por el INCORA (Instituto Colombiano de la Reforma Agraria). Cumpliendo
orden del cardenal Luis Concha Córdoba, renunció a todas sus actividades en la
Universidad Nacional.
En 1963, presidió el primer Congreso Nacional de Sociología que
se celebra en Bogotá y presenta el estudio “La violencia y los cambios
socio-culturales en las áreas rurales colombianas”.
El Frente Unido[editar]
La llegada del Frente Nacional conllevó
a Camilo Torres a fundar el Frente
Unido del Pueblo; un movimiento de oposición a la coalición de los
partidos Liberal y Conservador de
visión abstencionista. Su
movimiento buscaba atender las necesidades de las zonas rural y urbana,
eliminar a toda costa la democracia restringida del Frente Nacional y la
participación de la Iglesia en la Teología de la
Liberación. Torres buscó agrupar a toda la oposición de la época (ANAPO, MRL, PCC,
etc).5 Siendo aún profesor de la Universidad
Nacional, encabeza una marcha pacífica con sus estudiantes. No obstante, el
Frente Unido careció de plataforma política clara a pesar de tener cercanía y
simpatía a la izquierda revolucionaria; igualmente, tenían un periódico propio
de nombre homónimo que solo se repartió tres ediciones semanales. Pese a la
creciente popularidad del Frente Unido, Torres comienza a contactar con Fabio Vásquez Castaño a
través del líder estudiantil Jaime
Arenas.
Vida en la guerrilla[editar]
Luego de renunciar a su trabajo como profesor y sacerdote,
disolver el Frente Unido y enrolarse a la guerrilla, participó en ella como un
miembro de bajo rango y proveyó asistencia espiritual e ideológica desde un
punto de vista marxista-cristiano. Murió en su primera experiencia en combate,
cuando el ELN emboscó una patrulla militar colombiana. Luego de su muerte,
Camilo Torres se convirtió en un mártir oficial del ELN.
Muerte[editar]
Artículo principal: Combate de Patio
Cemento
Torres murió el 15 de febrero de 1966 en Patio Cemento,
tras combates con
tropas de la Quinta Brigada de Bucaramanga, dirigida por el coronel Álvaro Valencia Tovar.
El ejército ocultó el cadáver en un estratégico lugar separado de las demás
fosas comunes y el lugar no fue revelado al público.6
Años después, Valencia Tovar, ya retirado como general, escribió
el libro El
final de Camilo, en el que esclareció detalles de la muerte de
Camilo Torres. Según Valencia Tovar, Torres fue sepultado en un sitio
detallado, y prepararon los trámites para entregarle los restos a la familia. Sobre
el destino del cadáver fue enterado su hermano mayor, el médico Fernando Torres
Restrepo, que vivía en Estados Unidos.6
Además, el propio general Álvaro Valencia Tovar reveló en una
entrevista7 a la revista Semana que
el cadáver de Camilo Torres fue exhumado tres años después de su entierro, sus
restos fueron puestos en una urna y transportados a Bucaramanga donde, por gestiones del
propio general, se creó el Panteón Militar de la Quinta Brigada del Ejército y,
como lo reveló el general, los primeros restos en ocupar un lugar en ese
panteón fueron los de Camilo Torres, aunque no reveló su localización exacta
dejando la duda entre los altos mandos del ELN sobre las declaraciones del
General Retirado.
En enero de 2016 el presidente de Colombia, Juan Manuel Santos,
da instrucciones al Ejército
Nacional de Colombia para que se inicie el proceso de búsqueda
y exhumación de sus restos, en un gesto por acelerar el inicio de los diálogos de paz con el grupo guerrillero
del ELN.
Reconocimientos[editar]
El cantautor uruguayo Daniel Viglietti escribió en 1967 "Cruz
de Luz", canción sobre Camilo Torres, que fue popularizada por el
cantautor chileno Víctor Jara. El cantautor cubano Carlos Puebla escribió una canción sobre
Camilo titulada "Camilo Torres". La canción "Cura y
Guerrillero" del cantautor mexicano José de Molina es dedicada a Camilo
Torres y demás curas que continúan luchando por los mismos ideales. También el
cantautor venezolano Alí Primeracompuso las canciones
"Dispersos" y "Dios se lo cobre", que hacen referencia a
Camilo Torres. Dispersos: "...¿por qué no unirnos?, sí, por
qué si ya se unieron el fusil y el evangelio en las manos de
Camilo...". Dios se lo cobre: "...y Camilo, el sacerdote,
el que no engañaba a Dios; en un bolsillo de la sotana, un libro de Santo Tomás de Aquino,
y en el otro, en el de la izquierda, un libro de Carlos Marx. Buscaba la semejanza para
ofrendársela a Dios. Una nueva sociedad, sin colegios privados, sin hacienda,
sin patrón...".
En Colombia se fundó, tiempo después de su muerte, el
movimiento Golconda,
para seguir el ejemplo de Camilo Torres.
En 1970, en la República Dominicana,
se fundó el Corecato, abreviación de Comité Revolucionario Camilo Torres, grupo
revolucionario conformado por padres de la iglesia católica y estudiantes universitarios
para confrontar la represión del gobierno de Joaquín Balaguer.
Entre sus miembros figuraron Carlos "Carlitico" Sánchez, quien
murió por la causa marxista en Perú y Amaury Germán Aristy,
quien se enfrentó con la policía y el ejército dominicano por más de diez horas
antes de caer abatido.
En 1974 se realizó un documental colombiano dirigido por Francisco Norden llamado Camilo,
el cura guerrillero en el cual se relata su vida por parte
de sus más allegados.
El teatro principal de la Universidad de
Antioquia lleva el nombre de Teatro Universitario "Camilo
Torres Restrepo".Uno de los edificios principales de la Universidad
Industrial de Santander lleva como nombre "Edificio Camilo
Torres", en una de sus paredes exteriores se puede observar un gran mural
con su rostro acompañado de una frase de su autoría. La plaza principal de
la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia,
con sede en Tunja, lleva el nombre de "Camilo Torres
Restrepo". Asimismo, la plaza principal de la Universidad
Pedagógica Nacional de Colombia, en la sede Bogotá, está bautizada
su nombre.
En la sede central de la Escuela
Superior de Administración Pública -ESAP-, en Bogotá, donde fue
decano del Instituto de Administración Social, hoy Facultad de Administración
Pública, el auditorio principal lleva el nombre de "Camilo Torres
Restrepo".
Las Unidades Muralistas Camilo Torres, adscritas al
partido Izquierda Cristiana de
Chile, trabajaron durante la dictadura militar de Augusto Pinochet, realizando murales contrarios al régimen,
distinguiéndose por sus diseños alegres, menos abstractos que los utilizados
por la Brigada Ramona Parra del Partido
Comunista de Chile. 8 9
En Lovaina, Bélgica, donde Torres estudió sociología
durante unos años, existe una residencia de estudiantes de la Universidad
Católica de Lovaina que lleva su nombre, y donde viven más de
400 estudiantes.
De igual forma, en el estado de Michoacán, en México, las juventudes de la década de
los años 1980 fundaron
un albergue estudiantil (el cual todavía existe) con el nombre de "Casa
del Estudiante Camilo Torres".
En el municipio colombiano de Barrancabermeja, existe un colegio de
bachillerato (uno de los más antiguos y grandes) y una plazoleta denominada
Camilo Torres Restrepo, que tiene un busto del padre Camilo.
La Jagua de Ibirico (municipio
de Colombia) tiene un barrio ubicado al Este que se llama "Camilo
Torres". Igualmente en Popayán, Colombia, existe un barrio ubicado al
sur occidente de la ciudad con su nombre. fundado el 22 de noviembre de 1970.
En el municipio de Curumani, Cesar, existe un colegio fundado en 1970 y
un barrio denominado Camilo Torres Restrepo.
El municipio de Dosquebradas. Risaralda, cuenta con un barrio nombrado
Camilo Torres. El sector es conocido por sus problemas sociales, drogas y
prostitución. En la ciudad de Medellín, capital de Antioquia, en el barrio
Aranjuez se ubica en la carrera 49 #83-34, la Institución educativa Camilo
Torres Restrepo.
1967:
Nace Omar
Gelés, cantante, acordeonero y compositor de
vallenato colombiano.
Omar Antonio Geles Suárez (Mahates, Bolívar, 15 de febrero de 1967- Valledupar, 21 de mayo de 2024)1 fue un acordeonero y compositor colombiano de vallenato.2
Biografía
Nació el 15 de febrero de 1967 en Mahates y desde joven se radicó en Valledupar.3
Carrera musical
Geles y el cantante Miguel Morales conformaron la agrupación "Los Diablitos" en 1985. Morales se retiró del grupo en 1991 y fue reemplazado por Jesús Manuel Estrada.
Omar Geles resultó ganador del Festival de la Leyenda Vallenata en la categoría semiprofesional en 1985, Rey de Reyes Semiprofesional en 1987, y rey profesional en 1989. Quedó en segundo puesto en el segundo Festival Rey de Reyes en 1997.4
En abril de 2010, Geles -aunque continuó trabajando de cerca con Los Diablitos (rebautizado en 2004 como La Gente de Omar Geles) inició una carrera en solitario que tiene como primer resultado el disco “Una Historia cantada” bajo la dirección de Britt Fernando Amador y la colaboración de los acordeoneros Romario Munive y Andrés “Nene” Beleño.
“Parrandeando con Omar Geles” fue el primer corte de difusión, donde Omar canta los temas de su propia inspiración, que fueron interpretados también por Jorge Celedón, Silvestre Dangond, Nelson Velásquez, Felipe Peláez, Diomedes Díaz, Iván Villazón entre otras figuras del folclor vallenato.5
Recibió un homenaje por parte de reconocidos cantantes y compositores vallenatos por sus 25 años de vida artística en el programa Día a día de Caracol Televisión, el 20 de enero de 2011.6
En 2015, reaparece con La Gente de Omar Geles y nuevos integrantes, es el caso de Eduar González de Maracaibo (Venezuela), Pedro García, más conocido como Drogger, en reemplazo de Álex Manga, y en el acordeón ingresó su sobrino Sergio Geles. Se destaca la canción "Cuando te apareces", combinando elementos del llamado Vallenato Nueva Ola con algunos arreglos electrónicos.7De esta manera, se desliga totalmente del vallenato de corte romántico que impuso con Los Diablitos.
En 2018, Omar participó junto a los K Morales en la categoría folclórica de la LIX edición del Festival de Viña de Mar con el tema "El Fulano", resultando finalista en dicha edición.8
Compositor
Geles fue compositor de importantes éxitos como "No intentes" y "No puedo vivir sin ti", grabados por Diomedes Díaz; "Los caminos de la vida" y "Cómo le pago a mi Dios", interpretados por Los Diablitos; "Cuatro rosas", grabado por Jorge Celedón; "Gracias", "Mi amor por ella", "La traga loca", "A blanco y negro" y "El fuerte", por Silvestre Dangond; "Tarde lo conocí" y "Me dejaste sin nada" por Las Diosas del Vallenato; "Te dejé", "Todo por ti", "Como le doy mi vida" y "Yo la amo", grabadas por Peter Manjarrés; el cantante Martín Elías le grabó "Mi ex", "La eléctrica" y "O te acuso con Dios", entre otras.9
Fallecimiento
Omar Geles murió el 21 de mayo de 2024 en la clínica Erasmo de Valledupar víctima de un ataque cardiaco mientras jugaba tenis. Había sido internado en abril en Estados Unidos tras presentar dolor en el pecho y en uno de sus brazos después de un concierto.101112131415
https://www.youtube.com/watch?v=5L9itEadUCE
1968:
Nace Axelle Red,
cantautora belga.
Axelle Red, de nombre real Fabienne Demal (Hasselt, 15 de febrero de 1968)
es una cantautora belga.
Axelle Red es la hija de Roland Demal, un abogado famoso y
Consejero por el partido liberal flamenco Open-VLD en la asamblea municipal de
Hasselt.1
Aun siendo de origen flamenco, la mayor parte de sus canciones
las canta en francés, en inglés e incluso en español. Es muy conocida en Francia y Bélgica. Su estilo musical mezcla el jazz y
las baladas para piano y evidencia una
gran influencia de ABBA.
Se licenció en derecho (era la profesión de su padre), pero al
final se decantó por la música, una pasión que le venía de su madre (pianista).
Su primer álbum, Sans plus attendre, vendió 200 000 copias solo en
Bélgica. Su canción Sensualité fue su hit en
Francia. En 1998, cantó la canción "La Cour des
Grands" con Youssou N'Dour en
la ceremonia de inauguración del campeonato del mundo de Fútbol de 1998 1998 FIFA World Cup en
París.
Índice
·
2Premios
Discografía
1968:
Nace Gloria Trevi,
cantante y actriz mexicana.
Gloria de los Ángeles Treviño Ruiz (Monterrey, 15 de febrero de 1968),
conocida artísticamente como Gloria Trevi, es una cantante, actriz, bailarina y compositoramexicana.
Nació en Monterrey, Nuevo León y vivió durante su infancia
en Ciudad Victoria, Tamaulipas. En 1985 se mudó a la Ciudad de México para comenzar su carrera
artística en el grupo Boquitas Pintadas. Cuatro años más tarde,
publicó su álbum debut como solista, ...Qué hago aquí? ,
distribuido por BMG Ariola.
Con cinco producciones musicales, giras agotadas y calendarios
provocativos (de los cuales vendió millones de copias),1 Gloria Trevi se convirtió en un icono
del pop mexicano llegando a pretender participar en la candidatura por la
presidencia de México para las elecciones de 2006.2 Su imagen provocativa y sexual fue
clave para que los sectores conservadores la criticaran por promover la
libertad sexual de una manera abierta.3 En los 90, Gloria debutó en el cine
con tres exitosas películas: Pelo suelto(1991), Zapatos
viejos (1993) y Una papa sin catsup (1995). Las
ganancias de la trilogía suman más de 10 millones de dólares.[cita requerida]
La carrera de Gloria Trevi estuvo marcada por una serie de
escándalos que truncaron su trayectoria cuando se hallaba en la cúspide del
éxito. En 1997, Gloria se retiró de los escenarios, tras la finalización de su
programa televisivo XETU Remix. Tiempo después, la cantante y su
antiguo representante Sergio Andrade fueron acusados de abusar
sexualmente de menores de edad. Las autoridades mexicanas decretaron la
búsqueda y captura de la también actriz junto a su representante. La detención
se produjo en enero de 2000 en Río de Janeiro, Brasil, donde Gloria pasó tres años
encarcelada sin ser juzgada. En febrero de 2002, dio a luz un hijo concebido en
la cárcel, a quien bautizó como Ángel Gabriel. Trevi fue extraditada a México
en diciembre de 2002, en donde su caso fue llevado a juicio. La justicia
mexicana la absolvió de los delitos de violación agravada, rapto y corrupción
de menores, concediéndole la absolución y
exoneración de los cargos.45 Fue liberada el 21 de septiembre de
2004.6
Durante los años 2000, Gloria publicó cinco discos y regresó a
los escenarios con cinco extensas giras internacionales. Su séptimo álbum de
estudio, Una rosa blu (2007),
se convirtió en uno de sus trabajos más significativos y emblemáticos. Se
estima que Gloria Trevi ha vendido casi 20 millones de discos en todo el mundo,
lo que la convierte en una de las artistas latinas con mayores ventas.78
En el año 2013 protagonizó la telenovela de Televisa y del productor Emilio Larrosatitulada Libre para amarte.
En el año 2013 protagonizó la telenovela de Televisa y del productor Emilio Larrosatitulada Libre para amarte.
1971:
Nace Renée O'Connor, actriz estadounidense.
Evelyn Renée O'Connor (Katy, área
metropolitana de Houston, Texas, Estados Unidos, 15 de febrero de 1971)
es una actriz, directora, productora y guionista, conocida principalmente por
su papel de Gabrielle en
la famosa serie de culto Xena: la
princesa guerrera.
Biografía[editar]
Hija de Walter y Sandra O'Connor, tiene un hermano llamado Chris
y es hijastra del músico Eddie Wilson. Creció en la ciudad de Katy, situada a
las afueras de Texas. Comenzó sus estudios de interpretación en el Houston High
school of visual and performing arts y en el Taylor High School.
Tras graduarse en 1989, empezó a participar en anuncios
publicitarios y posteriormente realizó sus primeros trabajos interpretativos en
películas de bajo presupuesto como Black Snow (1989) y False
Identity (1990). También realizó un papel secundario en el telefilme Disney Un
ángel joven (1989), junto a Jason Priestley.
A comienzos de los años 90 colaboró en episodios de las
series Historias de la
cripta y Policías de Nueva York, al tiempo que
intervino en los telefilmes Changes (1991), Sword of
Vengeance (1993) y The Flood: Who Will Save Our Children? (1993).
En 1993 fue secundaria en la película de aventuras Las
aventuras de Huckleberry Finn. Un año más tarde, actuó en Darkman
II: el regreso de Durant, secuela videográfica de la película Darkman (1991)
de Sam Raimi. Raimi era el productor de esta
secuela y ese mismo año pensó en ella para el papel de Deianera en el telefilme Hércules
y el reino perdido.
En 1995 trabajó en los telefilmes Follow the River y The
Rockford Files: A Blessing in Disguise, pero tuvo que llegar septiembre de
ese año para que se hiciese popular encarnando a Gabrielle, la bella y fiel
compañera de aventuras de Xena (Lucy Lawless) en la serie Xena: la
princesa guerrera (1995-2001). Para este papel se preparó físicamente
y durante el rodaje aprovechó para debutar como realizadora dirigiendo dos
episodios. Entre 1997 y 1999 encarnó a Gabrielle en cuatro episodios de Hercules:
The Legendary Journeys (serie cuyo título es traducido
como Hércules: Sus viajes legendarios en España y como Hércules:
Los viajes legendarios en Hispanoamérica) y en 1998 dobló a su famoso personaje en la
película animada Hércules
& Xena: la batalla del Olimpo.
Una vez concluida Xena: la princesa guerrera, en
2002 fue actriz invitada en la serie neozelandesa Mataku y dio
vida a lady Macbeth en
un montaje teatral de Macbeth.
Posteriormente protagonizó el cortometraje One Weekend a Month (2004)
y los telefilmes para la cadena Sci Fi, Alien Apocalypse (2005)
y Monster Ark (2008). En 2007 actuó en dos películas de corte
independiente tituladas Diamonds and Guns (de la que también
fue productora ejecutiva) y Ghost Town. En 2006 colaboró en
el reality show Celebrity
Duets, donde coincidió con su amiga Lucy Lawless y en 2008 estrenó Boogey
Man 2, producida por Sam Raimi. En el 2009 volvió con Words
Unspoken, cortometraje dramático del que fue productora, guionista,
directora y actriz, y por el que obtuvo importantes galardones; West
Hollywood International Film Festival 2009 - Mejor Actriz, West
Hollywood International Film Festival 2009 - Mejor Cortometraje y West
Hollywood International Film Festival 2009 - Mejor Drama - Mención de Honor.
Entre sus más recientes trabajos fílmicos se encuentran, una particular versión
de la célebre novela literaria Moby Dick, titulada Moby
Dick:2010 (2010), y el inspirador drama independiente Beyond The
Farthest Star (2010), en el que la texana vuelve a realizar una
luminosa interpretación dramática.
Renée O'Connor suele acudir a las convenciones anuales
sobre Xena: la princesa guerrera celebradas en Estados Unidos
y Gran Bretaña. En su tiempo libre colabora en actividades benéficas y suele
practicar el alpinismo (de
hecho, escaló el monte Kilimanjaro). Entre
sus aficiones también figuran el kickboxing, montar a caballo y pintar. Entre
2000 y 2005 estuvo casada con Steve Muir, con quien tuvo su primer hijo llamado
Miles. Desde 2005 está casada en segundas nupcias con el actor Jed Sura y ambos
son padres de una hija llamada Iris.
1986:
Nace Amber
Riley, actriz estadounidense.
Amber Patrice Riley (15 de febrero de 1986)
conocida como Amber Riley, es una actriz y cantante estadounidense,
es reconocida por su papel de Mercedes Jones en la serie de
televisión Glee.
Interpretó el papel principal en la obra "Dreamgirls" en Londres en
2017.
Índice
Primeros años y carrera[editar]
Amber Riley nació en Los Angeles, California, hija de Tiny Hightower y Elwin
Riley.1 A la edad de 17 años, se presentó en
el reality American Idol,
pero fue rechazada por los productores.23 Luego fue seleccionada por Ryan
Murphy para el piloto de la serie ST. Sass, pero nunca fue emitido.
Se graduó en La Mirada High School en La Mirada, California, en 2004.4 En 2006, Riley audicionó para el
papel de Effie White Dreamgirls, pero no
sería seleccionada por ser muy joven.
A continuación, obtuvo una hoja de papel de Cedric the
Entertainer Presents, donde fue vista por los productores de la serie de
FOX, Glee,
quienes decidieron hacerle una prueba, quedando seleccionada para interpretar
a Mercedes Jones en
dicho show, rol que representa en la actualidad. Dueña de una sorprendente y
potente voz, Amber interpreta muchas de las canciones que se escuchan en Glee
En 2013 se corona ganadora en primer lugar en el reallity show
"Dancing with the Stars", junto a su bailarín y coreógrafo Derek Hough.
1986:
La canción que colocó en lo
alto de la lista era How I will know, procedía de su álbum de
debut Whitney Houston, que incluía también Saving all my love for
you y que le daría su primer Grammy.
Muere Miguel Prado, compositor mexicano.
El compositor mexicano Miguel Prado falleció el 15 de febrero de 1987. Nació en Tingüindín, Estado de Michoacán, el 1 de agosto de 1905. Miguel tenía desde niño una sensibilidad especial para escribir poesía, gracias a ello ganó un concurso en la ciudad de Zamora, Michoacán. El premio consistió en diez pesos y tres libros pero, probablemente, lo más importante fue la posibilidad de que su vida se encaminara por el sendero de la creación artística y musical. Miguel Prado incursionó en la radio y en el teatro de revista, escenarios en donde varias de sus composiciones se convirtieron en éxitos, como fue el caso de “Duerme”, con letra de Gabriel Luna de la Fuente, tema interpretado por Pedro Infante en la película “Angelitos Negros”, una de sus obras más conocidas y que ha sido traducida a varios idiomas. Con temas como “Duerme”, “Ofrenda” y “Te quiero así”, Miguel Prado realizó una gira, con gran éxito, en la década de los cincuentas, por Las Antillas y Estados Unidos. A su regreso, Miguel Prado se instaló como director artístico de una importante radiodifusora de Monterrey, Nuevo León. Dos años más tarde se integró a la XEW, en donde sus canciones fueron interpretadas por diversas figuras de la canción de esa época, entre ellos el Dr. Alfonso Ortiz Tirado y José Mojica. Otras canciones suyas son “Dos almas”, interpretada por el guerrerense Fernando Rosas, grabada en 1945, el grupo "Los Terrícolas" de Venezuela, también hizo una versión y Me dices que te vas, con las hermosas voces de las Hermanas Águila.
1996:
Muere McLean
Stevenson, actor estadounidense (n. 1929).
McLean Stevenson (14 de noviembre de
1929 - 15 de febrero de
1996) fue un actor estadounidense. Fue
conocido por su papel de Henry Blake en el programa de
televisión, M*A*S*H.
Dejó la serie en 1975 y su personaje fue asesinado.
Su abuelo Adlai E. Stevenson fue
Vice-presidente de los Estados Unidos para el Grover Cleveland,
y su primo Adlai Stevenson II fue
gobernador de Illinois y se
presentó sin éxito para la presidencia en dos ocasiones en la década de 1950,
ante Dwight D. Eisenhower en
ambas ocasiones.
Irónicamente, Roger Bowen,
quien interpretó a Henry Blake en la versión cinematográfica de 1970 de MASH,
murió al día siguiente de Mac Stevenson lo hizo, y de la misma causa, un ataque
al corazón.
1996:
Muere Tommy Rettig,
actor estadounidense (n. 1941).
Tommy
Rettig (Thomas Noel Rettig: Nueva
York, 10 de
diciembre de 1941 – Marina del Rey, de California, 15 de
febrero de 1996) fue un actor infantil estadounidense, además
de ingeniero informático y escritor. Rettig es recordado por su interpretación
del personaje de "Jeff Miller" en las primeras tres temporadas de la
serie de la CBS Lassie, entre 1954 y 1957. Además,
trabajó con el también actor infantil Tony Dow a mediados de la década de 1960,
interviniendo ambos en la serie Never Too Young, grabando el tema
musical de la misma con el grupo "The TR-4".
Últimos
años y fallecimiento[editar]
Rettig trabajó como
estrella invitada en un episodio de la serie televisiva The New Lassie,
con Jon Provost,
emitido en 1991. En esta serie hubo actuaciones de otros dos veteranos de
Lassie: Roddy McDowall,
que había protagonizado la primera película, Lassie Come Home (1943),
y June Lockhart,
protagonista del film de 1945 Son of Lassie y la serie
televisiva.
Rettig falleció a
los cincuenta y cuatro años por infarto agudo de
miocardio. Sus restos fueron incinerados; y sus cenizas, esparcidas
en el mar.
2007:
Muere Ray Evans,
compositor estadounidense (n. 1915).
Biografía[editar]
Nacido el 4 de febrero de
1915 en Salamanca (Nueva York)
Su carrera
artística está ligado con su compañero Jay Livingston,
con los que compartió 3 Óscar a la mejor canción.
Sus composiciones
han sido interpretadas con las voces de Doris Day, Nat King Cole.
Fallecido el 15 de febrero de
2007 a consecuencia de un fallo cardiaco, a los 92 años de edad.
Premios[editar]
·
1956 - El hombre que sabía demasiado,
con la canción Que Sera, Sera.
·
1950 - El capitán Carey, con
la canción Mona Lisa
·
1948 - Rostro Pálido, con la canción Buttons
and Bows
2015:
Muere Sergio Blanco, cantante español, de la banda
Mocedades (n. 1948).
Sergio y Estíbaliz fue un dúo musical español formado
por Sergio Blanco Rivas y Estíbaliz Uranga Amézaga,
nacidos en Bilbao,
y que además formaron matrimonio desde 1975. Formaron parte de los grupos Mocedades y El Consorcio.
Índice
Biografía[editar]
Se conocieron
en un concierto en 1968. Entraron a formar parte del grupo Voces y
Guitarras, que más tarde se llamaría Mocedades,
con los que grabaron tres discos. En 1972 decidieron abandonar el grupo y
emprender carrera en solitario. En 1973, por tanto, grabaron su primer álbum,
de la mano de Juan Carlos Calderón, titulado Sergio y
Estíbaliz. Tras el éxito de este, al año siguiente grabaron Piel.
En 1975 fueron elegidos
para representar a España en el Festival de Eurovisión, que se celebraría
en Estocolmo,
con la canción «Tú volverás», firmada por Juan Carlos Calderón, que llegaría al décimo
puesto, siendo todo un éxito en España y Latinoamérica.
Ese mismo año, el 9 de diciembre de 1975 ambos contrajeron matrimonio en
Bilbao. En 1976 editaron el álbum Quién compra una canción. El
éxito acumulado les hizo grabar un disco recopilatorio, Queda más vida,
y al año siguiente deciden editar un disco homenaje a la tierra latinoamericana
titulado Canciones sudamericanas. En 1978 participaron en la
grabación del álbum Misa campesina nicaragüense (del
cantautor nicaragüense Carlos Mejía Godoy) con otros artistas
como Ana Belén o Elsa Baeza cantando
dos canciones del mismo y el canto final con todos los artistas participantes.
Tras intentar
un cambio con la fórmula folk,
en 1979 grabaron Beans, con varios temas en inglés,
que no tuvo la aceptación esperada por la pareja, al cambiar drásticamente de
estilo musical e incluso de estética.
Tras tomarse un
descanso, en el que tuvieron una hija, en 1983 grabaron el álbum Agua,
con el que volvieron a sus orígenes. En febrero de 1984 hicieron una breve
aparición en el concierto de Quince años de música de Mocedades,
en el que cantaron tres temas con ellos. Ese mismo año, participaron en el
musical Jesucristo Superstar. Al año siguiente
editaron Cuidado con la noche del que salió su single
«Cantinero de Cuba» de Arturo Pareja Obregón y «Te quiero y ya»
de Hernaldo Zúñiga. Este álbum los llevó a lo más
alto de las listas de ventas españolas y sudamericanas. El single Lluvia
de plataestá interpretado a dúo con Mocedades, constituyendo una rareza al
ser la única grabación de tal grupo tras la salida de Amaya Uranga y
antes de la entrada de su sustituta Ana, solo con los cinco históricos
restantes por tanto. Al año siguiente publicaron Sí señor que
gozó también de popularidad.
Coincidiendo
con el nacimiento de su segunda hija, publicaron el álbum Déjame vivir
con alegría, en el que interpretaron entre otras «Only the heart may know»
de Dan Fogelberg. En 1989 les esperaba un nuevo
fracaso discográfico, de la mano de De par en par lo que hizo
romper el contrato con su casa discográfica. Años más tarde publicarían Planeta
Tierra que es el punto final de la carrera discográfica de la pareja.
Ya en 1993
decidieron unirse de nuevo con antiguos componentes de Mocedades, Amaya Uranga (exsolista
principal de Mocedades) e Iñaki Uranga (ambos
hermanos de Estíbaliz) y con Carlos Zubiaga (antiguo
componente de Los Mitos y miembro de la época dorada de Mocedades,
integrante de la formación conocida como los «Seis históricos»), para
formar El Consorcio, con el que grabaron
doce trabajos discográficos, el último de ellos Querido Juan (en
2008).
En 2007
formaron parte del jurado del concurso de TVE, Lluvia de estrellas.
Su hija María
Blanco Uranga es la líder y cantante del grupo indie con influencias folk Mäbu,
continuando así los pasos de sus padres.
Sergio Blanco
falleció el 15 de febrero de 2015 a los
66 años.2
https://www.youtube.com/watch?v=Dhv7Knmbo_M
https://www.youtube.com/watch?v=MalaFptDEUU&list=PL3V_yi8R_WBKAxO857jEkCNbEJGDPKbM3
2016:
Muere George Gaynes, actor estadounidense.
- George Gaynes, cuyo nombre de nacimiento era George Jongejans (Helsinki, 16 de mayo de 1917-North Bend, Washington, 15 de febrero de 2016),1 fue un actor de nacionalidad finlandesa y estadounidense conocido por interpretar al Comandante Eric Lassard en las películas de Loca academia de policía y a Henry Warnimont en Punky Brewster.2
Muere Johnny Pacheco,
Juan Pablo Pacheco Kiniping (Santiago de los Caballeros, 25 de marzo de 1935 - Teaneck, Nueva Jersey, 15 de febrero de 2021)1 conocido popularmente como Johnny Pacheco, fue un músico, flautista, compositor, arreglista, director y productor dominicano de música cubana y demás ritmos caribeños como salsa.2
De origen dominicano y considerado una de las figuras más influyentes de la música latina y caribeña por ser el cofundador junto con Jerry Masucci del sello disquero Fania. Es el creador del concepto musical "salsa" aplicada a los ritmos nacidos en el Caribe antillano de habla hispana, principalmente de Cuba, República Dominicana y Puerto Rico y que tiene su fundamento rítmico y origen -como heredero directo- en la guaracha.
Biografía[editar]
Pacheco hijo de Rafael Azarías Pacheco (hijo ilegítimo de José Manuel López Rodríguez, quien era hijo de un soldado español3) quien en su país era director y clarinetista de la Orquesta Santa Cecilia y de Octavia Kiniping Rochet (bisnieta del comerciante alemán Wilhelm Knipping45 y nieta del colono francés Cristophe Rochette). Fue de su padre de quien recibió su primer instrumento musical. A los once años emigra con su familia a Nueva York donde aprendió a tocar instrumentos de percusión en la Academia Juilliard.
Falleció el 15 de febrero de 2021 por una pulmonía en un centro médico de la ciudad de Nueva York.6
Inicios, creación de Fania Records y Fania All Stars[editar]
A finales de los años 50 fue parte del conjunto del pianista Charlie Palmieri. En 1960 forma su primera orquesta llamada Pacheco y su Charanga. La orquesta firma con el sello Alegre Records con el cual vende más de 100.000 copias de su primer álbum titulado Pacheco y su Charanga Vol. 1. A partir de entonces y hasta finales de 1963, se convirtió en una estrella de fama internacional y realizó giras en los Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Por otra parte "Pacheco y su Charanga", fue la primera banda latina en presentarse en Teatro Apollo en 1962 y 1963.
A fines de 1963 crea la disquera Fania Records junto a Jerry Masucci. En 1964, el sello lanzó su primer disco "Cañonazo", el álbum contaba con Pete "El Conde" Rodríguez como vocalista. En 1968 crea la orquesta Fania All Stars que contó en sus filas con artistas como Larry Harlow, Celia Cruz, Willie Colón, Héctor Lavoe, Ray Barretto entre otros. Como ejecutivo de la compañía, director creativo y productor musical, Pacheco se encargó de lanzar las carreras de muchas estrellas jóvenes que formaban parte de la Fania Records.
Premios y reconocimientos[editar]
A través de su participación de 40 años en la música Afro-Cubana, Pacheco ha recibido muchos reconocimientos entre ellos:
- En 1996, el presidente de la República Dominicana, Joaquín Balaguer le otorgó la prestigiosa Medalla Presidencial de Honor.
- En 1997, le fue dado el Bobby Capó Lifetime Achievement Award, otorgado por el gobernador de Nueva York, George Pataki.
- En noviembre de 1998, fue incluido en el International Latin Music Hall of Fame. Y en el año 2009 gana el El Soberano en la ceremonia de los Premios Casandra de ese año.7 En el mismo año y por su trayectoria musical fue declarado "Gloria de la música nacional y afro antillana" por el Senado de República Dominicana.8
Colaboraciones[editar]
Grabó y compuso más de 150 canciones. Entre ellos se encuentran "La Dicha Mía", "Quítate Tú" (Pa' Ponerme Yo), "Acuyuye", "El Rey de la Puntualidad", "El Número Cien" y "Celia y Tito". Pacheco también fue fuente de inspiración para las generaciones más jóvenes. El rapero Mangu le preguntó a escribir arreglos, coros y tocar la flauta en su álbum "Calle Luna Y Calle Sol". Pacheco también ha producido música para películas. Fue director musical de la película, Our Latin Thing, la primera película sobre la salsa y su influencia en los latinos de Nueva York. Y en 1974, trabajó en una segunda película titulada Salsa. Durante la década de los 80's, escribió las partituras y los temas de las películas Mondo New York y Algo salvaje. La última fue en colaboración con David Byrne, líder del grupo Talking Heads. También trabajó con la película The Mambo Kings lanzada por Warner Brothers.
Filantropía[editar]
Pacheco también se comprometió con el mejoramiento de la comunidad latina en todo el mundo. Participó en el concierto benéfico contra el sida llamado "Concierto Por La Vida", en noviembre de 1988 en el Avery Fisher Hall de Nueva York. Demostró su solidaridad con las víctimas del huracán Georges colaborando con Hispanic Federation Relief Fund durante el "Hurricane Georges Relief Fund 1998" (huracán Georges Fondo de Ayuda para 1998). Este evento fue transmitido en vivo a través del noreste de Estados Unidos por la cadena de televisión NBC. También participó en un evento en Hostos Community College para el mismo propósito.
En 1994, Pacheco creó el Johnny Pacheco Scholarship Fund (Fondo de Becas Johnny Pacheco).
Enfermedad y muerte[editar]
Su esposa 'Cuqui' Pacheco comunicó en su página de Facebook que Johnny había sido hospitalizado de urgencia por síntomas asociados a neumonía el 13 de febrero.910 Murió dos días después, el 15 de febrero en el Holy Name Medical Center Teaneck, N.J.11
Jo Raquel Tejada (Chicago, 5 de septiembre de 1940-15 de febrero de 2023)12 conocida como Raquel Welch, fue una actriz estadounidense. Famosa por ser la ganadora de un Globo de Oro en 1974 y como sex symbol durante décadas, recibió el apodo de «El cuerpo». Formó parte de la denominada Época de Oro de Hollywood.
Biografía
Nació en Chicago de madre estadounidense, Josephine Sarah Hall, de origen inglés, y de padre boliviano, de ascendencia española.3 Su padre era el ingeniero aeronáutico Armando Carlos Tejada Urquizo.4 La actriz era pariente de quien fue presidente de Bolivia: Lidia Gueiler Tejada. Raquel tomó el apellido Welch de su primer marido (con quien se casó en 1959, a los diecinueve años de edad) y lo conservó como nombre artístico a pesar de su divorcio seis años después.
En su juventud se trasladó junto con su familia a San Diego, y estudió interpretación y modelaje. Trabajó como presentadora de un espacio de televisión y como modelo publicitaria.
En una película de Elvis
Su primera oportunidad en el cine le llegó de la mano de Elvis Presley; hizo un pequeño papel de figurante (como colegiala junto a Teri Garr) en la película musical Roustabout (1964). También participó ese año con un rol menor (como prostituta) en A House Is Not a Home (La casa de madame), filme protagonizado por Shelley Winters, Robert Taylor y Cesar Romero.
En esos años, hizo breves apariciones en series de televisión como La Hechizada y El virginiano.
Sex symbol instantánea
En 1965 rodó su primer filme como protagonista, A Swingin' Summer, donde llegó a cantar; no fue un trabajo memorable, pero se transformó instantáneamente en una sex symbol poco después por otras dos películas: Fantastic Voyage y One Million Years B.C. (1966). Especialmente recordada es su aparición en el segundo filme, vestida con un escueto bikini de piel que revelaba su escultural figura, por la cual fue llamada «El Cuerpo». Para entonces, ya era madre de dos niños: Damon, y la futura actriz Tahnee Welch. Raquel Welch ha mantenido en su madurez una llamativa belleza y espléndida forma física, lo cual le ha permitido retener la leyenda de símbolo erótico incluso después de haber interrumpido casi totalmente su actividad en el cine.
Papeles con Sinatra, Mastroianni...
Trabajó junto a varias estrellas y directores de prestigio. Su apogeo fue en la década de 1960, cuando rodó la comedia Dispara fuerte, más fuerte, no lo entiendo (1966) con Marcello Mastroianni (bajo dirección de Eduardo De Filippo), el filme de intriga La mujer de cemento (1968) con Frank Sinatra, y Gran golpe a la napolitana (The Biggest Bundle of Them All, 1968) con Robert Wagner y Vittorio de Sica.
También participó en dos populares westerns: Bandolero!, con James Stewart y Dean Martin, y 100 Rifles (1969) con Burt Reynolds y Fernando Lamas.
Además, en 1967 encarnó a uno de los pecados capitales, la lujuria, en la comedia Bedazzled protagonizada por Dudley Moore. Este filme daría pie a un popular remake en 2000: Al diablo con el diablo, protagonizado por Elizabeth Hurley y Brendan Fraser.
En 1969 apareció como la Sacerdotisa del látigo en el filme comedia satírica The Magic Christian junto a Peter Sellers y el beatle Ringo Starr.
En 1971 protagonizó junto a Robert Culp y Ernest Borgnine el western Hannie Caulder, donde encarnó a una viuda que venga la muerte de su marido. Quentin Tarantino ha reconocido la influencia de este filme en el argumento de Kill Bill (2003).
En la década de 1970 la relevancia de Raquel Welch en el cine empezó a decaer, si bien participó en filmes reseñables como Barba Azul (1972), junto a Richard Burton, y una adaptación de la novela El príncipe y el mendigo dirigida en 1978 por Richard Fleischer. En esos años rodó también las comedias Mother, Jugs & Speed (1976; con Bill Cosby y Harvey Keitel) y Animal (1977; con Jean-Paul Belmondo).
A lo largo de su carrera en el cine, colaboró con otras estrellas como Kevin McCarthy y Diana Dors, bajo la dirección de maestros como Stanley Donen y Herbert Ross. Pero estas producciones no alcanzaron por lo general una gran resonancia.
Papel como transexual
Raquel Welch encarnó a un transexual en Myra Breckinridge (1970), adaptación de una novela de Gore Vidal que fracasó en taquilla a pesar de su variopinto reparto: John Huston, Mae West, y unos jovencísimos Tom Selleck y Farrah Fawcett. Entre sus mejores filmes, también hay que destacar un atrevido drama de tintes eróticos dirigido por James Ivory: Fiesta salvaje (The Wild Party, 1975), con James Coco y Perry King. Inspirado en un caso real, la muerte de una joven actriz de la cual fue acusado el cómico Fatty Arbuckle, el filme no alcanzó el éxito esperado.
Globo de Oro por Los tres mosqueteros
Welch tuvo mejor suerte con su papel en las superproducciones Los tres mosqueteros y Los cuatro mosqueteros, adaptaciones del clásico de aventuras de Alejandro Dumas dirigidas por Richard Lester y rodadas parcialmente en España. Por su personaje en la primera de ellas, la actriz ganó en 1974 el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Comedia o Musical. En realidad, estas dos películas se habían rodado a la vez como un solo relato, pero por su gran metraje se estrenaron por separado en 1973 y 1974. El reparto incluyó a numerosas estrellas como Michael York, Oliver Reed, Richard Chamberlain, Charlton Heston, Faye Dunaway, Christopher Lee, Geraldine Chaplin...
Figura musical y televisiva
En 1970 presentó, junto al cantante Tom Jones, un millonario programa especial para televisión: Raquel!, grabado en varios países y que contó con invitados como John Wayne y Bob Hope.
En 1979-80 fue una de las actrices candidatas al papel de Alexis Carrington en la nueva teleserie Dynasty (Dinastía), papel que finalmente recayó en Joan Collins. Otras figuras que se barajaron para este rol fueron Elizabeth Taylor y Sofía Loren.
Dentro del género del musical, tuvo relevantes en Broadway: sustituyó con éxito a Lauren Bacall en Woman of the Year (La mujer del año), y a Julie Andrews en Víctor o Victoria. Protagonizó un recital en Las Vegas, y en 1987 coqueteó con la música dance al grabar la canción "This Girl's In Town".
Polémico litigio
En 1982 la actriz emprendió un litigio al ser despedida del reparto de la película Cannery Row (adaptación de un relato de John Steinbeck) supuestamente porque era demasiado mayor para el papel, que recayó en Debra Winger. Ganó una indemnización de 10,8 millones de dólares [cita requerida] pero el conflicto coincidió con una prolongada inactividad en el mundo del cine: casi veinte años sin nuevos trabajos.
Últimos trabajos
Sus últimos trabajos en el cine incluyen Tortilla Soup (2001) con Hector Elizondo y Elizabeth Peña (remake en clave hispana del Comer, beber, amar de Ang Lee) y la comedia taquillera Legally Blonde (Una rubia muy legal) con Reese Witherspoon. Su última aparición en la gran pantalla fue en How to Be a Latin Lover (2017), comedia con Salma Hayek y Rob Lowe que consiguió un relevante éxito de taquilla (habiendo costado 10 millones de dólares, recaudó 54).
También se dedicó al mundo de la cosmética y la belleza: gafas de sol, pelucas... Suscribió un contrato publicitario con MAC Cosmetics para ser la imagen de algunos productos en 2007.
Colaboró brevemente en la serie de televisión Seinfeld, también en Welcome to The Captain (2008) y más recientemente interpretó a Vina en la serie CSI: Miami en su décima temporada.
Famoso anuncio en España
Raquel Welch mantuvo su espléndida figura hasta edad madura; en 1985, con cuarenta y cinco años de edad, lució un ajustado traje con transparencias en un spot publicitario para la firma de cava catalán Freixenet. En él cantó el clásico de las Pointer Sisters "I'm So Excited".
Vida personal
Raquel Welch se casó5 a los diecinueve años con James Welch (del que tomó su apellido artístico) y tuvieron dos hijos: Damon y Tahnee, una actriz de discreta carrera, mayormente recordada por su papel protagonista en el éxito taquillero Cocoon. Raquel y James se divorciaron en 1965.
Posteriormente se casó en 1967 con su mánager Patrick Curtis. La mezcla de relación personal y profesional no funcionó; la carrera de la actriz en el cine empezó a decaer, lo cual repercutió en su vida matrimonial. La pareja se divorció en 1972.
El tercer matrimonio fue con Andre Weinfeld en 1980. Se divorciaron diez años después.
Su cuarto matrimonio fue con Richard Palmer en 1990 a la edad de cincuenta años y se separó en 2011.
Una anécdota curiosa: En un restaurante tex-mex de Madrid (en la esquina de las calles Abada y Chinchilla), se conserva expuesta una fotografía tomada durante un descanso del rodaje de 100 Rifles (Tom Gries, 1969), en la que Raquel salta sobre un sorprendido Aldo Sambrell. Dicha foto, enmarcada, está dedicada por el inolvidable actor y es una prueba irrefutable de lo que le ocurrió a Patrick Curtis, durante dicho rodaje [cita requerida].
Fallecimiento
Falleció en la mañana del 15 de febrero del 2023, en su departamento en Los Ángeles, California, después de una breve enfermedad.67
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