Las efemérides de Gus: Un día como hoy 21 de febrero

El 21 de febrero es el quincuagésimo segundo día del año según el calendario gregoriano. Quedan 313 días para finalizar el año y 314 en los años bisiestos.

Podcast 2019

San Pedro Damián

Cardenal, Obispo de Ostia

Doctor de la Iglesia (año 1072).

Damián significa: el que doma su cuerpo. Domador de sí mismo.

San Pedro Damián fue un hombre austero y rígido que Dios envió a la Iglesia Católica en un tiempo en el que la relajación de costumbres era muy grande y se necesitaban predicadores que tuvieran el valor de corregir los vicios con sus palabras y con sus buenos ejemplos. Nació en Ravena (Italia) el año 1007.

Quedó huérfano muy pequeñito y un hermano suyo lo humilló terriblemente y lo dedicó a cuidar cerdos y lo trataba como al más vil de los esclavos. Pero de pronto un sacerdote, el Padre Damián, se compadeció de él y se lo llevó a la ciudad y le costeó los estudios. En honor a su protector, en adelante nuestro santo se llamó siempre Pedro Damián.

El antiguo cuidador de cerdos resultó tener una inteligencia privilegiada y obtuvo las mejores calificaciones en los estudios y a los 25 años ya era profesor de universidad. Pero no se sentía satisfecho de vivir en un ambiente tan mundano y corrompido, y dispuso hacerse religioso.

Estaba meditando cómo entrarse a un convento, cuando recibió la visita de dos monjes benedictinos, de la comunidad fundada por el austero San Romualdo, y al oírles narrar lo seriamente que en su convento se vivía la vida religiosa, se fue con ellos. Y pronto resultó ser el más exacto cumplidor de los severísimos reglamentos de su convento.

Pedro, para lograr dominar sus pasiones sensuales, se colocó debajo de su camisa correas con espinas (cilicio, se llama esa penitencia) y se daba azotes, y se dedicó a ayunar a pan y agua. Pero sucedió que su cuerpo, que no estaba acostumbrado a tan duras penitencias, empezó a debilitarse y le llegó el insomnio, y pasaba las noches sin dormir, y le afectó una debilidad general que no le dejaba hacer nada. Entonces comprendió que las penitencias no deben ser tan exageradas, y que la mejor penitencia es tener paciencia con las penas que Dios permite que nos lleguen, y que una muy buena penitencia es dedicarse a cumplir exactamente los deberes de cada día y a estudiar y trabajar con todo empeño.

Esta experiencia personal le fue de gran utilidad después al dirigir espiritualmente a otros, pues a muchos les fue enseñando que en vez de hacer enfermar al cuerpo con penitencias exageradas, lo que hay que hacer es hacerlo trabajar fuertemente en favor del reino de Dios y de la salvación de las almas.

En sus años de monje, Pedro Damián aprovechó aquel ambiente de silencio y soledad para dedicarse a estudiar muy profundamente la Sagrada Biblia y los escritos de los santos antiguos. Esto le servirá después enormemente para redactar sus propios libros y sus cartas que se hicieron famosas por la gran sabiduría con la que fueron compuestas.

En los ratos en que no estaba rezando o estudiando, se dedicaba a labores de carpintería, y con los pequeños muebles que construía ayudaba a la economía del convento.

Al morir el superior del convento, los monjes nombraron como su abad a Pedro Damián. Este se oponía porque se creía indigno, pero entre todos lo lograron convencer de que debía aceptar. Era el más humilde de todos, y pedía perdón en público por cualquier falta que cometía. Y su superiorato produjo tan buenos resultados que de su convento se formaron otros cinco conventos, y dos de sus dirigidos fueron declarados santos por el Sumo Pontífice (Santo Domingo Loricato y San Juan de Lodi. Este último escribió la vida de San Pedro Damián).

Muchísimas personas pedían la dirección espiritual de San Pedro Damián. A cuatro Sumos Pontífices les dirigió cartas muy serias recomendándoles que hicieran todo lo posible para que la relajación y las malas costumbres no se apoderaran de la Iglesia y de los sacerdotes. Criticaba fuertemente a los que son muy amigos de pasear mucho, pues decía que el que mucho pasea, muy difícilmente llega a la santidad.

A un obispo que en vez de dedicarse a enseñar catecismo y a preparar sermones pasaba las tardes jugando ajedrez, le puso como penitencia rezar tres veces todos los salmos de la Biblia (que son 150), lavarles los pies a doce pobres y regalarle a cada uno una moneda de oro. La penitencia era fuerte, pero el obispo se dio cuenta de que sí se la merecía, y la cumplió y se enmendó.

Los dos peores vicios de la Iglesia en aquellos años mil, eran la impureza y la simonía. Muchos sacerdotes eran descuidados en cumplir su celibato, o sea ese juramento solemne que han hecho de esforzarse por ser puros, y además la simonía era muy frecuente en todas partes. Y contra estos dos defectos se propuso luchar Pedro Damián.

Varios Sumos Pontífices, sabiendo la gran sabiduría y la admirable santidad del Padre Pedro Damián, le confiaron misiones delicadísimas. El Papa Esteban IX lo nombró Cardenal y Obispo de Ostia (que es el puerto de Roma). El humilde sacerdote no quería aceptar estos cargos, pero el Papa lo amenazó con graves castigos si no lo aceptaba. Y allí, con esos oficios, obró con admirable prudencia. Porque al que es obediente consigue victorias.

Resultó que el joven emperador Enrique IV quería divorciarse, y su arzobispo, por temor, se lo iba a permitir. Entonces el Papa envió a Pedro Damián a Alemania, el cual reunió a todos los obispos alemanes, y valientemente, delante de ellos le pidió al emperador que no fuera a dar ese mal ejemplo tan dañoso a todos sus súbditos, y Enrique desistió de su idea de divorciarse.

Sus sermones eran escuchados con mucha emoción y sabiduría, y sus libros eran leídos con gran provecho espiritual. Así, por ejemplo, uno que se llama "Libro Gomorriano", en contra de las costumbres de su tiempo. (Gomorriano, en recuerdo de Gomorra, una de las cinco ciudades que Dios destruyó con una lluvia de fuego porque allí se cometían muchos pecados de impureza). A los Pontífices y a muchos personajes les dirigió frecuentes cartas pidiéndoles que trataran de acabar con la Simonía, o sea con aquel vicio que consiste en llegar a los altos puestos de la Iglesia comprando el cargo con dinero (y no mereciéndolo con el buen comportamiento). Este vicio tomó el nombre de Simón el Mago, un tipo que le propuso a San Pedro apóstol que le vendiera el poder de hacer milagros. En aquel siglo del año mil era muy frecuente que un hombre nada santo llegara a ser sacerdote y hasta obispo, porque compraba su nombramiento dando mucho dinero a los que lo elegían para ese cargo. Y esto traía terribles males a la Iglesia Católica porque llegaban a altos puestos unos hombres totalmente indignos que no iban a hacer nada bien sino mucho mal. Afortunadamente, el Papa que fue nombrado al año siguiente de la muerte de San Pedro Damián, y que era su gran amigo, el Papa Gregorio VII, se propuso luchar fuertemente contra ese vicio y tratar de acabarlo.

La gente decía: el Padre Damián es fuerte en el hablar, pero es santo en el obrar, y eso hace que le hagamos caso con gusto a sus llamadas de atención.

Lo que más le agradaba era retirarse a la soledad a rezar y a meditar. Y sentía una santa envidia por los religiosos que tienen todo su tiempo para dedicarse a la oración y a la meditación. Otra labor que le agradaba muchísimo era el ayudar a los pobres. Todo el dinero que le llegaba lo repartía entre la gente más necesitada. Era mortificadísimo en comer y dormir, pero sumamente generosos en repartir limosnas y ayudas a cuantos más podía.

El Sumo Pontífice lo envió a Ravena a tratar de lograr que esa ciudad hiciera las paces con el Papa. Lo consiguió, y al volver de su importante misión, al llegar al convento sintió una gran fiebre y murió santamente. Era el 21 de febrero del año 1072. Inmediatamente la gente empezó a considerarlo como un gran santo y a conseguir favores de Dios por su intercesión.

El Papa lo canonizó y lo declaró Doctor de la Iglesia por los elocuentes sermones que compuso y por los libros tan sabios que escribió.

San Pedro Damián: consíguenos de Dios la gracia de que nuestros sacerdotes y obispos sean verdaderamente santos y sepan cumplir fielmente su celibato.

https://www.youtube.com/watch?v=OQreCk7vKtE

1513:

Muere Julio II, papa italiano (n. 1443).

Julio II (Albissola Marina, 5 de diciembre de 1443-Roma, 21 de febrero de 1513) fue el papa nº 216 de la Iglesia católica, de 1503 a 1513. Se le conoce como el Papa Guerreropor la intensa actividad política y militar de su pontificado.¹

Mandó reedificar la Basílica constantiniana, donde estaban sepultados los restos mortales del apóstol Pedro, erigiendo la actual Basílica de San Pedro. Siendo uno de los últimos papas humanistas, como todos ellos fue mecenas y protector de grandes artistas, como Miguel Ángel y Rafael Sanzio.

1677:

Muere Baruch Spinoza, filósofo neerlandés (n. 1632).

Baruch Spinoza —también conocido como Baruch de Espinoza¹ o Benedict, Benitoo Benedicto (de) Spinoza o Espinosa, según las distintas traducciones de su nombre, basadas en distintas hipótesis sobre su origen— (Ámsterdam, 24 de noviembre de 1632- La Haya, 21 de febrero de 1677) fue un filósofo neerlandés de origen sefardí hispano-portugués, heredero crítico del cartesianismo, considerado uno de los tres grandes racionalistas de la filosofía del siglo XVII, junto con el francés René Descartes y el alemán Gottfried Leibniz. Hostigado por su crítica racionalista de la ortodoxia religiosa, su obra cayó en el olvido hasta que fue reivindicada por grandes filósofos alemanes de principios del siglo XIX. Según Renan, «Schleiermacher, Goethe, Hegel, Schellingproclaman todos a una voz que Spinoza es el padre del pensamiento moderno».²

Índice

· 1Biografía

o 1.1Orígenes familiares

o 1.2Educación

o 1.3Expulsión de la comunidad judía

o 1.4Redacción de sus obras

o 1.5Últimos años

· 2Pensamiento

o 2.1Sistema metafísico

o 2.2Pensamiento político

· 3Recepción

o 3.1¿Panteísta, pananteísta o ateo?

o 3.2Comparación con las tradiciones filosóficas orientales

· 4Obra

o 4.1Traducciones al español

· 5Véase también

· 6Notas y referencias

· 7Bibliografía

· 8Enlaces externos

Biografía[editar]

Orígenes familiares[editar]

Nació en Ámsterdam (Países Bajos) en 1632, procedente de una familia de judíos sefardíes emigrantes de la península ibérica, que huía de la persecución religiosa.

Su familia procedía de España, de donde huyó durante el siglo XV a Portugal.³ Sus raíces se encontraban en Espinosa de los Monteros, donde el apellido de su familia era «Espinosa de Cerrato». Los Espinosa fueron expulsados de Castilla por el decreto de los Reyes Católicos del 31 de marzo de 1492,⁴ y decidieron instalarse en Portugal. Allí fueron obligados a convertirse al catolicismo para seguir permaneciendo en el país cuando Manuel I de Portugal el Afortunado se casó con Isabel de Aragón, primogénita de los Reyes Católicos, y ordenó a los judíos que ocupaban posiciones importantes en el país que se bautizasen a la fuerza (médicos, banqueros, comerciantes, etc.). Entonces apenas ciento veinte mil judíos se convirtieron y los Espinosa pudieron vivir en paz hasta que la Inquisición se estableció en Portugal alrededor de cuarenta años más tarde.⁵

El abuelo de Baruch Spinoza, Abraham de Espinosa, marchó a Nantes (norte de Francia; su presencia está atestiguada en 1593), pero no se quedó allí, sin duda porque el judaísmo estaba oficialmente proscrito y porque había también una cierta hostilidad hacia los «marranos» y en especial hacia los portugueses.⁶ Aparentemente expulsado en 1615, llegó a Róterdam con su familia, donde falleció en 1627. El padre de Spinoza, nacido en Vidigueira (Alentejo), era un mercader reputado y un miembro activo de la comunidad judaica (sinagoga y escuelas judías).

Educación[editar]

Baruch Spinoza se educó en la comunidad judía de Ámsterdam, donde se conservaba una considerable tolerancia religiosa, pese a la influencia de los clérigos calvinistas. Contrajo la tuberculosis, que poco a poco minaría su salud hasta ocasionarle la muerte.

A pesar de haber recibido una educación ligada a la ortodoxia judía, por ejemplo, con la asistencia a las lecciones de Saúl Levi Morteira,⁷ el joven Spinoza mostró una actitud bastante crítica frente a estas enseñanzas y amplió sus estudios por su cuenta en matemáticas y filosofía cartesiana, dirigido por Franciscus van den Enden, de quien también aprendió latín. Leyó también a Thomas Hobbes, Lucrecio y Giordano Bruno; estas lecturas lo fueron alejando de la ortodoxia judaica. A esto, se le pueden sumar las influencias del grupo de los collegianten (colegiantes), cristianos liberales protestantes neerlandeses, así como de heterodoxias judías hispano-portuguesas, estas últimas encarnadas principalmente en las figuras de Juan de Prado y Uriel da Costa.

Expulsión de la comunidad judía[editar]

Muerto su padre en 1654, Spinoza no tuvo ya que mantener oculto su descreimiento por respeto a la figura paterna. El 27 de julio de 1656, fue censurado/expulsado de la comunidad judía y desterrado de la ciudad, a la sazón dividida en dos grupos:

· asquenazíes: judíos procedentes de Europa Central que, al sufrir fuertes persecuciones durante la Edad Media, emigraron en masa hacia Europa Oriental, pero también a los Países Bajos e Inglaterra.

· sefardíes: judíos expulsados de la península ibérica y grupo al cual Spinoza pertenecía. Era un grupo parcialmente influido por la tradición humanista.

Los asquenazíes constituían un grupo cerrado. En algún momento histórico parece que sus normas fueran más ortodoxas y rígidas que las de los sefardíes. Era el grupo mayoritario en Ámsterdam.

Tras la expulsión, se retiró a un suburbio en las afueras de la ciudad y publicó su Apología para justificarse de su abdicación de la sinagoga, obra perdida que algunos autores consideran un precedente de su Tractatus theologico-politicus. Acentuó su trato con los grupos cristianos menonitas y colegiantes, de carácter cristiano bastante liberal y tolerante. Para sobrevivir, se dedicó a pulir lentes para instrumentos ópticos, entre ellos para su amigo el científico Christiaan Huygens. Aparte de ganarse la vida con este oficio, recibía, según alguno de sus biógrafos, una pensión que le consiguió su amigo el munícipe Johan de Witt.

Redacción de sus obras[editar]

En 1660 se trasladó a Rijnsburg, pueblo cercano a Leyden, donde redactó su exposición de la filosofía cartesiana, Principia philosophiae cartesianae, y los Cogitata metaphysica, que se editaron conjuntamente en el verano boreal de 1663 (edic. latina; en 1664 apareció la versión neerlandesa) y que serían las dos únicas obras publicadas con su nombre en vida. Sostuvo una abundante correspondencia con intelectuales de toda Europa. En los primeros años 1660, también empezó a trabajar en su Tractatus de intellectus emendatione y en la más famosa de sus obras, la Ethica, terminada en 1675.

En 1663 se trasladó a Voorburg, cerca de La Haya, donde frecuentó los círculos liberales y trabó una gran amistad con el físico Christiaan Huygens y con el por entonces jefe de gobierno (raadspensionaris) Johan de Witt, quien, según algunos, protegió la publicación anónima de su Tractatus theologico-politicus en 1670, obra que causó un gran revuelo por su crítica racionalista de la religión. Estas protestas, y el bárbaro asesinato de su protector De Witt (1672), que condenó con el pasquín anónimo Ultimi barbarorum, lo convencieron para no volver a publicar nuevas obras sino tras su muerte; las obras circularían, sin embargo, entre sus admiradores, cada vez más numerosos.

Últimos años[editar]

Desde 1670 hasta su muerte, vivió en La Haya. En 1673 J. L. Fabritius, profesor de teología, por encargo del elector del Palatinado, le ofreció una cátedra de filosofía en su universidad (Heidelberg), pero Spinoza no la aceptó, pues aunque se le garantizaba «libertad de filosofar», se le exigía «no perturbar la religión públicamente establecida». La corte de justicia del régimen surgido tras el asesinato de Johan de Witt prohibió, además, el 19 de julio de 1674, el Tratado Teológico Político. Un año antes de su muerte fue visitado por Gottfried Wilhelm Leibniz, pero este negó luego tal encuentro.

Minado por la tuberculosis, murió el 21 de febrero de 1677 cuando contaba 44 años. Dejó inconcluso su Tratado político. Un inventario de sus posesiones que se realizó tras su muerte incluía una cama, una mesa pequeña de roble, otra de esquina de tres patas y dos mesas pequeñas, su equipo de pulir lentes, unos ciento cincuenta libros y un tablero de ajedrez.⁸ Sus amigos editaron en noviembre de ese mismo año, simultáneamente en latín y en neerlandés, todas las obras inéditas que encontraron, incluida (parte de) la correspondencia, bajo el título Ópera pósthuma (versión latina) y Nagelate schriften (versión neerlandesa). El libro fue incluido en el Index librorum prohibitorum del Vaticano del año 1690.

Pensamiento[editar]

Sistema metafísico[editar]

Partiendo de la innegable influencia de Descartes, creó un sistema muy original, con mezcla de elementos propiamente judíos, escolásticos y estoicos. En lo que se refiere a Descartes, este había considerado la existencia de tres sustancias: el pensamiento (res cogitans), la extensión (res extensa) y Dios. Spinoza reduce estas tres sustancias a una sola: sustancia divina infinita, que según la perspectiva que se adopte, se identifica bien con Dios o bien con la naturaleza (ambos términos llegan a ser equivalentes para él, según su célebre expresión Deus sive Natura).⁹

Para Spinoza, la «substancia» es la realidad, que es causa de sí misma y a la vez de todas las cosas; que existe por sí misma y es productora de toda la realidad. Por tanto, la naturaleza es equivalente a Dios. Dios y el mundo, su producción, son entonces idénticos. Todos los objetos físicos son los «modos» de Dios contenidos en el atributo «extensión». Del mismo modo, todas las ideas son los «modos» de Dios contenidas en el atributo «pensamiento». Las cosas o modos son naturaleza naturada, mientras que la única substancia o Dios es naturaleza naturante. Las cosas o «modos» son contingentes y finitas, mientras que Dios es de naturaleza infinita y existencia necesaria y eterna.

Este cambio tiene la ventaja, sobre la filosofía cartesiana, de borrar de un plumazo los problemas que presenta la filosofía de Descartes para explicar la posibilidad del conocimiento: dado que el pensamiento y la extensión son dos de los infinitos atributos de Dios, distintos e independientes el uno del otro (paralelismo de los atributos), ¿cómo se puede conocer el mundo? Descartes había resuelto este problema de una manera aparentemente gratuita, amén de insatisfactoria, señalando la comunicación de estas sustancias en la glándula pineal.

Con Spinoza, pues, ya no existe este problema: se puede conocer el mundo porque el entendimiento, en tanto parte del entendimiento de Dios, es una modificación o «modo» de la misma sustancia divina, entendimiento infinito de Dios, que «piensa» su objeto extenso o cuerpo, de modo que el entendimiento puro puede «aprehender» la realidad, porque el alma, o sea la idea del cuerpo, «replica» lo que afecta a este cuerpo. La unidad del alma y el cuerpo está justificada por la unidad de la sustancia infinita de la que son sus modificaciones finitas o modos.

Pero, a la vez, abre un tremendo problema para explicar la libertad humana. La anterior distinción de Descartes en tres sustancias le permitió sustraer del determinismo mecanicista al entendimiento, con lo cual el ser humano mantendría su libertad.

El mecanicismo sostiene que todo el universo está determinado por leyes, con lo cual cualquier ente que esté dentro de él también estará sujeto a dichas leyes, incluido el ser humano. Descartes y Spinoza son mecanicistas, pero el primero salva el problema a través de su postulado de las tres sustancias: el mecanicismo (por tanto el determinismo o ausencia de libertad) solo afecta a la sustancia extensa o mundo, pero no a la sustancia pensante o entendimiento.

Pero, al postular Spinoza una sola sustancia, ¿cómo es posible que exista la libertad humana, si todo está sometido a una inexorable regulación permanente? Spinoza acaba afirmando un determinismo (negación de la libertad humana) riguroso, aunque deja el resquicio de una definición poco alentadora y paradójica de libertad: la libertad humana aparece cuando el ser humano acepta que todo está determinado; la libertad no depende de la voluntad sino del entendimiento; el hombre se libera por medio del conocimiento intelectual.

En el campo de la filosofía Spinoza se declara monista, esto es, no cree en la existencia de un dualismo cuerpo-alma. Para Spinoza el hombre es cuerpo y mente, y todo en su conjunto es parte de una sustancia universal con infinitos modos e infinitos atributos, algo que da lugar a un «monismo neutral».

También es determinista, lo que supone que no cree en el libre albedrío: asegura que el hombre está determinado por leyes universales que lo condicionan mediante la ley de la preservación de la vida. Así, afirma que ser libre es regirse por la razón frente a la sumisión, por ejemplo, a la religión.

Pensamiento político[editar]

En el aspecto político sigue en parte a Thomas Hobbes. Sin embargo, su doctrina tuvo gran influencia en el pensamiento del siglo XVIII, ya que se le considera el iniciador del ateísmo, aunque esta afirmación no es del todo correcta.

Como filósofo, comparte con Hobbes el tema del determinismo. Sin embargo, Spinoza fue siempre, y en todos los campos, un escritor proscrito, hasta el punto de que a comienzos del siglo XIX no se le reconocía, especialmente por el movimiento Romántico alemán (Goethe, Jacobi, etcétera).

Dentro del ámbito de la política se le considera precursor de Jean-Jacques Rousseau.

Su pensamiento traslada la visión del mundo de Galileo, que dice que el mundo está sujeto a unas determinadas leyes, por lo que buscará cuales son las que regulan a la sociedad. En este punto coincide en parte con Descartes y Hobbes, pero con la singularidad de que Spinoza además busca las leyes que rigen la moral y la religión. Así Spinoza entra de lleno tanto en la moral como en la religión, intentando introducir la razón en ambas esferas, para lo que usa un método racional.

En su Ética demostrada según el orden geométrico Spinoza habla de Dios, del ser humano y del puesto que el hombre ocupa dentro de la naturaleza; así, dice que la forma correcta de entender a los hombres, es que son una parte más de la naturaleza y que las acciones humanas no se deben analizar con criterios morales, sino como partes necesarias de leyes que rigen el cosmos, esto es, que existen leyes universales de la naturaleza a las que los hombres están sujetos, por lo que no se puede afirmar que el hombre es totalmente libre. Siguiendo este planteamiento se encuentra una de sus afirmaciones más importantes y que más problemas le trajo: afirma que los valores son creaciones humanas arbitrarias.

En el tema político, el filósofo reivindica la democracia más amplia posible, aunque dentro de esta no incluye explícitamente a las mujeres, a quienes plantea si deben tener o no derechos políticos, cosa que no tiene muy clara; finalmente se inclina por sostener una inferioridad innata de las mujeres, y afirma que el mejor gobierno es de los hombres. No obstante deja una puerta abierta al reconocimiento de las mujeres, diciendo finalmente que sí son iguales a los hombres, que sí pueden gobernar, pero que lo mejor es evitar el tema, ya que puede generar conflictos.

Según su pensamiento político, el fin del Estado es hacer a todos los hombres libres, lo que significa que el hombre no debe ser un autómata.

Recepción[editar]

¿Panteísta, pananteísta o ateo?[editar]

Es creencia común que Spinoza identificara a Dios con el mundo material. Como consecuencia, Spinoza ha sido considerado entre los mayores exponentes del panteísmo. Pero, en una carta a Henry Oldenburg, Spinoza declara que "con respeto a quien cree que yo identifique Dios y la Naturaleza (entendida como masa o materia física), están del todo equivocados".¹⁰ Para Spinoza, nuestro universo (cosmos) es un modo expresado a través de los atributos de pensamiento y extensión. Dios tiene una infinidad de otros atributos, pero que no están presentes en nuestro mundo.

Según el filósofo alemán Karl Jaspers (1883-1969), cuando Spinoza escribía Deus sive natura ( "Dios o la Naturaleza"), implicaba que Dios es natura naturans (la naturaleza activa; literalmente: "la naturaleza naturando"), y no natura naturata (la Naturaleza creada, pasiva; literalmente: "la naturaleza naturada"). Jasper creía que Spinoza, y su sistema filosófico, no implicaba que Dios y la Naturaleza sean términos intercambiables, sino que la transcendencia de Dios se expresa en la infinidad de sus atributos, y que los dos atributos conocidos por los humanos, «pensamiento» y «extensión», expresan la inmanencia de Dios.¹¹ Pero, incluso limitado a los atributos de Pensamiento y Extensión, Dios no puede ser identificado estrictamente con nuestro mundo. Ese mundo es "divisible", tiene partes. Pero, según el propio Spinoza, "ningún atributo de una sustancia puede ser verdaderamente concebido del cual deduzcamos que esa sustancia pueda ser dividida", lo que significa que no podemos concebir ningún atributo que implique la división de la substancia. Al mismo tiempo "una substancia que sea absolutamente infinita es indivisible" (Etica, p1pr12 y13).¹² Según esta lógica, nuestro mundo debería ser considerado un único modo expresado a través de los dos atributos de Pensamiento y Extensión. Por lo tanto, según Jasper, el lema panteísta "Uno y Todo" quedaría valido para Spinoza solamente si "Uno" mantuviera su transcendencia y "todo" no fuera interpretado como la totalidad de las cosas finitas.¹¹

Martial Guéroult (1891-1976) sugirió que el término "pananteísmo" pudiera describir mejor que "panteísmo" la visión de Spinoza sobre la relación entre Dios y el mundo. El mundo no es Dios, pero es, en un sentido muy fuerte "en" Dios.¹² No solamente todas las cosas finitas tienen su causa en Dios: no pueden ni ser concebidas sin Dios. Sin embargo, el filosofo americano pananteísta Charles Hartshorne (1897-2000) insistió que la visión de Spinoza se describiera mejor con el termino de Panteísmo Clásico.¹³

En 1785, Friedrich Heinrich Jacobi publicó una condena del panteísmo de Spinoza, después de que corriera la voz que Gotthold Lessinghubiera confesado a punto de muorir ser un "spinozista", en la época prácticamente un sinónimo de ateo. Jacobi afirmaba que la doctrina de Spinoza era puro materialismo, porque declaraba que la Naturaleza y Dios no son nada más que Extensión. Esto, según Jacobi, era el resultado del racionalismo típico de la Ilustración y solo podía llevar a lo ateísmo absoluto. Moses Mendelssohn estaba en desacuerdo con esta interpretación, y afirmaba que no hay diferencia real entre teísmo y panteísmo. Este tema se convirtió en uno de los mayores debates intelectuales y religiosos de la civilización europea de la época.

Para los europeos de la segunda mitad del siglo XVIII, la filosofia de Spinoza resultaba particularmente atractiva porque constituía una alternativa al materialismo, ateísmo y teísmo. Tres eran las ideas de Spinoza que mas les atraían:

- la unidad de todo lo que existe

- la regularidad de todo lo que sucede

- la identidad entre espíritu y naturaleza¹⁴

En 1879, muchos elogiaban el panteísmo de Spinoza, pero algunos aún lo consideraban alarmante y peligroso.¹⁵ El lema de Spinoza "Dios o la Naturaleza" (Deus sive Natura) sugería un Dios vivo, natural, en contraste con la "Causa Primera" de Isaac Newton y el Materialismo mecanicista de Julien Offray de La Mettrie (1709-1751) en su obra El Hombre Maquina (L'homme Machine). Coleridge y Shelley vieron en la filosofía de Spinoza una religión de la Naturaleza¹⁶, y Novalis le llamó “el hombre intoxicado de Dios”.¹⁷¹⁸ Shelley se inspiro en Spinoza para escribir su ensayo “la Necesidad del Ateísmo”.¹⁸

Spinoza era considerado ateo porque no utilizaba la palabra "Dios" de la misma manera que la tradición monoteísta judeocristiana. "Spinoza niega claramente que Dios pueda tener personalidad o consciencia; Dios no tiene ni inteligencia, ni sensibilidad, ni voluntad; no actúa según finalidades, sino que todo resulta necesariamente de su naturaleza, según la ley..."¹⁹ Por lo tanto, el Dios distante y indiferente de Spinoza²⁰ es la antítesis del concepto de un Dios antropomorfo y paterno que se interesa por el destino de la humanidad.

Según la Stanford Encyclopedia of Philosophy, el Dios de Spinoza es un "intelecto infinito" (E2p11c), omnisciente (E2p3), y capaz de amarse a sí mismo y también a nosotros en cuanto parte de su propia perfección (E5p35c). Y si lo que define un ser individual es que podamos tener actitudes personales hacia el, entonces hay que tener en consideración que Spinoza recomienda el amor intelectualis dei(el amor intelectual de Dios) como el bien supremo para los hombres (E5p33). Sin embargo, el tema es complejo. El Dios de Spinoza no tiene libre arbitrio (E1p32c1), no tiene objetivos ni intenciones (1appendix), y Spinoza insiste que "ni el intelecto ni la voluntad pertenecen a la naturaleza de Dios" (E1p17s1). Además, mientras podemos amar a Dios, tenemos que acordarnos que Dios no es realmente el tipo de ser que pueda amarnos de vuelta. "El que ama a Dios no puede luchar para que Dios también lo ame" (E5p19).²¹

Steven Nadler, uno de los mayores expertos de Spinoza de nuestros días, sugiere que la respuesta al dilema del supuesto ateísmo de Spinoza depende de como definamos ateísmo y panteísmo. Si el panteísmo se asocia con la religiosidad, entonces Spinoza no es un panteísta, ya que según Spinoza nuestra actitud hacia Dios no debería ser de reverencia o asombro religioso, sino una de estudio objetivo y racional, ya que una actitud religiosa podría llevar al error y a la superstición.²²

Comparación con las tradiciones filosóficas orientales[editar]

Muchos autores han discutido el parecido entre el pensamiento de Spinoza y las tradiciones filosóficas orientales. El experto en sánscrito Theodor Goldstücker fue uno de los primeros, en el siglo XIX, en subrayar las similitudes entre el pensamiento religioso de Spinoza y la escuela tradicional india Vedanta. Goldstucker escribió que:

...un sistema filosófico occidental que ocupa un lugar fundamental entre las filosofías de todas las épocas y naciones, y que es una representación tan exacta de las ideas de la escuela de pensamiento clásico indio Vedanta que podríamos sospechar que su autor hubiese copiado sus principios fundamentales de los hindúes, si su biografía no nos asegurara su total desconocimiento de sus doctrinas. Estoy hablando de la filosofía de Spinoza, un hombre cuya propia vida es una representación de esa pureza moral e indiferencia ante los encantos transitorios de este mundo, actitud que es la constante aňoraraza del verdadero filosofo Vedanta... Comparando las ideas principales de ambos sistemas, no deberíamos encontrar ninguna dificultad en demostrar que, si Spinoza hubiese sido hindú, su sistema hubiese sin duda marcado una ultima fase de la filosofía Vedanta.²³²⁴

En sus lecciones, Max Müller subrayó las sorprendentes similitudes entre la Vedanta y el sistema de Spinoza, diciendo que "el Brahmán, como es concebido en los Upanishads y definido por Sankara, es claramente lo mismo que la "Substantia" de Spinoza". Helena Blavatsky, fundadora de la Sociedad Theosofica, también comparó el pensamiento filosófico de Spinoza con la Vedanta, y escribió en un ensayo inacabado: “El Dios de Spinoza –natura naturans– entendido simplemente y solamente con sus atributos; y el mismo Dios –como natura naturata- entendido como la serie infinita de modificaciones y relaciones, el flujo directo que resulta de las propiedades de esos mismos atributos. Eso es exactamente la divinidad Vedanta.²⁵

1730:

Muere Benedicto XIII, papa italiano (n. 1649).

Benedicto XIII O.P. (Gravina in Puglia, 2 de febrero de 1649 - Roma, 21 de febrero de 1730) fue un religioso dominico, que fue elegido el 245º papa de la Iglesia católica entre 1724 y 1730.

1880:

Nace Waldemar Bonsels, escritor alemán.

Waldemar Bonsels (Ahrensburg, 21 de febrero de 1880 - Ambach, 31 de julio de 1952) fue un escritor alemán. Conocido especialmente por ser el escritor de las aventuras de La abeja Maya.

Índice

· 1Biografía

· 2Nazismo

· 3Música

· 4Obra parcial

· 5Referencias

· 6Enlaces externos

Biografía[editar]

Waldemar Bonsels escribió solo un libro infantil La abeja Maya. "Personas en el cielo" (Himmelsvolk) no es un libro infantil propiamente dicho, pero tiene mucho de profundidad mística y trata la relación de toda la creación con Dios. Hay un número de novelas e historias cortas que hablan del amor de Eros y del máximo nivel divino del amor, en el espíritu del romanticismo con la relación entre hombre y naturaleza en una vida simple y una civilización moderna, su obra también incluye novelas históricas del tiempo de Jesús(Der Grieche Dositos). Viajó por Europa y Asia. Fruto de estos viajes es su obra Viaje a la India (Indienfahrt).

Nazismo[editar]

El investigador Sven Hanuschek, de la Universidad de Múnich, ha indagado en documentos que apuntan al antisemitismo de Bonsels y a una tendencia filonazi, pasando por las comparaciones de la colmena y una sociedad totalitaria, el ataque a los insumisos (zángano), el tono militarista y beligerante contra el enemigo (las avispas), y el racismo contra estas. Hanuchek dijo que “la pregunta que nos guía es si este autor debe ser redescubierto o si su trabajo ha quedado olvidado con razón”. Curiosamente, la versión en dibujos animados es una coprodución elaborada por antiguas potencias del Eje (Japón, Alemania y Austria).¹

Música[editar]

Su obra más famosa, La abeja Maya, también sirvío para una ópera infantil compuesta por el músico croata Bruno Bjelinski.²

1921:

Nace John Rawls, filósofo estadounidense.

John Bordley Rawls (Baltimore, 21 de febrero de 1921-Lexington, 24 de noviembre de 2002) fue un filósofo estadounidense, profesor de filosofía política en la Universidad de Harvard y autor, entre otras obras, de Teoría de la justicia (1971), Liberalismo político (1993), The Law of Peoples (1999) y Justice as Fairness: A Restatement (2001). Su teoría política propone dos principios sobre los cuales basar la noción de justicia a partir de una posición original en el espíritu contractualista de los filósofos políticos clásicos.

Rawls fue reconocido con el Premio Schock para lógica y filosofía y con la National Humanities Medal de manos del presidente Bill Clinton en 1999, en reconocimiento a «su ayuda a que toda una generación (…) reviviera su confianza en la democracia».¹

1926:

Nace Blanca Estela Pavón, cantante, actriz de cine y de doblaje mexicano.

Blanca Estela Pavón Vasconcelos (Minatitlán, Veracruz, México, 21 de febrero de 1926 - Popocatépetl, Puebla, México, 26 de septiembre de 1949) fue una cantante, actriz de cine y de doblaje mexicano, cuya trayectoria le significó un lugar en la cinematografía mexicana, protagonista de varias películas durante la Época de Oro del Cine Mexicano. Considerada en la actualidad figura mítica y de culto para los cinéfilos, de singular belleza, fue considerada la pareja ideal del ídolo mexicano Pedro Infante^{[¿según quién?]}.

Índice

· 1Biografía

· 2Carrera

· 3Amorcito Corazón

· 4Muerte

· 5En la cultura popular

· 6Filmografía

· 7Reconocimientos

o 7.1Premios Ariel

· 8Discografía

· 9Referencias

· 10Enlaces externos

Biografía[editar]

Nació en Minatitlán, Veracruz, el día 21 de febrero de 1926, hija de Francisco Pavón y Josefa Vasconcelos. Fue la más pequeña de cuatro hijos que el matrimonio procreó. Debido al trabajo del padre, diversas veces cambiaron de residencia en busca de mejorar su situación económica. Durante mucho tiempo habitaron en Orizaba, en donde la actriz transcurrió una buena parte de su infancia. Víctima de una neumonía, la futura actriz se recuperaría notablemente al vivir ahí.

Desde temprana edad, mostró un gusto particular por la danza y por improvisar pequeños escenarios teatrales en donde la niña -a manera de juego- encauzaba su inquietud, a fin de divertir a sus hermanos. A la escasa edad de nueve años, se integró al elenco de una radiodifusora local, haciendo sus primeras incursiones en la actuación. Posteriormente emigraría a la Ciudad de México al lado de su familia, en donde concluyó sus estudios elementales y dedicó un tiempo al estudio de la actuación, danza y música. Se inscribió para ello en la Academia Alma Mexicana, en donde compartió espacio con la actriz María Elena Marqués.

Posteriormente, participaría en varios concursos de la incipiente industria radiofónica, de los cuales obtuvo la experiencia suficiente para integrarse, poco después, al cuadro de actores de la XEQ, radiodifusora que transmitía el programa de nombre La legión infantil.

En los años 40 el doblaje mexicano, parte fundamental del cine, empezó a tomar auge, formándose un grupo conocido como Los Magníficos, los cuales son considerados dentro de la generación pionera del doblaje en México y que comenzó en la XEW, entre ellos, Blanca Estela Pavón, Jesús García, Guillermo Portillo Acosta, Dagoberto de Cervantes, entre otros. Fue invitada por la MGM para efectuar el doblaje de algunos filmes clásicos, formando parte del elenco de actores mexicanos que viajaron a Nueva York a realizar doblajes, además, participó con su voz en la primera película doblada, titulada en español Luz que agoniza (Gaslight) haciendo la voz deIngrid Bergman.

Debido a su especial belleza mestiza fue llamada a debutar en el cine mexicano, para actuar en la película inconclusa Los hijos del divorcio. Poco después, el director afamado René Cardona, la invitaría a participar en el filme Allá en el rancho chico. Para 1941, se reintegraría al cine durante el rodaje de La liga de las canciones actuando bajo la dirección de Chano Urueta. Actuó en diversas series radiofónicas famosas como Fifirafas el Valeroso, al lado del compositor y actor José Ángel Espinoza Aragón, mejor conocido como “Ferrusquilla”, de quien fue novia por un tiempo.

Carrera[editar]

El vertiginoso ascenso de la actriz, le mereció ser considerada por el famoso director de esa época, Ismael Rodríguez, para desempeñar su primer papel al lado del legendario ídolo mexicano Pedro Infante. Actuaron juntos, por vez primera, en el filme Cuando lloran los valientes, por la cual obtuvo el premio Ariel de Plata por mejor actuación femenina.

Poco tiempo después, apareció en Vuelven los García (1947), desempeñando el papel de “Juan Simón López”, reafirmando su posición de estrella nacional; en Cortesana (1948), con Meche Barba, y en La bien pagada (1948) de Alberto Gout, con María Antonieta Pons y Víctor Junco.

Amorcito Corazón[editar]

Sin lugar a dudas, el filme que la consagró en el público mexicano, dentro de su corta carrera cinematográfica, fue la cinta Nosotros los pobres, al lado de Pedro Infante y Evita Muñoz "Chachita" (1948), de Ismael Rodríguez, quien abordó la temática de la ciudad y la vida en sus estratos sociales bajos, sus costumbres y lenguaje. "La Chorreada" fue el sobrenombre con el que el público mexicano la conocería hasta el final.

Siempre se manejó la existencia de un romance entre Pedro Infante y ella, aunque nunca, al parecer, hubo algo más que una firme amistad. Pedro Infante diría después que fue el amor platónico de su vida. La canción insignia de Infante a partir de ese entonces seria "Amorcito corazón" de la autoría de Pedro de Urdimalas y musicalizada por Manuel Esperón.

Algunos de sus últimos trabajos cinematográficos fueron: Las puertas del presidio (1949), al lado de David Silva y Andrés Soler, y En cada puerto un amor (1949) con Domingo Soler. El penúltimo filme de su vida fue La mujer que yo perdí (1949), dirigida por Roberto Rodríguez, donde se reunió por última vez como pareja protagónica a Pedro Infante y Blanca Estela.

Su último trabajo, sería la adaptación a la pantalla de un cómic de la autoría de Yolanda Vargas Dulché llamado Ladronzuela (1949), dirigido por Agustín P. Delgado.

Muerte[editar]

La caravana artística de presentaciones en la cual viajaba Blanca Estela comenzó actuaciones a mediados de septiembre de 1949 en la ciudad de Tapachula, Chiapas, por lo que después de dos días viajo a la ciudad de Oaxaca presentándose en el Teatro "Macedonio Alcalá" el día 23, de ahí retornaría a la ciudad de México pero el avión en que viajaba sufrió un desperfecto que lo mantuvo en tierra. Debido a que tenía otras presentaciones en la capital, convenció a un matrimonio de que le cedieran sus lugares para ella y su padre quien la acompañaba, el avión era un Douglas DC-3con matrícula XA-DUH propiedad de Mexicana de Aviación, pilotado por el Capitán Alfonso Reboul Lasscassies, el DC-3 despegó a las 12:40 horas rumbo a la capital. Al estar próximos a la ciudad el piloto logró establecer contacto con la torre de control del aeropuerto de la Ciudad de México y visiblemente alterado declaró:"¡Estamos volando por contacto! ¡Acabamos de pasar por Puebla! ¡Se puede ver el volcán Popocatépetl bajo nosotros! ¡Tenemos graves problemas de visibilidad y turbulencias severas!" al final emitió una frase que fue interrumpida por la estática: "¡Volamos a 1300 pies..."" y luego... silencio. El DC-3 debía arribar a las 13:30 tiempo local, pero horas después las autoridades de la Dirección General de Aviación Civil emitían un boletín en el cual manifestaban que el DC-3 se encontraba desaparecido y que probablemente se había desplomado. Habitantes de los poblados de Huejotzingo, San Martín Texmelucan y San Felipe Teotlalcingo, pertenecientes al estado de Puebla, reportaban haber visto pasar el DC-3 y una columna de humo entre los volcanes. La posición estimada se ubicó en la elevación montañosa conocida como "Pico del Fraile", situada a una altitud aproximada de 1400 pies. El DC-3 no consiguió superar la altitud impactando con el macizo rocoso.

Las cuadrillas de rescate alpino y Luis Soriano "Tlaxquiche" y su brigada de rescate junto con el Socorro Alpino Mexicano, auxiliado por pobladores de los municipios cercanos, consiguieron llegar a la zona, encontrando los cuerpos de los pasajeros regados, despedazados y calcinados la gran mayoría, en un radio aproximado de cien metros y el fuselaje del DC-3 partido en varias secciones. Los cuerpos de Blanca Estela y su padre yacían cercanos entre sí. El cuerpo sin vida de la actriz que presentaba politraumatismos fue levantado por Ignacio Beltrán, quien lo envolvió en un petate y lo colocó en una mula para iniciar el descenso. Al bajar al pueblo de Atlautla entregó el cuerpo a una ambulancia que lo trasladó a la Ciudad de México. Fue velada en la Asociación Nacional de Actores (ANDA), Pedro Infante quien se presentó en el funeral, con lágrimas en los ojos y visiblemente consternado declaró: Se nos fue la "Chorreada", se nos fue...Irónicamente fallecería 8 años después en un accidente aéreo en Mérida, Yucatán. Fue sepultada en el Panteón Jardín de la capital.

En la cultura popular[editar]

El danzón "Blanca Estela" del autor Emilio B. Rosado fue inspirado en esta actriz luego de su muerte.¹

1929:

Nace Chespirito (Roberto Gómez Bolaños), comediante y director mexicano (f. 2014).

Roberto Gómez Bolaños (Ciudad de México, 21 de febrero de 1929-Cancún, México, 28 de noviembre de 2014),²³⁴ más conocido como Chespirito, fue un actor, comediante, dramaturgo, escritor, guionista, compositor, director y productor de televisión mexicano. Creador e intérprete de El Chavo del Ocho y El Chapulín Colorado, entre otros personajes.⁵

Índice

· 1Biografía

o 1.1Muerte

· 2Vida personal

· 3Participación política y polémicas

· 4Reconocimientos

· 5Críticas y evaluación a su obra

· 6Filmografía

o 6.1Teatro

o 6.2Televisión

o 6.3Cine

o 6.4Guionista

o 6.5Director

o 6.6Libros

· 7Discografía

o 7.1Temas de telenovela

· 8Premios y nominaciones

o 8.1Premios TVyNovelas

o 8.2Premios ACE 2008

· 9Referencias

· 10Bibliografía

· 11Enlaces externos

Biografía[editar]

Fue hijo de la secretaria bilingüe Elsa Bolaños Cacho y del pintor, dibujante e ilustrador Francisco Gómez Linares.⁶ Estudió ingeniería mecánica en la Universidad Nacional Autónoma de México, pero nunca se graduó.⁷

Su padre, pintor reconocido de la época, falleció cuando él tenía seis años. Su madre, que nunca llegó a conocer la fama de la serie El Chavo del 8, falleció por cáncer de páncreas.⁸

Inició su carrera como creativo publicitario, lo que lo conectó con la radio y la televisión, en la cual fue, durante la década de 1950, un muy activo guionista. También hizo varios guiones de películas para el dúo Viruta y Capulina y se inició fugazmente como actor con ellos en Dos criados malcriados, en 1960. Sin embargo, siguió dedicando la mayor parte de su tiempo a escribir, contribuyendo con diálogos para guiones de películas y programas de la televisión mexicana.

Su nombre profesional, Chespirito, se debe al director cinematográfico Agustín P. Delgado, derivado del diminutivo de la pronunciación españolizada del apellido de William Shakespeare —fonéticamente Chekspir—, debido a la estatura de Gómez Bolaños y por el talento de este para escribir historias que asemejaba a las de Shakespeare.

Entre 1960 y 1965, escribió guiones para los dos programas de mayor audiencia en la televisión mexicana: Cómicos y canciones así como El estudio de Pedro Vargas, de la cadena Telesistema Mexicano.

En 1968, iniciaba transmisiones la Televisión Independiente de México y Chespirito fue llamado como escritor con la oferta de usar a su antojo una media hora semanal a su cargo. Así, nacieron Los supergenios de la mesa cuadrada y su carrera como actor.

En 1970, extendieron su horario a una hora y en un programa propio. El mismo se denominó Chespirito y nació el personaje del Chapulín Colorado. Un año más tarde, apareció el Chavo. Ambos personajes funcionaron tan bien que el programa se dividió en dos, dedicando media hora a cada uno. A mediados de 1979 inicia un breve programa llamado La chicharra, serie basada en periodistas, sin mucho éxito.

A pesar de ser muy conocido por sus papeles de El Chavo y del Chapulín Colorado, también fue creador de varios personajes más, como el Chómpiras, el Doctor Chapatín, Vicente Chambón y Chaparrón Bonaparte. En una entrevista a Teresa Rodríguez, comentó que él decidió añadir palabras con ch porque era usado en «muchas groserías en México».⁹

A pesar de sus guiones recurrentes, estos programas se convirtieron en éxitos a lo largo de toda Hispanoamérica, Estados Unidos y España, en gran medida gracias a la simpatía del cuadro de actores de sus programas, integrado en distintas épocas por Carlos Villagrán, Ramón Valdés, Florinda Meza, Rubén Aguirre, Édgar Vivar, Angelines Fernández, Raúl Padilla, Horacio Gómez Bolaños y María Antonieta de las Nieves, que encontraron también la fama internacional.

En 1980, sus sketchs se volvieron a reunir en una hora semanal en el programa llamado bajo su seudónimo, y permaneció al aire hasta 1995.

También protagonizó películas mexicanas, escritas y actuadas por él mismo como El Chanfle y El Chanfle 2, Don Ratón y don Ratero, Charrito y Música de viento.

Fuera de sus habituales personajes televisivos, a partir de 1992, representó en teatro durante varios años la obra Once y doce, con la cual logró más de 28 000 funciones. También incursionó en el género de las telenovelas en 1991 dirigiendo y produciendo Milagro y magia en conjunto con Florinda Meza y aporta la letra de los temas musicales de La dueña en 1995 y Alguna vez tendremos alas en 1997.

Muerte[editar]

Chespirito falleció a los 85 años el 28 de noviembre de 2014 en Cancún, México a las 14:30 (GMT-6) debido a complicaciones respiratorias.¹⁰¹¹¹²

1933:

Nace

Bob Rafelson (Nueva York, Nueva York, 21 de febrero de 1933 - Aspen, Colorado, 23 de julio de 2022)¹ fue un cineasta, guionista, productor de cine y escritor estadounidense.

Biografía

[editar]

Rafelson nació en Nueva York y estudió en Dartmouth. En la década de los 60, Rafelson aprende en la televisión junto a David Susskind en la Columbia Screen Gems. Rafelson escribió y produjo el célebre show televisivo The Monkees. A partir de ahí, pasaría a debutar en el cine con Head, película coescrita por él junto a Jack Nicholson y protagonizada por la banda de rock The Monkees.^{[cita requerida]}

Después de este prometedor inicio, Rafelson, junto a Bert Schneider y Steve Blauner, creó BBS Productions, una compañía que se convertiría en emblema de un nuevo estilo cinematográfico con películas como Buscando mi destino (Easy Rider) de Dennis Hopper; Mi vida es mi vida, del propio Rafelson; The Last Picture Show (La última película), de Peter Bogdanovich, y el documental Hearts and Minds, que fue premiado con un Oscar. Precisamente con Mi vida es mi vida (1970), Rafelson ganó el premio del New York Film Critics Circle y una nominación al Óscar al mejor guion original.^{[cita requerida]}

El siguiente proyecto de Rafelson sería El rey de Marvin Gardens (1972), donde vuelve a contar con Jack Nicholson junto a Bruce Dern y Ellen Burstyn, y vuelve a ahondar en el nuevo estilo que ya impuso a principios de los 70 en el cine norteamericano. En 1976, Quiero seguir hambriento sería su siguiente proyecto, una película menor a excepción de hacer debutar a jóvenes actores como Jeff Bridges, Sally Field y Arnold Schwarzenegger.

La década de los 80 empieza fuerte para Rafelson al realizar El cartero siempre llama dos veces (1982), una revisión de la película de 1941 de Tay Garnett sobre una novela de James M. Cain con Jack Nicholson y Jessica Lange en los papeles protagonistas que sería un gran éxito de público. Después llegaría el thriller psicológico El caso de la viuda negra, con Debra Winger y Theresa Russell; Las montañas de la luna (1990), basada en las experiencias de los exploradores del Siglo XIX Sir Richard Francis Burton y John Hanning Speke en busca de las fuentes del Nilo; y Ella nunca se niega (1992) protagonizada por Jack Nicholson y Ellen Barkin.

En 1997, dirigiría Sangre y vino, la que supone la octava colaboración entre Rafelson y Nicholson. Después, Rafelson dirigiría Poodle Springs para HBO, una adaptación de una historia de Raymond Chandler.

Ha hecho algunas apariciones más delante de la cámara para directores amigos suyos como Henry Jaglom o Mike Figgis (en Leaving Las Vegas).

1934:

Nace Rue McClanahan, actriz estadounidense de Las chicas de oro (f. 2010).

Rue McClanahan (21 de febrero de 1934, Healdton, Oklahoma - 3 de junio de 2010, Nueva York) fue una actriz estadounidense.

Índice

· 1Biografía

· 2Trayectoria en televisión

· 3Filmografía (selección)

· 4Enlaces externos

Biografía[editar]

De ascendencia irlandesa e india nativa americana, creció en Ardmore, Oklahoma; se graduó en el Ardmore High School en 1952. En la Universidad de Tulsa, cursó estudios de alemán y de teatro. Comenzó a actuar sobre los escenarios en Nueva York en 1957, pero su popularidad se vio acrecentada al interpretar el papel de Caroline Johnson en la serie de televisión Another World entre julio de 1970 y septiembre de 1971. Posteriormente participó en Mama's Family dando vida a la Fran Crowley. Seguidamente, en la serie Maude, (1972-1978), dio vida al personaje de Vivian Harmon, la mejor amiga de la protagonista, interpretada por Beatrice Arthur.

Sin embargo, el papel que le dio relevancia mundial fue el de la casquivana y algo ninfómana Blanche Devereaux en la popularísima serie Las chicas de oro, que interpretó entre 1985 y 1992 y que le valió un Premio Emmy, además de otras tres nominaciones.

Entre 1992 y 1993, participó, junto a Betty White y Estelle Getty en The Golden Palace, un spin-off fallido de Las chicas de oro.

En 1997 se publicó su autobiografía: My First Five Husbands.

El 3 de junio de 2010 murió cerca de la una de la madrugada a causa de un derrame cerebral masivo, según consignó su mánager, Barbara Lawrence. Según explicó la representante de la actriz en la revista People, McClanahan había sufrido una apoplejía menor derivada de las complicaciones de una cirugía de bypass, dos semanas antes de su muerte.

1946:

Nace Anthony Daniels, actor británico, famoso por interpretar al robot C-3PO.

Anthony Daniels (Salisbury, Wilthshire, Inglaterra, 21 de febrero de 1946) es un actor británico, conocido por su papel como el androide C-3PO en la saga de Star Wars de películas realizadas entre 1977 y 2017.

Biografía[editar]

Se dedicó a la interpretación y el teatro en Inglaterra. Se especializó en obras shakesperianas, de lo que estaba particularmente orgulloso. No tuvo ningún trabajo realmente importante hasta que hizo un casting para una película de ciencia ficción, en la cual el director George Lucasle ofreció el papel de un robot. Daniels rechazó el papel categóricamente, pero conforme fue leyendo el guion, descubrió que era un personaje idóneo y pensaba que él podría darle mucha más vida. Así, Anthony Daniels descubrió el papel de su vida, el del androide C-3PO en Star Wars: Episodio IV - Una Nueva Esperanza en 1977. Repitió el papel en 1980 con Star Wars: Episodio V - El Imperio Contraataca y en 1983 con Star Wars: Episodio VI - El Retorno del Jedi.

También puso la voz al personaje de Legolas en la versión de El Señor de los Anillos (película de 1978) de Ralph Bakshi.

Desde entonces, Daniels ha acudido a las convenciones de fanes de Star Wars, e incluso interpretó a C-3PO en la versión para radio de la saga. También ha puesto voz a su personaje en las series animadas "Droids", "Star Wars: The Clone Wars" (ambas versiones), "Star Wars Rebels" y en videojuegos. Tuvo algún pequeño papel secundario en series de TV y en alguna película. George Lucas volvió a llamar al actor para que interpretase al androide en Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma en 1999, para lo cual el actor estaba encantado, y sus 2 secuelas Star Wars: Episodio II - El Ataque de los Clones y Star Wars: Episodio III - La Venganza de los Sith. Además en el Episodio I también interpretó al androide de protocolo TC-14. Es el único actor que ha aparecido en todas las películas de la saga creada por George Lucas.

1946:

Nace Alan Rickman, actor británico (f. 2016).

Alan Sidney Patrick Rickman (Hammersmith, Londres, 21 de febrero de 1946 - Londres, 14 de enero de 2016)¹ fue un actor y director de cine británico.

Índice

· 1Biografía

o 1.1Vida personal

o 1.2Fallecimiento

· 2Filmografía

o 2.1Como actor

o 2.2Como director

· 3Premios

· 4Referencias

· 5Enlaces externos

Biografía[editar]

Era el segundo hijo de una familia de clase trabajadora compuesta por un padre irlandés y una madre galesa. Tenía un hermano mayor (David) y dos hermanos menores (Michael y Sheila).

Estudió gracias a una beca en la Latymer School, donde comenzó a intervenir en producciones escolares. Influenciado por su fallecido padre, un pintor y decorador que murió de cáncer cuando Alan tenía solamente 8 años, decidió convertirse en diseñador gráfico estudiando en la Chelsea College of Art. Al mismo tiempo realizaba sus primeros pinitos como intérprete en la compañía amateur teatral The Brook Green Players, donde actuaba también su futura novia Rima Horton.

Tras probar fortuna con una empresa de diseño con varios amigos, a los 26 años decide solicitar una beca para estudiar en la Royal Academy of Dramatic Art o RADA (Londres), de la que fue su vicepresidente desde 2003 hasta su muerte. Fue aceptado tras interpretar un pasaje de Ricardo III, de William Shakespeare.

En 1975, tras pasar tres años en RADA, empezaría su carrera como actor profesional. Los dos primeros años, por ley, los actores recién graduados sólo podían hacer teatro de repertorio.

En febrero de 1978 debutó en su primer papel televisivo como Teobaldo en la obra de teatro Romeo y Julieta en formato de miniserie para la cadena BBC. En 1982 protagonizó su primera película para televisión, Busted. Ese mismo año alcanzó el reconocimiento de público y crítica por su papel de Reverendo Obadiah Slope en una adaptación de Las torres de Barchester, de Anthony Trollope llamada The Chronicles of Barsetshire, también para la BBC.

Otros trabajos notables para la televisión incluyen: The Preacher, dentro de la serie Revolutionary Witness (1989), que conmemoraba los doscientos años del inicio de la Revolución francesa; Rasputín (1996), película para la HBO sobre la vida de Grigori Rasputín y por la que recibió, entre otros premios, un Emmy y un Globo de Oro; Something the Lord Made (2004), también para la HBO; y A Song for Lunch (2010). La película Truly, Madly, Deeply (1990), traducida a veces como Un fantasma enamorado, fue grabada para emitirse por televisión, pero después del gran éxito cosechado en el Reino Unido, se adaptó al formato cinematográfico en 1991.

En teatro saltó a la fama en Les liaisons dangereuses (Las amistades peligrosas, 1985-1987), una novela epistolar de Pierre Choderlos de Laclos, adaptada por Christopher Hampton y dirigida por Howard Davies. Rickman interpretó al Vizconde de Valmont y Lindsay Duncan a la Marquesa de Merteuil. Su enorme éxito en el West End y Broadwayllamó la atención de las productoras de Hollywood, que en seguida quisieron hacerse con los derechos de la obra para realizar una película en la que no contaron con ninguno de los actores de la obra de teatro.

Entró en la Royal Shakespeare Company por primera vez en 1978 y, tras abandonar la compañía unos años después, volvería de nuevo en 1985. En esta segunda etapa interpretó papeles como: Henrik Hoefgen, en la adaptación teatral de la novela Mephisto(1986); Jacques, en Como gustéis (1985); Aquiles, en Troilo y Crésida (1985); Hamlet, en su homónima (1992); Antonio, en Antonio y Cleopatra (1998).

Otras representaciones importantes incluyen Private Lives (2001-2002), de Noël Coward, de nuevo con Howard Davies de director y Lindsay Duncan de co-protágonista; John Gabriel Borkman (2009) de Henrik Ibsen, junto a Lindsay Duncan y Fiona Shaw; y Seminar(2011-2012), con guion original de Theresa Rebeck, dirigida por Sam Gold y coprotagonizada por Jerry O'Connell, entre otros.

En 1988, y tras una dilatada carrera teatral, actuó en su primera película: Die Hard, a las órdenes de John McTiernan, lo que supuso el inicio de una destacada carrera cinematográfica. En la cinta interpreta al villano Hans Gruber, un genio alemán y terrorista que planea el secuestro de un edificio llamado Nakatomi Plaza, con el fin de sustraer todas las riquezas que en este se encontraban mientras a la postre toma a todos sus empleados como rehenes cuando estos celebraban la fiesta de Navidad.

Durante los años siguientes actuó en varias películas, entre ellas Robin Hood: príncipe de los ladrones (1992), Sentido y sensibilidad(1995) , Dogma (1999), la parodia de Star Trek titulada Héroes fuera de órbita (1999), Love Actually (2003), la película de Tim BurtonSweeney Todd (2007) -basada en el musical de Broadway, en la que interpreta al juez Turpin- y todas las entregas de la saga de Harry Potter (2001, 2002, 2004, 2005, 2007, 2009, 2010, 2011), basada en las novelas de la autora británica J. K. Rowling, donde interpretó al profesor de pociones Severus Snape y por la que recibió numerosos elogios y se lo califica como uno de sus mejores trabajos. Cabe destacar que fue Rowling quien propuso a Rickman para el papel y es uno de los pocos actores a los que ha contado algunos secretos sobre sus personajes antes de que fuesen revelados en los libros.

En 1997 rodó su primera película como director cinematográfico, El invitado de invierno, protagonizada por Phyllida Law y Emma Thompson. En 2014 estrena su segundo film como director, A Little Chaos, en el que Rickman interpreta al rey Luis XIV. La cinta contó con las actuaciones de Kate Winslet, Matthias Schoenaerts, Stanley Tucci, Helen McCrory y Steven Waddington, entre otros.

Vida personal[editar]

En 2012 contrajo matrimonio con la política Rima Horton, con quien mantenía una relación desde 1965. La ceremonia se celebró en secreto en Nueva York y el hecho fue revelado solo tres años después.²³ Hasta el año 1977 mantenían residencias separadas, pero ese año adquirieron una residencia común en Hammersmith.

Fallecimiento[editar]

Rickman falleció el 14 de enero de 2016 en Londres a causa de un cáncer de páncreas a los 69 años.¹⁴

1946:

Nace Lorenzo Santamaría, músico español.

Lorenzo Rosselló Horrach (Santa María del Camino, Mallorca, 21 de febrero de 1946), artísticamente conocido como Lorenzo Santamaría o Llorenç de Santamaria es un cantante español de balada romántica en español y posteriormente en catalán que obtuvo grandes éxitos en los años 1970.

Biografía y carrera[editar]

Entre 1966 y 1970 lidera el grupo de rock mallorquín Z-66. A partir de 1970 inicia su carrera musical como solista, tomando su apellido artístico del de su localidad natal, y en 1971 edita con la discográfica Odeón su primer disco sencillo: Canto al amor, una adaptación de la sinfonía nº 8 del compositor Franz Schubert.

En el año 1973 firma para la disquera EMI y saca su primer L.P. denominado Lorenzo Santamaría.

En el año 1975 publica su segundo larga duración llamado Para que no me olvides. El éxito definitivo llega en 1976, cuando consigue dos números uno con sendos temas románticos: Para que no me olvides y Si tú fueras mi mujer. Ese mismo año aparece su tercer disco denominado Tu Sonrisa y al año siguiente aparece Grandes Éxitos.

En 1978 edita el disco Quise ser una estrella del Rock & Roll, que no alcanza el éxito esperado. En 1980 sale a la luz uno de sus más recordados éxitos: Bailemos.

Después de algunos años alejado de la música, participa como actor en algunas películas españolas como Barrios altos, Crónica sentimental en rojo, y también en algunas series televisivas.

En 1985 retorna al mundo musical con el disco en lengua catalana Entre cella i cella("Entre ceja y ceja"), que incluye una curiosa versión de la canción "Mediterráneo" de Joan Manuel Serrat por primera vez cantada en catalán, así como una adaptación de "Le météque" de Georges Moustaki.

Ya en 1995 edita Corazón de Rock & Roll, su último disco hasta el momento, aunque sigue desarrollando su actividad artística con conciertos en directo junto a otros cantantes de los años 1970.

Durante los años 2000 colaboró en los programas Fet a Barcelona y Realitat Virtual, ambos de la emisora catalana COM Ràdio. Durante el verano de 2002 dirigió el programa Al voltant d’es bergant en el misma emisora.¹

En 2011 participa como actor en el musical Cop de rock de la compañía teatral Dagoll Dagom, la obra se estrena en el Teatro Victoria de Barcelona en septiembre de 2011.²

En mayo de 2012 Llorenç Santamaria³ publica su disco Pell de gallina (Piel de gallina) que edita la discográfica Discmedi-Blau, y en el que incluye un tema a dúo con el cantante mallorquín Tomeu Penya.⁴

https://www.youtube.com/watch?v=pPgg50YV7sc

https://www.youtube.com/watch?v=jIqDASBCNQY

1953:

Nace William Petersen, actor estadounidense.

William Louis Petersen (n. Evanston, Illinois; 21 de febrero de 1953), es un actor estadounidense de ascendencia danesa.

Petersen se graduó de la preparatoria Bishop Kelly en Boise, Idaho en 1972. Fue aceptado en la Universidad de Idaho gracias a una beca para jugar al fútbol americano. En un intento por mejorar su promedio escolar en la universidad, Petersen tomó un curso de actuación que cambió el destino de su vida. En 1974 dejó la universidad junto con su novia Joanne Brady, y siguió a un profesor de drama en España donde desarrolló sus habilidades histriónicas como actor de Shakespeare. Concretamente estuvieron un año en la Universidad de Oñate (Guipúzcoa) donde nació su hija (en Mondragón) y por lo cual le pusieron de nombre Maite Nerea ("Mi amada" en Euskera).

Petersen regresó a Idaho con la esperanza de convertirse en actor, pero tuvo poca suerte. Viajó a Chicago para vivir con unos parientes. Ahí comenzó su carrera y obtuvo su carné de actor. Actuó con la Compañía de Teatro Steppenwolf y fue cofundador del Remains Theater Ensamble el cual incluyó a los prominentes actores Gary Cole y Ted Levine.

Su debut en el cine se produjo con un pequeño papel en 1981, en la película Thief. En 1986 obtuvo uno de sus mayores éxitos con la película Manhunter.

En un gesto muy significativo de sus preferencias, Petersen rechazó un papel en la película Platoon de Oliver Stone, debido a que la filmación en Filipinas lo alejaría de su familia. En lugar de eso trabajó en Long Gone, una película para la televisión. En 1998 protagonizó Gunshy "Un tipo peligroso", de Jeff Celentano donde hace de reportero y escritor fracasado que se traslada a Atlantic City donde un matón le enseña como es la vida en la calle.

En el año 2000 filmó The Contender donde Petersen representó el papel del gobernador Jack Hathway, un candidato a la Vicepresidencia sin escrúpulos. También actuó, sin aparecer en los créditos, en la película Mulholland Falls como un personaje que se encuentra al final en un violento recibimiento por policías de Los Ángeles.

Desde el año 2000 al 2009 protagonizaba la serie CSI: Crime Scene Investigation, en la que gracias al papel de Gil Grissom ha adquirido una gran relevancia. Debido a problemas de corazón, el papel de Petersen se ha reducido al mínimo, dejando finalmente el reparto de la serie en el episodio "One to Go" de la novena temporada. Aunque seguiría ligado a esta como productor.

Petersen, divorciado y con una hija, Maite, se casó con su novia de tiempo atrás Gina Cirone en junio de 2003.

1955:

Nace Kelsey Grammer, actor, cineasta y guionista estadounidense.

Allen Kelsey Grammer (21 de febrero de 1955, Saint Thomas) es un actor, director, guionista y productor de televisión estadounidense. Ganador del premio Emmy y del Globo de Oro. Es conocido por su papel del psiquiátra Frasier Crane en las series de televisión Cheers y Frasier, y por ser la voz de Sideshow Bob (Actor secundario Bob en la versión en España) en Los Simpson.

1958:

Nace Jack Coleman, actor y guionista estadounidense.

Jack Coleman (Easton, Pennsylvania; 21 de febrero de 1958) es un actor y guionista estadounidense.

Es muy conocido por su papel en la serie de ciencia ficción Héroes, de la NBC, en la que interpreta a Noah Bennet, el preocupado padre de Claire Bennet (Hayden Panettiere).

También durante 1981-1982 integró Los días de nuestras vidas, serie también de la NBC, que marcó su primer papel importante. Actualmente es un actor reconocido en los Estados Unidos. En los años 1980 su popularidad creció enormemente cuando fue el encargado de sustituir al actor Al Corley en el papel de Steven Carrington en la famosa serie de televisión Dinastía.

Coleman es descendiente directo de Benjamin Franklin, icono de la historia norteamericana.¹

1959:

Nace José María Cano, cantautor español, de la banda Mecano.

José María Cano Andrés (Madrid, 21 de febrero de 1959) es un músico, compositor, productor discográfico y artista plástico español que formó parte, junto con su hermano Nacho y Ana Torroja, del grupo pop Mecano entre 1981 y 1998. Desde entonces es un artista visual.

Índice

· 1Biografía

o 1.1Primeros años

o 1.2Mecano

o 1.3La ópera Luna

o 1.4Como pintor: Cano de Andrés

· 2Discografía

· 3Como compositor o productor

· 4Exposiciones

· 5Galería

· 6Referencias

· 7Enlaces externos

Biografía[editar]

Primeros años[editar]

José María Cano nació en Madrid. Tiene dos hermanos (Modesto y Nacho) y una hermana (Pilar) siendo José María el segundo. Su padre (Modesto Diego Cano Hurtado) desarrolló su labor profesional en el sector textil y es licenciado en ICADE. Su madre (Emilia Andrés) es licenciada en Ciencias Políticas. Durante su infancia estudió en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo, de cuyo coro formó parte como solista. También tomaba clases de dibujo en una academia.

Los Cano recuerdan que a sus padres no les gustaba la música y, de hecho, en su casa no había ni radio ni tocadiscos. No obstante, sí había una guitarra que su padre había comprado para aprender a tocar flamenco, proyecto que nunca llevó a cabo, y que sería el primer instrumento con el que tendrían contacto los hermanos. Su descubrimiento real de la música fue con trece años, cuando, durante unas vacaciones en Valencia, escuchó el tema Imagine de John Lennon. A partir de ese momento empieza a desarrollar una gran afición por la música que contagia a su hermano Nacho cuatro años menor pero al que estaba muy unido. Compran todo tipo de discos y comienza a aprender a tocar la guitarra con un libro de canciones de los Beatles y toca también temas de Cat Stevens y James Taylor. Sigue entre tanto perfeccionando su técnica de dibujo.

Siendo un adolescente de unos 15 años, en 1974 aproximadamente, conoce en una fiesta que se celebraba en el madrileño paseo de la Habana a Ana Torroja. Ana era una chica de su edad y de su barrio. Al poco tiempo de conocerse José y Ana entablaron una relación de noviazgo que duró unos tres años.

A los diecisiete años (1976) comienza a estudiar la carrera de Arquitectura en Valencia, donde va en gran parte huyendo del ambiente familiar en lo referente a su afición por la música. Destaca en la asignatura de análisis de formas cuya base es el dibujo artístico. Tras solo dos cursos decide abandonar la carrera de arquitectura y regresar a Madrid. Según afirmó él mismo (en una entrevista realizada en la primavera de 2008) el motivo fue que su padre pasaba por una situación profesional complicada y José María quiso ayudarle trabajando con él como representante textil. Siguió haciéndolo sin cobrar nada hasta que fue sustituido por su hermana Pilar ya en pleno éxito de Mecano.

A su regreso a la capital (1979) comienza a estudiar Ciencias Empresariales. Ana Torroja, ya convertida en solo amiga después de terminar el noviazgo de ambos, comienza a hacerle los coros cuando José María interpreta, normalmente en fiestas, alguna canción en público. En Madrid, José María empieza a sondear la posibilidad de grabar un disco con varios temas que ha compuesto. También se reencuentra con su hermano Nacho, que ha abandonado la guitarra por los teclados y toca música más electrónica. José María toca la guitarra y canta, Ana hace los coros y Nacho los solos. Progresivamente Ana, que no había mostrado particular afición por cantar en su infancia, va desarrollando un timbre de voz muy bello que hizo que ambos hermanos Cano terminasen componiendo para ella.

https://www.youtube.com/watch?v=7IguUFc7af4

https://www.youtube.com/watch?v=_mAmEKNqg1g&list=PLvWGgt5nIb43S8CeXYnKrGwdpPxkM0zsq

1960:

Muere Jacques Becker, cineasta francés (n. 1906).

Jacques Becker (París, 15 de septiembre de 1906 - París, 21 de febrero de 1960) fue un director de cine francés, autor de importantes clásicos como La evasión (Le trou, 1960) o París, bajos fondos (Casque d'or, 1952). Se casó con la actriz Françoise Fabiany fue padre del también director Jean Becker.

Índice

· 1Infancia y juventud

· 2Carrera cinematográfica

o 2.1Primeras películas

o 2.2Tras la Segunda Guerra Mundial

· 3Muerte

· 4Filmografía

· 5Ayudante de dirección

· 6Bibliografía

· 7Notas

· 8Enlaces externos

Infancia y juventud[editar]

Su padre era administrador de la sociedad Fulmen y su madre (de origen inglés) tenía un taller de costura en la calle Cambon de París, junto a la casa de modas Chanel. La familia Becker iba regularmente de vacaciones a Marlotte-sur-Loing, donde frecuentaba a Paul Cézanne, hijo del pintor.

En una de estas estancias vacacionales, Jacques Becker trabó amistad con Jean Renoir (hijo, a su vez, de Pierre-Auguste Renoir), quien había acudido de visita a casa de los Cézanne. Jacques Becker sentía gran afición por el cine y también por la música de jazz, hasta el extremo de buscar trabajo en los transatlánticos que hacían la ruta El Havre-Nueva York con la intención de poder oír a los músicos de jazz americanos. En 1928, durante uno de estos viajes, conoció a King Vidor, quien le ofreció participar en sus películas como actor, aunque a Becker le interesaba más la puesta en escena. Tras casarse y rechazar la proposición de su padre de trabajar en la empresa donde él estaba empleado, consiguió ser asistente de dirección de Jean Renoir.

Carrera cinematográfica[editar]

Primeras películas[editar]

Jacques Becker deseaba iniciar una carrera como director y, junto a Pierre Prévert rodó un cortometraje titulado Le commissaire est bon enfant, le gendarme est sans pitié (1935), basado en la obra teatral homónima de Georges Courteline. Con Prévert escribió el guion de un largometraje que finalmente dirigirá Jean Renoir: Le crime de monsieur Lange (1936), una historia romántica con trasfondo social. Becker será el asistente de dirección de Renoir en La vie est à nous.

Conseguirá, por fin, que le encomienden el rodaje de su primer largometraje, que se titularía L'or du Cristobal 1939. Los problemas de financiación de los productores hicieron que el rodaje se paralizara, ya que Becker se negaba a rebajar la calidad de la película con un rodaje más apresurado o barato. A causa de la Segunda Guerra Mundial Becker fue movilizado, circunstancia que los productores aprovecharon para encargar a Jean Stelli la finalización de la película. Tras caer prisionero y ser repatriado gracias a la mediación de la Cruz Roja, Becker regresa a París.

Durante la Ocupación, Becker rodó tres películas muy distintas entre sí, pero donde se aprecia el estilo preciosista y el empleo libre y vivaz de la cámara que caracterizarán a Becker. Estas películas fueron Dernier Atout (1942, su primer largometraje), Goupi-Mains rouges(1943, basada en la novela homónima de Pierre Véry) y Falbalas (1945).

Precisamente durante el rodaje de Falbalas se produjo la victoria de los tropas aliadas. Y gracias al material devuelto (cámaras y película), Becker podrá rodar la película La Libération de Paris. Cuando se estableció una Comisión de Depuración para investigar el comportamiento de los artistas durante el dominio nazi, dado su valor moral reconocido Becker intervendrá en defensa de Henri-Georges Clouzot.

Tras la Segunda Guerra Mundial[editar]

Becker rodó una serie de comedias de gran éxito que le convirtieron en los años 40 y 50 en uno de los cineastas franceses más conocidos: Antoine et Antoinette (1947, Palma de oro del Festival de Cannes), Rendez-vous de juillet (1949, premio Louis Delluc, Edouard et Caroline (1951) y Calle de la Estrapada (Rue de l'Estrapade, 1953).

Su gusto por la observación de la sociedad tras la Liberación, su mirada sobre los personajes, su talento para la dirección de actores y el equilibrio entre la agudeza psicológica de los diálogos y la perfección de la puesta en escena caracterizan estas películas en las que se reflejan todas las clases sociales y que servirán de inspiración a François Truffaut y sus películas sobre el personaje de Antoine Doinel.

En Casque d'or (París, bajos fondos, 1952) dirigió a Simone Signoret, quien interpretó a una prostituta. La película retrata los ambientes marginales del París de principios del siglo XX. En 1954 rodó No toquéis la pasta¹ (Touchez pas au grisbi, basada en la novela de Albert Simonin), que se convirtió en el prototipo del cine negro francés y sirvió para relanzar la carrera de Jean Gabin.

Su siguiente película, Ali Baba et les quarante voleurs (1954, era una farsa puesta al servicio del lucimiento del cómico Fernandel. Después rodó un film basado en el personaje de Arsenio Lupin, creado por el escritor Maurice Leblanc. Se tituló Les Aventures d'Arsène Lupin (1957) y estuvo protagonizada por Robert Lamoureux.

Tras estas obras menores, Becker rodó una película de gran valor: Los amantes de Montparnasse (Montparnasse 19, 1958), un melodrama sobre la vida del pintor Modigliani, protagonizado por Gérard Philipe. Tras esta película, rodó otra de sus obras maestras, La evasión (Le Trou) (1960), cuyo rigor y sobriedad le acercaron al estilo depurado de Robert Bresson.

Muerte[editar]

Becker no llegó a ver estrenada su última película. Murió en París en 1960 y fue enterrado en el Cementerio de Montparnasse.

1961:

Nace Christopher Atkins, actor estadounidense.

Christopher Atkins Bomann,¹ más conocido como Christopher Atkins (Rye, Nueva York, Estados Unidos; 21 de febrero de 1961),¹ es un actor estadounidense. Sus padres fueron Donald Bomann y Bitsy Nebauer.² En sus años de secundaria, fue un salvavidas e instructor de navegación; esto permitió que un agente le conociera, y le instara a visitar las audiciones para The Blue Lagoon.²

Índice

· 1Carrera

· 2Vida personal

· 3Filmografía

o 3.1Películas

o 3.2Series de televisión

· 4Referencias

· 5Enlaces externos

Carrera[editar]

A lo largo de su carrera ha actuado en varias películas y series de televisión.

Se dio a conocer al protagonizar la película The Blue Lagoon (1980) junto con Brooke Shields.¹ Después protagonizó la película The Pirate Movie (1982) junto con Kristy McNichol,¹ y el mismo año apareció desnudo en una edición de la revista Play Girl.³² A propósito de su papel en The Pirate Movie, dijo:

¿Qué quieren decir? ¿Que cuando consigo un trabajo donde no tengo que usar un taparrabos, debo usar un traje de baño? ¿Tendré alguna vez un papel donde no tenga que estar sin camiseta?

Chistopher Atkins²

Protagonizó la película A Night in Heaven (1983) junto con Lesley Ann Warren. Entre 1983 y 1984 actuó en varios episodios de la serie de televisión Dallas. También actuó en la película It's My Party (1996).

1962:

Nace Chuck Palahniuk, escritor estadounidense.

Charles Michael Chuck Palahniuk (Pasco, Washington, Estados Unidos, 21 de febrero de 1962)¹ es un novelista satírico estadounidense y periodista independiente residente en Portland (Oregón). Es famoso por su galardonada novela El club de la lucha, que posteriormente David Fincher adaptó al cine. En torno a su web oficial se reúne uno de los mayores grupos de seguidores de escritores en Internet. Sus obras, similares en estilo a las de Bret Easton Ellis, Irvine Welsh y Douglas Coupland, le han hecho uno de los novelistas más populares de la Generación X.

1962:

Nace David Foster Wallace, novelista estadounidense (f. 2008).

David Foster Wallace (21 de febrero de 1962 - 12 de septiembre de 2008) fue un escritor estadounidense, muy conocido por su novela La broma infinita (Infinite Jest),⁴⁵ considerada por la revista Time como una de las 100 mejores novelas en lengua inglesa del período comprendido entre 1923 y 2006.⁶ David Ulin, editor de libros para Los Angeles Times, calificó a Wallace como uno de los escritores más influyentes e innovadores de los últimos 20 años.⁴

1963:

Nace William Baldwin, actor estadounidense.

William Joseph Baldwin (Massapequa, Long Island, Nueva York, 21 de febrero de 1963) es un modelo y actor estadounidense, miembro de la famosa saga Baldwin de actores.

Biografía[editar]

Tiene cinco hermanos: dos hermanas y tres hermanos. Además es el cuarto en dedicarse al cine dentro de la familia; ya que sus hermanos Alec, Daniel y Stephentambién son actores.

Licenciado en Ciencas Políticas por la "State University of New York".

Trabajó como modelo para Levi's 501, Nike y otras firmas. Fue su hermano Alec el que le ayudó a abrirse camino en la profesión de actor recomendándole al director Oliver Stone, con el que había trabajado en Hablando con la muerte, para que le diera un pequeño papel en Nacido el 4 de julio.

Más tarde consiguió papeles protagonistas en Línea mortal (junto a Kiefer Sutherland y Julia Roberts) y Llamaradas de Ron Howard.

Son famosas las peleas que sostuvo con Sharon Stone, su compañera en Sliver, durante el rodaje de las escenas de sexo.

Es Presidente de la Coalición Creativa, organización que se dedica a concienciar a la comunidad artística sobre temas tan variados como el ambiente y la financiación federal de las artes. Es miembro del consejo de Project Help, organización dedicada a los problemas de vivienda de los "sin techo" en la ciudad de Nueva York.

También es conocido por interpretar a Patrick Darling IV en Sexy Money (Dirty Sexy Money).

1965:

Muere Malcolm X, activista estadounidense (n. 1925).

Malcolm X (Omaha, 19 de mayo de 1925-Nueva York, 21 de febrero de 1965), nacido como Malcolm Little, y cuyo nombre oficial completo era El-Hajj Malik El-Shabazz, fue un orador, ministro religioso y activista estadounidense. Fue un defensor de los derechos de los afroestadounidenses, un hombre que acusó duramente a los estadounidenses blancos de sus crímenes contra sus compatriotas negros.² En cambio, sus detractores lo acusaron de predicar el racismo y la violencia.³⁴⁵ Ha sido descrito como uno de los más influyentes afroestadounidenses en la historia estadounidense.⁶⁷⁸

Malcolm X nació en Omaha (Nebraska). A los seis años su padre fue asesinado por su labor en defensa de los derechos de los trabajadores y su madre ingresó en un hospital psiquiátrico a causa de la locura que le produjo el hecho de que le quitaran la custodia de sus hijos. Después de vivir en una serie de casas de acogida, Malcolm X se involucró en el hampa de Boston y Nueva York, y en 1945 fue condenado a entre ocho y diez años de prisión.

En la cárcel, Malcolm X se convirtió en miembro de la Nación del Islam y tras su libertad condicional en 1952, se convirtió en ministro de la organización. Durante casi una docena de años fue la cara pública de la Nación del Islam, pero las tensiones entre él y Muhammad llevaron a su salida de la organización en marzo de 1964.

Tras abandonar la Nación del Islam, Malcolm X hizo la peregrinación a La Meca y se convirtió al sunismo. Viajó extensamente por toda África, Oriente Medio e incluso visitó la Unión Soviética. Esos viajes le cambiaron la visión que tenía del mundo y de la lucha por las libertades civiles. Fundó la Muslim Mosque, Inc., una organización islámica, y la secular Organización de la Unidad Afroamericana. Menos de un año después de abandonar la Nación del Islam, Malcolm X fue asesinado antes de dar un discurso en Nueva York.

1968:

Nace Patrick Gallagher, actor canadiense.

Patrick Gallagher (21 de febrero de 1968) es un actor canadiense.

Índice

· 1Biografía

· 2Filmografía^[2]

· 3Notas

· 4Enlaces externos

Biografía[editar]

Gallagher es conocido por sus papeles en televisión como el detective Joe Finn en Da Vinci's Inquest, Leon en The Line, Chow en True Blood (Sangre fresca), el entrenador Ken Tanaka en Glee, y sus papeles en el cine como Awkward Davies en Capitán de mar y guerra: la costa más lejana del mundo, el barman Gary en Entre copas y Atila el Hunoen Una noche en el museo.

Es de ascendencia china e irlandesa.¹

1979:

Nace Jennifer Love Hewitt, actriz estadounidense.

Jennifer Love Hewitt (Waco, Texas 21 de febrero de 1979) es una actriz y cantante estadounidense. Empezó su carrera como actriz cuando era una niña, apareciendo en anuncios de televisión y en la serie de Disney Channel Kids Incorporated. Alcanzó gran popularidad en la cultura adolescente por trabajos en la serie de Fox Party of Five, como Sarah Reeves y en la película de terror I Know What You Did Last Summer y su secuela, I Still Know What You Did Last Summer, ambas como Julie James.

Como cantante ha trabajado con las productoras Medlac Records, Atlantic Records y Jive Records.¹ Es conocida principalmente por hacer canciones de estilo pop y por tener una voz soprano (voz femenina aguda). Hasta la fecha, su sencillo más exitoso es «How Do I Deal», que alcanzó en 1999 el puesto 59 en las listas de éxitos musicales de Estados Unidos, y la octava posición en Australia. Además, ha participado también en la promoción de proyectos de actores.²

Su apariencia física ha sido tema de atención de muchos medios de comunicación a lo largo de su carrera. Nombrada como la mujer más sexy del mundo en 1999³ y la mujer más sexy de la televisión en 2008,⁴ ha sido galardonada muchas veces por las publicaciones de revistas como Maxim, TV Guide, FHM y muchos lectores de esos periódicos. En 2007, se publicaron unas fotos paparazzi de ella en una playa, en las cuales estaba pasada de peso, posteriormente se quejó por las críticas que le hicieron, siendo apoyada por otras celebridades y dándole a la revista People cobertura informativa.⁵

Además, ha protagonizado muchas películas y varias series de televisión.⁶ Hasta mayo de 2010 trabajó en la serie de televisión de la CBS Ghost Whisperer como Melinda Gordon, una mujer que puede ver fantasmas y les ayuda a arreglar sus problemas pasados. También protagonizó la serie de televisión The Client List. Su último trabajo en TV fue en la serie Mentes Criminales, como Kate Callahan, una agente especial, en el año 2015

1980:

Nace Tiziano Ferro, cantante italiano.

Tiziano Ferro (Latina; 21 de febrero de 1980) es un cantautor italiano. Debutó en 2001 con su disco Rosso relativo, alcanzando éxito en Europa, principalmente en España y en su propio país. Posteriormente, sería conocido en Latinoamérica al lanzar su disco en español.

En 2003 lanzó 111: Centoundici/111: Ciento once y en 2006 estrenó Nessuno è solo/Nadie está solo, los cuales han vendido millones de copias a lo largo del mundo ^{[cita requerida]}. Su cuarto álbum, Alla mia età/A mi edad, fue lanzado en noviembre de 2008 en Italia.

Habló públicamente de su homosexualidad, declarándose por primera vez en la revista Vanity Fair el 6 de octubre de 2010.¹ No sólo es famoso en su Italia natal, sino también en algunos países de Latinoamérica, Europa y Siria.²

https://www.youtube.com/watch?v=hVzqlv-0eFs

1984:

Muere Mijaíl Shólojov, escritor soviético, premio nobel de literatura en 1966 (n. 1905).

Mijaíl Aleksándrovich Shólojov (en ruso: Михаи́л Алекса́ндрович Шо́лохов) fue un novelista soviético nacido el 24 de mayo de 1905 en el jútor de Kruzhílino (Rostov del Don) y fallecido el 21 de febrero de 1984.

Además fue un político y miembro importante del Partido Comunista. Principal exponente de la cultura soviética, sus obras han sido traducidas a más de 30 idiomas. En el año 1965 ganó el Premio Nobel de Literatura.

1987:

Nace Ellen Page, actriz canadiense.

Ellen Grace Philpotts-Page (Halifax, Nueva Escocia, Canadá; 21 de febrero de 1987), más conocida como Ellen Page, es una actriz canadiense. Fue nominada a los premios Oscar y Globo de Oro en la categoría de mejor actriz por su actuación en Juno (2007), donde fue protagonista junto con Michael Cera.

1987:

Nace Ashley Greene, actriz y modelo estadounidense.

Ashley Michele Greene (Jacksonville, Florida; 21 de febrero de 1987), más conocida como Ashley Greene, es una actriz y modelo estadounidense conocida por su papel de Alice Cullen en la saga Crepúsculo.

1991:

Muere

Avelina Landín Rodríguez (Ciudad de México, 10 de noviembre de 1919-ibidem, 21 de febrero de 1991) fue una cantante mexicana, considerada como «una de las grandes e inconfundibles voces del bolero mexicano».^[1]

Biografía

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Avelina Landín Rodríguez nació en la Ciudad de México y fue hija de Irineo Landín Jáuregui y de Magdalena Rodríguez Moreno.^[2] Su padre y su madre cantaban muy bien, pero siempre en privado, porque a don Irineo no le gustaba la idea de tener un artista en la familia.^[3] Avelina y María Luisa Landín tenían un hermano que prefirió seguir la profesión de don Irineo: sastre cortador.^[3]

Avelina se inició artísticamente con su hermana María Luisa en los años treinta. Primero se llamaron Pirita y Jade y después Hermanas Landín. Juntas grabaron varios discos sencillos, para las compañías RCA Víctor y Peerless, y tuvieron mucho éxito en la radio, especialmente en la emisora XEQ. Avelina se retiró del medio artístico cuando se casó con Ángel Zempoaltecatl Ortega^[2] el 20 de enero de 1941,^[4] y María Luisa emprendió su carrera como solista.

Cuando retomó su carrera años después, Avelina, como solista, tuvo un lugar muy importante en el elenco artístico de la XEW,^[1] y grabó sus éxitos en la disquera RCA Víctor.

También grabó para Discos Musart, canciones como «Llegaste tarde», «Se acabó», «Limosna», «Gris», «Pasó de moda», «Ya no me beses» y «Dicen que tú».

A mediados de los años cincuenta, Avelina formó el dueto Las Dos Estrellas con Isabel Guzmán, grabando para la RCA Víctor varios discos sencillos con canciones como el vals argentino «Quisiera amarte menos» y el bolero «Sabor de engaño».^[5]

Cantó en Estados Unidos, las Antillas, Cuba, Centro y Sudamérica, Portugal, España, Inglaterra, Alemania, Suiza e Italia.

Landín falleció en la Ciudad de México, víctima de un paro cardíaco, y fue sepultada en el panteón Mausoleos del Ángel.^[1]

1996:

Nace Sophie Turner, actriz británica.

Sophie Turner (Northampton, Inglaterra, 21 de febrero de 1996) es una actriz inglesa. Su papel debut interpretando a Sansa Stark en la serie de la cadena HBO Juego de tronos le ha reportado gran popularidad y le valió una nominación a los premios Young Artist Award a la Mejor Actuación en una Serie de televisión. También ha participado en la película de televisión The Thirteenth Tale (2013).

1996:

Muere Isolina Carrillo, compositora, música y cantante de música popular cubana.

Isolina Carrillo (La Habana, 9 de diciembre de 1907 - 21 de febrero de 1996), fue una destacada compositora, música y cantante de música popular cubana.

A la edad de 10 años Isolina Carrillo hizo su debut ante el público al reemplazar al pianista que tocaba en la orquesta de su padre debido a que se encontraba enfermo. Su presentación fue bien recibida por el público asistente.

Provenía de una familia muy relacionada con la música pues sus hermanos también tocaban instrumentos musicales. Su padre tocaba el tres y el laud. Ella estudió en el Conservatorio Municipal de La Habana.

Pero en la década de los 40 fue donde alcanzó el mayor reconocimiento como compositora de boleros, guarachas y sones. Le pertenecen clásicos de la música latinoamericana como Fiesta de Besos, Canción sin amor, Increíble y, posiblemente la más famosa de todas sus obras, Dos gardenias. Esta última composición ha sido interpretada por diversos cantantes como Daniel Santos, Antonio Machín, Ángel Canales, Pedro Vargas, Rosa Carmina, Maria Rita, Lucrecia, Ibrahim Ferrer, entre otros.

Isolina Carrillo falleció el 21 de febrero de 1996 en La Habana a la edad de 89 años, manteniéndose activa inclusive en sus últimos años de vida.

https://www.youtube.com/watch?v=XlW-v_8Int4

2005:

Muere

Guillermo Cabrera Infante (Gibara, Holguín, Cuba, 22 de abril de 1929 - Londres, Inglaterra, 21 de febrero de 2005) fue un escritor y guionista cubano, quien tras exiliarse de su país obtuvo la ciudadanía británica. Recibió el Premio Cervantes 1997.

Biografía

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Escritor, periodista y crítico de cine. En 1941 se traslada con su familia a La Habana y allí empieza a escribir, por lo que abandona sus estudios de Medicina y comienza a trabajar en diversos oficios, ingresando en 1950 en la Escuela de Periodismo de Cuba. En 1951 funda la Cinemateca de Cuba junto a Néstor Almendros y Tomás Gutiérrez Alea, y lo dirige hasta 1956. Trabaja como crítico de cine con el seudónimo de G. Caín desde 1954, en el semanario Carteles, del que tres años más tarde es redactor-jefe. En 1959, tras el cambio político en Cuba, se le nombra director del Consejo Nacional de Cultura y, a la vez, subdirector del diario Revolución. Poco después es director del magazine cultural cubano Lunes de revolución, desde su fundación hasta su clausura en 1961

A los 19 años, escribió, producto de una apuesta, una parodia de El señor Presidente de Miguel Ángel Asturias, que llevó a Bohemia. Para su asombro, la revista la publicó (1948) y, según Cabrera Infante, “lo que ocurrió entonces, cambió mi vida definitivamente”.¹

Inició estudios de Medicina, que dejó para pasar a Periodismo en 1950, pues ya empezaba a descubrir que sus aficiones, la literatura y el cine, serían las pasiones a las que dedicaría su vida.

En 1952 los censores del régimen de Fulgencio Batista encontraron a Cabrera culpable de incorporar obscenidades en un cuento que había escrito ese año. Como castigo, se le prohibió publicar con su nombre, asunto que fue resuelto mediante el uso del seudónimo G. Caín, una contracción de sus apellidos. En 1954, se convirtió en crítico cinematográfico de la revista Carteles en la que firmaba con su seudónimo (que utilizaría posteriormente en algunos de sus guiones) y con la que colaboraría hasta 1960. En las postrimerías de la década del cincuenta, Cabrera Infante escribió la mayor parte de las historias que serían compiladas más tarde en Así en la paz, como en la guerra.

Se casó con Marta Calvo (1934) en 1953 y tuvo con ella dos hijas (Ana, en 1954 y Carola, en 1958). Sin embargo, cinco años más tarde conoció a la actriz cubana Miriam Gómez, con la que se casó el 9 de diciembre de 1961 tras divorciarse de su primera mujer.

Tras la llegada al poder de Fidel Castro en 1959, Cabrera Infante, que había apoyado la Revolución cubana, fue nombrado director del Consejo Nacional de Cultura, ejecutivo del Instituto del Cine y subdirector del diario Revolución (actual Granma), encargándose de su suplemento literario, Lunes de Revolución, en el que pretendía llevar a cabo los sueños de libertad y desarrollo cultural de la revolución. Sin embargo, sus relaciones con el régimen pronto se deterioraron, debido al corto que Orlando Jiménez Leal y su hermano, Alberto "Sabá" Cabrera Infante (1933-2002), rodaron a finales de 1960. El corto P.M., el cual, sin una estructura definida, describía las maneras de divertirse de un grupo de habaneros durante un día de finales de 1960, fue prohibido al año siguiente por Castro. Estalló la polémica en las páginas de Lunes de Revolución, hasta que el suplemento fue suprimido (1961). La luna de miel de la revolución cubana con los intelectuales tocaba a su fin. ²En su discurso del 30 de junio de 1961 (Palabras a los intelectuales), Fidel Castro pronunció su célebre frase Dentro de la Revolución todo; contra la Revolución, nada.

Cabrera Infante fue enviado a Bruselas en 1962 como agregado cultural de la embajada cubana. Durante su estancia en Bélgica, escribiría Un oficio del siglo XX (1963). Allí viviría con su segunda esposa, Miriam Gómez hasta 1965, cuando debido a la repentina muerte de su madre, vuelve a la isla. En Cuba fue retenido por el Servicio de Contrainteligencia durante cuatro meses, hasta que finalmente pudo salir hacia el exilio, llevándose a las dos hijas de su primer matrimonio. Cabrera Infante y su familia fueron a Madrid y luego a Barcelona. Sin embargo, las dificultades económicas y la negativa del régimen franquista a regularizar su situación le movieron a mudarse a Londres, donde se instaló definitivamente. La experiencia del breve retorno a su isla natal sería plasmada en su libro Mapa dibujado por un espía, publicado póstumamente en 2013.

En 1968 publicó en esa ciudad su primera novela de repercusión, Tres tristes tigres —TTT, como él la llamaba—, que originariamente se denominó Ella cantaba boleros. Se trataba de una versión, notablemente retocada, de su anterior trabajo Vista del amanecer en el trópico (premio Biblioteca Breve 1964 de Seix Barral). Se caracteriza por el uso ingenioso del lenguaje introduciendo coloquialismos cubanos y constantes guiños y referencias a otras obras literarias. En ella relata la vida nocturna de tres jóvenes en La Habana de 1958. En Cuba, la obra fue tildada de contrarrevolucionaria y Cabrera, expulsado de la Unión de Escritores y Artistas, fue calificado de traidor. Crítico implacable del régimen castrista, nunca regresó a Cuba y se negó a que sus obras Tres tristes tigres y La Habana para un infante difunto fueran publicados dentro de la línea de edición de emigrados del Ministerio de Cultura.

A principios de los años 1970 se instaló en Hollywood para dedicarse al mundo del cine como guionista, con discreto éxito. Trabajó para la película Bajo el volcán, de John Huston, basada en la novela de Malcolm Lowry. Dos años más tarde colaboró muy de cerca con la investigadora y traductora de literatura latinoamericana Suzanne Jill Levine, quien, junto con Donald Gardner, tradujo Tres tristes tigres, que se publicó con el título de Three Trapped Tigers. En 1979 obtuvo la ciudadanía británica. Ese mismo año publica su segunda obra más reconocida, la novela autobiográfica La Habana para un infante difunto.

Ganó el Premio Cervantes en 1997 y en 2003, el Internacional de la Fundación Cristóbal Gabarrón en la categoría de Letras.

De salud delicada en sus últimos años, fue ingresado en el Chelsea and Westminster Hospital de Londres debido a una fractura de cadera. Allí contrajo una septicemia por la que falleció el 21 de febrero de 2005.³ La noticia de su muerte no fue recogida en Cuba.

Su estilo se caracteriza por los continuos retruécanos, paronomasias, agudezas, uso del hipérbaton y traslaciones idiomáticas, con los que intenta imitar el ritmo sincopado del jazz; por el dominio de los registros coloquiales de la lengua cubana, por un espléndido sentido del humor y por una gran cultura, manifiesta en la abundante intertextualidad de que hacen gala sus textos.

En virtud de estos atributos, el crítico Enrico Mario Santí llegó a declarar que Cabrera Infante encarnaba, como ningún otro escritor, el estilo literario de la nación cubana, ya que su sentido del humor, el "choteo" cubano, reflejaba un modo de ser muy arraigado en la literatura y la vida de la isla.⁴ También Fernando Savater ha aludido a esta característica de su obra: "Guillermo Cabrera Infante ha cultivado en el más alto grado el sentimiento cómico de la vida: pero no como opuesto al sentimiento trágico, sino como una variante que lo agrava al purificarle del superfluo patetismo de la seriedad".⁵

También es autor de poemas visuales. Su influencia es visible en la obra de autores de otras generaciones, como en La guaracha del Macho Camacho del puertorriqueño Luis Rafael Sánchez o en Última rumba en La Habana del cubano Fernando Velázquez Medina.

Después de su muerte

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En 2009 aparecieron los primeros signos de una reconcilación de Cuba con el escritor, después de que los periodistas Elizabeth Mirabal y Carlos Velazco ganaran ese año el premio de ensayo de la Unión Nacional de Escritores y Artistas, cuya editorial publicó el texto —más de 300 páginas sobre la vida y trayectoria de Cabrera Infante desde su infancia en Gibara hasta que abandonó definitivamente la isla en 1965— en 2011. Reynaldo González, Premio Nacional de Literatura, opina al respecto "que el libro tiene valor entre otras razones porque 'es bueno que cada vez haya menos adentros y afueras' en la literatura cubana".⁶ Leonardo Padura sostiene, por su parte, que Cabrera Infante "es un indispensable de la cultura cubana", pues "tiene el gran mérito de haber convertido el lenguaje del habanero en lenguaje literario"; con independencia de las revelaciones que haga el ensayo en cuestión, el mero hecho de haber obtenido un premio oficial y ser publicado es un signo "positivo y reflejo de que poco a poco se vuelve a la normalidad".⁶

Pero para el filósofo y narrador Fernando Savater, "esta publicación no es más que la típica jugada de los burócratas de las dictaduras moribundas, que intentan echar el lazo a escritores y artistas relevantes de la disidencia" y "fingen un reconocimiento tardío a sus méritos ensalzando sus logros creativos para mejor difuminar su oposición al régimen, que queda soslayado como algo circunstancial y menor". "Tal es la operación que pretenden hoy llevar a cabo los gestores del castrismo casi póstumo con la figura intelectual del autor que de modo más duradero, insobornable y consciente encarnó la denuncia de la dictadura caribeña: Guillermo Cabrera Infante", escribe Savater, que dice que en ese libro "lo más chocante no son las presencias, sino una gran ausencia". "Falta la voz esencial de la compañera constante y más intima colaboradora del escritor, Miriam Gómez. Cuantos conocimos a Guillermo no podemos recordarlo ni imaginarlo siquiera sin Miriam. Fue la primera lectora de todas y cada una de sus páginas, la destinataria de muchas y la mecanógrafa que puso en limpio la mayoría. Ahora es ella quien se encarga con amoroso cuidado de preparar para la edición sus obras póstumas, así como de gestionar el resto de sus escritos, tras haber rechazado ofertas sospechosamente generosas del oficialismo cubano, probablemente más deseoso de enterrar esos libros que le comprometen que de sacarlos a la luz. La ausencia de Miriam de esa tesis es más significativa, más devastadoramente significativa sobre ella que todos los testimonios recogidos allí". Savater concluye que la edición del citado ensayo "es el abrazo del oso, el abrazo doloso que el castrismo agonizante quiere dar a su incansable opositor para aprovecharse de su nombre".⁷

En 2012, Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores comenzó a publicar las Obras completas de Cabrera Infante, que constarán de 8 o 9 tomos preparados por Toni Munné en estrecha colaboración con Miriam Gómez.⁸

2013:

Muere Mariano Cívico, cantante puertorriqueño (n. 1951).3

Mariano Cívico (Ponce, Puerto Rico; 17 de septiembre de 1951 - Madrid, España, 21 de febrero de 2013)¹ fue un cantante y músico puertorriqueño

Índice

· 1Biografía

· 2Fallecimiento

· 3Referencias

· 4Enlaces externos

Biografía[editar]

Con tan solo 14 años lo llaman a formar parte del la Orquesta Caribe de Ernesto(tito) Maldonado. Sus primeras tablas fueron en el naciente grupo y en poco tiempo le llega la invitación para formar parte de la Orquesta de Elvin Torres más conocida como Costa Brava.

Empieza su carrera como solista, saltando problemas de promoción del reciente trabajo realizado para el sello Hit Maker, Mariano decide continuar impulsando su carrera y es así como logra contactar con el sello FM discos de Bogotá Colombia. Graba todos los éxitos que había logrado con Orquesta Costa Brava la producción se llamó "De Costa a Costa" logrando extraordinarias ventas en territorio Colombiano y en poco tiempo gana Disco Platino.

A raíz de un programa de radio en Bogotá donde se rescataron temas que habían sonado años atrás se dio a conocer en Colombia el tema "tu precio" el cual tuvo mucha aceptación en los oyentes por lo que rotaron otros temas del álbum de Costa Brava y todos tuvieron la misma recepción por tanto los empresarios buscaron a la Orquesta para presentarse en Colombia pero para esa fecha la orquesta estaba disuelta entonces buscaron a la voz que canto los temas mas pegados como "esa mujer, tu precio y otras" y llamaron a Mariano quien se instaló en la ciudad de Santiago de Cali y en Bogotá, grabo de nuevo todos los temas del álbum de costa a costa incluso algunos temas que originalmente cantó otro de los cantantes de Costa Brava, como el cover de " Se quiere bonito". En Colombia alcanza de nuevo la cúspide con la remasterización de sus éxitos con Costa Brava.

Alcanzado el éxito en Colombia se extiende hacia el exterior y prepara desde allí lo que sería una gira a nivel mundial, Santiago de Cali fue el trampolín que lanzó a Mariano al panorama internacional, visitando Estados Unidos, Centro y Sur América, Europa. Lejos de su isla pero en la tierra que lo adoptó como hijo "Caleño" se estableció con su familia. Colaboró con muchos cantantes y grupos locales y desde allí representaba a otros grupos musicales de Puerto Rico.

A finales del año 2012, inició gira por España visitando ciudades como: Bilbao, Madrid, San Sebastián, Valencia.

Fallecimiento[editar]

Falleció en Madrid España a causa de un paro cardiorrespiratorio el 21 de febrero de 2013.²³ Mariano tuvo cuatro hijos a los cuales dedicó su vida: Giovanni, Sebastían, Santiago y Mariano Alejandro.

https://www.youtube.com/watch?v=4ZiKJI7mLEU

2016:

Muere Domenica Di Salvo, cantante venezolana, de origen italiano.

A las 3 de la mañana 3 de la mañana, del 21 de febrero de 2016, falleció Domenica di Salvo, la cantante y empresaria de origen italiano que ofrendó una vida de trabajo y bondad por el Zulia y Venezuela.

La muchacha de talla menuda y voz exquisita que cantando en el Parque-Teatro de la Tradición, fue descubierta por Roberto Luti y así conformaron el dueto que grabó la versión en español de “Do you love me?”, original de Sharif Dean, pero este “Tú me amas” de los zulianos Luti y De Salvo se convirtió en un hit internacional, que les valió presentaciones en México, Peru, Italia, hasta el remoto Japón donde en 1971 obtuvieron el segundo lugar en un concurso internacional con participación de 56 países.

El dueto existió de alguna manera hasta la temprana muerte de Roberto Luti en abril de 1994, pero Domenica Di Salvo siguió adelante su vida artística, con frecuentes presentaciones al público que reclamaba su voz de registros impresionantes.
Emprendedora, fundó con su hermano una empresa de seguridad, y colaboró con numerosos proyectos y eventos filantrópicos, a beneficio de personas necesitadas, incluso en la Fundación Crevalh, para el rescate del patrimonio zuliano, acompañando a su amigo Jorge Acosta.
Domenica De Salvo Cardullo nació hace 67 años en Messina, isla de Sicilia, pero desde muy joven llegó a Maracaibo. Sus hermanos son Luigi, Santina, Corrado y Francisco De Salvo. Sus hijos Fabiola y Emmanuel, y un angelito llamado Bruno, quien se le adelantó en el camino al cielo hace muchos años.
Estaba batallando contra una forma de leucemia que en las últimas semanas tuvo un avance indetenible.

Y me limito a la formalidad de una nota necrológica para contener las lágrimas por esta pérdida que para muchos es irreparable.

(Ramón Alberto Escalante)

2019:

Muere

Stanley Donen (Columbia, Carolina del Sur; 13 de abril de 1924—Manhattan, Nueva York; 21 de febrero de 2019)¹ fue un coreógrafo, bailarín y director de cine estadounidense.

Bailarín y coreógrafo en los estudios de la productora MGM es considerado como uno de los maestros del cine musical. Codirigió junto a Gene Kelly (otro de los grandes del género) Un día en Nueva York (1949), Cantando bajo la lluvia (1952), que obtuvo un gran éxito y se ha convertido en un clásico del cine musical, y Siempre hace buen tiempo (1955). Dirigió además otras comedias musicales, entre las que se encuentran Tres chicas con suerte (1953), Siete novias para siete hermanos (1954) y Funny Face (1957). Más tarde se orientó hacia la comedia pura, donde mostró su elegancia y su talento en la dirección de actores famosos: Indiscreta (1958), Charada (1963) y Dos en la carretera (1967).

2019:

Muere Beverly Owen, actriz estadounidense.

Beverley Ogg (Ottumwa, Iowa, 13 de mayo de 1937-Londonderry, Vermont, 21 de febrero de 2019)¹, conocida como Beverley Owen, fue una actriz estadounidense. Owen interpretó el papel original de Marilyn Munster en la comedia de situación The Munsters en 1964, antes de ser sustituida por Pat Priest.

Carrera[editar]

En 1956, apareció en su primer papel televisivo en As the World Turns. También apareció en los programas The Doctors, Kraft Mystery Theatre, The Virginian, Wagon Train y Another World, y en el largometraje Bullet for a Badman, de 1964, protagonizado por Audie Murphy, tras lo cual consiguió el papel de Marilyn Munster en la serie original The Munsters.

Aunque es conocida básicamente por participar en esa serie, a ella no le gustaba este papel, pero lo aceptó por las obligaciones contractuales que tenía con Universal Studios. Tras participar en trece capítulos, Owen dejó la serie para contraer matrimonio y fue sustituida por Pat Priest.

A principios de 1971 apareció en Another World durante dos años, para después de esto retirarse de la televisión y dedicarse exclusivamente al teatro.

Vida privada[editar]

Una estudiante de Sanford Meisner, Owen vivía en Upstate, Nueva York, donde se le veía con frecuencia en la compañía de teatro Hubbard Hall, en Cambridge, Nueva York.

En 1989 recibió una licenciatura de la Universidad de Míchigan en Historia Antigua de América.

Estuvo casada con el escritor y productor Jon Stone durante 10 años (1964-1974) y tuvo 2 hijas: Polly y Kate.

Falleció el 21 de febrero de 2019 en Londonderry, Vermont, debido a un cáncer de ovario.

Trayectoria[editar]

2026:

Muere

William Anthony Colón (Nueva York, 28 de abril de 1950-Nueva York, 21 de febrero de 2026),^[1] conocido artísticamente como Willie Colón, fue un cantautor y trombonista estadounidense.^[2] También fue conocido por haber formado parte de los dúos Willie Colón & Héctor Lavoe y Willie Colón & Rubén Blades, siendo considerado como uno de los mejores intérpretes en la historia de la salsa.^[3]^[4]

Colón fue un integrante de la salsa y un artista con ventas registradas, siendo una figura en la escena musical neoyorquina asociada a Fania Records. También fue conocido por haber adoptado la imagen de gánster en las portadas de sus álbumes antes de su popularización cultural.^[5]

Biografía

Willie Colón nació el 28 de abril de 1950 en la ciudad de Nueva York pero fue criado en Puerto Rico.^[2] Sus padres eran puertorriqueños, pero fue criado por su abuela y su tía, quienes desde pequeño lo nutrieron de música tradicional puertorriqueña y de otros ritmos típicos del repertorio latinoamericano como el son cubano y el tango.^{[cita requerida]} A los 11 años mostró predisposición por los instrumentos de viento, iniciándose en el clarinete; posteriormente pasó a la trompeta, y finalmente el trombón, que fue el que lo consagró.^{[cita requerida]} Se indicó que cambió la trompeta por el trombón al oír a Mon Rivera en su interpretación de la bomba y la plena, siendo su referencia Barry Rogers.^{[cita requerida]}

Desde muy temprano aprendió a discernir entre las imágenes y adjetivaciones sobre la comunidad latina y la situación de los inmigrantes en la «Gran manzana».^[6] De esta forma convirtió su trabajo artístico en un testimonio social, cuyas letras narraron las incidencias de la marginalidad, el prejuicio y el desamparo de los inmigrantes.^[7] Su entrada al mundo del disco fue uno de los momentos de la música salsa, en tanto fue el punto de partida que desarrollaría la expresión salsera, en un intento por homogeneizar los trabajos que desde hacía varios años se realizaban en el mundo latino de Nueva York, como parte de una propuesta sonora.^{[cita requerida]}

Aunque se le acusó de ser un músico estridente e inarmónico, era visto como un músico poco experimentado.^{[cita requerida]} Se autoapodó «el malo» y luego haría de este apodo junto con Héctor Lavoe una sátira hacia la mafia, que se expresó en las portadas de sus discos que referenciaban a los personajes del bajo mundo, perseguidos por la justicia.^{[cita requerida]} Hizo su primera grabación en 1967 para el sello Futura, de Al Santiago, pero el sello cerró.^{[cita requerida]}

Falleció en la ciudad de Nueva York la mañana del 21 de febrero de 2026. Su deceso se produjo tras permanecer varios días hospitalizado en una clínica local, debido a diversas complicaciones en su estado de salud.^[8]^[9]

Trayectoria musical

1967-1974: Dúo con Héctor Lavoe

Artículo principal: Willie Colón & Héctor Lavoe

Con 17 años, se integró al grupo de artistas que formaron el sello discográfico liderado y creado por Jerry Masucci y Johnny Pacheco: Fania Records; que participó en la propuesta sonora que se produjo en el mundo latino de la ciudad de Nueva York, que posteriormente se denominaría «Salsa».^{[cita requerida]}

En 1965 publicó bajo el sello Futura Records su primer sencillo, el cual contenía los temas «Fuego al barrio» y «Se baila mejor», interpretados por Tony Vázquez y producidos por Al Santiago.^[10]

Su primer álbum estaba propuesto para ser cantado por Tony Vázquez, que no fue del agrado de los productores de Fania Records, por lo que Pacheco sugirió a Héctor Lavoe, que tenía experiencia y versatilidad.^[11]

Este binomio produciría entre 1967 y 1973 un total de nueve álbumes de estudio y se constituyó en la banda de la escena, a partir del cual se homogeneizó la propuesta musical salsera.^{[cita requerida]} Colón armonizó las tendencias musicales del mundo anglosajón (jazz, rock, funk, soul, r&b) con la vieja escuela latina del son cubano, el chachachá, el mambo y la guaracha, añadiendo la nostalgia del sonido tradicional puertorriqueño, inscrito en la música jíbara, la bomba y la plena.^{[cita requerida]}

Sus dos primeros álbumes titulados: El Malo (1967) y The Hustler (1968) son considerados clásicos, ya que su propuesta estaba imbuida en los ritmos de la época pero con un sonido donde estaba emergiendo una propuesta que pugnaba por diferenciarse del boogaloo, el jala jala y el mambo y se adentraba a ritmos más tradicionales y típicos.^{[cita requerida]} La amalgama de guaguancó, Mozambique y bomba fue criticada por líderes de orquestas consagradas, sin embargo Willie y otros músicos jóvenes no solo probaron ser parte de términos musicales sino también en la venta de álbumes y lograron dividendos para la empresa discográfica, considerando, que se trataba de un artista nuevo.^[12]

El álbum Guisando publicado en 1969 constituye el tercer trabajo de la dupla Colón-Lavoe quienes se alejaron de las propuestas impuestas por las grandes bandas y perfilaron un sonido propio.^{[cita requerida]} El álbum propuso un estilo de hacer música que se percibía en el entorno del gueto y los anhelos de la diáspora boricua en la Babel de Hierro.^{[cita requerida]} Sus letras abordaron historias de carteristas o ladrones y enfocaron temas como la envidia, el chisme, la maldad y la santería.^{[cita requerida]} Entre los temas destacados estuvieron: «Te están buscando», «Guisando» y «No me den candela». El álbum está considerado como el primer disco de salsa de la pareja. Este álbum fue el último en el que participó Mark Dimond como pianista de la banda.^[13]

«Cosa Nuestra» a finales de 1969, marcó la consolidación de Willie Colón como una de las bandas de la escena latina de Nueva York y los trabajos realizados hasta ese momento.^{[cita requerida]} El tema «Che Che Colé» donde se fusionó la bomba y el oriza con vestigios del 6/8 africano, fue un éxito que le abrió las puertas de Panamá, Francia, Perú, Venezuela y Colombia.^{[cita requerida]} Este álbum marcó la aparición de músicos que serían habituales en las sucesivas bandas del artista: Joe Torres al piano, Milton Cardona en congas y José Mangual Jr. al bongo.^{[cita requerida]} La temática del álbum salió del campo para adentrarse a la ciudad y el cantante Héctor Lavoe realizó vocalizaciones afinadas. Otras canciones destacadas fueron: «Te conozco», «Juana Peña», «Tú no puedes conmigo», «Sangrigorda» y el bolero «Ausencia» todos ellos imbuidos en una temática social cercana a la realidad del barrio. Fue el álbum más vendido de la dupla hasta el momento.^[14]

«Asalto Navideño» 1970 se constituye en el quinto álbum de la pareja de músicos donde Yomo Toro dándole un aire puertorriqueño a gran parte de los temas. En este álbum se mezclaron el sonido de la música jíbara campesina con el guaguancó cubano y la murga panameña. La canción más popular del disco fue «La Murga» que se constituyó en uno de los temas de la banda y del repertorio musical salsero; con un ritmo y arreglo de trombones.^[15]

En 1971 se publicó «La gran fuga» la sexta producción de Colón para Fania. El tema más conocido de este álbum fue «Panameña» un tema de seis minutos con fragmentos del folklore puertorriqueño. Este álbum mantuvo la estética de los álbumes anteriores donde se evocó la cosmovisión del dúo, que encaró la vida como una combinación de alegría y tristeza.^[16]

Luego de seis producciones para el sello Fania, Willie Colón lanzó al mercado «El Juicio 1972». El álbum obtuvo resultados tales como: «Timbalero» un tema que se convirtió en modelo para percusionistas, «Piraña» del Tite Curet Alonso, «Soñando despierto» donde apareció un solo de trombón de Willie Colón que asemejaba a las antiguas bandas municipales de Puerto Rico y el bolero «Seguiré sin ti» que Lavoe cantó con una forma vocal retardada.^[17]

En 1973 Willie Colón produjo el álbum Asalto Navideño Vol. 2 que constituyó un trabajo destinado al mercado en épocas navideñas y «Lo mato» que fue el trabajo de la trayectoria artística con Héctor Lavoe. Willie Colón compuso algunas de las canciones de su carrera. Temas como «El Día De Suerte», «Todo Tiene Su Final» y «Calle Luna, Calle Sol», fueron referencia en el repertorio del cancionero musical salsero, con la voz de Héctor, demostrando su fraseo. Lo mato 1973 es un álbum que contó la historia de dos artistas.^[18]

Este último trabajo marcó la separación que se materializó en 1974, luego del agotamiento físico de ambos artistas. Willie Colón quiso hacer una pausa y emprender su carrera como solista y productor de otros cantantes, luego de haber culminado estudios en composición y arreglos. A la vez, buscó desprenderse del sonero que comenzó a depender de él y cuyos problemas con las drogas se agravaron, lo que acarreó incumplimientos durante las giras y conciertos por la falta de compromiso de Lavoe para asumir las exigencias artísticas que imponía su carrera como cantante.

1975-1978: Etapa con Rubén Blades y como productor

Artículo principal: Willie Colón & Rubén Blades

Luego de su separación de Lavoe, Colón comenzó un crecimiento personal tomando clases de teoría musical, composición y arreglos orquestales y lanzó dos álbumes en solitario uno de ellos instrumental. Posteriormente realizó la producción de los discos de Héctor Lavoe y se unió a Rubén Blades y otros cantantes.

En 1975 produjo su primer álbum independiente, The good,the bad,the ugly, donde debutó cantando como solista en las canciones «Toma», «Cua cua ra cua cua» y «Guaracha». En este álbum participaron Héctor Lavoe en dos temas y Rubén Blades cantando el tema de su autoría «El cazanguero». En este álbum, Colón abordó la vertiente brasileña con la que había coqueteado en anteriores canciones y compuso tres números instrumentales. Este trabajo marcó el cierre formal de su primera orquesta con Héctor Lavoe como su cantante principal y significó el inicio formal de su período sinfónico y su debut como solista, así como el comienzo de una relación con el panameño Rubén Blades, a quien le tocó la tarea de la orquesta.^[19]

Ese mismo año produjo, como una especie de tributo junto a Mon Rivera, el álbum Se chavó el vecindario (1975). Este disco fue considerado como un trabajo de bomba y plena, los dos géneros musicales de origen afro en Puerto Rico, en un momento donde Colón estaba explorando las posibilidades del sonido de trombones que el mismo Mon había creado.

Mientras tanto, Héctor Lavoe se lanzó como solista con su álbum La Voz (1975), en el que Willie Colón se encargó de la producción y arreglos de gran parte de las canciones, participando en los coros y aportando el tema que abrió el LP, «El todopoderoso». Lo mismo sucedió con el segundo álbum de Lavoe en solitario, De ti depende, de 1976.

En el año 1977, Colón produjo el trabajo instrumental, El baquiné de angelitos negros, basado en el poema de Andrés Eloy Blanco, que fue su primer álbum de ese tipo. Aquí amplió la orquesta para agregar saxo, flauta, trompetas y violines y prescindiendo de los acompañamientos vocales. Este trabajo obtuvo escasa repercusión pero le sirvió al artista para familiarizarse con diversas tesituras y acompañamientos que luego empleó en su carrera como solista, en lo que se consideró el disco precursor de la salsa sinfónica.^[20] Ese mismo año, junto a Celia Cruz grabaron Only they could have made this album (1977), donde la cantante en manos del productor musical mostró un repertorio y un sonido donde fue posible lograr el éxito sin la necesidad de apelar al formato de la Sonora Matancera.^[21]

A partir de 1977 estrenó un nuevo cantante dentro de su orquesta, se trató de Rubén Blades. Esta pareja alcanzó el éxito reclutando a un público joven que no estaba familiarizado con la producción discográfica de Colón, por lo que la gente no echó de menos a Héctor Lavoe, quien por lo demás estaba vigente con banda propia. El éxito con Blades se fundamentó en un sonido con una orquesta de músicos donde se mezclaba la sofisticación y la fuerza en escena, con letras que dieron a la salsa mayores alcances.

En el año 1978, Colón produjo para Héctor Lavoe su tercer álbum como solista, Comedia. El tema emblemático de este álbum, «El Cantante», cuyo autor fue Rubén Blades, debió su éxito, entre otras cosas, al arreglo que hizo Willie para esta canción. Ese mismo año produjo el álbum Siembra, junto a Rubén Blades. Este álbum fue catalogado como uno de los más conocidos del género salsa y el más vendido del sello Fania. El impacto de este disco llevó a que audiencias de países como Chile, España o Argentina aceptaran la salsa. La música de la banda de Colón llevó a este álbum a un éxito comercial en un momento en que la salsa de Nueva York mostraba signos de agotamiento y empezaban a destacarse otros enclaves salseros.

Un año más tarde produjo para Héctor Lavoe el álbum Recordando a Felipe Pirela (1979) encargando de gran parte de los arreglos a Carlos Franzetti. En 1980 se encargó de producir para Héctor Lavoe El sabio con los arreglistas: José Febles y José Madera. Paralelamente produjo el álbum doble Maestra Vida (1980) cuyo concepto, letra y música pertenecieron a Rubén Blades. Ese mismo año produjo junto a Ismael Miranda el álbum Doble Energía, que relanzó la carrera del cantante. Para este álbum utilizó su banda de músicos habituales y encargó los arreglos a músicos como Luis García, Héctor Garrido, Marthy Sheller y Jorge Calandreli, logrando un sonido dentro de un repertorio donde José Nogueras aportó varios temas.^[22]

En 1981, produjo junto a Rubén Blades el álbum Canciones del solar de los aburridos cuyo estilo de trombones y la letra de algunas canciones rememoró su época con el cantante Héctor Lavoe. Posteriormente, este álbum fue nominado al Grammy. Además realizó su segundo álbum con la guarachera Celia Cruz, Celia y Willie, que sirvió para mantener a la cantante dentro del circuito salsero luego de su tiempo con el músico Johnny Pacheco.^[23]

Willie Colón culminó su asociación artística con Rubén Blades luego de la producción del álbum The last fight (1982), que le permitió aparecer en la película homónima. Ese mismo año produjo otro trabajo con la cantante Soledad Bravo, Caribe, que relanzó a la cantante venezolana y le permitió grabar posteriormente dos álbumes más. Para el año de 1984 produjo para la cantante Sophy el álbum Sophy en New York con Willie Colón, donde continuó la exploración de los ritmos afroantillanos.

1979-1984: Primera etapa como solista

A fines de los años setenta, Willie Colón era el productor musical del sello Fania Records. Los cantantes lo buscaban para proyectar sus carreras, en un momento donde bandas como las de Larry Harlow, Ray Barretto y Eddie Palmieri, mostraban signos de agotamiento dentro de sus propuestas musicales. Colón comenzó a lanzar su carrera como cantante solista y junto a Rubén Blades formaba la pareja del mundo salsero. Además, produjo a cantantes como: Héctor Lavoe, Celia Cruz e Ismael Miranda.

En este escenario y paralelamente a estas asociaciones, Willie Colón emprendió su carrera como solista debutando con el álbum: Solo 1979. Pasaron 10 años para que el artista, que solo había participado en los coros y, que tuvo una participación en tres temas de su álbum de 1975, se lanzara como voz principal en un álbum que fue catalogado simultáneamente como: «pretencioso», «pomposo», «exquisito» y «sinfónico».^[24] Sin embargo, el álbum fue catalogado por el sitio web de Fania como «un hito en la historia de la salsa de Nueva York».^[24]

Para este debut Colón preparó una banda donde incluyó los metales de una orquesta: Flauta, trompetas, saxos, trombones y tuba; una sección de cuerdas, el cuatro de Yomo Toro y los habituales músicos de su orquesta: Salvador Cuevas en el bajo, Profesor Joe Torres al piano y la sección rítmica compuesta por Josè Mangual Jr, Eddie Montalvo y Jimmy Delgado. Para acompañar en los coros la voz de Willie Colón, se recurrió a un grupo femenino que matizó el sonido del que hizo gala el músico. A pesar de esto el autor del libro de la salsa César Miguel Rondón criticó al álbum por su dulzura y atmósfera de telenovela.^[24]

El álbum alcanzó disco de oro en tres semanas y rompió récords de taquilla en su presentación en el Poliedro de Caracas. Entre los temas del álbum estuvieron: «Nueva York» y «Juancito» donde se narró el choque cultural que experimentaba un jibarito que se trasladaba a Nueva York; este tema fue mencionado por Rubén Blades. Sin embargo, los temas más radiados fueron: «Nueva York», «Sin Poderte Hablar», «Tú Eres Tú», «Mentiras Tuyas» y «Julia» banda sonora de Julio Sánchez Cristo. El álbum presentó varios temas orquestales con la Orquesta Filarmónica de Puerto Rico y Colón fue el compositor de ocho de los diez temas.

Dos años más tarde produjo su segundo álbum como solista: «Fantasmas» 1981 el cual continuó con los coros femeninos, siendo su estructura menos ambiciosa en cuanto a la orquestación y la producción en general. Colón compuso cinco de las ocho canciones del disco, donde destacaron: «Amor Verdadero», «Celo», «Sueño De Papelote», «Oh, Qué Será?» del compositor brasileño Chico Buarque y «Toma Mis Manos» la canción que cerró el álbum. «Este disco presentó, dentro de un contexto histórico, a un músico desarrollado, que desde un comienzo en Nueva York, se convirtió en una de las personalidades del gremio salsero».^[25]

Mientras la salsa romántica hacía su aparición en medio del desgaste de los ritmos afroantillanos, Willie Colón buscaba formas musicales. «Corazón Guerrero» 1982, el tercer álbum en solitario de Willie Colón, fue un producto que exploró la gama de ritmos latinos en un marco de influencias anglosajonas que algunos calificaron como uno de los trabajos de Pop latino. Colón se rodeó de músicos creando un ambiente musical. Canciones como «Corazón guerrero», «Suéltale el rabo al dragón», «Dormido no» y el popular tema de Carole King «Will you still love to me tomorrow» (versionado como «Que pasará mañana») fueron muestras de un trabajo de aquel momento.^[26]

En 1983 Willie Colón y Héctor Lavoe se unieron en el álbum Vigilante. Para aquel entonces Lavoe llevaba dos años sin grabar y su comportamiento llevó su carrera a un futuro incierto. Por su parte Colón estaba encarando la disolución de su binomio con Rubén Blades. Este álbum presentó sólo cuatro temas, siendo Colón el cantante del tema homónimo, destinado originalmente a ser parte de la banda sonora de un film homónimo en el que Willie encarnó a Rico Meléndez. Los otros temas fueron cantados por Lavoe, donde destacaron «Triste y Vacía» y «Juanito Alimaña», de Tite Curet Alonso, que se convirtió en un éxito.^[27]

Tiempo Pa’ Matar (1984) fue la despedida formal de Willie Colón de Fania Records. En este trabajo continuó explorando sonoridades y fusiones rítmicas además de letras como en la canción «El diablo». En este álbum se produjo la sustitución del «profesor» Joe Torres por el pianista Jorge Dalto e incluyó al flautista Mauricio Smith, que participó en varios temas. Entre las canciones del álbum se encontraron «Tiempo pa’ matar» y «Callejón sin salida», firmadas por el propio Willie, donde se rememoraron tiempos de la vida en el barrio, mezclados con temas políticos y autobiográficos. El tema de éxito radial resultó ser «Gitana», el cual poseía aires españoles y cuya autoría perteneció a «Manzanita».

1985-1998: Nueve álbumes y colaboraciones internacionales

A mediados de los años 1980, Fania Records estaba en medio de una situación financiera, la compañía disquera por la que desfilaron artistas de la música afro caribeña, realizó inversiones en negocios y películas que no tuvieron el éxito esperado. Con la partida de Rubén Blades y posteriormente de Willie Colón su productor musical, la compañía se sumergió en una especie de limbo. Nueva York dejó de ser el epicentro de la salsa que se desplazó hacia Puerto Rico con las orquestas de Cheo Feliciano, Bobby Valentín, Roberto Roena y La Sonora Ponceña; Venezuela con Oscar D'León y Colombia con el Grupo Niche.

En este contexto donde el boom de la salsa neoyorquina llegaba a su final remplazado por otras propuestas musicales como la salsa romántica y el merengue, Willie Colón produjo su quinto álbum como solista: Criollo 1984. Apoyado en los arreglos de Marty Sheller, realizó una producción donde compuso y versionó varios temas de autores brasileños que exploraron tendencias rítmicas. Los temas destacados fueron: «La era nuclear», «Me das motivo» (Sullivan-Massadas), «Miel» (Caetano Veloso-Wally Salomao) y «Son ellos» (Tunal y Sergio Natureza); este último dedicado a los cantantes ciegos Stevie Wonder, José Feliciano y Ray Charles. Este álbum fue producido para el sello RCA.

En 1986 produjo para el sello venezolano Sonográfica su sexto álbum de estudio como solista, donde regresó a la salsa como expresión musical. El disco presentó temas bailables como: «Lo que es de Juan» y «Soltera». Además presentó un popurrí de canciones de su época con Lavoe donde se incluyeron los temas: «Che Che Colé», «Barrunto», «Te Conozco» y «Calle Luna Calle Sol». Este álbum fue reeditado en 2011 con el nombre: «Pregunta por ahí» un bolero que formó parte de esta producción discográfica. Este bolero es autoría del compositor y presentador de televisión Luis Guillermo González.

Un año después produjo para Celia Cruz un tercer disco para el sello Fania que fue poco promocionado: «The Winners» 1987. Aunque las canciones tenían los ingredientes para haber sido más conocidas, la época en que fue lanzado, influyó en el resultado; para aquel entonces Celia Cruz estaba incursionando en el ambiente de la ciudad de Miami.

Tres años después de su último trabajo regresó con nueva banda: Legal Aliens, para grabar su séptimo álbum solista Top Secrets 1989 siendo el autor de cuatro de las ocho canciones del álbum. Willie Colón había regresado a la Fania para producir el disco de Celia Cruz de 1987 y el de Héctor Lavoe «Strikes Back», por lo que este álbum fue grabado para Fania Records. Este trabajo descansó sobre los teclados y un frente trombón/saxofón que ofreció posibilidades sonoras; con influencias del r&b y el funk.^[28]

El primer sencillo promocional fue «Primera noche de amor» pero lo que convirtió a este disco en un trabajo conocido, fue el éxito «El gran varón» de Omar Alfanno que devolvió a Colón a la palestra internacional. Otras canciones fueron «Así es la vida» donde Colón retomó crónicas como narrador de lo cotidiano y el tema: «Nunca se acaba» donde el coro decía: «Sepan que esto no se va/La salsa nunca se acaba».

Un año más tarde, en 1990, Colón presentó su octavo álbum de estudio denominado: Color americano. El cantante venezolano Amilcar Boscan y el propio Willie compusieron tres temas cada uno. Además contenía la versión del tema de Juan Gabriel «Hasta que te conocí». Este álbum tuvo repercusión comercial limitada siendo los sencillos: «Aerolínea desamor» y «Vida nocturna».

En 1991 Colón trajo su noveno trabajo: Honra y cultura que continuó en una carrera que buscaba nuevas expresiones musicales y temas que encararan la hispanidad y la conciencia. A través de un mensaje antibélico y de temas como la contaminación, las dictaduras, las drogas y la desigualdad, Colón realizó un trabajo. Las canciones fueron: «No», «Quinientos años» y «Divino maestro», en donde aparecieron solos de Yomo Toro y del propio Colón.

Hecho en Puerto Rico lanzado en 1993 es un álbum grabado con músicos puertorriqueños como: Papo Lucca, Bobby Valentín, Tito Allen, Isidro Infante y Cucco Peña que fue el productor. El álbum marcó el retorno a raíces ancestrales del músico neoyorquino y presentó números como: «Yo te podría decir», «Desde hoy» y el éxito «Idilio» cantado a dúo con Cucco Peña que se emitió en emisoras de radio del Caribe.

El álbum: Tras la tormenta de 1995 marcó un capítulo de la colaboración entre el trombonista Willie Colón y el compositor Rubén Blades. El álbum poseía el sonido de la orquesta de Willie Colón y una elección de temas donde el propio Blades aportó cinco temas y Amílcar Boscán prestó dos de sus canciones a Willie Colón. Entre las canciones del álbum estuvieron aquellas que los dos cantantes cantaron a dúo: «Dale paso», «Tras la tormenta» y «Doña Lele», un tema de Jorge Guzmán que narraba la historia de una mujer desahuciada.^[29] Sin embargo, el tema más popular del álbum fue «Talento de televisión», cantado por Willie y que sería uno de sus éxitos. En ese año, fue el primer latino en ser parte de la directiva nacional de ASCAP. En 1996 fue mencionado como uno de los 100 hispanos de Estados Unidos por Hispanic Business Magazine.^[30] El 1 de septiembre de ese mismo año, recibió un Grammy Especial por su trayectoria.^[31]

Cerrando la década de los noventa Willie Colón produjo los álbumes: Y vuelve otra vez 1996 y Demasiado corazón 1998 completando un total de diez trabajos musicales en el período 1984-1998. En estas producciones Colón acudió a varios artistas que le cedieron sus temas entre los que destacó Amílcar Boscán quien cedió a Colón: «Cayo condón». Además se versionaron temas de Eros Ramazzotti, Pedro Guerra y Joan Manuel Serrat. Debe destacarse que la canción: «Demasiado corazón» fue utilizada como tema de una telenovela homónima.

1999-2023: Párate musical, regreso con El Malo II y retiro

Luego de estos trabajos musicales, Willie Colón entró en una pausa musical que rompió luego de diez años con lo que sería su último álbum de estudio: El Malo vol. II: Prisioneros del mambo, lanzado el 21 de noviembre de 2008, cuya producción duró dos años y en el que se incluyó: Salsa, balada, música urbana y música puertorriqueña. Entre los temas destacaron: «Héctor Lavoe Medley» donde Colón cantó las canciones: «Periódico de ayer», «El todopoderoso» y «El cantante».^[32] Otros temas fueron: «Cuando me muera», «Narco mula» y el «El brujo». En este disco Willie Colón fue el compositor de ocho temas mientras que Amílcar Boscán aportó tres canciones.

En 2010, Colón fue invitado a grabar junto al cantante colombiano Fonseca la canción «Estar lejos», la cual fue nominada a los Premios Grammy Latinos como canción tropical del año. Un año después lanzó su cuarto y último álbum en vivo: Live In The Netherlands, de ocho sencillos junto a Rubén Blades. En 2013 participó de los Premios Grammy Latinos, cerrando la noche junto a Fania All-Stars en un tributo a la salsa. En el 2014, Willie Colón coprodujo, compuso y cantó junto al dúo panameño Gaitanes, la canción «De que me vale». Lograron posicionarse en Billboard. En 2018 lanzó tres sencillos, «The beat» junto a su hijo Justin Colón, «Fuego al barrio» y «Se baila mejor». En 2020 colaboró con Reykon en «Perriando (Remix)» y también en «Los olores del amor» con Amílcar Boscán.

«Empecé bien y de repente me quedé sin gasolina, tuve que bajarme; el calor tampoco ayudó y gracias a Dios pude recuperarme lo suficiente para cerrar mi tanda, estoy bien y gracias por estar pendiente de mí, estoy consultando con mis médicos. Para los que me acusaron de robarme la plata, no tiene sentido ir a Cali para hacer eso, es el mismo esfuerzo, para el que dijo que si estoy demasiado de viejo, si los médicos determinen que ese es el caso, entonces el 27 de diciembre del 2023 en Cali, Colombia habrá sido el último concierto de Willie Colón»

—Willie Colón, en un vídeo vía su Instagram

El 27 de diciembre de 2023, mientras daba un show en Cali, sufrió una descompensación que provocó que tuviera que frenar su show, tras esto, anunció vía Instagram que tuvo problemas migratorios y no pudo descansar lo suficiente para estar listo para el concierto.^[33] También abrió hipótesis acerca de un retiro de la música y los escenarios.^[34]^[35]

Legado e influencias

Willie Colón fue un artista que plasmó en sus canciones su visión de una generación. América Salsa describió: «su música reflejó, a la vez, una lírica tradicional rítmica y el llanto de adiós y esperanza de una nueva generación, forzada a abandonar su tierra para congregarse en la urbe estadounidense».^[6] Aunque hubo otros músicos de la época que asumieron la misma línea temática, trabajó en armonías el sentimiento de la diáspora.

En unión con Rubén Blades, realizó una gestión que participó en la salsa y mostró la capacidad del género para navegar por lugares abordando temáticas diversas y los parámetros de las radio-emisoras sobre los tiempos de duración de las canciones.^[6] El desarrollo de la propuesta del dueto obtuvo éxitos y delineó el contenido social en las filas que abogan por la igualdad de derechos y la justicia social.

Su sonido, de impacto e influenciado en un comienzo por bandas de rock con vientos como Chicago, Blood, Sweat & Tears o incluso Tijuana Brass, muy pronto se empezó a depurar pues comenzó a experimentar con ritmos y temáticas en la salsa. En su etapa de solista y productor, son conocidas las versiones de temas brasileros (principalmente de Chico Buarque) que Colón realizó con su estilo, caracterizado por el empleo de trombones, el cual en varias combinó con arreglos orquestales, cuerdas y coros femeninos, siendo mencionado como ejemplo de lo que en la salsa se conoció como el «sonido de Nueva York».

Su característica como músico fue la fusión de ritmos, siendo un artista que supo adaptar la música de cada época con los ritmos latinos en su forma original. Por ello, fue posible oírle desde un Shing-a-ling en su primer disco, hasta su «Lowrider» en materiales grabados, pasando por su versión de «Fragilidad» del disco "Honra y cultura" 1991, donde versionó a Sting, o en los años 70, cuando grabó Solo y El Baquiné de los Angelitos Negros, discos en los que rompió con el modo convencional de la salsa para presentar trabajos personales con un sonido, acompañados de tubas, chelos y flautas.

Se lo menciona como el precursor de la salsa, música para tratar temas de las clases marginadas, pero que alcanzó otras audiencias. Este experimento dio unidad a la música que se hacía en el entorno de Nueva York, al asimilar los ritmos caribeños, latinoamericanos y norteamericanos y crear un sonido moderno y experimental, si bien no negaba la influencia de la música cubana en la salsa, afirmaba que ésta no era equivalente a «salsa». Al respecto fue mencionada su frase «la salsa no es un ritmo, es un concepto».

Actividades institucionales

Actividades políticas

Como líder comunitario, se dedicó a la lucha por los derechos civiles, además de ser presidente de la Asociación de Artes Hispanos, en su gestión construyó el Centro Cultural Julia de Burgos de Nueva York.^[36] Fue miembro de la junta directiva de la comisión latina sobre Sida, miembro de la Fundación Pro Inmigrantes de la ONU y presidente de la Coalición para un Mejor Nueva York.^[37] En 2001 Willie fue el candidato Latino para el puesto de defensor público de la ciudad de Nueva York por el partido demócrata, acumulando la cifra de 101 394 votos.^[38]

394 votos..

En 1999, fue parte de la delegación Jubilee 2000, un movimiento de coalición internacional en más de 40 países que pidieron la cancelación de la deuda del tercer mundo hacia el año 2000. Este movimiento coincidió con los festejos, la celebración del año 2000 en la Iglesia católica. Colón junto a otros de distintas disciplinas como economista Jeffrey Sachs de la Universidad de Harvard, Bono, de la banda de rock U2, Quincy Jones, Muhammad Ali, Bob Geldof, y otros, instaron a Juan Pablo II a firmar una petición que llevaron al presidente Clinton quien perdonó 14% de la parte de la deuda que pertenecía a EE. UU.

En 2004, dio un discurso para el Congreso de la República del Perú para fomentar la integración social latinoamericana.^[39] En 2013 interpretó el tema «Mentira fresca», donde hacía alusión a la situación sociopolítica que imperaba en Venezuela tras el fallecimiento del presidente Hugo Chávez. En el mismo criticó a Nicolás Maduro aludiendo a sus prácticas políticas que a su juicio agravaron la crisis que se vivió en ese país. En 2015 se mostró a favor del matrimonio igualitario en Perú.^[40]

Oposición a empresarios

Colón también se caracterizó por sus posiciones contra varios de los empresarios que manejaron el mercado discográfico, así como contra los premios Grammy Latinos, que a su juicio se manejaron con criterios diferentes a los musicales. Igualmente, fue comentada la demanda que Colón interpuso en contra de su antiguo compañero de fórmula Rubén Blades por un concierto en Puerto Rico en donde se celebraban los 25 años del álbum Siembra y no recibió pago alguno. Tiempo después Colón retiró la demanda al llegar a un acuerdo extra juicio con el empresario de dicho evento.

Vida privada

Colón estuvo casado con Julia Colón Craig, a quien conoció en 1980 y tuvo cuatro hijos.^[41] Sus intereses fuera de la música fueron la navegación, aviación (fue piloto privado con licencia) y la programación de computadoras.^[38]

sábado, 21 de febrero de 2026

Un día como hoy 21 de febrero

Índice

Biografía[editar]

Orígenes familiares[editar]

Educación[editar]

Expulsión de la comunidad judía[editar]

Redacción de sus obras[editar]

Últimos años[editar]

Pensamiento[editar]

Sistema metafísico[editar]

Pensamiento político[editar]

Recepción[editar]

¿Panteísta, pananteísta o ateo?[editar]

Comparación con las tradiciones filosóficas orientales[editar]

Índice

Biografía[editar]

Nazismo[editar]

Música[editar]

Índice

Biografía[editar]

Carrera[editar]

Amorcito Corazón[editar]

Muerte[editar]

En la cultura popular[editar]

Índice

Biografía[editar]

Muerte[editar]

Biografía

Índice

Biografía[editar]

Biografía[editar]

Índice

Biografía[editar]

Vida personal[editar]

Fallecimiento[editar]

Biografía y carrera[editar]

Índice

Carrera[editar]

Biografía[editar]

Biografía

Biografía

Después de su muerte

Carrera[editar]

Vida privada[editar]

Trayectoria[editar]

Biografía

Trayectoria musical

1967-1974: Dúo con Héctor Lavoe

1975-1978: Etapa con Rubén Blades y como productor

1979-1984: Primera etapa como solista

1985-1998: Nueve álbumes y colaboraciones internacionales

1999-2023: Párate musical, regreso con El Malo II y retiro

Legado e influencias

Actividades institucionales

Actividades políticas

Oposición a empresarios

Vida privada

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