William Joseph Shields nació en Dublín y de muy joven se unió a la Abbey
Theatre, con la que debutó en el cine en la película de Alfred HitchcockJuno and the Paycock en 1930.
Poco después se fue a Hollywood para actuar bajo las órdenes de John Ford en The Plough And The Stars. Su
exitosa carrera se fue acrecentando con la aparición en películas como La fiera de mi niña (1938)
(Bringing Up Baby), Hombres intrépidos (1940)
(The Long Voyage Home), Qué verde era mi
valle (1941) (How Green Was My Valley) o Going My Way (1944). Esta última
interpretación le valió una nominación al mejor actor principal y mejor actor
secundario en los Óscars de 1944, con
lo que es el único actor en la historia que ha sido nominado en dos categorías
por la misma interpretación. Ganó la nominación al mejor actor secundario. Murió
en su Dublín natal en 1961 de un ataque al corazón.
Enrique Campos ( Montevideo, Uruguay, 10 de marzo de 1913 – Buenos Aires, Argentina, 13 de marzo de 1970 ) es el nombre artístico de Inocencio Enrique Troncone, quien fue un cantor dedicado al género del tango que en una época con importantes intérpretes de tango supo destacarse por su personalidad y una voz que lucía en su expresar fraseado y melodioso. Entre otros conjuntos se recuerda especialmente su paso por las orquestas de Francisco Rotundo en varias épocas y la de Ricardo Tanturi, a la que ingresó para reemplazar a Alberto Castillo, entre 1943 y 1946.1234
Debutó usando su verdadero nombre el 6 de enero de 1936 acompañado por los guitarristas Alfredo Solís y Carlos Méndez en el Cine Helvético de la localidad de Colonia Suiza y tres meses después actuó con los guitarristas Fontela y Silva Aguilar, en el programa Caramelos surtidos por radio CX18, pasando de inmediato al elenco del periodista y productor radial Eduardo Depauli (1909-1946), quien le puso Eduardo Ruiz como su primer seudónimo. Participó en la película uruguaya Radio Candelario que se estrenó en el cine Radio City, en agosto de 1939. En enero de 1940 hizo una gira por el sur de Brasil con los guitarristas Fontela, Pizzo y Falco y al volver meses después cantó por Radio América de Motevideo. En 1941 se incorporó durante una temporada con la orquesta de Pintín Castellanos en la que, entre otros, estaban como primer violín a Alfredo Gobbi y como bandoneonista Armando Blasco. Trabajaron en Montevideo en el Palacio de la Cerveza, cabaré Tabarís y Radio Monumental.
Más adelante se incorporó al conjunto Laurenz-Casella, que dirigían el bandoneonista Félix Láurenz y el violinista Pedro Casella, una orquesta por la que pasaron prestigiosos músicos, como los pianistas Julio Tobías y Sebastián Garreta, el contrabajista Mainardi, el bandoneonista Donato Racciatti y el violinista Ramón Panedas, entre otros. Cantó en el Café Ateneo, en radioemisoras y en numerosos bailes y decidió dar un gran paso y buscar trabajo como cantor de orquesta en Buenos Aires. Inicialmente pensó en el violinista Antonio Rodio pero lo encontró Ricardo Tanturi, que conocía sus cualidades artísticas, y lo incorporó a la orquesta típica Los Indios que dirigía porque buscaba una voz distinta en reemplazo de Alberto Castillo que acababa de independizarse y Campos tenía un estilo más melancólico y menos estridente que Castillo, sumado a una perfecta afinación.1 Como en ese momento estaban actuando el cantor tanguero Ricardo Ruiz y un cantante melódico Enrique Ruiz, Tanturi lo convenció de elegir otro nombre artístico, abrió al azar la guía de teléfonos y de ahí salió el seudónimo por el que en definitiva fue conocido: Enrique Campos; su etapa con el maestro Tanturi fue sin duda la mejor de su carrera.1
Debutó en su nueva orquesta en Radio El Mundo y el 4 de agosto de 1943 grabó sus primeros temas, el tango Muchachos comienza la ronda de Luis Porcell y Leopoldo Díaz Vélez y el vals Al pasar, de Raúl Iglesias y Juan Gatti. Con un repertorio propio, que no incluía temas tradicionales, Enrique Campos hizo verdaderas creaciones de algunas piezas, tales como La uruguayita Lucía y El sueño del pibe, un tango asociado a la pasión del fútbol que fue un éxito radial y discográfico.1 Con Tanturi grabó 51 temas, de los cuales dos fueron a dúo con Roberto Videla, entre los que se recuerdan especialmente los tangos Buenos Aires del 40, Calla bandoneón, Calor de hogar, Cantor de barrio, Cuatro lágrimas, Esta noche al pasar, Giuseppe el zapatero, Ivón, Jirón de suburbio, Llorando la carta, Malvón, Oigo tu voz, Que nunca me falte, Recién, Si se salva el pibe y Un regalo de Reyes; la milonga Bien criolla y bien porteña y los valses Me besó y se fue y Tu vieja ventana.1
En marzo de 1946 se casó y quiso disminuir el ritmo de actividad por lo cual al mes siguiente, en un baile en el Club Unión de la ciudad de Caseros actuó con la orquesta de Tanturi por última vez y emprendió una etapa como solista con acompañamiento de guitarras. En marzo de 1947 se incorporó con buena paga a la orquesta de Francisco Rotundo, un solvente empresario que contaba con el apoyo de su pareja, la excancionista y funcionaria política en el primer gobierno de Perón Juanita Larrauri.1 En ella tuvo que adaptarse al ritmo lento y acompasado de Rotundo, actuó en diversos momentos junto a Mario Pomar, que por entonces todavía usaba el nombre artístico de Mario Corrales, Floreal Ruiz y los uruguayos Carlos Roldán y Julio Sosa, y hace presentaciones en Radio Splendid, Teatro Empire y Café El Nacional de la calle Avenida Corrientes.1 Más adelante formó con el bandoneonista Alfredo Calabró una orquesta que tenía como presentador al periodista Raúl Hormaza y que grabó un solo disco que sobre matrices argentinas fue reproducido por la discográfica Sondor en Montevideo. En la orquesta revistaban, además de los directores, el pianista Sebastián Garreta, los bandoneonistas Roberto Pansera, Caruso y López, los violinistas Raúl Domínguez, Lijó y Mosca y el contrabajista Norberto Samonta. En 1950 encabezó con su colega y amigo Juan Carlos Miranda un conjunto de muy corta duración porque retornó a la orquesta de Rotundo para reemplazar a Carlos Roldán teniendo como compañero a Floreal Ruiz.
Con Rotundo grabó con el tango Llorando la carta de Juan Fulginitti el 10 de agosto de 1951 y en diciembre a dúo con Floreal Ruiz su antológica interpretación del famoso vals El viejo vals de Charlo y José González Castillo. Se desvinculó por segunda vez de Rotundo en octubre de 1952 y poco después se incorporó a la orquesta de Roberto Caló, que contaba con músicos de la talla del pianista Osvaldo Tarantino, el violinista Leo Lipesker y el bandoneonista Ernesto Franco y a los dos años se separó para retornar con Rotundo por tercera vez. La orquesta contaba con Luis Stazo como arreglista y primer bandoneón y con el cantor Ricardo Argentino, luego sustituido por Alfredo Del Río.
En 1957 Rotundo disolvió la orquesta y Campos organizó un quinteto dirigido por el pianista Dante De Simone para luego formar rubro con la cantante Elena Maida en un conjunto cuyos arreglos eran realizados por Dante Smurra. A esta altura sus actividades comerciales en un próspero negocio de venta de flores en el barrio de Belgrano hacen que sus actuaciones se vayan espaciando.1 En 1962 intervino en un programa especial de Canal 4 en Montevideo, acompañado por el conjunto de Edelmiro D'Amario y después cantó en Radio Splendid de Buenos Aires en la orquesta de Graciano Gómez. En 1965 actuó en Radio El Mundo acompañado por la orquesta de Dante Smurra, en 1969 comenzó a grabar como solista en la discográfica Magenta, incluso cayendo en la cursilería como reemplazar por Maradona)( En la versión última que graba para Magenta, sustituye los nombres de Baldonero, Martino y Boyé por Fischer Perfumo y Rattín, Maradona tenía 10 años cuando muere Campos) la mención de Emilio Baldonedo (famoso crack de Huracán) en la letra de El sueño del pibe original de Reinaldo Yiso. También cantó en el programa de Miguel Ángel Manzi en la televisión uruguaya, en el local El farolito, de Villa Crespo, y actuó como jurado para el Concurso de Tangos de La Falda en la provincia de Córdoba.
Algunas de sus obras como compositor y autor son el candombe Dale Negra, el vals Te estoy agradecido y los tangos Aunque me llame papá, Buenos Aires del cuarenta, Dale Artime, Del potrero, Esclavas y reinas, Para el final y Pero quisiera encontrarte, todos con letras de Jorge Moreira y el tango Conformate con ser buena, con Juan Fulginitti y el vals Por qué no estás tú, con Julio Jorge Nelson.1
Enrique Campos falleció en Buenos Aires, Argentina, el 13 de marzo de 1970.
https://www.youtube.com/watch?v=MtdWC7J6OzA
1916:
Nace Gilberto Rojas Enríquez, compositor “Ojos azules”.
El prolífico autor orureño, como ningún otro, dedicó
una pieza a cada departamento de Bolivia. Además, formó a diferentes
generaciones de músicos que ahora interpretan sus composiciones. Se considera a
este virtuoso compositor como el verdadero embajador de la música boliviana en
el exterior.
Quién no ha cantado alguna vez el taquirari “Viva Santa Cruz”,
considerada como el segundo himno del departamento de Santa Cruz, quién no
conoce la cueca “Flor de Chuquisaca”, considerada también como el
segundo himno del departamento que alberga a la Ciudad Blanca de América, quién
no conoce “Potosí de mi amor”, la que fue escrita en homenaje a la Villa
Imperial de Carlos V y como no mencionar la canción “Oh mi Oruro”, la
canción que a más de uno hace sentir nostalgia y aprecio por ese bello
Departamento?
También sobresalen los huayños "Boquita de cereza"
composición suya originalmene en ritmo de Huayño, luego arreglada por Oscar del
Valle en ritmo de taquirari. Entre otras obras de este Gran Maestro de la
Música boliviana.
Son sin duda bellas canciones de las más de 400 que dejó como
legado el profesor y compositor orureño Gilberto Rojas Enríquez.
Hizo estudios de piano en el Conservatorio Nacional de Música de La Paz, a
donde ingresó en 1929 y fue alumno de Antonio Gonzales Bravo y Manuel B.
Sagárnaga entre otros. En Buenos Aires ingreso a la Academia del
maestro Clemens.
Sus padres fueron Don Juan Rojas y Doña Irene Enríquez. A los 16
fue como voluntario, a la Guerra del Chaco(1932-1935), fue declarado
benemérito de la patria, recibiendo la Cruz de Bronce. De retorno a La Paz se
dedicó íntegramente a difundir su obra musical, como miembro de distintos
grupos. Trabajó como profesor inicialmente en el Instituto
Americano (1944) y luego siguió como maestro de música en los
colegios Don
Bosco, Ayacucho, Sagrados Corazones.
Catedrático de la Universidad Túpac Katari, fue Supervisor Distrital de
Educación Musical (1971-1973) y luego Jefe de la Sección Folklórica del
departamento de música del Ministerio de Educación. Se jubiló en 1973. Fue
Director de la Discoteca Universitaria (1978–1979).
El 16 de julio de
1956, recibe la más alta condecoración que otorga el Gobierno de Bolivia,
la Orden del
Cóndor de los Andes en el grado de Caballero. En 1973 ingresa a
la “Sociedad Argentina de autores y compositores” en las que registra muchas de
sus obras En 1976 recibe la condecoración del club leones de Santa Cruz, por su
obra “Viva Santa Cruz”, considerado el segundo Himno de la tierra oriental.
"Consubstanciado con el hombre boliviano y sus costumbres,
impresionado por el paisaje de este mosaico que se sintetiza desde los Andes
imponentes pasando por los apacibles valles, hasta fértiles llanos y lujuriosas
selvas; conmovido por sentimientos simples unas veces y otras, profundos,
Gilberto Rojas, asimiló todo esto y con inspiración genuina supo traducirlas en
canciones".
Nace Héctor González Pineda, Miembro fundador y voz líder de "Los 3 ases".
El
19 de agosto de 2009, falleció Héctor González Pineda, director y fundador de
Los Tres Ases, grupo que dejó huella indeleble en la historia del bolero en
México. González Pineda cuidó siempre el sonido del trío y a diario practicaba
con su guitarra, solo o acompañado por los sucesores de quienes con él fundaron
una institución musical: Juan Neri y Marco Antonio Muñiz. Todo empezó con el
Trío Culiacán, fundado en esa ciudad sinaloense. Nuestra
tercia causó sensación, dijo alguna
vez a La Jornada.
Una y otra vez buscaba la perfección en la armonía, en los acordes disonantes y
jazzeados, que fueron innovadores. Ayer, en la funeraria Gayosso de Félix
Cuevas, amigos y admiradores corearon algunas de sus canciones, inscritas en el
repertorio de la música que llegó para quedarse: Tú me acostumbraste, Delirio, La puerta, Mi último fracaso, Historia de un amor, Tu indecisión... Los Tres
Ases se internacionalizaron y llegaron a Japón, al igual que otros tríos, como
Los Panchos. Fue el único trío que cantó en el Palacio de Bellas Artes. Su
viuda, Alicia Luna, ex bailarina del ballet de Chelo la Rue, quien acompañó al
maestro Agustín Lara, recordó ayer la suma de momentos felices al lado de
Héctor González. Su dedo pulgar derecho estaba curvo de tanto tañer las cuerdas
de la guitarra. “Son gajes del oficio “, decía.
Debutó como actriz secundaria en la cinta Te quiero para
mí precedida por Isabel de Pomés,
e inmediatamente dio el salto al protagónico con Empezó en boda (1944),
junto a Fernando Fernán Gómez,
con quien volvería a encabezar su siguiente película, Se le fue el
novio (1944). Aunque la bella actriz realizaba tanto papeles estelares
como secundarios logrando críticas favorables e incluso algún éxito importante
como Locura de
amor (1948), se sentía insatisfecha de su sitio en la
industria española, y después de coprotagonizar El capitán Veneno (1950)
nuevamente junto a Fernando F. Gómez, decidió probar mejor fortuna en América. En apenas cuatro años rodó catorce
cintas entre México y Cuba, como la
exitosa Piel canela (1953) que le abriría las puertas de Hollywood para estelarizar junto a Gary Cooper y Burt Lancaster el western Veracruz, de Robert Aldrich, filme al que siguieron otros
dos dirigidos por Samuel Fuller y Anthony Mann.
De vuelta en España, la joven actriz afianzó su estatus de
estrella internacional con las películas El último cuplé y La
violetera, que develaron su particular estilo como cantante y que se
convirtieron en formidables éxitos de taquilla, estrenándose en diversos países
de Europa y Latinoamérica así como en India y Egipto. Los honorarios que cobró por La
violetera convirtieron a Sara Montiel en la actriz mejor pagada del
mundo hasta la fecha, firmando un contrato de exclusividad por película,5 y los discos publicados con sus
canciones llegaron hasta Grecia y Brasil, superando en ventas mundiales a Elvis Presleyy Frank Sinatra.6 En los siguientes quince años,
la diva española protagonizó únicamente melodramasmusicales pensados para ella, y alcanzó
tal popularidad que actuó en la Unión Soviética en
plena Guerra Fría, en 1965.
En una España gris condicionada por la dictadura y las limitaciones económicas,
Sara Montiel fue la cara más barroca y sensual del espectáculo, gracias a sus
papeles de mujer fatal y
a sugerentes vestidos que tentaban la censura. Actriz de gran éxito comercial,
mayormente en las décadas de 1950 y 1960, participó en medio centenar de
películas. Se retiró de la industria del cine en 1974, pero como figura musical
se mantuvo activa hasta el final: publicó diversos álbumes, ofrecía recitales
en teatros y presentó programas de variedades en televisión. A los ochenta y un años de edad
grabó con el dúo Fangoria la
canción discotequera "Absolutamente"
y su correspondiente vídeo musical, y pocos meses antes de morir
seguía dando actuaciones acompañada de un pianista.
Como demostración de la perdurable fama de la española, en
vísperas de su repentino fallecimiento el Festival de Cine
de Berlín estaba planeando un homenaje en su honor.
«Sara Montiel sabía de luces, de montaje, conocía bien el cine.
Decían que era una actriz complicada. No, era cumplidora, no tenía caprichos.
Sabía cómo fotografiarse, cómo se montaban los filmes, dominaba los
"playbacks"... Porque, como ella misma decía, lo suyo no era ser
actriz o cantante, sino otra cosa. Estrella.»
Declaraciones de Mario Camus, director del filme Esa
Mujer, en el diario El País.
https://www.youtube.com/watch?v=I1Rll1KKSB8
1938:
Muere Marie-Joseph Lagrange, sacerdote y teólogo francés, experto en el estudio de las Sagradas Escrituras.
Albert Lagrange (posteriormente conocido como Marie-Joseph
Lagrange) fue criado en un entorno intelectual y burgués. Su padre era un
católico liberal, o sea, defensor de la democracia en una época en que muchos
católicos todavía no respaldaban la república.
A los diez años ingresó en un seminario en régimen de internado.
Ahí nació su interés por materias como la arqueología y la geología (en aquel momento ciencias aún
incipientes). Su padre pretendía que fuese notario. Su madre había tenido un sueño donde
vio a su hijo ordenarse sacerdote.
1940:
Nace Chuck
Norris, actor y karateca estadounidense.
Norris nació en Ryan, Oklahoma el 10 de marzo de 1940,123 hijo de Ray Norris y de Wilma
Scarberry. Norris ha declarado que tiene raíces irlandesas y Cherokee. Su
nombre lo tiene en honor al ministro de su padre, Carlos Berry. Tiene dos
hermanos más jóvenes, Wieland (1943-1970; muerto en Vietnam) y Aaron (1951-,
productor de Hollywood). Cuando Norris tenía dieciséis años, sus padres se
divorciaron, trasladándose más tarde con su madre y hermanos a Prairie Village,
Kansas, y luego a Torrance, California.
Se unió a la Fuerza Aérea de los Estados Unidos como un Policía
Militar (AP) en 1958, siendo enviado a la base aérea de Osan, Corea del Sur;
fue allí donde Norris adquirió el apodo de Chuck y comenzó su formación en las
artes marciales. Cuando regresó a los Estados Unidos, continuó sirviendo como
guardia en la Base March de la Fuerza Aérea, ubicada en California. Se licenció
en agosto de 1962.
Trabajó asimismo para la Compañía aeronáutica Northrop y
posteriormente abrió una exitosa cadena de escuelas de lo que en ese entonces
se conocía como: "Karate coreano", incluyendo una escuela de
exhibición en Boulevard Hawthorne, Torrance.
Dentro del conjunto de películas en las que actuó cabe recordar
la protagonizada junto a Bruce Lee, El Furor del Dragón,
donde al final se enfrenta en un combate épico a Cheng (Bruce Lee) en el
Coliseo de Roma, siendo derrotado. Este film dio a Norris notoriedad en el
ambiente cinematográfico, que supo explotar proyectándose en el celuloide.
Después de ese filme, Norris actuó en diversas películas de
acción, la mayoría de ellas interpretando papeles de héroe, en donde ha mostrado sus habilidades
marciales. En opinión de la revista Variety, "action more than acting
characterizes Norris performances" ("acción más que actuación es
lo que caracteriza las puestas en escena de Norris").
Es sobre todo famoso por protagonizar la serie de
televisión Walker, Texas Rangerdesde
1993 hasta 2001. Norris interpretaba al Ranger de Texas Cordell Walker, un
policía duro que defendía a toda costa los buenos valores, así como también la
ley y la justicia. En esta serie lo acompañaban Clarence Gilyard Jr. (James
Trivette), Noble Willingham (C.D. Parker) y Sheree J. Wilson (Alex Cahill).
En agosto de 2017, sufrió dos infartos de los que logró
recuperarse.4
1944:
Nace Paulo Sergio, cantante y compositor
brasileño.
Comenzó su carrera en 1968 en Río de Janeiro, con el lanzamiento de La
última canción. El álbum recibió éxito inmediato y vendió 60 000
copias en apenas tres semanas, convirtiendo a su intérprete en un fenómeno de
ventas para la época.
A pesar de la corta carrera, Paulo Sérgio publicó trece álbumes
y recopilaciones, generando una venta de más de ocho millones de copias.
Paralelamente al gran éxito de Paulo Sérgio vino la acusación de
ser un imitador del cantante Roberto Carlos,
entonces ídolo indiscutible de la juventud brasileña, por la similitud de su
timbre vocal y estilo.
El 27 de julio de 1980,
Paulo Sérgio hizo su última aparición en la televisión. Fuera del teatro, donde
ese programa salió al aire, se vio envuelto en un incidente que pudo haber
causado su muerte. Salió de la sala para recoger su coche, varias admiradoras
lo rodeaban, pero tuvo un fuerte disgusto con una de ellas que lo acosaba.
Dicen sus colaboradores cercanos que después del disgusto, sufrió de fuertes
dolores de cabeza, hasta que sobrevino el colapso que le envió al Hospital. Al
llegar, estaba en estado de coma .
El diagnóstico fue rápido y aterrador: Paulo Sergio tuvo un derrame cerebral.
Tras los pasos clínicos en primer lugar, Paulo Sérgio fue ingresado
en la Unidad de Cuidados Intensivos. A pesar de todos los esfuerzos realizados
para salvarlo, había muerto. Durante la noche y a la mañana siguiente el cuerpo
del cantante fue expuesto para la celebración de su funeral en el Cementerio,
Vila Mariana, São Paulo. A petición
de los padres de Paulo Sérgio, su cuerpo fue enterrado en Río de Janeiro. En la capital de Río, el
funeral tuvo lugar en el cementerio de Caju.1
Scholz nació el 10 de marzo de 1947 en
Toledo, Ohio, EE. UU.. Antes de dedicar su carrera a la
música, Scholz se graduó como ingeniero de MIT,
donde también realizó una maestría.
En 1969 formó Boston;
tras realizar varias cintas demos (todas hechas enteramente por Tom),
finalmente el grupo es firmado por Epic Records. El primer álbum de Bostonaparece
en 1975; el trabajo de Scholz como compositor y arreglista se ve en los éxitos
«More Than a Feeling»
y «Peace of
Mind»; sin embargo, su máxima obra del disco es «Hitch a Ride»,
canción que demuestra el talento musical de Scholz, quien compuso e hizo todos
los arreglos de la canción. Tras la aparición del álbum Don't Look Back en
1978, Scholz se mete en líos legales con la disquera, lo cual provoca que el
siguiente álbum de Boston de
nombre Third Stage vea
la luz hasta 1986; nuevamente Scholz muestra que es capaz de componer cualquier
tipo de música con «Amanda»,
canción que rápidamente se coloca en las listas de popularidad. Tras otros años
de ausencia, en 1994 sale a la luz Walk On,
en el cual deja claro su calidad en la canción que da título al disco. El
último álbum de Boston salió a la luz en 2002 titulado Corporate America,
en el cual Scholz se aleja ya mucho del sonido que hizo popular al grupo.
Por otra parte, Tom Scholz tiene su propia compañía, Scholz
Research & Development; con ésta, el mismo Scholz desarrolló el equipo
de sonido "Rockman", el cual a parte de darle un sonido único en su
momento a su grupo, pudo comercializar con éxito, tanto así que fue utilizado
por grupos como Def Leppard, ZZ Top, Bulin Band.
Asimismo, Scholz se ha caracterizado por ser un protector de la
naturaleza y de las cuestiones ambientales, siendo miembro de Greenpeace, además de ser vegetariano. Tom ha ganado muchos
reconocimientos por su labor ambiental y altruista (como bancos de comida
y derechos del niño).
Colaboró en la canción «Peace of Mind» junto al grupo de metal
cristiano Stryper, en su último álbum, Murder by Pride (2009)
En enero de 2018 cuatro mujeres le acusaron de agresiones
sexuales que van desde episodio de acoso hasta violaciones. La primera demanda
la interpuso la publicista Haleigh Breest quien aseguró que Haggis la violó en
2013. El guionista negó los hechos y presentó una demanda contra Breest al
sostener que la presunta víctima le había exigido supuestamente 9 millones de
dólares para solucionar el caso, circunstancia que él interpretó como intento
de extorsión. El 5 de enero el diario Los Ángeles Timesinformó que tres mujeres que
mantuvieron su nombre bajo anonimato añadieron sus alegaciones a la demanda.23
Guadalupe Contreras Ramos (n. Tijuana, Baja California, México; 10 de marzo de 1954)
es una cantante y actriz de televisión y cine mexicano, conocida como Lupita
D'Alessio. Se le ha llegado a considerar como la mejor intérprete de
México1, gracias a la fuerza y sentimiento
que transmite con cada una de sus interpretaciones. Ella también ha llegado a
comentar que se considera más intérprete que cantante2.
Los inicios en el mundo del espectáculo de la también conocida
como La
Leona Dormida, se llevaron a cabo con pequeñas participaciones
musicales en un programa de variedades conducido por su padre, Poncho D’Alessio
(fallecido en 1994), en su natal Tijuana. Más adelante y de forma más
profesional inicia su contribución a la música en el año 1971 participando en
el I Festival Internacional de la Canción Popular, para así continuar con la
grabación de su primer LP, a lo que siguió su ingreso al mundo de las
telenovelas actuando en ellas o interpretando los temas musicales de diversos
melodramas, sin dejar de lado sus participaciones en el programa Siempre en domingo y llegar a participar
en el festival de la OTI donde resultaría la
triunfadora absoluta en el año de 1978 lo cual daría la apertura para que en la
década de los 80 se coronara como una de las mejores cantantes de México
obteniendo un característico y original sello interpretativo que la
distinguirían del resto de las cantantes de su época. En los años 90 continuó
con gran éxito el cual bajó notablemente durante la primera década del nuevo
siglo, en el cual tuvo fuertes enfrentamientos con la prensa, anunciando su
retiro en 2006. En 2007 se convirtió a la religión cristiana y regresó a la
televisión con particiones como jurado de concursos de talento musical, tomando
un nuevo auge su carrera a partir del 2013 cuando anuncia un nuevo proyecto
discográfico y nuevas giras alcanzando un gran éxito. Continúa vigente grabando
canciones para telenovelas, realizando giras y presentaciones exitosas en el
Auditorio Nacional3 año con año. Lupita D’Alessio es una
de las cantantes que ha dado al género de la balada en Hispanoamérica un gran carácter
interpretativo, su fuerte temperamento ha sido clave en la interpretación de
cada uno de sus temas convirtiéndola en una de las grandes cantantes de México
y Latinoamérica.
Tina comenzó su carrera como vocalista de coros y grabó su primer sencillo en solitario en 1969, con un entonces desconocido Elton John, realizando los coros. En 1971 grabó un disco llamado "Joe" (sobre un perrito).
Realizó los principales coros para el éxito de la música disco "I'm on Fire" en 1975, dentro del grupo 5000 Volts. Aunque, debido a problemas contractuales, no era públicamente reconocida como miembro del grupo, se opinó que poseía una mejor voz que la cantante oficial del grupo. Esta canción alcanzó el número 4 en el Reino Unido, y el número 26 en los Estados Unidos, y cuando trascendió el hecho de que las voces las realizaba ella, su carrera como cantante solista despegó.
El gran hit de Tina Charles llegaría en 1975, cuando el compositor y productor musical de origen angloindio Biddu, que acababa de lograr un éxito internacional como autor de "Kung Fu Fighting" para Carl Douglas, produjera para ella el sencillo "I Set My Love on Fire" y "I Love To Love". Éste permaneció durante 3 semanas número uno en la lista de sencillos del Reino Unido en marzo de 1976 y fue un éxito en muchos otros países. Continuó sacando singles número uno, como "Love Me Like A Lover", "Dance Little Lady Dance", "Dr Love", "Rendezvous" and "Love Bug", que la convirtieron en una estrella en Europa, Asia, Australia y Nueva Zelanda, pero nunca consiguió el éxito en los Estados Unidos.
Sobre 1979, su carrera comenzaba a declinar, y la música disco iba perdiendo el favor del público. Tina se casó y tuvo un hijo, y se dedicó durante unos años a su familia, lo que provocó que su carrera musical llegara a su fin. A mediados de 1980, intentó volver al panorama musical, pero no tuvo mucho éxito. Desde el año 2000, Tina ha actuado por Europa, donde la música disco y sus grandes éxitos han vuelto a la escena, y se ha convertido en una intérprete muy popular.
Shannon Lee Tweed Simmons (Saskatoon, Canadá, 10 de marzo de 1957)
es una actriz y modelo canadiense, una de las actrices con más éxito en el género
del thrillererótico.2
Se lanza al estrellato gracias a la revista playboy en el año 1981,
como Miss Noviembre. En 1982 comenzó su carrera
de cine y también apareció en la serie de televisión Falcon Crest; además, se convirtió en
la Playmate de
ese mismo año. Tuvo un romance con Hugh Hefner e hizo una serie de películas
eróticas de bajo presupuesto.
Mantuvo una larga relación con el bajista y cantante Gene Simmons, de una de las bandas más
influyentes e importantes de la década de 1970, Kiss,
y tienen dos hijos: el mayor, Nicholas (22 de enero de 1989), y la menor,
Sophie (7 de julio de 1992). Contrajeron matrimonio el 1 de octubre de 2011 y
el evento fue luego emitido en su programa televisivo.3
Conocido en el mundo artístico como "El Papá de la Salsa",
"El Loquito" y "El Tártaro de la Salsa". Tuvo tres hermanos
llamados Juan Félix Ruiz(Junito Ruiz), Víctor
Pinto Ruiz(Viti Ruiz) y Nelson Ruiz.
Inició como cantante en la orquesta de Charlie López cantando
los temas «Borinquen» y «Salsa Buena», este último de su autoría. Luego
integró La Solución de
Roberto Rivera, con ellos grabó dos álbumes y comenzó a ganar fama
internacional con los temas «La Rueda», «La Fiesta no es Para Feos», «La
Vecina» y más. Desde 1981, pasó a formar parte de la orquesta de Tommy Olivencia, "La Primerísima",
grabando tres álbumes con canciones como «Primero Fui Yo», «Viajera», «Como Lo
Hacen», «Pancuco», «Lo Dudo» y otras, en donde confirmaría la popularidad
ganada unos años atrás.
Para 1985 se vuelve cantante solista y graba para el sello TH Rodven Records, álbumes como Solista... Pero No
Solo, Voy Pa' Encima, Mi Libertad, Puerto Rico Soy Tuyo y
más; en donde obtuvo diversos premios y el reconocimiento mundial. Los temas
«La Cura», «Voy Pa' Encima», «Ironía», «Mi Libertad», «Mirándote», «Para Darte
Fuego» son solo algunos de sus éxitos como solista.
En 1998, se publicó su sencillo «Vuelvo a Nacer» y dirigió la
producción musical de su hermano Viti Ruiz, Una Cara Bonita colaborando
en el tema homónimo del álbum. Su última aparición pública fue en el Madison Square Garden,
el 11 de julio de ese año en donde participó su hermano Viti Ruiz y amigos como Héctor Tricoche, Tito Nieves, Los Hermanos Moreno y más
artistas.
Se convirtió en un símbolo sexual y saltó a la fama tras
interpretar a Catherine Tramellen
otra película de Verhoeven, el thriller erótico Basic Instinct (1992), por el que
obtuvo su primera nominación al Globo de Oro en la categoría de mejor
actriz en una película dramática. Recibió aclamación crítica por su actuación
en la cinta de Martin ScorseseCasino (1995),
obteniendo un Globo de Oro y una nominación al Óscar en la categoría de mejor actriz.
En televisión, Stone ha tenido actuaciones notables en la
miniserie War and Remembrance (1987) y en el telefilme
de HBOIf These Walls
Could Talk 2 (2000). Hizo apariciones como actriz invitada
en The Practice (2004),
ganando el Premio Emmy en
la categoría de mejor actriz invitada en una serie dramática y en Law
& Order: Special Victims Unit (2010). También ha
protagonizado la serie dramática y de acción Agent X(2015) y la serie de misterio Mosaic (2017).
1963:
Nace Rick Rubin,
productor musical estadounidense.
Frederick Jay Rubin (10 de marzo de 1963)
es un productor
discográficoestadounidense,
numerosas veces ganador del Grammy;1 es más conocido por su trabajo con
el rap y el heavy metal, así también por la serie de
discos de American Recording con Johnny Cash. Rubin fue una figura importante
en la fusión del rap y el hard rock, y juntó
a Aerosmith y a Run-D.M.C. para su canción de éxito «Walk This Way».
Rubin también fue clave para la fusión del rap y el heavy metal en el metal alternativo, nu-metal y otras formas. En 2007, MTV lo
nombró «el productor más importante de los últimos 20 años»2 y la revista Time lo incluyó en la lista de
las 100 personas más influyentes del mundo.3
Además de ser productor, también es músico, sirviendo como el DJ
original de los Beastie Boys, y
cabeza de empresas discográficas: cofundó Def Jam Recordings con Russell Simmons, y más tarde fundó American
Recordings.
Hija de Ahmadu Jah y Monika Karlsson, nació en Estocolmo el 10 de marzo de 1964. Su padre es un baterista proveniente de Sierra Leona y su madre es una pintora y artista textil sueca. Sus hermanos son los cantantes Titiyo y Eagle-Eye Cherry. Su padrastro, el trompetista de jazz Don Cherry, fue quien la crio desde su nacimiento, por lo que Neneh adoptó su nombre.
Neneh vivió durante sus primeros años de vida en el pequeño pueblo sueco de Hässleholm. Pronto, su madre conoció a Don y la familia lo acompañó en sus giras a través de Europa y Norteamérica. A comienzos de los '70, la familia Cherry se mudó a un pequeño departamento en Nueva York.
En 1984 Neneh y su entonces esposo, Bruce Smith, tuvieron a su primera hija Naima. Aquel mismo año se divorciaron.
Tres años más tarde, Cherry conoció al productor Cameron McVey en el aeropuerto Heathrow. Neneh y Cameron habían sido enviados a Japón como modelos del diseñador de modas Ray Petri. Luego de que Neneh le propusiera matrimonio a McVey, ambos contrajeron nupcias en 1990. Juntos tienen dos hijas: Tyson, nacida en 1989, y Mabel, nacida en 1996. Cherry y McVey también están ligados laboralmente, ya que Cameron produjo y co-escribió el álbum debut de Neneh Cherry: Raw Like Sushi. Juntos han apoyado diversos actos británicos de marca mayor, además de trabajar juntos en la banda Cirkus.
Los Cherry-McVey han vivido por toda Europa. En 1993, se mudaron a Alhaurín el Grande, cerca de Málaga, España, y vivieron ahí hasta 1999. Intentaron vivir en Nueva York en 1995, sin embargo, fueron víctimas de robo a mano armada por parte de un adolescente. Debido a este incidente, toda la familia buscó seguridad en Primrose Hill, Londres. Ese mismo año, su padrastro, Don Cherry, muere a causa de un fallo hepático producto de una hepatitis. Posteriormente, regresaron al pueblo natal de Neneh en Suecia, habitando la misma casa en que Cherry creció. Actualmente, dividen su tiempo entre su casa cerca de Malmö y Suecia.
En 2004, la primera hija de Neneh dio a luz a un niño, convirtiendo a Cherry en abuela de Louis Clyde Flynn Love.
https://www.youtube.com/watch?v=JWsRz3TJDEY
1966:
Nace Natusha,
cantante de música tropical venezolana de origen francés.
De padre portugués y madre española, Natusha nació en Issy-les-Moulineaux,
un suburbio de París. Residió allí hasta la
edad de 15 años, cuando su padre fungía aquel entonces como diplomático en
Francia.1 Gracias a la profesión de diplomático
que ejercía su padre, Natusha aprendió el inglés, el portugués, el italiano, el
francés y el español. Su carrera como cantante se inició a muy temprana edad:
ya a los diez años contaba con su propia banda; se formó en piano, vocalización
y otros estudios de música. Luego residió en Portugal por espacio de dos años, después
se trasladó a Brasiljunto a sus padres instalándose en Río de Janeiro cuando cumplió 17 años de
edad, y allí incursiona en el mundo de la música caribeña tras su primer
contacto con el bossanova y
otros géneros propios del país. Más adelante es descubierta por Luis
Alva Lescano, un productor musical peruano radicado en Venezuela, quien la
lanza con éxito en fechas cercanas a las navidades de 1990 junto con su
agrupación Kondor Band, en pleno apogeo de la lambada. Natusha sintió afinidad con Venezuela por lo que logró también
nacionalizarse como venezolana. Actualmente la cantante es empresaria y
dedicada a su matrimonio, reside en la ciudad de Lisboa en Portugal y ha vivido también
por algún tiempo en Madrid, España.
Estando en Brasil, la artista actuaba en un hotel, y es cuando
un venezolano grabó su voz en un cassette y se lo mostró a un amigo del
productor Luis Alva, y quien era
hijo del dueño de la compañía discográfica venezolana Discomoda.
La empresa hizo contacto con la artista y la invitó a Venezuela, donde
decidieron grabarle en formato de disco de acetato de 33 rpm, las baladas tituladas «Así» e
«Imaginariamente», para lo cual contrataron a Luis Alva. La cantante fue
lanzada con el nombre de Nathalie. Sin embargo, este proyecto no funcionó como
esperaba la empresa, porque el formato de 45 rpm había perdido popularidad y
además la empresa falló en la promoción. Entonces la empresa la dejó ir y ella
estuvo un tiempo buscando oportunidades en otras empresas discográficas. Como
no hubo resultados, ella y sus padres se mudaron a Puerto Ordaz, donde su familia establecería
una charcutería. Cuando Luis Alva concibió el proyecto de interpretación del
ritmo de lambada en Venezuela, buscaba una cantante con ciertas características
físicas y vocales específicas, para que fuera la voz del proyecto que se
llamaría «Kondor Band» y recordó el contacto que tenía con Nathalie Diaz y le
envía maquetas con
las canciones y le hace la propuesta. Ella aceptó y Alva decidió ponerle un
sobrenombre artístico, de acuerdo con el apodo que de niña tenía la artista
(Natusha) que para el momento sonaría exótico. Luis Alva rebautiza el proyecto
como «Natusha & Kondor Band», para que su nombre se hiciera conocido y le
sirviera para una posible carrera como solista, produjo de manera independiente
el disco y luego negocia su comercialización con la compañía filial de EMI en
Venezuela, EMI-Rodven.
Con su primer álbum, Natusha debutó en el programa musical
venezolano Sábado Sensacional,
logrando inmediatamente atrapar el gusto del público venezolano. Una vez con el
éxito en manos, Natusha se independiza y trabaja con el tecladista y
coproductor artístico Jesús Enrique González con quien realiza 5 álbumes
exitosos, con los cuales obtiene Discos de Platino y Oro, como Natusha
94, Natusha Remix 1, Natusha Remix 2 y Natusha
Sol y Luna, en donde abordó temas compuestos por el mismo Jesús Enrique
González, hasta versiones de temas como «Respect» de Aretha Franklin, o «Che Che Cole» de Willie Colón y el bolero «Sin Fe»,
compuesto y popularizado por Bobby Capó. En 1992, en pleno auge de su
éxito, participó como invitada en una grabación de la orquesta venezolana Billo's Caracas Boys e
incluso se presentó en el Festival de Viña del Mar siendo gratamente recibida,
sin embargo, justo en el momento donde su carrera estaba en apogeo, ocurre la
transición entre el vinil de los LP al sonido digital de los CD y la llegada
del tecnomerengue.
Las teorías del porqué la proclamada reina de la lambada salió
de la escena musical tan rápidamente, fueron desde la conversión de la disquera
hasta que la artista no quiso actualizar el sonido de sus canciones; lo cierto
es que Natusha después de 1996 dejó la lambada para ser empresaria.
Actualmente, la artista es directora de un programa de noticias, está casada y
es madre de dos hijas.
Realizó sus estudios en la Escuela Normal de La Banda y a los dieciséis años obtuvo el
título de maestro. Desarrolló su labor de docente
en Villa Salavina y
tras contraer matrimonio con Clara Rosa Caporaletti se trasladó a Suncho Corral donde continuó enseñando.
Se jubiló en la
docencia como director en La Isla, en 1955. Participó del Consejo de
Educación como vocal y presidente. Publicó poemas y artículos periodísticos en
las revistas Picada y Vertical, y en los Cuadernos
de Cultura Santiago del Estero. En 1939 escribió su primer libro, Reflejos
del salitral y en la década del 70 editó Cantares, La
vara prodigiosa y Llajtay. Creó innumerables letras de
canciones que musicalizaron compositores como Carlos Carabajal, Cuti Carabajal y Los
Hermanos Ríos.12
https://www.youtube.com/watch?v=0ikF477TDFw
1984:
Muere
José Canet ( Buenos Aires, Argentina, 15 de diciembre de 1915 – 10 de marzo de 1984 ) fue un guitarrista, compositor y poeta dedicado al género del tango. Entre sus obras que se destacan se encuentran los tangos Tarde y La abandoné y no sabía cuya música y letra le pertenecen y Los cosos de al lao que compuso con música de Marcos Larrosa.
Aficionado desde chico a la música, recibió de Jesús González las primeras lecciones de guitarra y declaraba su admiración por la ejecución del instrumento por Ignacio Corsini, en especial cuando lo acompañaban Armando Pagés, Rosendo Pesoa y Enrique Maciel. En 1933 debutó profesionalmente integrando un conjunto de guitarras con Alonso, Arana y Arrieta para acompañar al cantor Santiago Devin. Trabajó profesionalmente en diferentes conjuntos, acompañó a Dorita Davis y perteneció al elenco de Radio Stentor; su paso decisivo fue cuando comenzó a acompañar al cantor Alberto Gómez, quien anteriormente había cantado, entre otros, acompañado con los guitarristas Manuel Parada, Vicente Spina y José Aguilar.123
Dice el crítico Oscar del Priore que Canet es “el prototipo del clásico guitarrista tanguero, dispuesto siempre a unir su guitarra a una voz de tango… uno de los pocos guitarristas que logró evadir las influencias de Roberto Grela, creador de toda una escuela en el tango. Su estilo estaba enraizado en forma directa a los conjuntos de guitarras clásicos. En muchas de sus actuaciones agregó al trío o cuarteto de guitarras otros instrumentos de cuerda: contrabajo, violines y violonchelo.” 1
Por aproximadamente treinta años Canet acompañó a Gómez y ambos son recordados como embajadores del tango en América Latina, por las giras que realizaron en la región. Más adelante, Canet acompañó a cantores del nivel de Oscar Alonso, Alfredo Dalton, Gloria Díaz, Juanita Larrauri, Mariano Leyes, Alberto Marino, Roberto Medina, Nelly Omar, Guillermo Rico y Jorge Vidal además de dar conciertos de guitarra en Radio Belgrano y en LV3 de Córdoba, emisora en la que actuaba junto al violinista Abel Lizarrago, presentados como La Guitarra Viajera y el Violín Romántico. Organizó en 1959 el “Quinteto Garufa”, con bandoneón, guitarra, contrabajo y la voz de Héctor Alvarado, un conjunto con estilo desenfadado y alegre que actuó en radio y televisión además de animar bailes en Mar del Plata, donde Así se baila el tango era uno de sus mayores éxitos. A mediados de la década de 1960 abrió el local nocturno “El rincón de José Canet”, que funcionó unos cuatro años en un sótano de Callao 451 de Buenos Aires. 1El 27 de julio de 1972, impulsada por Canet, Nelly Omar retornó a la actividad profesional y fue acompañada por el guitarrista en muchas presentaciones y grabaciones para los sellos RCA Victor y Embassy hasta el año 1981, en que Canet queda impedido por una hemiplejía.
José Canet murió en Buenos Aires el 10 de marzo de 1984 y Nelly Omar comentó:
"Pocas veces me sentí tan bien acompañada profesionalmente como con José, porque él no se quedaba en la fachada del tango, sino que calaba hondo en los sentimientos".4
En 1935 compuso una de sus primeras obras, el vals Me besó y se fue, que después de ser estrenado por su amigo de la adolescencia Hugo del Carril fue interpretado, entre otros cantantes, por Nelly Omar, Enrique Campos y Luis Cardei. Su letra cuenta una historia con imágenes muy bien logradas que podrían ser la base de una película: un joven pueblerino que se enamora de una misteriosa mujer llegada de la ciudad, como dice la letra “una diosa que llegó a mi pueblo, a olvidar su hastío vencida tal vez, se arrulló en mi canto divina, tirana y una gris mañana me besó y se fue”.2
En 1938, recibió del poeta y periodista Amleto Vergiati, para musicalizar, unos versos titulados Javier Pardales, un personaje imaginario del barrio de los Corrales. Canet se puso a la tarea y sugirió cambiar aquel nombre por Centeya, a lo cual accede Vergiati, reemplazando además Corrales por Pompeya por razones de rima. La letra original hacía alusión a “la cortada de Arena”, una calle –cortada- llamada Arena ubicada en el barrio por entonces llamado de los Corrales, por lo que al cambiar la letra pusieron arena con minúscula para no tergiversar la geografía.4
Así crearon la milonga “Julián Centeya”, nombre que además comenzó Vergiati a usar como seudónimo en reemplazo de “Enrique Alvarado” que utilizaba hasta entonces.1
En 1943 compuso La abandoné y no sabía, un tango que al año siguiente estrenó Roberto Chanel con la orquesta de Osvaldo Pugliese y luego interpretaron, entre otros, Raúl Berón y Ariel Ardit, con una historia gráficamente reflejada en el título.
La mayoría de los críticos opina que la obra que significó el punto más alto de su trayectoria fue el tango Tarde, que le estrenó Nelly Omar, ese que arranca “De cada amor que tuve tengo heridas, heridas que no cierran y sangran todavía ¡Error de haber querido ciegamente matando inútilmente la dicha de mis días!”. Al igual que La abandoné y no sabía retrata el fracaso del hombre enamorado y culmina con el grito angustioso, definitivo: “¡Todo te lo di! ¡Todo lo perdí! Siempre puse el alma entera, de cualquier manera, soportando afrentas y al final de cuentas me quedé sin fe”. 2
Los cosos de al lao, con letra de Canet y música del violinista y compositor Marcos Larrosa, es para Eduardo Bernal una "verdadera pintura de arrabal"5en tanto Manuel Adet señala que el tango no se limita a los versos costumbristas o descriptivos, sino que también contiene una historia: la joven que a los 14 años abandonó su hogar y ahora vuelve con un hijo cuyo bautismo motiva una fiesta. 2Otras de sus obras que se recuerdan en especial fueron Sigo queriéndote igual; Hoy al recordarla, grabada el 31 de julio de 1945 por Carlos Di Sarli con Jorge Durán; Y dicen que no te quiero, que grabaron las grandes orquestas de la década de 1940, destacándose la notable versión de Francini-Pontier con Raúl Berón de 1947; De 6 a 7, de 1944, con una excelente versión de Ricardo Tanturi con la voz de Enrique Campos, todas con letra y música de su autoría, y Mi bolita cachuza, con letra de S. H. Lonne y José Canet; Serpentinas de esperanza, con letra de Afner Gatti y Amar y callar, sobre versos de Nelly Omar que, también grabara Argentino Ledesma con su orquesta, Néstor Soler con la orquesta de Jorge Dragone así como por otros intérpretes incluida la propia Nelly Omar.4 1
Canet explicaba la génesis de dos de sus temas:
"Las dos composiciones que más me acercan al espíritu de Buenos Aires, de sus habitantes, las escribí en el extranjero: La abandoné y no sabía, en Chile durante el año 1943, y Tarde, en Caracas en 1947. Claro que no es difícil comprender que estando lejos de la patria es cuando nos envuelven con más fuerzas, como si nos quedáramos en carne viva, las cosas vinculadas con nuestra gente, nuestras calles, los episodios comunes de un país poblado por soñadores".4
Lloyd nació en San Leandro, California, hijo de Lloyd Vernet Bridges
senior, quién estaba dedicado a negocios de hotel en California y era dueño de
un cine y Harriet Evelyn Brown. Sus padres eran originarios de Kansas y tenía ancestros
ingleses. Se graduó en la Petaluma High School en 1930 y en Ciencias Políticas
en UCLA (Universidad de California, Los Angeles) donde fue miembro de la
fraternidad Sigma Alpha Epsilon. Alli conoció a su futura esposa, Dorothy Dean
Simpson; con la cual se casó en 1939 en
la playa de San Peter.
2003:
Muere Carlos Jervis, voz y líder del “Trío Los Embajadores”.
Carlos Jervis,
fundador y voz líder de este grupo, murió cuando le faltaban escasos cinco días
para cumplir sus 79 años.
Este ecuatoriano de nacimiento
conformó en 1947 el Trío Los Embajadores con su hermano Rafael Jervis y
Guillermo Rodríguez, pero por algunas diferencias se separaron hace ya 25 años.
Sin embargo, Jervis no quiso
dejar de cantar y volvió a conformar el grupo esta vez acompañado de Orlando
Jerez y Angel Lavid en 1978.
Junto con ellos logró elaborar
dos trabajos discográficos donde se recogieron las 18 canciones más
representativas del grupo.
Pero la historia de Jervis va
más allá de su música. Este hombre se enamoró de Colombia y por eso, en 1954
decidió unir su vida con la de Carmen Riera, su esposa por más de 45 años.
Era un hombre honesto,
trabajador y sobre todo amante de su profesión. Además era muy católico, de una
gran fe en la virgen. A ella le tenía un altar pequeño en la casa , cuenta.
Con mucha fortaleza, Riera
asegura que su esposo llevaba en la sangre la música y las ganas de cantar.
A él le gustaba dedicarme Alma
Corazón y Vida porque decía que eso era lo único que me podía ofrecer ,
recuerda.
Carlos Jervis dejó dos hijos,
Juan Carlos y María del Pilar, y el recuerdo de una voz que brindó alegrías a
muchas personas.
Se incorporó como profesor en la Universidad de Iowa donde había sido alumno en 1968 y desde 1977 fue catedrático. Fue decano entre 1980 y 1986. En 1989 se retiró de la Universidad. A raíz de su éxito literario hizo donativos importantes a las universidades donde había estudiado.4
0 comentarios:
Publicar un comentario