Enrique Campos ( Montevideo, Uruguay, 10 de marzo de 1913 – Buenos Aires, Argentina, 13 de marzo de 1970 ) es el nombre artístico de Inocencio Enrique Troncone, quien fue un cantor dedicado al género del tango que en una época con importantes intérpretes de tango supo destacarse por su personalidad y una voz que lucía en su expresar fraseado y melodioso. Entre otros conjuntos se recuerda especialmente su paso por las orquestas de Francisco Rotundo en varias épocas y la de Ricardo Tanturi, a la que ingresó para reemplazar a Alberto Castillo, entre 1943 y 1946.1234
Actividad profesional
[editar]Debutó usando su verdadero nombre el 6 de enero de 1936 acompañado por los guitarristas Alfredo Solís y Carlos Méndez en el Cine Helvético de la localidad de Colonia Suiza y tres meses después actuó con los guitarristas Fontela y Silva Aguilar, en el programa Caramelos surtidos por radio CX18, pasando de inmediato al elenco del periodista y productor radial Eduardo Depauli (1909-1946), quien le puso Eduardo Ruiz como su primer seudónimo. Participó en la película uruguaya Radio Candelario que se estrenó en el cine Radio City, en agosto de 1939. En enero de 1940 hizo una gira por el sur de Brasil con los guitarristas Fontela, Pizzo y Falco y al volver meses después cantó por Radio América de Motevideo. En 1941 se incorporó durante una temporada con la orquesta de Pintín Castellanos en la que, entre otros, estaban como primer violín a Alfredo Gobbi y como bandoneonista Armando Blasco. Trabajaron en Montevideo en el Palacio de la Cerveza, cabaré Tabarís y Radio Monumental.
Más adelante se incorporó al conjunto Laurenz-Casella, que dirigían el bandoneonista Félix Láurenz y el violinista Pedro Casella, una orquesta por la que pasaron prestigiosos músicos, como los pianistas Julio Tobías y Sebastián Garreta, el contrabajista Mainardi, el bandoneonista Donato Racciatti y el violinista Ramón Panedas, entre otros. Cantó en el Café Ateneo, en radioemisoras y en numerosos bailes y decidió dar un gran paso y buscar trabajo como cantor de orquesta en Buenos Aires. Inicialmente pensó en el violinista Antonio Rodio pero lo encontró Ricardo Tanturi, que conocía sus cualidades artísticas, y lo incorporó a la orquesta típica Los Indios que dirigía porque buscaba una voz distinta en reemplazo de Alberto Castillo que acababa de independizarse y Campos tenía un estilo más melancólico y menos estridente que Castillo, sumado a una perfecta afinación.1 Como en ese momento estaban actuando el cantor tanguero Ricardo Ruiz y un cantante melódico Enrique Ruiz, Tanturi lo convenció de elegir otro nombre artístico, abrió al azar la guía de teléfonos y de ahí salió el seudónimo por el que en definitiva fue conocido: Enrique Campos; su etapa con el maestro Tanturi fue sin duda la mejor de su carrera.1
Debutó en su nueva orquesta en Radio El Mundo y el 4 de agosto de 1943 grabó sus primeros temas, el tango Muchachos comienza la ronda de Luis Porcell y Leopoldo Díaz Vélez y el vals Al pasar, de Raúl Iglesias y Juan Gatti. Con un repertorio propio, que no incluía temas tradicionales, Enrique Campos hizo verdaderas creaciones de algunas piezas, tales como La uruguayita Lucía y El sueño del pibe, un tango asociado a la pasión del fútbol que fue un éxito radial y discográfico.1 Con Tanturi grabó 51 temas, de los cuales dos fueron a dúo con Roberto Videla, entre los que se recuerdan especialmente los tangos Buenos Aires del 40, Calla bandoneón, Calor de hogar, Cantor de barrio, Cuatro lágrimas, Esta noche al pasar, Giuseppe el zapatero, Ivón, Jirón de suburbio, Llorando la carta, Malvón, Oigo tu voz, Que nunca me falte, Recién, Si se salva el pibe y Un regalo de Reyes; la milonga Bien criolla y bien porteña y los valses Me besó y se fue y Tu vieja ventana.1
En marzo de 1946 se casó y quiso disminuir el ritmo de actividad por lo cual al mes siguiente, en un baile en el Club Unión de la ciudad de Caseros actuó con la orquesta de Tanturi por última vez y emprendió una etapa como solista con acompañamiento de guitarras. En marzo de 1947 se incorporó con buena paga a la orquesta de Francisco Rotundo, un solvente empresario que contaba con el apoyo de su pareja, la excancionista y funcionaria política en el primer gobierno de Perón Juanita Larrauri.1 En ella tuvo que adaptarse al ritmo lento y acompasado de Rotundo, actuó en diversos momentos junto a Mario Pomar, que por entonces todavía usaba el nombre artístico de Mario Corrales, Floreal Ruiz y los uruguayos Carlos Roldán y Julio Sosa, y hace presentaciones en Radio Splendid, Teatro Empire y Café El Nacional de la calle Avenida Corrientes.1 Más adelante formó con el bandoneonista Alfredo Calabró una orquesta que tenía como presentador al periodista Raúl Hormaza y que grabó un solo disco que sobre matrices argentinas fue reproducido por la discográfica Sondor en Montevideo. En la orquesta revistaban, además de los directores, el pianista Sebastián Garreta, los bandoneonistas Roberto Pansera, Caruso y López, los violinistas Raúl Domínguez, Lijó y Mosca y el contrabajista Norberto Samonta. En 1950 encabezó con su colega y amigo Juan Carlos Miranda un conjunto de muy corta duración porque retornó a la orquesta de Rotundo para reemplazar a Carlos Roldán teniendo como compañero a Floreal Ruiz.
Con Rotundo grabó con el tango Llorando la carta de Juan Fulginitti el 10 de agosto de 1951 y en diciembre a dúo con Floreal Ruiz su antológica interpretación del famoso vals El viejo vals de Charlo y José González Castillo. Se desvinculó por segunda vez de Rotundo en octubre de 1952 y poco después se incorporó a la orquesta de Roberto Caló, que contaba con músicos de la talla del pianista Osvaldo Tarantino, el violinista Leo Lipesker y el bandoneonista Ernesto Franco y a los dos años se separó para retornar con Rotundo por tercera vez. La orquesta contaba con Luis Stazo como arreglista y primer bandoneón y con el cantor Ricardo Argentino, luego sustituido por Alfredo Del Río.
En 1957 Rotundo disolvió la orquesta y Campos organizó un quinteto dirigido por el pianista Dante De Simone para luego formar rubro con la cantante Elena Maida en un conjunto cuyos arreglos eran realizados por Dante Smurra. A esta altura sus actividades comerciales en un próspero negocio de venta de flores en el barrio de Belgrano hacen que sus actuaciones se vayan espaciando.1 En 1962 intervino en un programa especial de Canal 4 en Montevideo, acompañado por el conjunto de Edelmiro D'Amario y después cantó en Radio Splendid de Buenos Aires en la orquesta de Graciano Gómez. En 1965 actuó en Radio El Mundo acompañado por la orquesta de Dante Smurra, en 1969 comenzó a grabar como solista en la discográfica Magenta, incluso cayendo en la cursilería como reemplazar por Maradona)( En la versión última que graba para Magenta, sustituye los nombres de Baldonero, Martino y Boyé por Fischer Perfumo y Rattín, Maradona tenía 10 años cuando muere Campos) la mención de Emilio Baldonedo (famoso crack de Huracán) en la letra de El sueño del pibe original de Reinaldo Yiso. También cantó en el programa de Miguel Ángel Manzi en la televisión uruguaya, en el local El farolito, de Villa Crespo, y actuó como jurado para el Concurso de Tangos de La Falda en la provincia de Córdoba.
Algunas de sus obras como compositor y autor son el candombe Dale Negra, el vals Te estoy agradecido y los tangos Aunque me llame papá, Buenos Aires del cuarenta, Dale Artime, Del potrero, Esclavas y reinas, Para el final y Pero quisiera encontrarte, todos con letras de Jorge Moreira y el tango Conformate con ser buena, con Juan Fulginitti y el vals Por qué no estás tú, con Julio Jorge Nelson.1
Enrique Campos falleció en Buenos Aires, Argentina, el 13 de marzo de 1970.
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Formación[editar]
Vida[editar]
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Biografía[editar]
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Biografía[editar]
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Trayectoria artística[editar]
Muerte[editar]
Biografía[editar]
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Vida personal[editar]
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Cantante e intérprete[editar]
1954:
Tina Charles (Whitechapel, Londres, Reino Unido; 10 de marzo de 1954) es una cantante británica de música disco que alcanzó su mayor nivel de popularidad en la década de 1970. Es mayormente conocida por su canción "I Love To Love" de 1976. 1
Tina comenzó su carrera como vocalista de coros y grabó su primer sencillo en solitario en 1969, con un entonces desconocido Elton John, realizando los coros. En 1971 grabó un disco llamado "Joe" (sobre un perrito).
Realizó los principales coros para el éxito de la música disco "I'm on Fire" en 1975, dentro del grupo 5000 Volts. Aunque, debido a problemas contractuales, no era públicamente reconocida como miembro del grupo, se opinó que poseía una mejor voz que la cantante oficial del grupo. Esta canción alcanzó el número 4 en el Reino Unido, y el número 26 en los Estados Unidos, y cuando trascendió el hecho de que las voces las realizaba ella, su carrera como cantante solista despegó.
El gran hit de Tina Charles llegaría en 1975, cuando el compositor y productor musical de origen angloindio Biddu, que acababa de lograr un éxito internacional como autor de "Kung Fu Fighting" para Carl Douglas, produjera para ella el sencillo "I Set My Love on Fire" y "I Love To Love". Éste permaneció durante 3 semanas número uno en la lista de sencillos del Reino Unido en marzo de 1976 y fue un éxito en muchos otros países. Continuó sacando singles número uno, como "Love Me Like A Lover", "Dance Little Lady Dance", "Dr Love", "Rendezvous" and "Love Bug", que la convirtieron en una estrella en Europa, Asia, Australia y Nueva Zelanda, pero nunca consiguió el éxito en los Estados Unidos.
Sobre 1979, su carrera comenzaba a declinar, y la música disco iba perdiendo el favor del público. Tina se casó y tuvo un hijo, y se dedicó durante unos años a su familia, lo que provocó que su carrera musical llegara a su fin. A mediados de 1980, intentó volver al panorama musical, pero no tuvo mucho éxito. Desde el año 2000, Tina ha actuado por Europa, donde la música disco y sus grandes éxitos han vuelto a la escena, y se ha convertido en una intérprete muy popular.
https://www.youtube.com/watch?v=nS7YL8JCSzo
Neneh Marianne Karlsson Cherry (Estocolmo, 10 de marzo de 1964) es una cantante, compositora, rapera, DJ y locutora sueca. Cherry suele mezclar el hip-hop con otras influencias musicales, experimentando un gran éxito comercial con muchos de sus discos. Es hija adoptiva del trompetista y músico de jazz Don Cherry y hermana de los cantantes Eagle-Eye Cherry y Titiyo, así como madre de los cantantes Mabel y Marlon Roudette.
Biografía[editar]
Hija de Ahmadu Jah y Monika Karlsson, nació en Estocolmo el 10 de marzo de 1964. Su padre es un baterista proveniente de Sierra Leona y su madre es una pintora y artista textil sueca. Sus hermanos son los cantantes Titiyo y Eagle-Eye Cherry. Su padrastro, el trompetista de jazz Don Cherry, fue quien la crio desde su nacimiento, por lo que Neneh adoptó su nombre.
Neneh vivió durante sus primeros años de vida en el pequeño pueblo sueco de Hässleholm. Pronto, su madre conoció a Don y la familia lo acompañó en sus giras a través de Europa y Norteamérica. A comienzos de los '70, la familia Cherry se mudó a un pequeño departamento en Nueva York.
En 1984 Neneh y su entonces esposo, Bruce Smith, tuvieron a su primera hija Naima. Aquel mismo año se divorciaron.
Tres años más tarde, Cherry conoció al productor Cameron McVey en el aeropuerto Heathrow. Neneh y Cameron habían sido enviados a Japón como modelos del diseñador de modas Ray Petri. Luego de que Neneh le propusiera matrimonio a McVey, ambos contrajeron nupcias en 1990. Juntos tienen dos hijas: Tyson, nacida en 1989, y Mabel, nacida en 1996. Cherry y McVey también están ligados laboralmente, ya que Cameron produjo y co-escribió el álbum debut de Neneh Cherry: Raw Like Sushi. Juntos han apoyado diversos actos británicos de marca mayor, además de trabajar juntos en la banda Cirkus.
Los Cherry-McVey han vivido por toda Europa. En 1993, se mudaron a Alhaurín el Grande, cerca de Málaga, España, y vivieron ahí hasta 1999. Intentaron vivir en Nueva York en 1995, sin embargo, fueron víctimas de robo a mano armada por parte de un adolescente. Debido a este incidente, toda la familia buscó seguridad en Primrose Hill, Londres. Ese mismo año, su padrastro, Don Cherry, muere a causa de un fallo hepático producto de una hepatitis. Posteriormente, regresaron al pueblo natal de Neneh en Suecia, habitando la misma casa en que Cherry creció. Actualmente, dividen su tiempo entre su casa cerca de Malmö y Suecia.
En 2004, la primera hija de Neneh dio a luz a un niño, convirtiendo a Cherry en abuela de Louis Clyde Flynn Love.
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Biografía[editar]
Carrera musical[editar]
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Biografía[editar]
Actividad profesional[editar]
Aficionado desde chico a la música, recibió de Jesús González las primeras lecciones de guitarra y declaraba su admiración por la ejecución del instrumento por Ignacio Corsini, en especial cuando lo acompañaban Armando Pagés, Rosendo Pesoa y Enrique Maciel. En 1933 debutó profesionalmente integrando un conjunto de guitarras con Alonso, Arana y Arrieta para acompañar al cantor Santiago Devin. Trabajó profesionalmente en diferentes conjuntos, acompañó a Dorita Davis y perteneció al elenco de Radio Stentor; su paso decisivo fue cuando comenzó a acompañar al cantor Alberto Gómez, quien anteriormente había cantado, entre otros, acompañado con los guitarristas Manuel Parada, Vicente Spina y José Aguilar.123
Dice el crítico Oscar del Priore que Canet es “el prototipo del clásico guitarrista tanguero, dispuesto siempre a unir su guitarra a una voz de tango… uno de los pocos guitarristas que logró evadir las influencias de Roberto Grela, creador de toda una escuela en el tango. Su estilo estaba enraizado en forma directa a los conjuntos de guitarras clásicos. En muchas de sus actuaciones agregó al trío o cuarteto de guitarras otros instrumentos de cuerda: contrabajo, violines y violonchelo.” 1
Por aproximadamente treinta años Canet acompañó a Gómez y ambos son recordados como embajadores del tango en América Latina, por las giras que realizaron en la región. Más adelante, Canet acompañó a cantores del nivel de Oscar Alonso, Alfredo Dalton, Gloria Díaz, Juanita Larrauri, Mariano Leyes, Alberto Marino, Roberto Medina, Nelly Omar, Guillermo Rico y Jorge Vidal además de dar conciertos de guitarra en Radio Belgrano y en LV3 de Córdoba, emisora en la que actuaba junto al violinista Abel Lizarrago, presentados como La Guitarra Viajera y el Violín Romántico. Organizó en 1959 el “Quinteto Garufa”, con bandoneón, guitarra, contrabajo y la voz de Héctor Alvarado, un conjunto con estilo desenfadado y alegre que actuó en radio y televisión además de animar bailes en Mar del Plata, donde Así se baila el tango era uno de sus mayores éxitos. A mediados de la década de 1960 abrió el local nocturno “El rincón de José Canet”, que funcionó unos cuatro años en un sótano de Callao 451 de Buenos Aires. 1El 27 de julio de 1972, impulsada por Canet, Nelly Omar retornó a la actividad profesional y fue acompañada por el guitarrista en muchas presentaciones y grabaciones para los sellos RCA Victor y Embassy hasta el año 1981, en que Canet queda impedido por una hemiplejía.
José Canet murió en Buenos Aires el 10 de marzo de 1984 y Nelly Omar comentó:
"Pocas veces me sentí tan bien acompañada profesionalmente como con José, porque él no se quedaba en la fachada del tango, sino que calaba hondo en los sentimientos".4
Compositor[editar]
En 1935 compuso una de sus primeras obras, el vals Me besó y se fue, que después de ser estrenado por su amigo de la adolescencia Hugo del Carril fue interpretado, entre otros cantantes, por Nelly Omar, Enrique Campos y Luis Cardei. Su letra cuenta una historia con imágenes muy bien logradas que podrían ser la base de una película: un joven pueblerino que se enamora de una misteriosa mujer llegada de la ciudad, como dice la letra “una diosa que llegó a mi pueblo, a olvidar su hastío vencida tal vez, se arrulló en mi canto divina, tirana y una gris mañana me besó y se fue”.2
En 1938, recibió del poeta y periodista Amleto Vergiati, para musicalizar, unos versos titulados Javier Pardales, un personaje imaginario del barrio de los Corrales. Canet se puso a la tarea y sugirió cambiar aquel nombre por Centeya, a lo cual accede Vergiati, reemplazando además Corrales por Pompeya por razones de rima. La letra original hacía alusión a “la cortada de Arena”, una calle –cortada- llamada Arena ubicada en el barrio por entonces llamado de los Corrales, por lo que al cambiar la letra pusieron arena con minúscula para no tergiversar la geografía.4
Así crearon la milonga “Julián Centeya”, nombre que además comenzó Vergiati a usar como seudónimo en reemplazo de “Enrique Alvarado” que utilizaba hasta entonces.1
En 1943 compuso La abandoné y no sabía, un tango que al año siguiente estrenó Roberto Chanel con la orquesta de Osvaldo Pugliese y luego interpretaron, entre otros, Raúl Berón y Ariel Ardit, con una historia gráficamente reflejada en el título.
La mayoría de los críticos opina que la obra que significó el punto más alto de su trayectoria fue el tango Tarde, que le estrenó Nelly Omar, ese que arranca “De cada amor que tuve tengo heridas, heridas que no cierran y sangran todavía ¡Error de haber querido ciegamente matando inútilmente la dicha de mis días!”. Al igual que La abandoné y no sabía retrata el fracaso del hombre enamorado y culmina con el grito angustioso, definitivo: “¡Todo te lo di! ¡Todo lo perdí! Siempre puse el alma entera, de cualquier manera, soportando afrentas y al final de cuentas me quedé sin fe”. 2
Los cosos de al lao, con letra de Canet y música del violinista y compositor Marcos Larrosa, es para Eduardo Bernal una "verdadera pintura de arrabal"5en tanto Manuel Adet señala que el tango no se limita a los versos costumbristas o descriptivos, sino que también contiene una historia: la joven que a los 14 años abandonó su hogar y ahora vuelve con un hijo cuyo bautismo motiva una fiesta. 2Otras de sus obras que se recuerdan en especial fueron Sigo queriéndote igual; Hoy al recordarla, grabada el 31 de julio de 1945 por Carlos Di Sarli con Jorge Durán; Y dicen que no te quiero, que grabaron las grandes orquestas de la década de 1940, destacándose la notable versión de Francini-Pontier con Raúl Berón de 1947; De 6 a 7, de 1944, con una excelente versión de Ricardo Tanturi con la voz de Enrique Campos, todas con letra y música de su autoría, y Mi bolita cachuza, con letra de S. H. Lonne y José Canet; Serpentinas de esperanza, con letra de Afner Gatti y Amar y callar, sobre versos de Nelly Omar que, también grabara Argentino Ledesma con su orquesta, Néstor Soler con la orquesta de Jorge Dragone así como por otros intérpretes incluida la propia Nelly Omar.4 1
Canet explicaba la génesis de dos de sus temas:
"Las dos composiciones que más me acercan al espíritu de Buenos Aires, de sus habitantes, las escribí en el extranjero: La abandoné y no sabía, en Chile durante el año 1943, y Tarde, en Caracas en 1947. Claro que no es difícil comprender que estando lejos de la patria es cuando nos envuelven con más fuerzas, como si nos quedáramos en carne viva, las cosas vinculadas con nuestra gente, nuestras calles, los episodios comunes de un país poblado por soñadores".4
https://www.youtube.com/watch?v=Sv4nvt0_MsA
https://www.youtube.com/watch?v=NzAcB3b9I5Y
Muere Lloyd Bridges, actor estadounidense (n. 1913).
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Biografía[editar]
2011:
Miguel Mario Clavell (Ayacucho, Argentina; 9 de octubre de 1922-Buenos Aires, Argentina; 10 de marzo de 2011) fue un popular cantante, escritor, compositor y actor de cine argentino. Trabajó asiduamente en todos los medios y su consagración se llevó a cabo por temas musicales como «Abrázame así», «Somos» o «Quisiera ser».1
Biografía
[editar]Infancia y comienzos profesionales
[editar]Nacido en la ciudad de Ayacucho, desde niño se mostró atraído por el canto y la música. Debutó a los 9 años como solista en la fiesta de Fin de Cursos del Colegio San José, de Tandil (Argentina) y en el coro de la Iglesia Parroquial. Su admiración por la actriz Deanna Durbin y Carlos Gardel lo llevó a comenzar sus estudios musicales junto a importantes maestros desde los 11 años (un año antes se había radicado en Buenos Aires).1
A los 18 años se inició profesionalmente como crooner en el conjunto de jazz de Adolfo Carabelli, en Radio Belgrano (antiguamente llamada LR3) con el seudónimo de Mario Clawell. Luego trabajó para una relevante compañía de seguros. En 1944 estrenó una de sus primeras canciones y luego, gracias al mexicano Juan Arvizu, Clavell fue presentado en la Editorial Julio Korn, donde hizo sus primeros contratos de edición. Sus más grandes éxitos fueron interpretados por diversos cantantes y orquestas del país como Leo Marini, Gregorio Barrios, Libertad Lamarque y Pedro Vargas. Para 1947 recibió un gran apoyo por parte del público y ese mismo año, abandonó la compañía donde se desempeñaba para dedicarse asiduamente al trabajo de trovador, debutando en todos los medios con gran suceso. En 1946 realizó sus primeras grabaciones con los conjuntos de Don Américo y Víctor Lister,2 y desde el año siguiente se presentó como solista, interpretando sus canciones en emisoras y confiterías de la ciudad.
Continuó en La Coupole, una sala de Buenos Aires y en Radio Splendid, grabando discos para el sello RCA Víctor. En 1949 inició su breve carrera cinematográfica cantando en el ciclo radial Los Pérez García. En sus comienzos como autor, se destacó con «¿Por qué?», «¿Qué será de mí?», «Hasta siempre», «Porque tú lo quieres», «Mi carta», «Somos» y «Abrázame así».3
Consagración
[editar]Su gran sentido del humor lo llevó a componer divertidas y picarescas canciones como «El hombre es como el auto», «Maldita sea», «Carlos María», «En Shangai», «Ha vuelto el charleston», «El Vals alemán», «La Bandita de Pepino», «El circo», «Es muy fácil el inglés» o «En casa de Lord James». Fue considerado «El Chansonnier de América»,3 y tuvo mucha popularidad con giras por todo el continente, siendo su primer suceso en Chile en 1950. A su vez, recorrió Uruguay, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, México y Puerto Rico. A principios de los años 1950 se estrenó la película El ladrón canta boleros, con dirección de Enrique Cahen Salaberry y la actuación especial de Pablo Palitos. Allí, Clavell acompañó a la actriz Marga Landova, con quien se casó tiempo después. En 1953 conoció a Juan Verdaguer en la boite del Hotel Gloria, de Río de Janeiro.1
En 1957 intervino en el ciclo de TV musical Philco Music Hall, por Canal 7 junto a Niní Marshall y en 1961 se presentó por primera vez en España, país al que regresó en 1963 por varios meses.4 Intervino con distintos labores en las películas mexicanas La jangada (1959), con Elvira Quintana, Los cinco halcones (1962), de Miguel M. Delgado y La divina garza (1963), con guiones de Humberto Gómez Landero. En 1962 cantó «Mónica» y «Vaivén» en el filme Buscando a Mónica, para una compañía española. En 1969 fue contratado por seis meses para la Cadena Ser, radicándose por cinco años nuevamente en España, y allí tuvo un programa radial diario y trabajó para la compañía Televisión Española. Presentó su propio espectáculo de café-concert en la boite Ales, de Madrid; y en el Teatro Reina Victoria estrenó el espectáculo de music-hall titulado El Oso y el Madrileño, con libretos del humorista Antonio Mingote. Su último trabajo en aquel país fue como presentador de televisión en el programa ¡Señoras y señores!. En 1970 editó discos para Venezuela.
A su regreso a Argentina en 1974, fue partícipe de espectáculos con Juan Carlos Mesa, Jorge Basurto, Carlos Garaycochea y Beba Bidart. Con One-Man-Show hizo televisión, grabó discos y se presentó en salas. Tras un largo período de inactividad, en 1986 salió a la venta «40 éxitos de Mario Clavell», disco de 25 temas en el cual se conmemoran cuarenta años de su carrera artística. En 1988 trabajó con Producciones Lak, en Chile, y en 1991 viajó a Estados Unidos por primera vez y grabó 18 canciones en el estudio Kiki Villalta, de la ciudad de Miami, como hizo en 1993.In 1998, Mario Clavel recorded the theme "Paths of the Soul" next to Kennedy Choir[2]and with more than 120 Argentine artists under the direction of Instrumental pianist and conductor Nazareno Andorno. En 1996, grabó para los Estudios ION, con arreglos y dirección de Juan Alberto Pugliano, una producción titulada «Somos...una vida de canciones». Desde enero a mayo de 2000 compartió cartel con Juan Verdaguer y Carlos Garaycochea en la pieza teatral Masters, en el Teatro del Hotel Bauen, que a su vez tuvo un gran apoyo por parte del público y la crítica. Después estuvo presente en la librería Clásica y Moderna, protagonizando uno de sus shows.1
Última etapa y fallecimiento
[editar]También redactó una importante cantidad de libros, como Saber hablar (Ed. Rialp, 1997), Los grandes boleros de Mario Clavell (Ed. Alfred Publishing Co, 1997), Somos... una vida de canciones (Ed. Producciones Iturbe, 1996) y Mi amiga, la canción (Ed. Corregidor, 2002), el cual fue declarado y auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Nación como de Interés Cultural - los dos últimos son sus autobiografías -.5 Sus dos más importantes publicaciones fueron presentadas en Mar del Plata y Miami. Solamente con guitarra y para el sello Fonocal, lanzó a la venta en 2003 un nuevo disco con temas inéditos llamado «El juglar romántico». En 2004 diseñó otras canciones, en 2005 se dirigió al público infantil presentando la compilación «Vivan los niños» y fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura Porteña. Hizo sus últimas grabaciones en 2006, siempre con Fonocal, aunque durante sus últimos años continuó con contadas apariciones y shows, como ocurrió en el Café Tortoni y la sala Steinway Pianos Room, en Coral Gables.1
Falleció a la edad de 88 años el 10 de marzo de 2011 en Buenos Aires, según informó su hija Marga, por diversas complicaciones en su salud que se agravaron en los últimos tiempos. No se llevó a cabo velatorio y sus restos fueron inhumados el 11 de marzo por la mañana en el cementerio privado Memorial de la localidad bonaerense de Pilar.6
https://www.youtube.com/watch?v=NSNSasNxW9I
https://www.youtube.com/watch?v=FItV2x0b30o
Biografía[editar]
Alfredo Marcelo Bryce Echenique (Lima, 19 de febrero de 1939-Lima, 10 de marzo de 2026)[1] fue un escritor peruano, célebre por novelas como Un mundo para Julius, La vida exagerada de Martín Romaña o No me esperen en abril.[2] Su trayectoria está marcada por reconocimientos como el Premio Nacional de Literatura (1972), el Premio Nacional de Narrativa de España (1998), el Premio Planeta de Novela (2002), entre otros.
Biografía
Bryce Echenique cursó sus estudios primarios en el Inmaculado Corazón, y secundarios, en el Santa María Marianistas primero y, luego, tras un incidente en este colegio por el que hubo de ser hospitalizado,[3] ingresó al San Pablo, un internado británico en Lima. En 1957, ingresó a la Universidad de San Marcos, donde se licenció en Derecho; obtuvo asimismo más tarde el título de doctor en Letras (1977). Fue profesor durante algún tiempo en el Colegio San Andrés (ex Anglo-Peruano), donde enseñó Castellano y Literatura.
Viaje y estancia en Francia
En 1964, se trasladó a Europa y residió en Francia —en París se diplomó en La Sorbona en Literatura francesa clásica (1965) y contemporánea (1966), Magíster en Literatura por la Universidad de Vincennes (1975)—, Italia, Grecia y Alemania. Desde 1984 hasta 2010 radicó en España, aunque solía pasar largas temporadas en su tierra natal.
En 1968, el general Juan Velasco Alvarado asumió el poder en el Perú y dos años después, en 1970, nacionalizaba el Banco Internacional del Perú, del que su padre había sido gerente y su abuelo presidente, lo que perjudicó enormemente a su familia.
Regresó brevemente al Perú en 1999, y abandonó el país ante el clima político reinante. Volvió a Barcelona en 2002 y publicó tres años más tarde su segundo libro de memorias, Permiso para sentir, en el que denuncia ácidamente la transformación de Perú.
Bryce Echenique se ha declarado seguidor de los argentinos Julio Cortázar y Manuel Puig, y de los peruanos Julio Ramón Ribeyro y César Vallejo, porque "introdujeron y produjeron el mundo de los sentimientos y el humor, tópicos muy escasos dentro de la literatura latinoamericana de entonces".
La narrativa de Bryce Echenique, entre lo delirante, lo añorante y lo grotesco, está poblada de simpáticos personajes que se mueven como un poco perdidos en un mundo laberíntico, en medio del humor más fino y la ironía más tierna. Bryce Echenique es un maestro de la palabra, a la que domina y recrea, concediéndole nuevos significados. Su fino humor es reconocido tanto en América Latina como en Europa. Todas sus obras están llenas de personajes que él conoció personalmente.
El escritor está de acuerdo con los críticos que han dicho que los cuatro temas principales de su obra son "el amor, la soledad, la enfermedad (la depresión, muy concretamente) y la felicidad"[4] y por eso los ensayos recogidos en Entre la soledad y el amor pretenden ser, según sus propias palabras, "una meditación cuando menos honda sobre el núcleo ardiente de mis libros pero también sobre lo que yo considero cuatro experiencias fundamentales de todo ser humano".[4]
Ha trabajado como profesor en las universidades de Nanterre, La Sorbona, Vincennes, Montpellier, Yale, Austin, Puerto Rico y otras. Ha dado conferencias y hecho ponencias en congresos de escritores en Argentina, Bulgaria, Canadá, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Perú, Puerto Rico, Suecia, Venezuela.
Su obra ha recibido importantes premios y ha sido traducida a diversos idiomas.
Su hermana, Clementina Bryce Echenique, está casada con el periodista Francisco Igartua Rovira, fundador y diseñador de los dos principales semanarios del Perú, Oiga (1948-1995) y Caretas (1950). Desde el comienzo de la segunda etapa de Oiga, a finales de 1962, Alfredo Bryce Echenique inició una serie de colaboraciones periodísticas que finalizaron en agosto de 1995, con el cierre definitivo de la revista. A través de estas colaboraciones se pueden conocer muchas facetas del carácter de Bryce, como su posición antidictadura y de enfrentamiento contra todo abuso. Su resolución a decir las cosas como son, le mereció ser llamado el Niño Terrible o Julius, como el personaje principal de una de sus obras.
Acusaciones de plagio
Bryce Echenique protagonizó, en la primera década del presente siglo, un escándalo relacionado con el plagio de artículos periodísticos,[5] y el 9 de enero de 2009, un tribunal administrativo peruano lo condenó a pagar una multa de 177 500 soles (unos 53 000 dólares), por el plagio de 16 textos pertenecientes a 15 autores,[6] varios de los cuales aparecieron originalmente en medios españoles, entre ellos, uno de Sergi Pàmies publicado en La Vanguardia y otro en El Periódico de Extremadura. Ante la irrefutabilidad de los cargos, Bryce Echenique trató infructuosamente de probar que los artículos habían sido publicados sin su autorización y negó ser el autor de ellos. Posteriormente declaró a la prensa especializada —después de declarado ganador del Premio FIL— que le retornaron el importe de la sanción pecuniaria y que sus asuntos caminaban por buena ruta.
Años 2010
El 2 de julio, en el Hotel Country Club de Lima, presentó Dándole pena a la tristeza, basada en la vida de su abuelo el banquero Francisco Echenique Bryce. Esta novela podría ser la última que escribe: "No tengo proyectada otra novela. Nunca puede saberse con certeza, pero lo que sigue es el tercer volumen de mis antimemorias. El título viene de Quevedo: Arrabal de senectud", había declarado al respecto en 2011, cuando estaba escribiéndola, "alejado de todo, en una casa de playa llamada Totoritas".[7]
En septiembre del 2012, ganó el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances, provocando una gran polémica: conocidos escritores, como los mexicanos Fernando del Paso (1935-2018) o Juan Villoro (n. 1956) por citar solo a dos, criticaron al jurado argumentando que no se le debía dar el galardón a un autor que había sido condenado por el plagio de artículos,[8][9] mientras que los que distinguieron a Bryce Echenique, entre los que se encuentra Jorge Volpi (n. 1968), así como otros novelistas, lo justificaron aduciendo que "Bryce fue reconocido por sus novelas y cuentos: el periodismo no se enumera". Volpi, a quien pertenece esta frase, agregaba: "Me pregunto si nuestra inquisición literaria también recabará firmas para que se le despoje del Premio Nobel a Günter Grass por haber mentido y negar que de joven se enroló en un batallón de las SS?, ¿o el Cervantes a Álvaro Mutis, condenado por malversación de fondos?".[10] De todas formas, el revuelo fue tal, que, en una decisión sin precedentes, se optó por no entregar el premio durante la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, sino dárselo calladamente en el Perú.[8][11]
Bryce Echenique ha estado casado tres veces (con Maggie Revilla, Pilar de Vega Martínez y Ana Chávez Montoya), además de un último "mediomatrimonio" con la modelo puertorriqueña Tere Llenza, 32 años menor que él, que también fracasó.[12]
Fallecimiento
Falleció en Lima, en la mañana del 10 de marzo de 2026, a la edad de 87 años.[13]
Premios y reconocimientos
- Mención en el Premio Casa de las Américas 1968, por Huerto cerrado.
- Premio Nacional de Literatura 1972, por Un mundo para Julius.
- Orden El Sol del Perú, rechazada por Bryce Echenique al gobierno de Fujimori alegando sus convicciones democráticas.
- Premio Nacional de Narrativa de España 1998, por Reo de nocturnidad
- Premio Planeta en 2002 por El huerto de mi amada.
- Premio Grinzane Cavour 2002, (Italia) por La amigdalitis de Tarzán.
- Reconocimiento del Banco Financiero en 2004 por las exposiciones de La escritura de mis libros y humor y Personajes en mi obra narrativa.[14]
- Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances 2012
Obras
Novelas
- 1970 - Un mundo para Julius
- 1977 - Tantas veces Pedro
- 1981 - La vida exagerada de Martín Romaña
- 1985 - El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz. Esta y la anterior forman el díptico que el autor bautizó como Cuaderno de navegación en un sillón Voltaire.
- 1988 - La última mudanza de Felipe Carrillo
- 1990 - Dos señoras conversan
- 1995 - No me esperen en abril
- 1997 - Reo de nocturnidad
- 1999 - La amigdalitis de Tarzán
- 2002 - El huerto de mi amada
- 2007 - Las obras infames de Pancho Marambio
- 2012 - Dándole pena a la tristeza
Cuentos
- 1968 - Huerto cerrado, contiene 12 relatos:
- Dos indios, Con Jimmy en Paracas, El camino es así, Su mejor negocio, Las notas que duerman en las cuerdas, Una mano en las cuerdas, Un amigo de cuarenta y cuatro años, Yo soy el rey, El descubrimiento de América, La madre, el hijo y el pintor, El hombre, el cinema y el tranvía y Extraña diversión
- 1974 - La felicidad ja ja
- 1979 - Todos los cuentos, Mosca Azul, Lima
- 1986 - Magdalena peruana y otros cuentos
- 1987 - Goig. Relato infantil escrito en colaboración con la escritora salvadoreña Ana María Dueñas y dibujos de Sonia Bermúdez
- 1995 - Cuentos completos
- 1999 - Guía triste de París
- 2009 - La esposa del rey de las curvas
Textos biográficos
- 1977 - A vuelo de buen cubero
- 1987 - Crónicas personales (edición aumentada de A vuelo de buen cubero), Anagrama, Barcelona
- 1993 - Permiso para vivir ("Antimemorias" I)[15]
- 2003 - Doce cartas a dos amigos
- 2005 - Permiso para sentir ("Antimemorias" II)
- 2021 - Permiso para retirarme ("Antimemorias" III)[16]
- 2024 - Desde la Hondonada 1
Ensayos y artículos
- 1996 - A trancas y barrancas
- 2000 - La historia personal de mis libros, Fondo Editorial Cultura Peruana, Lima
- 2002 - Crónicas perdidas, artículos, estudios, conferencias y cartas públicas publicadas en diferentes medios entre 1972 y 1997, Anagrama, Barcelona[17]
- 2004 - Entrevistas escogidas, selección, prólogo y notas de Jorge Coaguila; Fondo Editorial Cultura Peruana, Lima
- 2005 - Entre la soledad y el amor, libro dividido en 4 partes, precedidas de unas Palabras preliminares, contiene los siguientes 10 textos:
- I LA SOLEDAD: El otro y nostros, La señora X, Soledades contemporáneas y La vejez no se cura
- II LA DEPRESIÓN: Del humor, del dolor y de la risa (crónica de una depresión)
- III LA FELICIDAD: La felicidad nuestra de cada día
- IV EL AMOR: El amor absolutamente melancólico, Cuatro estaciones del amor (y su melancolía), El amor juvenil y Los amores tardíos
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