El 26
de marzo es el 85.º (octogésimo quinto) día del año en el calendario
gregoriano y
el 86.º en los años bisiestos. Quedan 280 días para finalizar el
año.
Podcast 2019
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Día
Mundial del Clima
El Día Mundial del Clima, que
se conmemora el 26 de marzo de cada año, surge con el propósito de concienciar
a la población sobre la importancia que tienen las acciones y actividades del
ser humano en la variación climática. Si bien, las variaciones climáticas son
comunes, los científicos afirman que en los últimos 150 años, se registra un
ritmo de cambio acelerado, resultado del desarrollo industrial y crecimiento de
la población humana, que contribuye al cambio climático a través de la emisión
de gases de efecto invernadero, contaminación ambiental, malas prácticas
ambientales, deforestación y sobrexplotación de recursos naturales, provocando
condiciones adversas para los ciclos naturales que permiten la vida en la
Tierra.
https://www.youtube.com/watch?v=_ArWbiP11Go
Este 26 de marzo, se celebra
el Día Mundial para la Concienciación de la Epilepsia o ‘Día Púrpura’
(Purple Day), una efeméride impulsada desde el año 2009 por
la Asociación de Epilepsia de Nueva
Escocia (EANS) y la Fundación
Anita Kaufmann (AKFUS) con el objetivo de sensibilizar e
informar a la población sobre la situación y necesidades de las
personas con epilepsia, conjunto de
trastornos neurológicos caracterizados por la presentación de crisis
convulsivas que padecen cerca de 50 millones de personas en todo el
mundo –y en torno a 250.000-400.000 en España.
El ‘Día Púrpura’ fue ideado
en 2008 por Cassidy Megan, niña canadiense afectada por la
enfermedad, con el objetivo de desterrar los viejos y falsos
mitos sobre la enfermedad y concienciar a los pacientes de que no se
encuentran solos. Así, como destaca Purple
Day España, “todos los años, el 26 de marzo pedimos que personas de todo el
mundo se vistan de morado, demostrando así su apoyo a las
personas afectadas por la epilepsia”.
En el caso específico de
nuestro país, las asociaciones de pacientes, además de en el Día
Internacional de la Epilepsia, conmemorado el pasado 12 de febrero,
llevarán a cabo sus actividades de concienciación e información sobre la
enfermedad en el Día Nacional de la Epilepsia que se celebrará el
próximo 24 de mayo.
Epilepsia
La epilepsia es una enfermedad
caracterizada por la tendencia a sufrir convulsiones
recurrentes –contracciones musculares bruscas y, por lo general,
violentas, causadas por una descarga eléctrica anormal de las neuronas
cerebrales–. La intensidad y duración de las convulsiones
varían según la zona del cerebro donde se localice la descarga, y pueden
afectar a diversas partes del cuerpo.
En algunos casos, la
enfermedad es hereditaria. En el resto es de origen desconocido
(idiopática), no apreciándose ninguna lesión localizada en el cerebro.
Los estímulos que desencadenan las crisis epilépticas son muy
numerosos (luces centelleantes, sonidos repetitivos, etc.), que
en caso de presentar una gran intensidad pueden provocar convulsiones también
en las personas no epilépticas.
Y es que como recuerda la Organización Mundial de la Salud (OMS),
“un único ataque no es una señal de epilepsia –de hecho, más del
10% de la población de todo el mundo presentará un ataque a lo largo de su
vida–; así, la epilepsia se define como dos o más crisis no
provocadas”.
1827:
Muere Ludwig van Beethoven,
compositor alemán.
Ludwig van Beethoven1 (Bonn, Arzobispado de
Colonia, 16 de diciembre de 17702-Viena, 26 de marzo de 1827)
fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado
musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta
los inicios del Romanticismo.
Es considerado uno de los compositores más importantes de la historia de la
música y su legado ha influido de forma decisiva en la evolución posterior de
este arte.
Siendo el último gran representante del clasicismo vienés(después
de Christoph
Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus
Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del Romanticismo, influyendo en diversidad de
obras musicales del siglo XIX. Su arte se
expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de
su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo
en sus obras para piano y música de cámara.
Su producción incluye los géneros pianístico (treinta
y dos sonatas para piano),
de cámara (incluyendo
numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos
miembros), concertante (conciertos para piano,
para violín y
triple), sacra(dos misas, un oratorio), lieder, música incidental (la óperaFidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que ocupan lugar
preponderante Nueve
sinfonías.
1892:
Muere Walt Whitman,
poeta estadounidense.
Walter
«Walt» Whitman (West
Hills, condado de Suffolk, Nueva York, 31 de mayo de 1819-Camden, Nueva
Jersey, 26 de
marzode 1892) fue un poeta, enfermero voluntario, ensayista, periodista y humanista estadounidense.
Su trabajo se inscribe en la transición entre el trascendentalismo y el realismo filosófico, incorporando ambos movimientos a su obra.
Whitman está entre los más influyentes escritores del canon estadounidense y ha sido llamado el padre
del verso
libre.1 Su trabajo fue muy controvertido en
su tiempo, en particular por su libro Hojas de hierba, descrito como obsceno por
su abierta sexualidad.
1904:
Nace Emilio Fernández,
director de cine y actor mexicano (f. 1986).
Emilio Fernández
Romo (Mineral del Hondo, Coahuila, México, 26 de marzo de 19041 – Ciudad de México, 6 de agosto de 19862) fue un destacado director, actor y productorde cine mexicano conocido por el mote
de El Indio, gran artífice y genial protagonista de la Época de Oro
del cine mexicano.
Índice
·
2Muerte
·
4Legado
o
5.1Actor
Biografía[editar]
Vida temprana[editar]
Nacido en Mineral
del Hondo, Coahuila, el 26 de marzo
de 1904, Emilio Fernández Romo fue hijo de un general revolucionario y una
mujer descendiente de indios Kikapú. De sus padres heredó el profundo
sentimiento y amor por su país, así como las costumbres, las creencias
indígenas y pensamientos que lo llevaron a construir su personalidad como un
hombre de carácter impetuoso. Desde sus primeros años y durante toda su vida se
caracterizó por una fuerte personalidad y fuertes raíces indígenas, rasgos
forjados por la gran influencia que ejercieron su familia en ella.3
Siendo un
adolescente, un evento fatal lo obligó a huir del país y enrolarse en las filas
de la Revolución mexicana.
Más tarde, ingresó en la Academia Militar (donde en 1954 se le confirió el
grado de coronel). Participó en el levantamiento de Adolfo de la Huerta contra
el gobierno de Álvaro Obregón en
1923, pero esta insurrección fracasó y fue encerrado en la cárcel, de donde
escapó. Abandonó el país y se exilió primero en Chicago y más tarde en Los Ángeles. Allí se ganó la vida como
empleado de lavandería, camarero, estibador, ayudante de prensa, y finalmente,
albañil, cerca de los estudios de Hollywood, circunstancias que favorecieron su
incursión en el cine como extra y doble de estrellas como Douglas Fairbanks.
Modelo para la estatuilla "Oscar"[editar]
En 1928, el
director de arte de la Metro-Goldwyn-Mayer, Cedric Gibbons –uno de los miembros
fundadores de la Academia
de Artes y Ciencias Cinematográficas– supervisó el diseño del premio
a partir de un boceto en papel. Gibbons tuvo la necesidad de un modelo para su
estatuilla, entonces su futura esposa, la actriz mexicana Dolores del Río le
presentó a Emilio. Renuente al principio, Fernández finalmente se convenció de
posar desnudo y crear lo que hoy se conoce como el «Oscar».4
1905:
Nace Viktor
Frankl, psiquiatra austríaco.
Viktor Emil Frankl (Viena, Austria; 26 de marzo de 1905-2 de septiembre de 1997),
conocido como Viktor Frankl, fue un neurólogo y psiquiatra austríaco, fundador de la logoterapia. Sobrevivió desde 1942 hasta 1945
en varios campos de
concentración nazis, incluidos Auschwitz y Dachau.
A partir de esa experiencia, escribió el libro El hombre en
busca de sentido.
Índice
·
2Obras
Datos biográficos[editar]
Primeros
años[editar]
Viktor Frankl nació en Viena en
una familia de origen judío. Su padre fue
estenógrafo parlamentario hasta
llegar a Ministro de Asuntos Sociales. Desde joven, siendo un estudiante
universitario y envuelto en organizaciones juveniles socialistas, Frankl empezó
a interesarse en la psicología.
Estudió medicina en la Universidad de Viena y
se especializó en neurología y psiquiatría. Desde 1933 hasta 1937 trabajó
en el Hospital
General de Viena. De 1937 a 1940 practicó
la psiquiatría de forma privada. Desde 1940 hasta 1942 dirigió el departamento
de neurología del Hospital
Rothschild (único hospital de Viena donde se admitía a judíos).
Deportación:
los campos de concentración[editar]
En diciembre de 1941 contrajo matrimonio
con Tilly
Grosser. En otoño de 1942, junto a su esposa y a sus padres,
fue deportadoal campo de concentración de Theresienstadt. En 1944 fue
trasladado a Auschwitz, en donde
colaboró con la rabina Regina Jonas reconfortando a los
prisioneros para prevenir suicidios, y
posteriormente a Kaufering y Türkheim,
dos campos de concentración dependientes del de Dachau. Fue liberado el 27 de abril de 1945
por el Ejército de
los Estados Unidos. Viktor Frankl sobrevivió al Holocausto, pero tanto su esposa como sus
padres fueron asesinados en los campos de concentración.
El hombre
en busca de sentido[editar]
Tras su liberación, regresó a Viena. En 1945 escribió El hombre en
busca de sentido, donde describe la vida del prisionero de
un campo de
concentración desde la perspectiva de un psiquiatra. En esta
obra expone que, incluso en las condiciones más extremas de deshumanización y
sufrimiento, el individuo puede encontrar una razón para vivir, basada en su
dimensión espiritual. Esta reflexión le sirvió para confirmar y terminar de
desarrollar la logoterapia,
considerada la Tercera Escuela Vienesa de Psicología, después
del psicoanálisis de Sigmund Freud y de la psicología individual de Alfred Adler. Pero muy pronto abandonó la
escuela psicoanalítica y se orientó hacia la psicología individual de
Alfred Adler, de quien se apartará también siguiendo a sus maestros Oswald
Schwarz y Rudolf Allers, porque estos querían darle a la
psicoterapia adleriana una fundamentación desde la antropología
filosófica, idea que Adler rechazaba.
Trabajo
docente[editar]
Dirigió la policlínica neurológica de Viena hasta 1971.
En 1949 recibió el doctorado en filosofía. En 1955 fue
nombrado profesor de la Universidad de Viena.
A partir de 1961, Frankl mantuvo cinco puestos como
profesor en los Estados Unidos en
la Universidad de
Harvard y en la Universidad de
Stanford, así como en otras (Dallas, Pittsburg y San Diego).
Continuó dando clases en la Universidad de Viena hasta
los 85 años de edad de forma regular. Impartió cursos y conferencias por todo
el mundo.
Reconocimientos[editar]
Ganó el Premio Oskar Pfister de
la Asociación
Estadounidense de Psiquiatría, así como otras distinciones de
diferentes países europeos. Recibió 29 doctorados honoris
causa de distintas universidades.1
Publicaciones[editar]
Publicó más de 30 libros, traducidos a numerosos idiomas.
Otras
actividades[editar]
Fue siempre un gran escalador de montañas. A los 67 años obtuvo la
licencia de piloto de aviación.
1911:
Nace Tennessee Williams,
dramaturgo estadounidense.
Thomas Lanier
Williams III, más conocido por el seudónimoTennessee
Williams (Columbus, Misisipi, 26 de marzo de 1911-Nueva York, Nueva York, 25 de febrero de 1983),
fue un destacado dramaturgo estadounidense. El nombre «Tennessee» se lo
dieron sus compañeros de escuela a causa de su acento sureño y al origen de su
familia.1 En 1948 ganó
el Premio Pulitzer de
teatro por Un
tranvía llamado Deseo, y en 1955 por La gata sobre el tejado de zinc. Además de
estas dos obras recibieron el premio de la Crítica Teatral de Nueva York: El zoo de cristal (1945)
y La
noche de la iguana (1961).
Su obra de 1952 La rosa
tatuada (dedicada a su compañero, Frank Merlo) recibió
el Premio Tony a
la mejor obra. Los críticos del género sostienen que Williams escribía en
estilo gótico sureño. Es
conocido mundialmente porque muchas de sus obras han sido filmadas.
Índice
·
4Obras
·
5Notas
Biografía[editar]
Nació en
Columbus, Misisipi, en
casa de su abuelo materno, el rector de la Iglesia episcopal local —la casa es hoy
el Centro de Bienvenida a Misisipi y oficina de turismo de la ciudad—. Su
padre, Cornelius Coffin Williams, un viajante de zapatos, cada vez se hacía más
agresivo conforme sus hijos crecían. Su madre, Edwina Williams (de soltera
Edwina Dakin), descendía de una buena familia sureña. Tuvo dos hermanos, Rose
Isabel Williams (1909–1996)2 y Walter Dakin Williams3 (1919–2008),45 el preferido de su padre.
En 1918 la
familia se trasladó a St. Louis, Misuri. Ese mismo año, a Tennessee le fue
diagnosticada la difteria. Durante dos
años casi no pudo hacer nada; entonces, su madre decidió que no le iba a
permitir perder el tiempo. Lo animó a que usara su imaginación y, cuando tenía
trece años, le dio una máquina de escribir.
Williams ganó el
tercer premio (5 dólares) por un artículo (“Can a Good Wife Be a Good Sport?”)
publicado en Smart Set, en 1927, a los dieciséis años. Un año
después publicó “The Vengeance of Nitocris", en Weird Tales.
A principios de
los años 1930, Williams
estudió en la Universidad de
Missouri-Columbia, donde fue miembro de la fraternidad "Alpha
Tau Omega". Allí fue donde sus compañeros de fraternidad lo apodaron
Tennessee, por su rico acento sureño. En 1935,
Williams escribió su primera obra interpretada públicamente, Cairo, Shanghai,
Bombay!, representada por primera vez en Memphis.
Williams vivió en
el barrio francés de Nueva Orleans, Luisiana. Se trasladó allí en 1939 a
escribir para la WPA, y vivió primero en el número 722 de la calle Toulouse,
donde se sitúa su obra de 1977 Vieux Carré (hoy una fundación cultural). Escribió Un
tranvía llamado deseo (1947)
mientras vivía en el número 632 de la calle St. Peter.
De Nueva Orleans
marchó a Nueva York, donde
ejerció diversos trabajos, desde camarero a portero. Cuando los Estados Unidos
entraron en guerra, fue declarado no apto debido a su expediente psiquiátrico,
su homosexualidad, su
alcoholismo y sus problemas cardíacos y nerviosos.
En 1943 fue a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer,
para hacer la adaptación cinematográfica de una novela de éxito. Con El zoo de cristal puso en escena a su
madre y a su hermana; se estrenó en Nueva York en 1945. Su éxito lo convirtió,
a los 34 años, en una súbita celebridad.
Se confirmó dos años
más tarde con el éxito de Un tranvía llamado Deseo, con puesta en
escena de Elia Kazan, que marcó
el debut teatral de un joven del Actors Studio: Marlon Brando. Frecuentaba todos los años la
isla de Key West en Florida, donde tenía una casa. Fue presidente
del jurado del Festival de
Cannes de 1976.
Su familia[editar]
Tennessee se sentía
muy próximo a su hermana, Rose, que quizá fue quien más influyó en él. Era una
belleza delgada que pasó la mayor parte de su vida adulta en hospitales
mentales. Sus padres autorizaron una lobotomía prefrontal en un intento de
tratarla. La operación, llevada a cabo en 1943 en Washington, D. C., fue mal, y Rose quedó
incapacitada para el resto de su vida.
La fracasada
lobotomía de Rose fue un duro golpe para Williams, quien nunca perdonó a sus
padres por permitir semejante operación. Pudo haber sido uno de los factores
que lo llevaron al alcoholismo.
La obra de
Williams The Parade or Approaching the End of Summer, escrita
cuando tenía 29 años y sobre la que siguió trabajando a lo largo de su vida, es
un retrato autobiográfico de un temprano romance en Provincetown. Esta obra ha
comenzado a representarse solo recientemente, estrenada el 1 de octubre de 2006 en
Provincetown, Massachusetts, por
la compañía Shakespeare on the Cape como parte del Primer Festival Anual
Tennessee Williams.
Muerte[editar]
El 25 de febrero de
1983, Williams fue encontrado muerto en su suite del Hotel Elysée en Nueva York
a los 71 años. El informe del médico forense indicó que murió atragantado con
el tapón de un envase de gotas para los ojos que utilizaba con frecuencia, el
cual debió intentar abrir con los dientes. Un informe forense modificado indicó
que el uso de fármacos y alcohol pudo haber contribuido a su muerte por la
supresión de su reflejo nauseoso. Se encontraron medicamentos recetados,
incluyendo barbitúricos, en la
habitación. La causa de la muerte informada fue "intolerancia al Seconal
(secobarbital)".
Williams fue
enterrado en el Cementerio Calvary de St. Louis, Misuri, a pesar de su deseo de
ser enterrado junto al mar, aproximadamente en el mismo lugar que el
poeta Hart Crane, a quien consideraba una de sus
influencias más significativas. Legó los derechos literarios de sus obras a
Sewanee, La Universidad del Sur, en honor a su abuelo, Walter Dakin, un alumno
de la universidad ubicada en Sewanee (Tennessee). Los fondos hoy sostienen un
programa de escritura creativa.
En 1989 Williams
fue incluido en el Paseo de la Fama de St. Louis.
1920:
Nace Rafael Mejía,
compositor colombiano.
El compositor barranquillero
Rafael Mejía Romani fue uno de los más avezados exponentes del sabroso porro y
del romántico bolero. A pesar de eso, en su adolescencia ya era un consumado
tiplista que ejecutaba a la perfección bambucos y pasillos y que solía acompañar
en sus correrías a la cantante Sarita Herrera, con el grupo Remembranzas de su
padre, Francisco Javier García de la Hoz.
Un par de años más tarde fundó
el dueto Sentimiento Colombiano con el que siguió interpretando música del
interior, época a la que pertenecen sus composiciones “Arroyito campesino”,
“Donde canta el ruiseñor”, “Triste sin ti” y “Esta es Colombia”. El sentimiento
caribeño no demoró en aflorar y en 1955 grabó su primer porro: “Carmiña”,
inspirado en una reina de belleza. No fue ésa la única canción que les dedicó a
las reinas, también están “Adelita”, para Adela Segovia; y la archipopular
“Cumbia sobre el mar”, dedicada a Marta Ligia Restrepo, coronada en
Cartagena en 1962.
Aquella seguramente es su
composición más famosa junto con el porro “Paisaje”, grabado originalmente por
su Trío Los Románticos, y luego por Carmencita Pernett con la orquesta del
mexicano Rafael de Paz, por Claudia de Colombia, por el trío Los Isleños y por
la Billos Caracas Boys, con la voz de Cheo García.
Su bolero “Mientras me quieras
tú”, interpretado por Leo Marini, lo catapultó como uno de los más importantes
cultores de este género en Colombia. También son suyos los boleros “Vidas
iguales”, “Nadie más que tú”, “Por Dios que eres bonita”, “Despierta corazón”,
“Ahí estás tú”, “Sabes muy bien”, “Más y más” y “Será por eso”. Su obra se
completa con merengues, rancheras, porros, gaitas y guarachas.
El 18 de junio del 2018, se conmemoraron los 25 años del fallecimiento del
compositor barranquillero Rafael Mejía Romani.
https://www.youtube.com/watch?v=uYV34bo4mDw
1931:
Nace Leonard Nimoy,
actor estadounidense.
Leonard Simon Nimoy (Boston, 26 de marzo de 1931-Los Ángeles, 27 de febrero de 2015)
fue un actor, director, poeta y fotógrafo estadounidense conocido por su papel
de Sr. Spocken Star Trek (serie
conocida en Hispanoamérica como Viaje
a las estrellas y con su nombre original en España).12
Índice
Biografía[editar]
Leonard nació el 26 de marzo de 1931 en Boston, Massachusetts (Estados Unidos), hijo de judíos inmigrantes de Ucrania seguidores del judaísmo ortodoxo.
Ha sido quizás el único de los actores del Star Trek original,
junto con William Shatner,
que ha sido capaz de mantener una vida artística coherente y fructífera al
margen de la enorme sombra de la serie —y para muchos, el más dotado de
facultades—.
Nimoy comenzó su carrera como niño actor en Boston. Estudió en
la escuela teatral de Boston College. En 1951,
ganó un papel pequeño en la película Queen for a Day. Esto le
facilitó otros papeles en el teatro y las películas. Pero fue también un hombre
hiperactivo que realizó variados trabajos. En Los Ángeles de los primeros años 1950, acuciado por la necesidad, Nimoy no
dudó en aceptar empleos como el de portero, limpiador de peceras en una
veterinaria o taxista. Previamente, había servido dos años en el ejército de
los Estados Unidos, de donde se retiró con el grado de sargento.
La ciencia ficción fue
el registro que mayores satisfacciones le iba a proporcionar, y el actor
vinculó su carrera al género desde sus mismos comienzos. En 1952,
fue reclutado por la Republic para trabajar en Zombies
of the Stratosphere, un serial de 12 episodios; dos años más
tarde, fue un soldado en La humanidad en
peligro, la obra maestra de Gordon Douglas.
En los años 1960, se introdujo en el mundo de
la televisión. Entre sus
intervenciones más notorias, se cuentan las que hizo en The Twilight Zone (1961), Los
Intocables (1962),3 The Outer Limits (1964), The Man from
U.N.C.L.E. (1964, episodio en el que
coincidió con William Shatner)
o en la serie de Gene Roddenberry, The
Lieutenant, en la que Nimoy realizó un trabajo que sirvió para
que el creador de Star Trek, que había barajado los nombres
de Martin Landau y Michael Dunn, despejara todas sus dudas acerca
del actor ideal para representar el papel de Spock.
Parte del mérito de que Leonard Nimoy se convirtiese en un icono pop fue
sólo la insistencia de Roddenberry. Tras la primera exhibición de The Cage,
los directivos de la NBCpidieron
descartar el personaje de Spock, por considerarlo demasiado inhumano.
Roddenberry se negó a aceptar la exigencia de la cadena. Spock, dijo, era la
esencia misma de la serie y su desaparición sería un desastre. Poco después,
con la serie ya lanzada, aparecieron voces que le dieron la razón a
Roddenberry, y Spock se convirtió en el personaje más popular de la serie,
incluso más que Kirk.
Tras la cancelación de la serie, Nimoy se tomó unas breves
vacaciones introspectivas con el objeto de determinar el giro que tenía que dar
su carrera, y rechazó varios papeles que eran nada más que variaciones de
Spock; a los pocos meses vuelve a la televisión en las series In Search
Of y en un papel principal de Mission: Impossible(reemplazando
a Martin Landau).
También alternó en el cine con Yul Brynner en el western Catlow (El oro
de nadie).
Ya bien entrados los años 1970, y sintiéndose encasillado, decidió
multiplicar las direcciones de su trabajo en nuevas formas de expresión
artística: la teatral, la literaria, la fotográfica y la musical. De esta época
es su famosa autobiografía: I Am Not
Spock (1975).
Nimoy había encontrado en la pluralidad de disciplinas la forma
de mantener al Sr. Spock a raya;
así que, cuando Roddenberry y la Paramount le ofrecieron la oportunidad de
sumarse al proyecto de una segunda fase —en ese momento no se sabía si iba a
ser un episodio piloto, un telefilme o un largometraje— de Star Trek,
no le costó dar una respuesta negativa. Un retraso de dos años en el rodaje fue
suficiente, sin embargo, para que Nimoy cambiara de opinión. Gracias a ello, se
topó al poco tiempo con la oportunidad de adentrarse en otro campo creativo:
la dirección cinematográfica.
Cuando se ofreció como director para la tercera entrega de Star
Trek, algunos directivos de la Paramount mostraron cierta reticencia porque
creían estar ante el típico capricho del actor-estrella; el gran éxito
comercial del filme demostró la capacidad de Leonard para manejar el material
de la franquicia, al punto que le ofrecieron repetir la experiencia en la
cuarta película, que obtuvo aún mejores resultados de taquilla.[cita requerida]
En 1982, participó en la serie Marco
Polo, del director Giuliano Montaldo. En los créditos, figura
como ayudante de director.[cita requerida]
En 1986, cayeron en manos del actor varios
proyectos, de los cuales se decidió por la adaptación estadounidense de Tres hombres y un
bebé, con Tom Selleck (estrella de Magnum P.I.), que fue otro gran éxito de
recaudación en Estados Unidos.[cita requerida]
De ahí, Nimoy hizo de anfitrión en la serie documental Ancient
Mysteries (1994-1998). También, produjo y dirigió algunos
trabajos para televisión; interpretó algunos renombrados "cameos"
(como en los episodios de Duckman y Futurama),
y realizó, junto a John de Lancie,
relatos grabados de cuentos fantásticos y de ciencia ficción en la
compañía Alien
Voices; pero se dedicó en especial a la fotografía en blanco y negro y a la poesía.
En el 2002, anunció su retiro de la
interpretación; sin embargo, actuó en el rodaje de la undécima entrega
cinematográfica de Star Trek (2009),
puesto que el director J. J. Abrams le
había solicitado sus servicios para interpretar, por última vez, al legendario
vulcano Spock en algunos pasajes del guion, cosa
que hizo entregando una gran actuación y brindando las reminiscencias de la
serie original.
Posteriormente, participó como actor en la serie Fringe interpretando al doctor
William Bell, también bajo la tutela de J.J. Abrams. En mayo de 2011, realizó
la versión oficial y alternativa del videoclip de Bruno Mars para la canción "The Lazy Song".
Actuó en el filme sudafricano Zambezia, del 2012, donde interpretó la
voz del Jefe Sekhuru.
Su última participación en una película o serie fue en la
duodécima entrega Star Trek en la
Oscuridad (2013), en una breve intervención.
Murió debido a una enfermedad obstructiva pulmonar, la cual se
encontraba en fase terminal, el 27 de febrero de 2015 por la mañana, en su casa
de Bel Air, a la edad de 83 años.4
1933:
Nace Tinto Brass,
cineasta italiano.
Giovanni Tinto Brass (Milán, 26 de marzo de 1933)
es un director de cine italiano. Tras iniciarse en cine como
colaborador de la Cinémathèque
Française y ayudante de Joris Ivens, Alberto Cavalcanti y Roberto Rossellini,
desarrolló durante los años 1960 y 1970 un estilo sumamente personal y vanguardista, que le llevaría en los años 1980 a realizar un cine directamente
provocador, entre la pornografía y el esteticismo. Fascinado con el erotismo, filmó numerosas obras intimistas,
con una fotografía veloz, plena de travellings, montaje rápido y
guiones humorísticos y desconcertantes. Fue
apodado "Tintoretto" por su abuelo, por lo que usó "Tinto"
como nombre artístico.
1934:
Nace Alan Arkin,
actor estadounidense.
Alan Wolf Arkin (Nueva York, 26 de marzo de 1934-Carlsbad, 29 de junio de 20231) fue un actor, músico y director de cine y teatro estadounidense que tiene tras de sí una prestigiosa carrera profesional tanto en el cine como en la televisión, la literatura y la música.
Biografía[editar]
Nacido en Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia de inmigrantes judíos ucranianos, Arkin lanzó su carrera con la obra de teatro The Second City. Aquello le valió su primer papel en Broadway como protagonista en la obra de Carl Reiner Enter Laughing, que le hizo ganar el Premio Tony, uno de los más prestigiosos del teatro estadounidense.
En 1998 dirigió, protagonizó y fue coguionista con Elaine May de la producción Power Plays en el Teatro Promenade.
Su debut en el cine se produjo con la película ¡Que vienen los rusos!, en 1966, con la que consiguió sendas nominaciones para el Óscar al mejor actor y el Globo de Oro. Seguidamente realizó El corazón es un cazador solitario de 1968 con lo que también obtuvo otra nominación al Óscar al mejor actor. En 2006 ganó el Óscar, como actor de reparto, por su papel en Pequeña Miss Sunshine (2006), nominada también a la mejor película.
Arkin ha escrito y dirigido dos cortometrajes: T.G.I.F. (1967) y People Soup (1969). El primero, abrió el Festival de Cine de Nueva York, y el último recibió una nominación al Óscar al mejor cortometraje.
Ha protagonizado la muy reconocida serie de la A&E, Los juzgados de Centre Street (100 Centre Street, 2001-2002), escrita y dirigida por Sidney Lumet. Entre otras intervenciones televisivas del actor están sus interpretaciones nominadas a los Emmy en Traición en el Pentágono (Pentagon Papers, 2003), para el canal FX, y Escape from Sobibor (1987). Fue actor invitado dando vida al padre del que en vida real es su hijo, Adam Arkin, en Chicago Hope (1997), que también le proporcionó otra nominación a los Emmy, y asimismo apareció en Varian’s War (2001), de Showtime, y en la producción de HBO, And Starring Pancho Villa as Himself (2003), con Antonio Banderas.
También ha dirigido la adaptación para televisión de la pieza de Broadway, Twings (1975), con Carol Burnett.
Arkin también ha escrito seis libros, todos publicados por la publicación HarperCollins, el último de los cuales, bajo el título Cassie Loves Beethoven, publicado por Hyperion. Una de sus primeras novelas, The Lemming Condition, se ha estado vendiendo ininterrumpidamente desde hace veinte años, siendo además objeto de reconocimiento por parte del Book Sellers de América por haber ingresado en la Biblioteca de la Casa Blanca.
Es padre de los actores Adam Arkin, Anthony Arkin y Matthew Arkin.
1940:
Nace James Caan,
actor estadounidense.
James Edmund Caan (Bronx, Nueva York; 26 de marzo de 1940-6 de julio de 2022)1 fue un actor estadounidense, conocido por papeles como Sonny Corleone en El padrino, Paul Sheldon en Misery y Ed Deline en la serie de televisión Las Vegas. Durante su carrera fue nominado a los premios Óscar, Emmy y Globos de Oro por sus actuaciones.
Biografía[editar]
Fue hijo de Sophie y Arthur Caan, una pareja de inmigrantes judíos procedentes de Alemania.2 Se graduó en la escuela de actores Neighborhood Playhouse de Nueva York, donde uno de sus profesores fue el legendario Sanford Meisner. También jugó al fútbol americano en la Universidad Estatal de Míchigan.
Vida personal[editar]
Contrajo matrimonio cuatro veces. La primera de ellas en 1962 con Dee Jay Mathis, con la que tuvo un hijo y de la que se divorció en 1966. Su segundo matrimonio fue con Sheila Ryan en 1976. En el mismo año nació su hijo Scott. Un año más tarde se divorciaron. Entre septiembre de 1990 y marzo de 1995 estuvo casado con Ingrid Hajek, con la que también tuvo un hijo. Un año después, en octubre de 1996, contrajo matrimonio con Linda Stokes. En abril de 2005 se divorciaron tras tener dos hijos en común.
Además fue practicante de artes marciales. Entrenó durante casi treinta años con el maestro de karate Tak Kubota.3 También entrenó al departamento de policía de Culver City en el uso de las artes marciales.2 Su hijo Scott Caan también es actor y ha participado en las películas Ocean Eleven, Twelve y Thirteen.
Apoyó la candidatura de Donald Trump en las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2016. Además se declaró «muy pro-Israel», afirmando: «No me puede gustar alguien que no lo sea».4
Carrera[editar]
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Empezó su carrera como actor en diversas series de televisión como Los Intocables, Alfred Hitchcock presenta, Kraft Suspense Theatre, Combat!, Ben Casey, Dr. Kildare, The Wide Country, Alcoa Premiere, Ruta 66 y Naked City.
Su primera aparición importante en una película fue como villano en el thriller de 1964 Una mujer atrapada. Más tarde, en 1967, actuó junto a John Wayne y Robert Mitchum en la película El Dorado. Francis Ford Coppola lo contrató para interpretar a un jugador de fútbol americano en la película Llueve sobre mi corazón de 1969; dos años más tarde repitió el papel en el telefilm Brian's Song. En 1972, de nuevo Coppola requirió sus servicios para la primera parte de la trilogía de El padrino, donde interpreta a Santino "Sonny" Corleone y gracias al cual fue nominado al Óscar al mejor actor de reparto.
Entre 1973 y 1982 interviene en distintas películas de Hollywood, interpretando a personajes variados. Entre estas películas se encuentran Cinderella Liberty, Rollerball, Harry And Walter Go To New York, A Bridge Too Far, Comes A Horseman y Chapter Two. En 1980 realizó su ópera prima como director, Hide In Plain Sight, un film que narra la historia de un padre en busca de su hija perdida en un programa de protección oficial y que el propio Caan protagonizó. Un año más tarde trabaja en Thief, dirigida por Michael Mann, donde interpretó a un experto en seguridad. Afirmó que el papel en esta película de cine negro era del que estaba más orgulloso tras El Padrino.
Tras la muerte de su hermana, debido a problemas con la cocaína, sufrió una depresión que le llevó a no participar en ninguna película entre 1982 y 1987. Su reaparición fue de nuevo con Francis Ford Coppola en Gardens of Stone como sargento de la armada. En 1988 y 1990 actuó en las películas Alien Nation, Dick Tracy y Misery, donde compartió cartel con Kathy Bates, ganadora del Óscar a la mejor actriz. En 1992 coprotagonizó junto a Sarah Jessica Parker y Nicolas Cage el filme Luna de miel para tres.
También participó junto a Arnold Schwarzenegger en Eraser en 1996. Tres años más tarde, siguiendo la estela de Humphrey Bogart, Robert Mitchum, Powers Boothe y Danny Glover, interpreta al detective Philip Marlowe en la película Poodle Springs de HBO. Durante los inicios de la década de 2000 trabajó en películas como The Yards (2000), City of Ghosts (2002), Dogville (2003) y Elf (2003). En 2003 fue elegido para el papel de Ed Deline, un exagente de la CIA, jefe de operaciones del casino Montecito, en la serie de televisión Las Vegas. En 2008 participó en la película Wisegal (Una mujer en la mafia), como Salvatore Palmeri.
Muerte[editar]
La familia de Caan anunció que el actor había fallecido el 6 de julio de 2022, a los ochenta y dos años, por causas naturales.5El actor James Caan murió de un ataque al corazón producto de una enfermedad de las arterias coronarias, según el médico forense del condado de Los Ángeles.
1941:
Nace Richard Dawkins, etólogo, zoólogo, biólogo evolutivo1 y divulgador
científicobritánico.
Clinton Richard Dawkins (Nairobi, 26 de marzo de 1941)
es un etólogo, zoólogo, biólogo evolutivo1 y divulgador
científicobritánico.
Fue titular de la cátedra Charles Simonyi de Difusión de la
Ciencia en la Universidad de Oxford hasta
2008.
Es autor de El gen egoísta, obra publicada en 1976,
que popularizó la visión evolutiva enfocada en los genes,
y que introdujo los términos meme y memética. En 1982, hizo una contribución
original a la ciencia evolutiva con la teoría presentada en su libro El fenotipo extendido,
que afirma que los efectos fenotípicos no
están limitados al cuerpo de un organismo, sino que pueden extenderse en
el ambiente, incluyendo los cuerpos de otros
organismos. Desde entonces, su labor divulgadora escrita le ha llevado a
colaborar igualmente en otros medios de comunicación, como varios programas
televisivos sobre biología evolutiva, creacionismo y religión.
En su libro El espejismo de Dios,
Dawkins sostenía que era casi una certidumbre que un creador
sobrenatural no existía; y que la creencia en un dios personal podría calificarse como
un delirio, como una persistente falsa creencia.
Dawkins se muestra de acuerdo con la observación hecha por Robert M. Pirsig en relación a que
«cuando una persona sufre de un delirio se llama locura. Cuando muchas personas
sufren de un delirio se llama religión».2 Hasta enero de 2010, la versión en
inglés de El espejismo de Dios había vendido más de
dos millones de ejemplares.3
1944:
Nace Diana Ross,
cantante estadounidense.
Diana Ernestine
Earle Ross, más conocida como Diana Ross(Detroit, Míchigan, 26 de marzo de 1944),
es una cantante y actriz estadounidense. Saltó a la fama en los años sesenta al formar parte del
grupo The Supremes.
En 1970 se estableció como solista. Después
interpretó el papel principal de la película Lady
Sings the Blues, sobre la vida de la cantante Billie Holiday, que le valió una nominación
al Óscar como
mejor actriz. Durante los años 70 y 80, Diana se convirtió en la artista femenina
más exitosa de la era pop y abarcó también la industria
cinematográfica y televisiva así como la teatral en Broadway.
En 1993,
entró en el Libro Guinness de
Récords como la artista femenina de mayor éxito de todos
los tiempos, debido en parte a sus 18 "nº1", seis de ellos en
solitario. Sólo The Beatles (con
20 "nº1") y Mariah Carey (con
18) la han igualado o superado. Pero en Billboard sus "nº1" cuentan
por separado: tiene 12 con The Supremes y 6 como solista, siendo
superada entonces por cantantes como Janet Jackson, Madonna y Whitney Houston.
Con casi 60 años de
carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más
de 100 millones de copias, lo cual la convierte en una de artistas
musicales con mayores ventas.
https://www.youtube.com/watch?v=7Bwwo7ctG10
1948:
Nace Steven Tyler,
cantante estadounidense (Aerosmith).
Steven Victor Tallarico (Yonkers, Nueva York, 26 de marzo de 1948),
más conocido en la industria de la música como Steven Tyler, es
un cantante, compositor, músico y actor,1 mundialmente conocido por ser el
líder y vocalista de la banda de rock estadounidense Aerosmith. También ha formado parte del jurado
del reconocido programa de talentos American Idol. Es conocido por su habilidad de
ejecutar varios instrumentos musicales a la vez. En 1976 mantuvo una relación
con la ex-modelo y ex
chica Playboy, Bebe Buell, con la que tuvo a su primera hija,
la actriz Liv Tyler.
En 2008 la revista Rolling Stone lo eligió como uno de
los 100 mejores cantantes de la historia2 y también lo eligió en el puesto 57
como uno de los 100 más grandes artistas de todos los tiempos.3 Asimismo, fue escogido por la revista
estadounidense Hit Parader como
el 3.er. mejor vocalista de Heavy metal de todos los tiempos sólo
superado por Robert Plant y Rob Halfordrespectivamente.4 Además figura en el puesto 13 en la
lista de los 40 mejores vocalistas de rock de todos los tiempos, según la
estación de radio digital Planet Rock.5 En 2005 la
revista estadounidense de música Blender y la cadena musical MTV2 lo
seleccionaron como uno de los mejores vocalistas figurando en el puesto 16 de
una la lista de 22 artistas.6
Fue elegido según el sello discográfico Roadrunner Recordscomo
uno de los mejores cantantes de música Metal ubicándolo en el puesto 8 de una
lista de 50 intérpretes.7 En 2001 es
premiado por la cadena musical VH1 por
ser el rockero con mejor estilo en los VH1 Fashion Awards.8 Ese mismo año fue incluido en el Salón de la Fama del Rock junto
con Aerosmith.9
1949:
Nace Patrick Süskind,
escritor alemán.
Patrick Süskind (Ambach, Baviera, 26 de marzo de 1949)
es un escritor y guionista de cine alemán.
Índice
·
2Obras
·
3Guiones
Biografía[editar]
Realizó estudios de Historia medieval y Moderna en la Universidad de Múnich y
en Aix-en-Provence entre 1968-1974.
En la década de 1980 trabajó como
un guionista televisivo, para Kir Royal y Monaco
Franze entre otros. Su padre fue un escritor francés y su madre fue
una vendedora de cerámica. Su padre, Wilhelm
Emanuel Süskind, fue escritor y traductor, trabajó durante largo
tiempo en el periódico alemán Süddeutsche Zeitung. Su hermano mayor
fue Martin
E. Süskind.
Su primera obra fue un monólogo teatral titulado El contrabajo, estrenado en Múnich en 1981,
que en la temporada 1984/85 ofreció 500 representaciones, convirtiéndose así en
la pieza de teatro de idioma alemán con mayor duración en
cartel y es hoy en día continuamente repuesta en teatros alemanes e
internacionales. Pero su éxito llegó con su novela El Perfume (1985),la
cual lo llevo al éxito y fue traducida a 46 lenguas, entre ellas el latín, rápidamente convertida en un bestseller con aproximadamente 15
millones de ejemplares vendidos y convertida en éxito cinematográfico del
año 2006 por el director Tom Tykwer, después de que, tras 15 años de
arduas negociaciones, Constantin Film asumiera los derechos y costes de
desarrollo (aproximadamente unos 10 millones de euros). Otras obras suyas
son: La Paloma (1988), La historia
del señor Sommer (1991), Un
Combate y otros relatos (1996).
Süskind rara vez concede entrevistas, no aparece en público y ha
rechazado varios reconocimientos, como los premios de literatura Gutenberg, Tukan y FAZ.
Tampoco acudió al estreno internacional de la versión cinematográfica de El Perfume en
Múnich. Existen muy pocas fotografías suyas, aunque en la película para
televisión Monaco Franze hace un pequeño cambio en el noveno
episodio. Debido a que rara vez concede entrevistas, no se sabe mucho de su
vida personal.
1950:
Nace Alan Silvestri,
compositor de bandas sonoras y músico estadounidense.
Alan Anthony Silvestri (Nueva York, 26 de marzo de 1950)
es un conocido compositor musical de bandas sonoras estadounidense. Silvestri es conocido por sus
numerosas colaboraciones con Robert Zemeckis, especialmente Forrest Gump (1994), la trilogía
de Back to
the Future (1985, 1989 y 1990), Depredador (1987), Depredador 2 (1990), Contact (1997)
o Polar Express (2004).
Ha recibido dos nominaciones a los Oscar y dos a los Grammy.
Índice
Biografía[editar]
Primeros
años[editar]
Aunque neoyorquino de nacimiento, Silvestri se crio en Teaneck(Nueva Jersey). A pesar de que su familia no
tenía tradición musical, Alan mostró un vivo interés por la música y formó
parte de la orquesta de su instituto tocando diferentes instrumentos de viento
y después la guitarra. En 1965, acudió a clases de jazz en el Berklee College
of Music en Boston. Pero tan solo permaneció dos años hasta trasladarse a Las
Vegas y comenzar una gira como guitarrista y arreglista con la conocida banda
de rhythm & blues Cochran and the C.C. Riders.
Poco después Alan conocería a Bradford
Craig, letrista de algunos proyectos de Quincy Jones, para que trabajaran codo con
codo para la orquestación de una película llamada The
Doberman Gang (1972). Ésta sería el primer trabajo de
Silvestri en el mundo del cine sin ningún tipo de conocimiento de composición.
Poco después, llegarían sus siguientes trabajos en películas de bajo
presupuesto como Las Vegas
Lady (1975) o The
Amazing Dobermans (1976).
En 1977, se le abriría el mundo de la composición para la
televisión. Gracias al actor Paul Michael Glasercompondría
la música para un capítulo de la serie Starsky y Hutch y poco después,
la Metro
Goldwyn Meyer le encargaría la música central de
"CHiPs", un trabajo que duraría desde el 1978 hasta 1983. Con Mark Snow, Alan estuvo a punto de volver a
trabajar para otra serie policíaca, "T.J. Hooker",
pero finalmente los productores no quedaron satisfechos con su trabajo.
Zemeckis y
Silvestri[editar]
1983 es un año clave para Alan Silvestri. El , el director
estuvo encantado con la propuesta de Silvestri, lo que sería el inicio de una
gran colaboración durante más de 20 años. En ella, han quedado proyectos como
la trilogía de Back to
the Future, Forrest Gump, Náufrago, ¿Quién engañó
a Roger Rabbit?, Contact o What Lies
Beneath. Todas ellas grandes éxitos de taquilla.
Pero es evidente que después de Romancing the Stone,
a Silvestri le llovieron las ofertas. Entre ellas destacan predador de
[kJohn McTiernan]], Depredador 2 de Stephen Hopkins, El vuelo del
navegante o El guardaespaldas. En todas ellas,
demostrando una gran versatilidad musical de Silvestri. Así, Silvestri pasa de
la orquestación de Back to the Future, al jazz de ¿Quién engañó
a Roger Rabbit? o al sonido de sintentizador de los 80.
En 1994, llega uno de sus trabajos más elaborados con Forrest Gump, el cual le valió sendas
nominaciones a los Globos de Oro y
a los Oscar. En 1995
Silvestri recibió el Premio
Richard Kirk, en 2002 le concedieron el Premio
Henry Mancini por sus trabajos, y más recientemente, el 23 de septiembre de 2011 fue galardonado
con el Max Steiner Film Music Achievement Award, entregado por la ciudad de
Viena, en motivo del concierto de música fílmica anual que allí se realiza, y
que se conoce con el nombre de "Hollywood in Vienna".
1952:
Nace Willington
Ortiz, futbolista colombiano.
Willington Alfonso Ortiz
Palacio (San
Andrés de Tumaco, 26 de marzo de 1952) es un ex futbolista colombiano,
reconocido delantero sudamericano
de los años 70 y 80,
considerado uno de los mejores futbolistas colombianos de toda la historia.
Fue el conductor y referente
de la Selección
de fútbol de Colombia entre 1972 y 1985, obtuvo el subcampeonato de
la Copa
América 1975 y disputó las eliminatorias de los
mundiales de Alemania
1974, Argentina
1978, España
1982 y México
1986. A nivel de clubes vistió las camisetas
de Millonarios, Deportivo
Cali y América,
logrando seis títulos de la Primera
A colombiana y disputando la final de tres ediciones de
la Copa
Libertadores de América.1
Apodado "el viejo
Willy", se destacó por su excelente gambeta, habilidad, velocidad y buen
manejo de ambos perfiles. Ha sido nombrado el mejor futbolista colombiano del
siglo2 y
fue considerado uno de los 20
mejores futbolistas sudamericanos del siglo XX por IFFHS en el 2004.
1959:
Muere Raymond
Chandler, escritor estadounidense (n. 1888).
Raymond Thornton Chandler (Chicago, 23 de julio de 1888 - La Jolla, California,
26 de marzo de 1959) fue un escritor estadounidense de novela negra.
Índice
·
2Obra
Biografía[editar]
Su padre, un ingeniero civil estadounidense alcohólico y
maltratador, abandonó a su familia y se divorció de su mujer, que vivía con sus
tíos maternos, y ella llevó a su hijo a Inglaterra para que recibiese una
sólida formación literaria. Ayudado por un próspero abogado cuáquero irlandés
que era también tío de su madre, estudió en el Dulwich College de Londres (1900-1905) a
clásicos y modernos; en una escuela privada donde se habían formado también
escritores como P. G. Wodehouse y C. S. Forester. Después viajó a Francia y
Alemania (1905-1907) y se nacionalizó británico en 1907. Tras un breve trabajo
en el Almirantazgo, que abandonó a causa de no simpatizar con la conducta
militar, trabajó como reportero para el London Daily Express y
para la Bristol Western Gazette (1908-12). Publicó 27 poemas y
su primer relato The Rose Leaf Romance antes de regresar a los
Estados Unidos en 1912 con dinero prestado por su tío. Visitó a su madre y sus
otros tíos y se instaló en San Francisco, donde aprendió contabilidad por
correspondencia, y luego en Los Ángeles, con su madre, en 1913. Participó en
la Primera Guerra
Mundial como soldado de los Gordon Highlander de Canadá en las trincheras del frente
francés y estaba preparándose como piloto de guerra de la RAF cuando la guerra terminó y regresó a
California, donde viviría ya el resto de su vida, trabajando como empleado de
banca. Al morir su madre en 1924, se casó con Pearl Cecily Bowen (Cissy
Pascal), dieciocho años mayor que él, una mujer con la que ya había
entablado relaciones -no aprobadas por su madre-, cuando estaba casada, y una
vez divorciada y celebrado el matrimonio, este duró casi treinta años, hasta el
fallecimiento de ella en 1954, aunque no tuvo hijos. En 1932, Chandler había
logrado ser nombrado vicepresidente del Dabney Oil Syndicate en Signal Hill (California), pero perdió
este lucrativo trabajo a causa de su alcoholismo, su absentismo y sus numerosas
aventuras con las secretarias. En 1933, a los 45 años y en medio de la Gran Depresión, se dedicó por entero a
escribir en pulps,
populares revistas de ficción criminal impresas en papel barato.
Su prosa no carece de cualidades estéticas: su estilo supera el
impresionismo de Hammet y es característicamente irónico y frecuente en rasgos
de ingenio cáustico, sobre todo, en los diálogos. Gracias a él, la novela negra ganó una dignidad literaria
desconocida hasta entonces. Su primer cuento fue Blackmailers Don't
Shoot, para la revista Black Mask, un pulp dedicado
a los relatos de acción; desde entonces no abandonó el género.
Chandler reconoce que empezó a escribir imitando a Dashiell Hammett,1 pero su estilo es muy diferente:
Hammett es seco e impresionista, y Chandler irónico y cínico. Entre 1933 y
1939, produjo 19 relatos, en los que empezó a definir su propio estilo y donde
sus personajes empezaron a mostrar algunos de los rasgos que después definirían
a Marlowe: ingenio,
mordacidad, idealismo y honradez.
De Hammett toma la denuncia de la sociedad americana de la
época, donde el dinero y la búsqueda del poder son los motores verdaderos de
las relaciones humanas, con sus consecuentes secuelas de crímenes, marginación
e injusticia. Reflexionó sobre el arte de la novela policiaca en su
ensayo El simple arte de matar(1950).
A los 51 años aparece su primera novela, El sueño eterno (1939),
donde Marlowe aparece
por primera vez. El detective se mueve por los bajos fondos de la ciudad
de Los Ángeles, en
principio para evitar el infarto de un millonario, rescatando a su hija menor
de un chantaje; se considera, sin embargo, que su mejor novela es El
largo adiós (1953), una obra en la que reflexiona sobre la lealtad, la
amistad y el amor en el contexto de varios crímenes en la alta sociedad
californiana. En 1943 se le propuso trabajar en Hollywood adaptando el guion de Double
Indemnity (Perdición), sobre la novela de James Cain, dirigida por Billy Wilder. Tras la muerte de su esposa en
1954, el escritor sufrió fuertes depresiones, aumentó su alcoholismo e intentó
suicidarse en dos ocasiones.
El Noir In Festival, que se celebra cada diciembre en el
municipio italiano de Courmayeur, otorga
desde 1991 un premio Raymond Chandler de novela negra en su honor.2
1963:
Nace Amparo
Larrañaga, actriz española.
Amparo Larrañaga Merlo (n. Madrid; 26 de marzo de 1963)
es una actriz española.
Índice
·
3Cine
·
7Premios
Trayectoria artística[editar]
Amparo Larrañaga Merlo nace en el seno de una familia de artistas: sus abuelos
eran María
Fernanda Ladrón de Guevara e Ismael Merlo; su tía, Amparo Rivelles; su madre, María Luisa Merlo;
su padre, Carlos Larrañaga;
sus hermanos, Kako Larrañaga, Luis Merlo y Pedro Larrañaga, este último
marido de Maribel Verdú.
Imbuida en ese ambiente, Amparo decidió dedicar su vida a la
interpretación, y con tan solo 15 años se sube a los escenarios para
interpretar la obra Solos
en esta tierra (1978), de Manuel Alonso Alcalde.1 Sería el primero de una larga lista
de títulos teatrales que la han convertido en una de las actrices más asiduas
en los escenarios españoles durante más de 30 años. Así, tan sólo un año más
tarde, participaba en el montaje de El avispero, de Eloy Herrera,
con Queta Claver,2 y continuó, por citar tan sólo unos
ejemplos, con El corto vuelo del
gallo (1980), de Jaime Salom, junto a su madre,3 Las tormentas no
vuelven, de Santiago Moncada, compartiendo escenario
con Jesús Puente y Aurora Redondo,4 Bajarse al
moro (1985), de José Luis Alonso
de Santos, Lázaro en el
laberinto (1986), Antonio Buero Vallejo5 o Los ochenta son
nuestros (1988), de Ana Diosdado.6
Su primera experiencia ante la cámara, con tan sólo 18 años, la
tuvo no como actriz sino como presentadora en el programa de televisión Aplauso,
en el que debutó, junto a María Casal, en abril de 1981,7 si bien tan sólo dos meses después
fue sustituida por Adriana Ozores.8 A partir de ese momento realizaría
una igualmente sólida carrera en la pequeña pantalla, que tuvo su continuidad
en la serie Fragmentos de interior (1984), sobre la novela
de Carmen Martín Gaite;9 Media
naranja (1986), la primera serie que protagonizó10 y que le valió el Premio TP de Oro a la mejor actriz; o Periodistas (1998-2000),
en el papel de Laura Maseras.
Su paso por el cine ha sido, por el contrario, casi testimonial,
y se reduce a media docena de títulos entre los que destaca Canción
de cuna (1994), de José Luis Garci.
Vida personal[editar]
Casada el 19 de febrero de 1982 en
el ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón con
el también actor Pepe Sanz, el 26 de
junio, se convirtió en madre de un hijo al que llamó Ismael Vicente en homenaje
a su abuelo recientemente fallecido. La pareja se divorció en 1989. Casada en
segundas nupcias con Ángel Plana, en 1999 dio a luz su segundo hijo, Ángel.
El 5 de febrero de 2003 fue
expulsada, junto a otros actores, del Congreso
de los Diputados por mostrar una camiseta en la que se leía
claramente un eslogan: «No a la guerra», en oposición al envío de
tropas españolas a Irak.11
1966:
Nace Michael Imperioli,
actor estadounidense.
James
Michael Imperioli (n. 26 de
marzo de 1966), conocido como Michael Imperioli,
es un actor estadounidense. Es conocido por el papel
de Christopher Moltisanti en Los Soprano, serie por la cual ganó el
premio Emmy como mejor
actor de reparto en una serie dramática en 2004. También interpretó al detective
suplente Nick Falco en la serie dramática Law & Order. Entre 2008 y 2009 se lo
pudo ver en el rol del Detective Ray Carling en la versión estadounidense
de Life on Mars. Además, protagonizó la serie
policiaca Detroit
1-8-7, interpretando al Detective Louis Fitch, hasta que fue
cancelada. También escribió algunos episodios de Los Soprano.
1969:
Muere John Kennedy Toole,
novelista estadounidense.
John Kennedy Toole (Nueva Orleans, Luisiana, 17
de diciembre de 1937 - Biloxi, Misisipi, 26 de marzo de 1969)
fue un novelista estadounidense,
autor de La conjura de los
necios(publicada póstumamente en 1980), obra ganadora del Premio Pulitzer de ficción en 1981.
El autor previamente se había suicidado en 1969 a los 31 años tras no conseguir
publicar esta novela, siendo posteriormente editada con enorme éxito once años
después gracias a la insistencia de su madre, Thelma Toole (1901-1984), por
numerosas editoriales de Estados Unidos, siendo finalmente publicada por una
editorial universitaria, Louisiana State University Press.1
Biografía[editar]
Hijo de John y Thelma Toole. Toole tuvo una infancia bastante
protegida en Nueva Orleans, dominada por su madre Thelma Ducoing Toole, quien
no le dejaba jugar con otros niños. Fue un magnífico estudiante. Tras graduarse
en la Universidad Tulane,
realizó un graduado superior en lengua inglesa en la Universidad de
Columbia y luego pasó un año como profesor asistente de inglés
en la Universidad del Suroeste de Luisiana (actualmente
la UL Lafayette) en Lafayette, Luisiana. Después se trasladó a Nueva York para coger un puesto de
profesor en el Colegio
Hunter. También dedicó algo de tiempo a intentar sacarse un
doctorado en Columbia, pero no lo acabó porque tuvo que acudir a filas en
el Ejército de
los Estados Unidos en 1961,
donde sirvió dos años en Puerto Rico enseñando inglés a los
reclutas hispanohablantes en Fort Buchanan.
Después de este tiempo en el ejército, Toole regresó a Nueva
Orleans para vivir con sus padres y comenzar a enseñar en el Dominican College.
Pasó tiempo deambulando por el Barrio
Francés con músicos, y, al menos en una ocasión, ayudó a un
amigo músico con su segundo trabajo vendiendo tamales en
un puesto callejero. Después de que Toole se graduara con honores en la
Universidad Tulane, trabajó brevemente en una fábrica de ropa masculina. Ambos
escenarios jugaron un importante papel en la realización de su gran novela
cómica La conjura de los
necios.1
Toole envió su manuscrito a la editorial Simon & Schuster.
Después de la excitación inicial por el libro, el editor lo rechazó, diciendo
que el libro "no trataba realmente de nada", aunque realmente la
razón de la negativa sería que su novela hundía demasiado el dedo en la llaga.
Toole comenzó a deteriorarse rápidamente después de perder la esperanza de
publicar su libro, que él consideraba una obra maestra. Comenzó a emborracharse
y a descuidar sus actividades profesionales, dejó de enseñar en las clases
doctorales de Tulane, hundiéndose en una profunda depresión que lo llevó a
sentirse un absoluto fracasado.2
Toole se suicidó el 26 de marzo de 1969, después de desaparecer
de Nueva Orleans, poniendo un extremo de una manguera de jardín en el tubo de
escape de su coche y el otro en la ventanilla del conductor. La nota de
suicidio que dejó fue destruida por su madre, que hizo declaraciones confusas
sobre sus contenidos generales. Fue enterrado en el cementerio
de Greenwood en Nueva Orleans.32
Algunos biógrafos han propuesto que un factor en su depresión
fue la confusión sobre su sexualidad. Un amigo opinó que su dominante madre no
le permitió abrir sus sentimientos hacia ninguna mujer aunque tuvo citas con
mujeres. Algunos amigos y parientes de Toole desaprueban la idea de que fuera
homosexual, por ejemplo, David Kubach, un amigo de toda la vida que también
sirvió con Toole en el ejército declaró: "el no conocerle cambia mucho las
cosas".
Obra[editar]
Después de la muerte de Toole, su madre insistió al autor Walker Percy para que leyera el
manuscrito de La conjura de los
necios. Percy al final cedió y se sintió apasionado por el
libro. La conjura de los necios fue publicado en 1980,
y Percy escribió el prólogo.3
Cuenta Percy que recibió insistentes llamadas de la madre de
Toole hasta que éste accedió a leer el manuscrito. Recalca que las primeras
páginas le parecieron buenas, superando las expectativas que había depositado
en el texto, pero a medida que fue leyendo se vio completamente absorbido por
la genialidad de la novela, llamando incluso la atención de la gente por las
carcajadas que en él despertaba.3
Toole y su novela recibieron póstumamente el Premio Pulitzer de ficción en 1981,
y el premio a la mejor novela de lengua extranjera en Francia en el mismo año.31
La otra novela de Toole es La
Biblia de neón, que Toole escribió a los 16 años y que
consideraba demasiado juvenil como para intentar publicarla mientras estuvo
vivo. Debido al gran interés en este autor La Biblia de neónfue
publicada en 1989, una vez despejada la enmarañada
situación legal.3
Una estatua del más famoso personaje de Toole, Ignatius Reilly, puede ser vista en el bloque
819 de Canal Street, Nueva Orleans, el antiguo emplazamiento de los almacenes D.
H. Holmes, convertidos ahora en el hotel Hyatt Centric French Quarter New
Orleans.
1970:
Francis
Lawrence, productor estadounidense.
Francis Lawrence (Viena; 26 de marzo de 1971) es un director de cine y videoclips estadounidense.
En su faceta de director de vídeos musicales ha trabajado con
artistas como Beyoncé, Lady Gaga, Shakira, Britney Spears, Alanis Morissette, Avril Lavigne, Nelly Furtado, Destiny's Child, Garbage, Gwen Stefani, Backstreet Boys, Janet Jackson, Missy Elliott, Jennifer Lopez, Justin Timberlake y One Direction. Como director de cine, ha
realizado diversas películas, como las de la trilogía de Los
juegos del hambre: Los juegos
del hambre: en llamas, Los
juegos del hambre: sinsajo - Parte 1 y Los
juegos del hambre: sinsajo - Parte 2.
1973:
Nace T. R. Knight,
actor estadounidense.
Theodore Raymond "T. R." Knight (Minneapolis, Minnesota; 26 de marzo de 1973)
es un actor estadounidense.
Gran parte de su tiempo lo ha dedicado a la actuación en la compañía de teatro
Guthrie Theater, con la que comenzó a actuar con tan sólo cinco años. Ha
participado en varios musicales de Broadway y fuera de Broadway.
Su papel de George O'Malley en la serie Grey's Anatomy(Anatomía de Grey) le
ha supuesto su mayor éxito a su carrera hasta el momento.
1985:
Nace Keira
Knightley, actriz británica.
Keira Christina Knightley (Teddington, 26 de marzo de 1985)
es una modelo y actriz inglesa de cine y televisión. Ha sido nominada a los
premios Oscar, Globo de oro y BAFTA.
Inició con un papel secundario interpretando a Sabé en Star
Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999) y su primer
papel importante llegó en la película de terror psicológico The Hole(2001). Ganó un amplio
reconocimiento en 2002 después de ser la coprotagonista en la película Quiero ser como
Beckham y la fama internacional en 2003 después de aparecer
como Elizabeth Swann en
la serie de películas Piratas del Caribe.
Knightley se hizo popular por sus papeles de protagonista en los
dramas de época, como Orgullo y
prejuicio (2005), por la que obtuvo nominaciones para el
Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Actriz; Expiación (2007),
por la que fue nominada de nuevo a un Globo de Oro; Seda (2007); La duquesa (2008); Un método peligroso (2011);
y Ana Karenina (2012).
También ha aparecido en una gran variedad de diversos géneros;
entre ellos la comedia romántica Love Actually (2003), como Guinevere
en la acción histórica Rey Arturo (2004), en el thriller
psicológico The Jacket (2005), Domino (película) acción
biográfica 2005, el drama histórico The Edge of Love (2008), en cine
negro London Boulevard (2010),
la ciencia ficción distópica Never Let Me
Go (2010), el drama romántico Last Night (2010),
y la comedia negra Seeking
a Friend for the End of the World(2012).
En 2008, la lista Forbes identificó a Knightley como la
segunda actriz mejor pagada en Hollywood, con ganancias reportadas por US $32
millones en 2007, convirtiéndola en la única no estadounidense en la lista de
las actrices mejor pagadas de ese año.
En 2014 fue nominada a un Globo de oro, un SAG,
un BAFTA y un Óscar a la mejor actriz de reparto por su
papel en el thriller histórico The Imitation Game.
En octubre de 2015, Knightley hizo su debut en Broadway en el papel principal de Thérèse Raquin.
1988:
Muere Miguel
Abuelo, músico de rock argentino (n. 1946).
Miguel
Ángel Peralta (Buenos
Aires; 21 de
marzo de 1946 - Munro; 26 de
marzo de 1988), más conocido como Miguel Abuelo,
fue un músico, poeta y cantante argentino. Fue líder de Los Abuelos de la Nada y autor de canciones como "Himno de mi corazón" y "Cosas mías". Formó parte de la primera camada de
pioneros del rock
argentino.
1994:
Muere Ventura Romero,
compositor mexicano.
Orgulloso de ser de Chihuahua,
apasionado de la música, enamorado de la naturaleza y creador de bellas
canciones, es el buenaventurense Ventura Romero Armendáriz, cuyas melodías han
recorrido el mundo durante décadas para el deleite de los oídos de propios y
extraños.
El 2 de mayo de 1913 nació, y vivió su infancia y adolescencia en el Valle de Buenaventura. En su barrio El Carmeño, fue donde empezaron sus ansias de libertad y sus deseos de mostrar a todos los confines sus mensajes convertidos en expresivas melodías.
Empezó a solfear desde tierna edad con Pilar Flores, un músico de trombón quien le regaló el primer instrumento de cuerdas que tuvo entre sus manos: un violín. La sensibilidad del compositor se prestaba para ir avivando su imaginación y su fantasía musical.
Así es como años más tarde, una mañana alegre y bullanguera, cuando ya tenía 24 años y con la compañía de los amigos del pueblo, concibió su canción Un madrigal, misma que Tata Nacho le sugirió, al momento de registrarla, que la titulara precisamente así, Un madrigal, porque ya existían dos canciones mexicanas con el nombre de Madrigal: la del también compositor Gabriel Ruíz y la del propio Tata Nacho (Ignacio Fernández Esperón).
Los papás de Ventura fueron Paz Romero, originario del Valle de Buenaventura y doña Adela Armendáriz, nacida en Santa Cruz de Rosales. Tuvieron 3 hijos: Paz, Carolina y Ventura. Los hermanos de Ventura, fallecieron a temprana edad.
Un poco más tarde, en la capital del Estado, Ventura Romero tuvo la oportunidad de recibir clases de dos excelentes maestros de música: Estanislao Urquidi y Ernesto Talavera. Talavera fue maestro de varias generaciones en la Universidad Autónoma de Chihuahua hasta su muerte.
Mariano Fernández, amigo de la infancia y de la adolescencia de El Cantor del Valle, como cariñosamente le llamaban, lo invitaba a que probara suerte en la ciudad de México. Quién iba a decir entonces que sus composiciones, con el correr del tiempo iban a ser interpretadas, con diversos matices por: Jorge Negrete, Pedro Infante, Mario Alberto Rodríguez y Avelina Landín. Más tarde grupos rocanroleros como Los Socios del Ritmo, Los Sonnors y la cumbiera Chelo (cambió a ranchero); así como cantantes actuales como Aída Cuevas, Guadalupe Pineda y Rosenda Bernal.
En 1936, ganó un concurso convocado por Pepe Guízar para conocer músicos, cantantes, artistas y compositores que contrataba en sus programas. En 1941 tocaba en programas de Radio Mil y después de organizar su propio conjunto incursionó en la XEW.
Viajó mucho, realizó giras por diversos lugares del país y regresó a la XEW a sus programas. Allí, en la XEW, conoció a Guillermo Cornahouseer, empresario y ejecutivo de los discos Peerlees, hombre de buen gusto y conocedor a nivel negocios de las melodías que fueran del gusto popular y por ende de éxito comercial, como La burrita que grabó el compositor Ventura Romero con su propia voz.
La tonada de “Arre, arre mi burrita ya no te hagas para atrás”, rápidamente se extendió por el territorio nacional y traspasó las fronteras al grado que en los tiempos de Truman, Presidente de Estados Unidos, el Partido Demócrata adoptó la canción La burrita como himno en los actos y eventos protocolarios partidistas. Esto fue a fines de 1948 y en 1949 sería el número musical de mayor venta.
La burrita y Un madrigal, fueron grabadas por diversos cantantes de “La Época de Oro”. Las solicitaban del extranjero, especialmente de Los Ángeles, California y de la Habana, Cuba. Así también buscaban estos acetatos de los países del cono sur y de Europa, principalmente de la península ibérica.
La primera canción de más éxito de Jorge Negrete fue: Soy infeliz, de Ventura Romero y platicó el compositor que debido a que Emilio El Indio Fernández, lo invitara una tarde a su casa que compartía con su esposa, la actriz Columba Domínguez, en Coyoacán, donde asistieron los compadres del Indio Fernández, Jorge Negrete y Gloria Marín, así como los integrantes del Trío Calaveras, El Indio le pidió a Jorge Negrete que grabara algo de Ventura Romero, y allí mismo le pidió a Ventura que interpretara algo de sus composiciones. Le gustó la de Soy infeliz, que pronto grabó Jorge Negrete y obtuvo mucho éxito.
Al compositor buenaventurense la empresa disquera le pidió más canciones y él encantado de la vida entregó los acetatos de: Senderito de amor, Tu castigo, El gavilán pollero, La Vaca de Ventura, El panadero con el pan, Ay mi Chihuahua, Dos rosales, De Chihuahua a Ojo caliente.
Gloria y orgullo para Chihuahua es el maestro Ventura Romero, que a sus ochenta años conservaba su magnífico sentido del humor, afable sonrisa y la cortesía más fina, así como alta inspiración para seguir componiendo. Primera ilusión, tema que fuera grabado en 1962 por el Trío Aguilillas, da cuenta de lo que sentía acerca de los vaivenes de la vida, lo sentimental, lo que al alma llega; el lado amable de las cosas y lo contagioso de la alegría así como de la tristeza.
Pedro Infante le popularizó cinco de sus canciones, una de ellas en la película Los Tres Huastecos. Allá en mi pueblito, es la canción que dejara para la eternidad a los buenaventurenses, quienes la entonan desde lo profundo de su corazón. Una de las canciones que pegaron entre el público y fuertemente popularizada por Pedro Infante, es El gavilán pollero, que en los 50s, la cantaban en las fiestas escolares y en la radio se escuchaba todo el día.
Se llevó mi polla el gavilán pollero/ mi pollita que más quiero/ que me sirvan otra copa cantinero/ sin mi polla yo me muero./Gavilán, gavilán, gavilán,/ te llevaste mi polla gavilán;/ si tu vuelves mi polla para acá/ yo te doy todito el gallinero.
Senderito de amor, gustó tanto en la voz de Chucho Martínez Gil, como en la de Pedro Infante. El Charro Avitia, le grabó su canción llamada: Soledad. Nueva claridad, que a pesar de que el compositor no le tenía fe, la grabó con el trío Los Cometas.
¿Cuándo componía el compositor sus obras?, en el momento en que llegaba la inspiración, podía ser tomando plácidamente el café, en una servilleta escribir las frases más sentidas y los poemas más versátiles; en el campo, recargado en una peña, en un asiento del tren o en el asiento de un vuelo como escribiera la canción Tu castigo, cuando se dirigía a San Antonio, Texas, a una presentación.
Estudió en el Conservatorio Nacional y en la Escuela Superior Nocturna de Música, después se desempeñó como maestro de música; organizó el primer Trío Los Ases, posteriormente el Conjunto Original de Ventura Romero, más tarde participó con el Trío Tamaulipeco y con otros grupos de la Ciudad de México.
Le compuso canciones al amor, a los animales, a las flores, a todas las cosas bellas que sus ojos vieron. También compuso villancicos, que hace algún tiempo Televisa grabara con un conjunto de villancicos clásicos, el compositor lo nombró A la ru, ru, ru.
Dentro de las canciones listas para salir a la luz, antes de que el Maestro Ventura Romero partiera, se listan: Al rayar el alba, Cruz de plata, Nena, A mi alegre cabaña, La soñadora, El Rancho de Aguapérez, Nueva claridad y Ojos somnolientos.
La Sociedad de Autores y Compositores de Música, le entregó la medalla Agustín Lara, en manos del Sr. Rosendo Montiel, en representación del Presidente de esta agrupación, Mtro. Roberto Cantoral.
En 1975, los buenaventurenses le hicieron al compositor un sentido homenaje.
En 1987, un 19 de junio se le entregó en su pueblo natal, una placa de reconocimiento a su labor de cantautor y en esa ocasión fue nombrado hijo predilecto por acuerdo del Ayuntamiento. Además el Cabildo dispuso que la calle 33ª. de ese lugar, llevara su nombre, estando presentes el Gobernador del Estado, Fernando Baeza Meléndez y el Alcalde, Oscar Acosta González.
El 27 de octubre de 1993 también se revistió de gala, cuando el pueblo de Chihuahua le rindiera un homenaje a Ventura Romero Armendáriz, develando una placa en un parque público, que desde ese día por acuerdo del H. Ayuntamiento de Chihuahua, se llama “Parque Ventura Romero”, donde se encuentra además una escultura de cuerpo entero del recordado compositor.
El 2 de mayo de 1913 nació, y vivió su infancia y adolescencia en el Valle de Buenaventura. En su barrio El Carmeño, fue donde empezaron sus ansias de libertad y sus deseos de mostrar a todos los confines sus mensajes convertidos en expresivas melodías.
Empezó a solfear desde tierna edad con Pilar Flores, un músico de trombón quien le regaló el primer instrumento de cuerdas que tuvo entre sus manos: un violín. La sensibilidad del compositor se prestaba para ir avivando su imaginación y su fantasía musical.
Así es como años más tarde, una mañana alegre y bullanguera, cuando ya tenía 24 años y con la compañía de los amigos del pueblo, concibió su canción Un madrigal, misma que Tata Nacho le sugirió, al momento de registrarla, que la titulara precisamente así, Un madrigal, porque ya existían dos canciones mexicanas con el nombre de Madrigal: la del también compositor Gabriel Ruíz y la del propio Tata Nacho (Ignacio Fernández Esperón).
Los papás de Ventura fueron Paz Romero, originario del Valle de Buenaventura y doña Adela Armendáriz, nacida en Santa Cruz de Rosales. Tuvieron 3 hijos: Paz, Carolina y Ventura. Los hermanos de Ventura, fallecieron a temprana edad.
Un poco más tarde, en la capital del Estado, Ventura Romero tuvo la oportunidad de recibir clases de dos excelentes maestros de música: Estanislao Urquidi y Ernesto Talavera. Talavera fue maestro de varias generaciones en la Universidad Autónoma de Chihuahua hasta su muerte.
Mariano Fernández, amigo de la infancia y de la adolescencia de El Cantor del Valle, como cariñosamente le llamaban, lo invitaba a que probara suerte en la ciudad de México. Quién iba a decir entonces que sus composiciones, con el correr del tiempo iban a ser interpretadas, con diversos matices por: Jorge Negrete, Pedro Infante, Mario Alberto Rodríguez y Avelina Landín. Más tarde grupos rocanroleros como Los Socios del Ritmo, Los Sonnors y la cumbiera Chelo (cambió a ranchero); así como cantantes actuales como Aída Cuevas, Guadalupe Pineda y Rosenda Bernal.
En 1936, ganó un concurso convocado por Pepe Guízar para conocer músicos, cantantes, artistas y compositores que contrataba en sus programas. En 1941 tocaba en programas de Radio Mil y después de organizar su propio conjunto incursionó en la XEW.
Viajó mucho, realizó giras por diversos lugares del país y regresó a la XEW a sus programas. Allí, en la XEW, conoció a Guillermo Cornahouseer, empresario y ejecutivo de los discos Peerlees, hombre de buen gusto y conocedor a nivel negocios de las melodías que fueran del gusto popular y por ende de éxito comercial, como La burrita que grabó el compositor Ventura Romero con su propia voz.
La tonada de “Arre, arre mi burrita ya no te hagas para atrás”, rápidamente se extendió por el territorio nacional y traspasó las fronteras al grado que en los tiempos de Truman, Presidente de Estados Unidos, el Partido Demócrata adoptó la canción La burrita como himno en los actos y eventos protocolarios partidistas. Esto fue a fines de 1948 y en 1949 sería el número musical de mayor venta.
La burrita y Un madrigal, fueron grabadas por diversos cantantes de “La Época de Oro”. Las solicitaban del extranjero, especialmente de Los Ángeles, California y de la Habana, Cuba. Así también buscaban estos acetatos de los países del cono sur y de Europa, principalmente de la península ibérica.
La primera canción de más éxito de Jorge Negrete fue: Soy infeliz, de Ventura Romero y platicó el compositor que debido a que Emilio El Indio Fernández, lo invitara una tarde a su casa que compartía con su esposa, la actriz Columba Domínguez, en Coyoacán, donde asistieron los compadres del Indio Fernández, Jorge Negrete y Gloria Marín, así como los integrantes del Trío Calaveras, El Indio le pidió a Jorge Negrete que grabara algo de Ventura Romero, y allí mismo le pidió a Ventura que interpretara algo de sus composiciones. Le gustó la de Soy infeliz, que pronto grabó Jorge Negrete y obtuvo mucho éxito.
Al compositor buenaventurense la empresa disquera le pidió más canciones y él encantado de la vida entregó los acetatos de: Senderito de amor, Tu castigo, El gavilán pollero, La Vaca de Ventura, El panadero con el pan, Ay mi Chihuahua, Dos rosales, De Chihuahua a Ojo caliente.
Gloria y orgullo para Chihuahua es el maestro Ventura Romero, que a sus ochenta años conservaba su magnífico sentido del humor, afable sonrisa y la cortesía más fina, así como alta inspiración para seguir componiendo. Primera ilusión, tema que fuera grabado en 1962 por el Trío Aguilillas, da cuenta de lo que sentía acerca de los vaivenes de la vida, lo sentimental, lo que al alma llega; el lado amable de las cosas y lo contagioso de la alegría así como de la tristeza.
Pedro Infante le popularizó cinco de sus canciones, una de ellas en la película Los Tres Huastecos. Allá en mi pueblito, es la canción que dejara para la eternidad a los buenaventurenses, quienes la entonan desde lo profundo de su corazón. Una de las canciones que pegaron entre el público y fuertemente popularizada por Pedro Infante, es El gavilán pollero, que en los 50s, la cantaban en las fiestas escolares y en la radio se escuchaba todo el día.
Se llevó mi polla el gavilán pollero/ mi pollita que más quiero/ que me sirvan otra copa cantinero/ sin mi polla yo me muero./Gavilán, gavilán, gavilán,/ te llevaste mi polla gavilán;/ si tu vuelves mi polla para acá/ yo te doy todito el gallinero.
Senderito de amor, gustó tanto en la voz de Chucho Martínez Gil, como en la de Pedro Infante. El Charro Avitia, le grabó su canción llamada: Soledad. Nueva claridad, que a pesar de que el compositor no le tenía fe, la grabó con el trío Los Cometas.
¿Cuándo componía el compositor sus obras?, en el momento en que llegaba la inspiración, podía ser tomando plácidamente el café, en una servilleta escribir las frases más sentidas y los poemas más versátiles; en el campo, recargado en una peña, en un asiento del tren o en el asiento de un vuelo como escribiera la canción Tu castigo, cuando se dirigía a San Antonio, Texas, a una presentación.
Estudió en el Conservatorio Nacional y en la Escuela Superior Nocturna de Música, después se desempeñó como maestro de música; organizó el primer Trío Los Ases, posteriormente el Conjunto Original de Ventura Romero, más tarde participó con el Trío Tamaulipeco y con otros grupos de la Ciudad de México.
Le compuso canciones al amor, a los animales, a las flores, a todas las cosas bellas que sus ojos vieron. También compuso villancicos, que hace algún tiempo Televisa grabara con un conjunto de villancicos clásicos, el compositor lo nombró A la ru, ru, ru.
Dentro de las canciones listas para salir a la luz, antes de que el Maestro Ventura Romero partiera, se listan: Al rayar el alba, Cruz de plata, Nena, A mi alegre cabaña, La soñadora, El Rancho de Aguapérez, Nueva claridad y Ojos somnolientos.
La Sociedad de Autores y Compositores de Música, le entregó la medalla Agustín Lara, en manos del Sr. Rosendo Montiel, en representación del Presidente de esta agrupación, Mtro. Roberto Cantoral.
En 1975, los buenaventurenses le hicieron al compositor un sentido homenaje.
En 1987, un 19 de junio se le entregó en su pueblo natal, una placa de reconocimiento a su labor de cantautor y en esa ocasión fue nombrado hijo predilecto por acuerdo del Ayuntamiento. Además el Cabildo dispuso que la calle 33ª. de ese lugar, llevara su nombre, estando presentes el Gobernador del Estado, Fernando Baeza Meléndez y el Alcalde, Oscar Acosta González.
El 27 de octubre de 1993 también se revistió de gala, cuando el pueblo de Chihuahua le rindiera un homenaje a Ventura Romero Armendáriz, develando una placa en un parque público, que desde ese día por acuerdo del H. Ayuntamiento de Chihuahua, se llama “Parque Ventura Romero”, donde se encuentra además una escultura de cuerpo entero del recordado compositor.
Muere Dorothy Clarke Wilson ,
Dorothy Clarke Wilson (9 de mayo de 1904 - 26 de marzo de 2003) fue una escritora estadounidense, quizás mejor conocida por su novela El príncipe de Egipto (1949), que fue una fuente principal para la película de Cecil B. DeMille , Los diez mandamientos (1956). ). [1]
Primeros años [ editar ]
Dorothy Wight Clarke nació el 9 de mayo de 1904 en Gardiner, Maine , hija de Lewis Herbert Clarke, un ministro bautista, y su esposa Flora Eva (Cross) Clarke. Asistió a Cony High School en Augusta y se graduó a los diecisiete años como mejor estudiante de su clase. En 1925 se graduó Phi Beta Kappa de Bates College en Lewiston , y el 31 de agosto de ese año se casó con su compañero de estudios Bates Elwin Leander Wilson ( c. 1899-1992 ). Elwin pasó a estudiar en el Seminario Teológico de Princeton y en la Escuela de Teología de la Universidad de Boston . Al terminar sus estudios, él y Dorothy regresaron a Maine, estableciéndose enWestbrook .
Carrera [ editar ]
La primera obra de Clarke que vendió fue escrita para una iglesia. Su libro más conocido fue El príncipe de Egipto , que ganó el premio Westminster al mejor libro religioso el año de su publicación y también fue una de las fuentes de la película Los diez mandamientos (película de 1956) . Clarke no era fanático de la película y usó el término 'flimflammery' para describir la escena en la que Moisés partió el Mar Rojo. Wilson también es conocida por sus biografías sobre mujeres como Dorothea Dix y Elizabeth Blackwell , así como Dolley Madison y Martha Washington .
El Centro Wilson de la Universidad de Maine recibió su nombre en honor a Dorothy y Elwin. Dorothy Wilson recibió numerosos premios a lo largo de su vida antes de morir en 2003.
Vida personal [ editar ]
Wilson y su esposo adoptaron dos hijos: una hija, Joan (1930–2003), y un hijo, Harold (1930–1977). Estuvieron casados hasta la muerte de Elwin el 31 de marzo de 1992. La propia Dorothy Clarke Wilson murió el 26 de marzo de 2003 en Orono, Maine, a la edad de 98 años.
2005:
Muere Paul Hester, músico australiano baterista de
las bandas de rock Split Enz y Crowded House.
Paul Newell Hester (8 de enero de 1959 – 26 de marzo de 2005)
fue un músico australiano baterista de
las bandas de rock Split Enz y Crowded House.
Biografía[editar]
Nacido en Melbourne, su madre era baterista de jazz.
Nunca fue un buen estudiante. Tal vez por ello, su madre le animó desde pequeño
a aprender a tocar la batería, disciplina en la que demostró un talento innato.
Tras probar con varios trabajos, a comienzos de los 80 inició su carrera
musical. Una de sus primeras bandas fue la australiana Deckchairs Overboard,
que llegó a tener cierta popularidad en las antípodas. A finales de 1983, llegó
la gran oportunidad para Hester. Una popular banda en Nueva Zelanda, Split Enz,
necesitaba un nuevo batería y Paul fue recomendado para el puesto y finalmente
elegido después de ensayar varias veces con los demás miembros del grupo. El
líder de Split Enz era el guitarrista, compositor y cantante Neil Finn, con el
que dos años más tarde se marcharía para fundar, junto al bajista Nick Seymour,
Crowded House -inicialmente bautizados como Mullanes.
Enorme éxito mundial[editar]
El primer álbum
de la banda, de título homónimo, se editó en 1986 y se convirtió en un
superventas mundial gracias, en parte, a que incluía la exitosa 'Don't Dream
It's Over'. Dos años más tarde se publicó su segundo disco, 'Temple of Low
Men', cuyas ventas fueron menores por más que las canciones compuestas por Finn
obtuvieron una buena acogida entre la crítica.
Hester
participó en los dos restantes discos de estudio de la banda: 'Woodface' (1991)
-en el que participó el hermano de Neil- y 'Together Alone' (1993). En el
primero de ellos está incluida 'Italian Plastic', una canción romántica que
compuso el propio Hester y que sorprendió a los seguidores del grupo, ya que
-al estilo de Ringo en los Beatles- no solía componer para la banda.
Paul abandonó
el grupo durante una gira por EEUU en abril de 1994. Justificó su decisión por
la dureza de los conciertos y por su desencanto con la industria. La banda se
disolvió dos años más tarde.
Tras dejar
Crowded House, Hester trabajó en varios programas australianos de radio y
televisión y abrió una tetería en Elwood Beach, en tanto que seguía colaborando
con diferentes músicos.
Muerte[editar]
Apareció
colgado el 26 de marzo de 2005 en un parque de Melbourne. Su esposa y sus dos
hijas le vieron por última vez el día anterior, cuando salió como cada noche a
dar una vuelta con sus dos perros. Paul Hester arrastraba desde hacia años una
profunda depresión. Al final pudo con él y se lo llevó a la muerte, cuando
tenía 46 años.
Paradójicamente,
y a pesar de su condición de secundario, Hester era el miembro más querido por
los fans del grupo por su carácter afable y buen humor.
2015:
Muere Tomas Tranströmer, psicólogo, escritor, poeta y traductor sueco. En 2011 fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura,
Tomas Gösta Tranströmer /ˈtuːmas ˈjœsta ˈtranˌstrøːmər/ (Estocolmo, 15 de abril de 1931-Estocolmo, 26 de marzo de 2015)1 fue un psicólogo, escritor, poeta y traductor sueco. En 2011 fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura, «porque a través de sus imágenes condensadas y translúcidas nos permite el acceso a la realidad».23
Biografía[editar]
Tranströmer nació en el seno de una familia liberal que se separó durante su infancia, criándose con su madre en un barrio obrero de Estocolmo.4 Estudió el bachillerato en el instituto Södra Latin de dicha ciudad y se graduó en psicología, en historia de la literatura y en historia de las religiones en la Universidad de Estocolmo, en 1956.3 Comenzó a escribir a los trece años, y publicó su primera colección de poemas, 17 dikter (Diecisiete poemas), en 1954 cuando tenía veinticuatro años. En años posteriores publicó El cielo a medio hacer (1962), donde escribe sobre la separación de sus padres y de su época de estudiante. Publicó Visión nocturna (1970), Bálticos (1974) o Para vivos y muertos (1989). Compaginó la escritura con su trabajo como psicólogo atendiendo a presidiarios y reahabilitando a jóvenes marginales drogodependientes y delincuentes, también trabajó con pacientes que habían padecido traumatismos severos, actividad que se refleja en su poesía. En 1996 publicó la obra de poesía Góndola fúnebre (Sorgegondolen) de la que vendió más de 30 000 ejemplares.456 Su antología más reciente, Den stora gåtan (Gran enigma), se publicó en el 2004. También editó una autobiografía corta,5 Minnena ser mig (Los recuerdos me miran – Visión de la memoria), en 1993.
Otros poetas –especialmente en la década de 1970– lo acusaron de apartarse de la tradición y de no incluir temas sociales en sus poemas y novelas. Su trabajo, aunque se apoya en un lenguaje modernista, expresionista y a veces surrealista, con retratos aparentemente simples a partir de la vida diaria, de la naturaleza en detalle, la depresión sufrida a los quince años depresión o las experiencias vividas durante la guerra,7 revela una penetración mística en cuanto a los aspectos universales de la mente humana.8 En 1990, sufrió una hemiplejía que afectó su discurso a causa de una afasia y a la mano derecha, aunque continuó escribiendo, e interpretando el piano usando su mano izquierda.467
Falleció en Estocolmo el 26 de marzo del 2015, a los 83 años de edad a consecuencia de un ictus.910
Crítica[editar]
Reconocimientos[editar]
- 1966: Bellmanpriset (Bellmanpriset) (Suecia)
- 1975: Premio Övralid
- 1981: Premio Petrarca (Alemania)
- 1990: Premio Internacional Neustadt de Literatura (Estados Unidos)11
- 1990: Premio de Literatura del Consejo Nórdico, por For the Living and the Dead/För levande och döda (países nórdicos)
- 1991: Premio Nórdico de la Academia Sueca (Suecia)
- 1992: Horst Bienek Prize for Poetry (Horst-Bienek-Preis für Lyrik) (Alemania)
- 1996: Augustpriset (Premio Augusto), por Sorgegondolen/Sorrow Gondola (Suecia)
- 1998: Premio Jan Smrek (Eslovaquia)
- 2003: Struga Poetry Evenings Corona de Oro (Macedonia del Norte)
- 2007: The Griffin Trust, Lifetime Recognition Award (Canadá)
- 2011: Premio Nobel de Literatura (Suecia)
La crítica internacional lo consideró uno de los poetas más sobresalientes de Suecia. Su obra de estilo modernista, expresionista habla de los sueños, de sus raíces y de la fortaleza des ser humano.6 Su propio editor consideraba que la obra del poeta realizaba un análisis sobre la identidad del ser humano individual frente al resto del mundo78 En el 2011, fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura; previamente había ganado los premios Bonnier para la poesía, el premio internacional Neustadt para la literatura, el premio Övralid, el Petrach, de Alemania, y el galardón sueco del Foro Internacional de la Poesía. Su obra poética ha sido traducida a cincuenta idiomas.47
Uno de sus epígonos, en la lengua castellana, es el poeta Sergio Badilla Castillo,1213 quien vivió en Suecia durante casi dos décadas y es uno de sus múltiples traductores. El poeta y traductor uruguayo Roberto Mascaró, que realizó dos colecciones de la obra de Tomas en el 2010, señaló al serle otorgado el Nobel:3
Su poesía demuestra que las lenguas son barreras superables. [...] Siempre he tenido la certeza de que su poesía es universal, aporta a la paz y a la comprensión de las etnias, sobre todo en esta etapa de la humanidad donde estos problemas aún no están superados. Digo esto porque me lo indica el hecho de conocerlo desde hace 30 años, cuando llegué a Suecia y me convertí en su traductor al español.
El escritor y traductor chileno Omar Pérez Santiago ha escrito:14
Tranströmer ha entrado con todo los méritos a la gloria de los Nobel. El lector descubrirá que hay más que Stieg Larsson y sus novelas policiales en la literatura sueca. (...) Los poemas de Tranströmer sobre la fugacidad de la vida -el Memento mori, la finitud, la vida pasajera- son lúcidos, serenos, tensos y auténticos. La capacidad de hablar con sus recuerdos, sus propios cementerios, es una canción envolvente para los que ya no están. Está dicho: Tranströmer no escribe sobre la muerte. Escribe sobre los muertos. Recordar es un tributo a nuestros propios muertos y revela la importancia fantasmal que ellos tienen en nuestras vidas.
Música[editar]
Tranströmer tocó el piano durante toda su vida. Y después de quedar hemipléjico aprendió por sí mismo a tocar el piano solo con su mano izquierda.151617
Su hija es una cantante concertista que en 2011 presentó el álbum Dagsmeja, con canciones basadas en poemas de su padre. Muchos músicos y compositores han trabajado con sus poemas, entre ellos Torbjörn Nilsson, Maurice Karkoff, Lennart Hedwall, Håkan Parkman, Fredrik Jakobsson, Gustav Alexandrie, Ulf Grahn, Stig Gustav Schönberg, Madeleine Isaksson, Per Gunnar Petersson, Margareta Hallin, Lars Edlund, Sven-David Sandström, Johan-Magnus Sjöberg, Jan Sandström, Andrea Tarrodi, Maria Löfberg, Anders Eliasson y Bo Hansson.18
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